de Tim Burton (Etats-Unis)

Avec Alec Baldwin, Geena Davis, Michael Keaton, Jeffrey Jones, Winona Ryder, Catherine O’Hara, Glenn Shadix

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Bien qu'il traite d'un sujet familier, celui de la maison hantée, Beetlejuice ne ressemble à rien de connu. Adam et Barbara Maitland (Alec Baldwin et Geena Davis, pas encore têtes d’affiche à l’époque), jeunes mariés qui habitent une pittoresque maison au cœur du Connecticut, meurent dès le début du film dans un accident de voiture, en évitant un chien sur la route. Devenus fantômes, ils voient avec horreur leur maison envahie par les Deetz, une riche et bruyante famille new-yorkaise. A l’instar du « Fantôme inexpérimenté » imaginé par H.G. Wells, qui ne sait pas comment hanter une maison, les Maitland tentent en vain de chasser leurs envahisseurs. Ils demandent conseil à une vieille femme bien placée dans la hiérarchie de l’au-delà. Mises en pratique, les recettes destinées à se débarrasser des intrus échouent lamentablement. Ultime recours : l’exorciste hystérique Betelgeuse, alias Michael Keaton rendu méconnaissable sous un savant maquillage de Robert Short.

Une fois n’est pas coutume, le point de vue adopté est ici celui des fantômes. Nous n’avons donc pas affaire à une chasse aux fantômes mais bel et bien à une chasse aux humains, qui représentent les véritables intrus du film. Tim Burton a une vision très personnelle de la mort. Pour lui, l'au-delà est une administration kafkaïenne et multicolore où les trépassés, dans l'état où ils ont quitté la vie (un plongeur avec un requin en train de le dévorer, un explorateur à la tête réduite, une femme coupée en deux, un homme brûlé des pieds à la tête), attendent leur tour, un ticket à la main. Quant à la tâche ingrate des fonctionnaires, elle échoit aux suicidés. A ces géniales trouvailles scénaristiques se greffe une multitude d'idées visuelles concrétisées par des effets spéciaux parfois maladroits mais inventifs et pleins de charme. Leur supervision fut confiée à Alan Munro, ancien dessinateur de storyboards qui tomba d'accord avec le réalisateur sur l'emploi de techniques le plus souvent artisanales. L'animation image par image y occupe une place de choix, ce qui semble logique étant donnés l'attrait de Tim Burton pour ce mode d'expression, comme en témoigne son premier court-métrage Vincent.

Les spectateurs ébahis découvrent ainsi une rampe d’escalier se muant en serpent géant, des vers des sables titanesques (émules de ceux de Dune) rampant autour de la maison des Maitland ou encore des sculptures hideuses qui prennent soudain vie. « Tim Burton a essayé de retrouver l'esprit d'un dessin animé en réalisant Beetlejuice , et on peut dire qu'il a réussi son coup ! » (1), déclare à ce propos Doug Beswick, responsable des séquences d’animation Le délire bat donc son plein tout au long du film (au cours d’une séquence mythique, les habitants, hantés par les fantômes, chantent soudain le « Day O » de Harry Belafonte en plein repas) et la musique de Danny Elfman rythme l'ensemble de manière trépidante, imposant les gimmicks incontournables qui feront sa réputation (violon galopant, piano en contrepoint, chœurs enjoués). Même si la dernière partie du film se laisse aller à une surenchère un peu excessive, Beetlejuice demeure l’une des œuvres maîtresses de Tim Burton, l’un de ses films les plus populaires et les plus appréciés.

(1) propos recueillis par votre serviteur en avril 1998

de Joe Johnston (Etats-Unis)

Avec Benicio del Toro, Anthony Hopkins, Emily Blunt, Hugo Weaving, Geraldine Chaplin, Art Malik, Michael Cronin

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Le remake de La Momie réalisé en 1999 par Stephen Sommer avait prouvé que le studio Universal pouvait ressusciter les franchises de l’âge d’or du fantastique avec panache et bon goût. Dix ans plus tard, une nouvelle version du Loup-Garou de George Waggner semblait donc de bon aloi. Mais les difficultés précédant sa concrétisation (changements de réalisateurs et de compositeurs, tournages additionnels, date de sortie sans cesse repoussée) laissaient craindre le pire. Or face au résultat, toutes les craintes s’évaporent : le Wolfman de Joe Johnston est une superbe relecture du mythe lycanthropique, très respectueuse du film original mais proposant de nouveaux rebondissements inattendus.

