(The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn)

de Steven Spielberg (Etats-Unis)

avec Jamie Bell, Andry Serkis, Daniel Craig, Nick Frost, Simon Pegg, Toby Jones, Mackenzie Crook 

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La bande originale est disponible ici

Le magnifique "art of" du film est disponible ici

Annoncé par Steven Spielberg dès 1983, Les Aventures de Tintinn’aura finalement vu le jour qu’à l’aune des derniers perfectionnements technologiques. Car pour rester fidèle à l’environnement graphique mi-réaliste mi-irréel des dessins d’Hergé, et pour s’extraire de l’univers visuel des Indiana Jones, le cinéaste ne pouvait se contenter d’un tournage classique en prises de vues réelles. D’où son intérêt pour la performance capture.

En se soustrayant aux contraintes matérielles d’un tournage traditionnel et en testant pour la première fois les possibilités de la 3D, le réalisateur se permet des facéties de mise en scène extrêmement immersives, sans pour autant céder à la tentation d’une caméra virevoltant vainement en tous sens. Au contraire, ses prises de vues s’ancrent dans une réalité physique palpable, ne lâchant pas d’une semelle les pas de course de son jeune héros. Ce qui nous donne droit à une collection de séquences mouvementées inédites, la plus longue et la plus incroyable d’entre elles se déroulant en plan-séquence dans une ville imaginaire du Maroc. Les péripéties s’y enchaînent à un rythme effréné, nous laissant le souffle coupé et les yeux écarquillés, preuve que Steven Spielberg, à l’âge de 65 ans, demeure encore l’un des maîtres absolus en matière de scènes d’action imaginatives.

A y regarder de près, Les Aventures de Tintin est d’ailleurs un concentré de toute l’identité visuelle du cinéaste, comme si l’emploi d’un médium 100% numérique lui permettait de pousser à l’extrême les codes filmiques qui lui sont propres. Jeux d’ombre et de lumière, entrées de champ redéfinissant la composition des cadrages, plans-séquences en perpétuelle évolution, champs et contre-champs avec changements d’axe inattendus, toute la grammaire de l’auteur de Rencontres du Troisième Type est ici convoquée. La signature visuelle la plus évidente du cinéaste paraît à travers son utilisation répétée du reflet. L’image de Tintin se découpe ainsi dans les nombreux miroirs qui ornent un marché (comme autant de cases d’une bande dessinée), puis se surimpressionne sur la vitre qui protège la précieuse Licorne.

Le reflet est un motif visuel incontournable chez Spielberg. Aucun de ses films n’en est exempt, les miroirs, rétroviseurs, vitres et fenêtres s’échinant à renvoyer l’image plus ou moins déformée de ses protagonistes. Plus qu’un simple effet de style, il faut y voir une volonté d’appréhender la fiction cinématographique comme une vision fantasmée de la réalité. Car l’œuvre de Spielberg est jonchée d’éléments autobiographiques, de souvenirs intimes, de phobies ou d’obsessions personnelles. Et Tintin lui-même, éternel homme-enfant à l’insatiable curiosité, obéit trait pour trait à l’archétype du héros spielbergien, coincé entre deux âges et en quête d’une famille recomposée, le capitaine Haddock s’affirmant dès lors comme un grand frère turbulent mais extrêmement attachant. Le Secret de la Licorne se déguste donc avec délectation, en attendant déjà avec impatience une séquelle signée Peter Jackson.

© Gilles Penso

(Conan the destroyer)

De Richard Fleischer (Etats-Unis)

Avec Arnold Schwarzenegger, Grace Jones, Wiilt Chamberlain, Mako, Olivia d'Abo, Tracey Walter

En échange de la résurrection de sa bien aimée Valeria, Conan promet à la reine Taramis (Sarah Douglas) d’accompagner la princesse Jehnna (Olivia d’Abo) aux confins du pays, au cœur d’un territoire ennemi, pour lui rapporter une corne légendaire incrustée d’un diamant magique. Le colossal Cimmérien ignore que la reine souhaite en réalité posséder le joyau afin de réveiller Dagoth, une divinité monstrueuse et démoniaque à laquelle elle souhaite sacrifier la princesse…