Benicio del Toro reprend le rôle de Lawrence Talbot, tenu en 1941 par Lon Chaney Jr. Forcé de revenir au domaine familial de Blackmoor suite à la disparition de son frère, il recontacte à contrecœur son père (Anthony Hopkins) et prend connaissance d’une superstition locale, selon laquelle un monstre transforme ses victimes en loups-garous les nuits de pleine lune. Evidemment, ce n’est pas une simple légende, et Talbot se retrouve bientôt victime du lycanthrope… Si l’ambiance mélancolique et folklorique du film de Waggner a été conservée telle quelle (avec en prime la reprise du fameux poème inventé par Curt Siodmak : « même un homme dont le cœur est pur, et qui récite ses prières le soir, peut devenir un loup »), ce remake est truffé de séquences gore inimaginables à l’époque, concoctées par le maestro Rick Baker.

Du coup, Wolfman est le seul film classé R (restricted) de Joe Johnston, ce dernier s’étant jusqu’alors habitué au divertissement familial (Chérie j’ai rétréci les gosses, Rocketeer, Jurassic Park 3). Baker était le candidat idéal pour visualiser ce loup-garou rétro, tout le monde ayant gardé en mémoire son travail exceptionnel sur Le Loup-Garou de Londres. S’il ne surpasse pas les métamorphoses qu’il créa pour John Landis (mais quelqu’un les surpassera-t-elles un jour ?), le génial maquilleur rend en vibrant hommage à son prédécesseur Jack Pierce en concevant un faciès de loup-garou très similaire à celui qu’arborait Lon Chaney Jr. Les transformations ont évidemment été modernisées, bénéficiant de l’apport des effets numériques, mais c’est surtout d’un point de vue narratif qu’elles s’avèrent marquantes, notamment lorsque le pauvre Talbot est exhibé dans une école de médecine, face à une audience incrédule, alors que la pleine lune s’apprête à provoquer l’inéluctable métamorphose…

Les séquences inédites imaginées pour ce nouveau Wolfman, en particulier une incroyable course-poursuite dans les rues de Londres, s’entremêlent sans heurt avec celles empruntées au classique des années 40. Le parti pris de Joe Johnston s’oppose à celui de La Momie de Sommers, dans la mesure où son film s’appréhende au premier degré, évitant tout humour décalé ou toute digression afin de mieux cerner le drame de ses protagonistes et les tourments de leurs destinées, preuve que deux approches résolument opposées peuvent donner lieu à deux films tout autant réjouissants, pour peu que leurs auteurs soient amoureux du sujet au point de lui déclarer leur flamme avec enthousiasme et sincérité.

(Percy Jackson & the Olympians: The Lightning Thief)

de Chris Columbus (Etats-Unis)

Avec Logan Lerman, Brandon Jackson, Alexandra Daddario, Jake Abel, Sean Bean, Pierce Brosnan, Steve Coogan, Uma Thurman

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Percy Jackson semble être un lycéen ordinaire. Mais en réalité, il est le fils du dieu des océans Poséidon. Accusé à tort d’avoir volé la foudre de Zeus, il se retrouve au cœur d’une guerre ouverte entre les divinités de l’Olympe et va devoir affronter plusieurs redoutables créatures mythologiques… En imaginant le personnage de Percy Jackson à la fin des années 90, l’écrivain Rick Riordan s’est mis en tête de dépoussiérer l’imagerie traditionnelle des mythes gréco-romains en les transposant dans le monde moderne, tout en choisissant comme protagoniste un adolescent susceptible de créer auprès des jeunes lecteurs un pôle idéal d’identification. Cette démarche et les ressorts dramatiques qui en découlent évoquent beaucoup les romans de J.K. Rowling, et il n’est sans doute pas fortuit de trouver aux commandes de l’adaptation cinématographique des aventures du demi-dieu new-yorkais le réalisateur Chris Columbus, qui dirigea justement les deux premiers Harry Potter.

Scénariste de talent (Gremlins, Le Secret de la Pyramide), Columbus n’a en revanche jamais brillé par l’originalité ou la pertinence de sa mise en scène, souvent anonyme. Percy Jackson ne déroge pas à la règle, et les morceaux de bravoure du film reposent bien plus sur les effets visuels et les décors – souvent magnifiques – que sur la réalisation elle-même.  Une belle galerie de créatures orne le métrage : la Méduse (Uma Thurman), l’Hydre de Lerne, le centaure Chiron (Pierce Brosnan), le satyre Grover (Brandon T. Jackson), le dieu Hadès (Steve Coogan), une harpie déchaînée ou encore un minotaure colossal. Tous évoquent les travaux de Ray Harryhausen sur deux de ses films les plus populaires, Jason et les Argonautes et Le Choc des Titans. D’ailleurs, le patronyme Percy Jackson est visiblement une américanisation des noms de Persée et Jason, les deux héros valeureux des films pré-cités.