Les aventures magiques et enivrantes de Conan, contées avec verve par Robert Howard, avaient beaucoup perdu de leur impact lors de leur transposition à l’écran, malgré la maestria de John Milius et le souffle épique qu’il avait su donner à son œuvre. Cette suite, signée par le grand Richard Fleischer, vétéran du cinéma à grand spectacle (Vingt Mille Lieues sous les Mers, Le Voyage Fantastique, Soleil Vert ), confirme les pertes subies. Il faut dire que Fleischer eut du mal à terminer sa carrière avec éclat, tombant sous la coupe de Dino de Laurentiis pour lequel il signa l’année précédente Amityville 3. Arnold Schwarzenegger reste l’interprète idéal et indétronable du barbare, mais l’intrigue de ce second Conan est très anecdotique, moins chargée de sens et de symboles que celle du film précédent.

La quête du héros n’intéresse donc que dans une faible mesure le spectateur, les personnages secondaires s’avèrent pour le moins superficiels (y compris la sauvageonne interprétée par la sculpturale Grace Jones, à l’affiche de Dangereusement Vôtre la même année) et les décors évoquent tantôt ceux d’Indiana Jones et le Temple Maudit, tantôt ceux d’une série télévisée de science-fiction psychédélique des années 70 (époque Cosmos 1999 ou L’Âge de Cristal). Cependant, la plus grosse erreur artistique du film reste probablement d’avoir confié la fabrication du monstrueux Dagoth à Carlo Rambaldi. Ce démon séculaire, à l’apparition duquel le spectateur est psychologiquement préparé dès les premières séquences, était un élément particulièrement réjouissant du scénario, puisqu’il évoque les mythologies chères à Robert Howard mais aussi à ses confrères H.P. Lovecraft et Clark Ashton Smith.

Hélas, sa visualisation sous forme d’un homme costumé dans une balourde défroque de latex amenuise considérablement l’impact de sa prestation, et achève ce second Conan cinématographique sur une note bien passable. Roy Thomas et Gerry Conway, auteurs de l’histoire originale, furent d’ailleurs fort déçus par le résultat final, passablement remanié en cours de route par le scénariste Stanley Mann (Damien, Meteor), à tel point qu’ils publièrent en 1990 leur récit sous forme d’une bande dessinée mise en image par Mike Docherty, « Conan : The Horn of Azoth ». Il serait malgré tout injuste de réduire Conan le Destructeur à ses défauts et à son immense simplification du mythe initial. Car en l’état, et à condition évidemment de faire abstraction du matériau littéraire dont il est issu, le film demeure très divertissant et ménage un certain nombre de séquences hautes en couleur.

de Joe Johnston (Etats-Unis)

Avec Chris Evans, Hayley Atwell, Hugo Weaving, Tommy Lee Jones, Dominic Cooper, Sebastian Shaw, Stanley Tucci

 Si le studio Marvel avait su nous surprendre agréablement avec  L'Incroyable Hulk et Iron Man, l’enthousiasme était retombé aussi sec face à  Iron Man 2 et Thor, deux opus à la dramaturgie déficiente et au scénario laxiste. Que fallait-il donc attendre de Captain America, nouvelle pièce de cet étrange puzzle cinématographique annonçant la sortie du film choral The Avengers ? Les prédictions étaient mitigées, surtout au regard des précédentes adaptations « live » du héros en costume bleu blanc rouge (des catastrophiques téléfilms réalisés respectivement en 1978 et 1990). Mais c’était compter sans l’inventivité de Joe Johnston, signataire d’œuvres éminemment sympathiques telles que Chérie j’ai rétréci les gosses,  Rocketeer, Jumanji, Jurassic Park 3 et Wolfman.

S’appuyant sur un scénario habile de Joss Whedon, Christopher Markus et Stephen McFeely, le cinéaste crée un super-héros débordant d’humanité en l’inscrivant dans son contexte historique d’origine, la seconde guerre mondiale. Sous l’influence du Steven Spielberg des années 70/80, Johnston cligne plusieurs fois de l’œil vers le maître, dès le prologue qui nous renvoie illico à celui de  Rencontres du Troisième Type(des scientifiques emmitoufflés arpentent le désert pour y découvrir d’étranges vestiges), et surtout plus tard lorsque le nazi psychopathe incarné par Hugo Weaving découvre une inestimable source de pouvoir surnaturelle et s’exclame : « et dire que le führer perd son temps à chercher des breloques dans le désert ! » La référence à Indiana Jones dépasse d’ailleurs largement le cadre de cette réplique jouissive, l’ombre de l’archéologue rétro et de ses exploits de comic book se déployant au fil de ce long-métrage empreint de l’esprit des serials des années 30.

Par le biais d’effets numériques hallucinants, Chris Evans, déjà interprète de la Torche Humaine dans les deux Quatre Fantastiques, incarne le frêle et rachitique Steve Rogers, qui se porte volontaire pour devenir un « super-soldat » au service de l’armée américaine, développant à l’issue d’une expérience top-secrète une musculature et une force hors du commun. Incontestablement daté, le costume du super-héros, aux couleurs du drapeau US, est ici intelligemment détourné, Johnston nous en proposant d’abord une version volontairement kitsch (avec en prime une allusion directe aux serials en noir et blanc qui furent réellement tournés dans les années 40 ainsi qu’aux bandes dessinées de Jack Kirby et Joe Simons) avant d’opter pour une panoplie militaire respectant les graphismes initiaux de Kirby en les réadaptant sous un jour plus fonctionnel et moins tape-à-l’œil.

L’aventure se pare de séquences d’action généreuses et souvent inédites, tandis qu’Hugo Weaving et Tommy Lee Jones s’en donnent à cœur joie dans le registre du cabotinage et de l’auto-dérision. Certes, le film ne décolle jamais totalement, incapable d’atteindre le souffle épique propre aux chefs d’œuvre du genre, et c’est probablement un défaut imputable à la majorité des réalisations de Joe Johnston. Mais le spectacle ne déçoit jamais, et l’épilogue en forme de porte ouverte remplit allègrement sa fonction : donner envie de découvrir toutes affaires cessantes l’aventure collégiale des Vengeurs !

© Gilles Penso

Thema: Super-Héros

(Harry Potter and The Deathly Hallows Part 2)

de David Yates (2011) – USA

avec Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Maggie Smith

La médiocrité des trois Harry Potter précédents, tous réalisés par David Yates et tous empêtrés dans les mêmes défauts (intrigue filiforme, direction artistique déficiente, mise en scène peu inventive), ne laissait guère d’espoirs quant à un rattrapage de dernière minute à l’occasion de l’affrontement final entre le sorcier à lunettes et sa Némésis reptilienne Voldemort. La surprise n’en est que plus grande. Harry Potter et les Reliques de la Mort 2ème partie parvient en effet à dégager un sens de l’épopée qu’on n’espérait plus, multipliant les morceaux de bravoure, resserrant les enjeux dramatiques et véhiculant – enfin ! – du suspense et de l’émotion. Les meilleures séquences des opus signés Chris Colombus, Alfonson Cuaron et Mike Newell trouvent là un bel écho.

Dès les premiers plans iconiques du film, servis par une 3D particulièrement efficace, Yates nous immerge sans préambule dans le futur champ de bataille, un château de Poudlard sinistrement veillé par les fantômatiques Détraqueurs. En quelques minutes, plusieurs morceaux d’anthologies nous sont offerts, comme une récompense tardive pour avoir subi les langueurs de l'Ordre du Phénix, du Prince de Sang-Mêlé et des Reliques de la Mort 1ère partie. Tout commence dans la banque de Gringotts, théâtre d’une course-poursuite souterraine digne des wagonnets d’ Indiana Jones et le Temple Maudit, d’un suspense claustrophobique puisant son inspiration dans la légende du roi Midas, et de l’envolée d’un des plus beaux dragons de l’histoire du cinéma. Nous voilà ainsi préparés.

Le reste du métrage n’est pas aussi époustouflant, certes, mais d’autres moments forts le ponctuent régulièrement, notamment l’incendie « vivant » qui menace nos héros dans la « salle sur demande », l’assaut de Poudlard au cours duquel des statues massives se heurtent à des Trolls géants et à une marée humaine de belligérants, ou encore l’ultime combat entre Potter et Voldemort. Plusieurs faiblesses inhérentes aux épisodes précédents surnagent, en particulier l’interprétation toujours fade de Daniel Radcliffe, le traitement extrêmement maladroit des amours adolescentes (nous sommes bien loin de la remarquable série britannique Skins !), et l’emploi peu rigoureux des pouvoirs magiques (bien pratiques pour retourner chaque situation au mépris parfois de la logique la plus élémentaire).