L’anachronisme inhérent au concept du film est à la fois savoureux et réducteur. Car si le surgissement de Poséidon (Kevin McKidd) sur la côte new-yorkaise donne lieu à une vision pré-générique joliment surréaliste, la transposition de l’Olympe dans l’Empire State Building et la relocalisation de toutes les figures clefs de la mythologie aux Etats-Unis laisse quelque peu perplexe. La Grèce n’eut-elle pas été un site géographique plus logique ? La saga Harry Potter avait au moins eu le bon goût de prendre racine sur le vieux Continent, plus propice à la perpétuation des vieux récits de sorcellerie médiévaux que le sol américain. Mais de toute évidence, Percy Jackson ne cherche pas d’alibi culturel, pas plus qu’il n’essaie de capitaliser sur l’inestimable richesse symbolique des mythes de la Grèce antique (le vol de la foudre, motif prométhéen par excellence, n’est ici qu’un prétexte scénaristique dénué du moindre sous-texte métaphorique). Son objectif est celui d’un simple divertissement tout public, et de ce point de vue sa réussite est indiscutable. Si le succès est au rendez-vous, les séquelles ne tarderont pas à débarquer sur les écrans, la saga littéraire de Percy Jackson étant déjà riche de nombreux volumes.

de Peter Jackson (Nouvelle-Zélande)

Avec Saoirse Ronan, Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Stanley Tucci, Susan Sarandon, Michael Imperioli, Rose McIver, Reece Ritchie

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Après les quatre mastodontes cinématographiques que représentaient la saga du Seigneur des Anneaux et King Kong, Peter Jackson se penche sur un récit plus intimiste, constellé de nostalgie et empreint d’éléments autobiographiques. Puisant son inspiration dans le roman « La nostalgie des anges » d’Alice Sebold, le cinéaste néo-zélandais signe une œuvre riche et complexe qui oscille entre le drame, la comédie, le thriller et le fantastique pur. A la manière de Sunset Boulevard, Lovely Bones commence par la voix-off d’un défunt, un narrateur d’outre-tombe qui prend ici les traits de la jeune Susie Salmon nous déclarant tout de go : « j’avais quatorze ans quand on m’a assassinée ». Jackson plante ses caméras dans l’Amérique du début des années 70, encore nimbée d’insouciance, et dresse le portrait d’une famille classique, portée par un casting confondant de justesse.

Aux côtés de valeurs sûres telles que Mark Wahlberg, Rachel Weisz et Susan Sarandon, campant respectivement les parents aimants et la grand-mère truculente, le jeune talent de Saoirse Ronan, aux yeux de poupée et au visage ingénu, éclate dans le rôle de Susie Salmon. Errant entre le monde des morts et celui des vivants, cette dernière assiste au déchirement des siens, inconsolables, tout en se préparant à basculer dans l’au-delà, tandis que l’assassin court toujours. Ce dernier, point de mire de toutes les haines, est prodigieusement incarné par un Stanley Tucci quasi-méconnaissable. A l’instar de Créatures Célestes, Lovely Bones situe sa narration dans deux univers parallèles et complémentaires : le monde réel et celui conçu par l’imagination fébrile d’une adolescente. Car Susie n’est pas encore passée « de l’autre-côté ».

Les décors surréalistes dans lesquels elle évolue ne sont donc pas les visions fantasmées d’un paradis judéo-chrétien, façon Au-delà de nos rêves, mais celles d’une jeune fille nourrie par l’imagerie « new age » des années 70 (d’où le choix judicieux de Brian Eno pour signer la bande originale du film). Susie construit ainsi elle-même le berceau de son errance post-mortem, nourri de métaphores délicieusement poétiques (le kiosque, la forêt, les bateaux mis en bouteille). « Les métaphores utilisées ne devaient pas être trop simplistes, pour éviter les clichés, mais pas trop hermétiques non plus, afin que les spectateurs puissent les comprendre sans mal », explique Jackson. « Lorsque son père cueille un camélia fané et que ce dernier se met à éclore dans sa main, c’est littéralement la métaphore d’une idée qui éclot. A ce moment précis, le père de Susie comprend quelle est l’identité du tueur. Sa fille lui a soufflé cette idée d’outre-tombe. » (1)

Au fil de l’intrigue, le réalisateur concocte une poignée de séquences de suspense diaboliquement efficaces. Très hitchcockiennes sur le fond mais complètement novatrices dans la forme, elles vissent les spectateurs sur leurs fauteuils et jouent durablement sur leurs nerfs, via un découpage ciselé au millimètre près, un travail d’orfèvre sur la bande son et un usage inédit des caméras endoscopiques. Capable d’adapter son style polymorphe à tous les sujets, Jackson nous confirme une fois de plus son statut de cinéaste hors norme et d’artiste passionnant.

(1) Propos recueillis par votre serviteur en novembre 2009