Du coup, les conflits se résolvent souvent via d’étranges « deus ex machina » scénaristiques, et les petits regards énamourés de nos jeunes couples s’avèrent quelque peu risibles. Mais ces réserves n’amenuisent pas la qualité du spectacle, ni la charge émotionnelle qu’il dégage. Le jeu des comédiens adultes (Ralph Fiennes terrifiant sous son incroyable maquillage numérique, Alan Rickman cultivant à merveille l’ambiguité de son personnage) y est pour beaucoup. La perfection des effets spéciaux (toutes catégories confondues) aussi. Même la bande originale a été revue à la hausse, Alexandre Desplat prenant avec bonheur la relève de Nicholas Hooper. Pour ne rien gâcher, le film d’achève sur un épilogue empreint de tendresse et de nostalgie…

© Gilles Penso

Thema: Sorcellerie

(Transformers 3 : Dark of the Moon)

de Michael Bay (Etats-Unis)

avec Shia LaBeouf, Rosie Huntington-Whiteley, Patrick Dempsey, Josh Duhamel, John Turturo, Frances McDormand

L’avantage, avec Michael Bay, c’est qu’il annonce tout de suite la couleur. Dès le prologue de Transformers 3, nous savons que nous en prendrons plein les mirettes : sur fond de voûte céleste en 3D, un gigantesque vaisseau spatial entre dans le champ à la manière du destroyer impérial de  La Guerre des Etoiles et nous plonge au cœur d’une vertigineuse odyssée emplie d’engins volants sophistiqués pilotés par des bataillons d’androïdes géants à faire pâlir George Lucas et James Cameron. Quelques minutes plus tard, un gros plan ostentatoire sur les fesses rebondies de Rosie Huntington-Whiteley (la bimbo sélectionnée pour remplacer une Megan Fox lassée des méthodes tyranniques du réalisateur) nous annonce l’autre facette du film : une vulgarité grassement assumée, susceptible de dérider un public peu exigeant tout en titillant la libido des adolescents auxquels le film est directement adressé.

Vulgaire et spectaculaire : en deux mots, le ton est donné. Le cocktail ayant déjà fait ses preuves à deux reprises, pourquoi changer son fusil d’épaule ? Cette fois-ci, l’intrigue s’appuie sur un flash-back bizarre (où les images d’archives granuleuses cohabitent sans la moindre cohérence visuelle avec des reconstitutions ultra-léchées) situé en 1969, le jour où Neil Armstrong pose le pied sur la Lune. Suivant des directives top-secrètes, l’astronaute part explorer la face cachée de notre satellite et y découvre la gigantesque épave d’un robot échoué, le vénérable Sentinel Prime. Ce postulat étant posé, le scénario nous ramène en 2011, alors qu’une nouvelle menace robotique plane sur nos têtes. Les Decepticons sont en effet décidés à prendre leur revanche, épaulés cette fois par le redoutable Shockwave…

Il faut une sacrée dose d’indulgence pour supporter le spectacle de Transformers 3 sans soupirer d’impatience (lé métrage dure tout de même plus de deux heures et demie !). Mais peut-on passer outre ce couple improbable auquel on nous demande de croire (La Beouf et son top model au brushing impeccable), ces acteurs échappés de l’univers des frères Coen qui se ridiculisent de la plus embarrassante des manières (John Malkovich, John Turturo, Frances MacDormand), cet anthropomorphisme grotesque (les vieux robots ont la barbe ou le crâne dégarni, les jeunes font du roller !), cette mise en scène clippée incapable d’enchaîner un champ et un contre-champ de peur d’ennuyer le public, ces dialogues calamiteux, ce patriotisme iconique, cette xénophobie latente, cette musique horripilante ?

Tout n’est pourtant pas à jeter dans Transformers 3. Les effets visuels sont toujours aussi époustouflants, la 3D supervisée par Vince Pace est très performante, et plusieurs séquences situées pendant l’acte final risquent de marquer les mémoires grâce à la très grande efficacité de leur suspense et aux effets de vertige immersifs qu’elles procurent. Steven Spielberg, producteur de cette foire d’empoigne, aurait-il mis la main à la pâte ? Toujours est-il que cette bataille finale, qui n’est pas sans évoquer World Invasion mais aussi les deux premiers  Jurassic Park et La Guerre des Mondes, est sans conteste le meilleur morceau de cette saga balourde.