LE JOUR OÙ LA TERRE S’ARRÊTA (2008)

Un remake raté qui démontre une incompréhension totale de son magistral modèle

THE DAY THE EARTH STOOD STILL

2008 – USA

Réalisé par Scott Derrickson

Avec Keanu Reeves, jennifer Connelly, Kathy Bates, Jaden Smith, John Cleese, Jon Hamm, Kyle Chandler, Robert Kneppe

THEMA EXTRA-TERRESTRES

La dimension politique du premier Jour où la Terre s’arrêta, inscrite dans la directe après-guerre, ne pouvait pas être la même 57 ans plus tard. Judicieusement, le scénariste David Scarpa (Le Dernier château) a donc déplacé la problématique du film original vers les préoccupations environnementales des années 2000, même si l’enjeu définitif reste le même : la survie ou non de l’espèce humaine. Lorsque le film commence, nous sommes en 1928. Un alpiniste pris dans une tempête de neige découvre une étrange sphère lumineuse qui semble animée d’une vie propre. Celle-ci lui prélève un échantillon d’ADN puis le laisse à demi inconscient sur la glace. 80 ans plus tard, la scientifique Helen Benson (Jennifer Connelly, magnifique comme toujours) est convoquée manu militari pour rejoindre une cellule de crise. Un objet volant non identifié s’apprête en effet à s’écraser sur Terre et l’on s’affole légitimement en haut lieu. Or l’objet finit par décélérer et atterrit en douceur dans Central Park. Il s’agit d’une sphère colossale, de laquelle émerge Klaatu, un extra-terrestre ayant pris des traits humains (Keanu Reeves, impeccable). « Il me semblait intéressant d’imaginer un peuple possédant une technologie plus écologique et plus biologique que la nôtre », explique le réalisateur Scott Derrickson. « D’où le nouvel aspect du vaisseau, en forme de sphère organique, de Klaatu, dont la combinaison ressemble à une seconde peau, et du robot Gort, qui ressemble à une version géante de celui du film de Robert Wise mais ne révèle que plus tard sa véritable nature. » (1) 

Véritable juge d’outre-espace, Klaatu est venu délivrer un message aux humains : à force de ne pas respecter la Terre, ils sont sur le point d’atteindre un point de non-retour au-delà duquel elle ne pourra plus être préservée. Or une planète ne peut être sacrifiée au profit d’une espèce. « Si la Terre meurt vous mourez, si vous mourez la Terre survit » dit-il sans appel. On le voit, le fil conducteur narratif du classique de Robert Wise a été respecté, et la force de l’enjeu dramatique demeure intacte. « Au fil de l’intrigue, le comportement de Klaatu est de moins en moins extra-terrestre et de plus en plus humain, mais il garde toujours ce recul, cette distanciation avec notre monde », explique Keanu Reeves. « Pour y parvenir, je me suis efforcé de limiter au maximum mes expressions. Il a fallu que j’adopte un jeu très intériorisé, que j’en fasse finalement le moins possible. » (2) Le couple d’acteurs stars donne ici la réplique à quelques seconds rôles savoureux, notamment John Cleese dans la peau d’un scientifique philosophe dont on peut regretter la brièveté de l’intervention.

Plein de belles intentions qui partent en fumée

Et c’est bien là que le bât blesse. Ambitieux et bourré de bonnes intentions, ce nouveau Jour où la Terre s’arrêta peine en effet à tirer parti de tout ce qu’il met en place et escamote bon nombre d’éléments passionnants et de sous-intrigues prometteuses, comme si le montage définitif avait délesté le métrage d’une bonne demi-heure. La constitution d’une arche moderne, la difficile accoutumance de Klaatu à son organisme humain, la présence d’un second extra-terrestre dissimulé parmi les terriens, voilà autant d’idées au fort potentiel auquel le scénario ne réserve pourtant aucun développement digne de ce nom. Ce problème s’accroît au cours d’un dénouement très peu satisfaisant, dans la mesure où le message de Klaatu n’est entendu que par un tout petit nombre (contrairement à l’assemblée mondiale qu’il est censé convoquer) et que les raisons qui motivent son ultime décision nous échappent quelque peu. Le Jour où la Terre s’arrêta version 2008 s’essouffle donc progressivement, d’autant qu’il finit par privilégier les démonstrations d’effets spéciaux numérico-pyrotechniques (par l’entremise d’un Gort devenu gigantesque et volatile) aux dépens des relations interpersonnelles. « Dans un film comme Le Jour où la Terre s’arrêta, aussi riche en effets spéciaux et en séquences spectaculaires, il faut être très vigilant car les personnages peuvent facilement se noyer dans la masse, s’effacer derrière le spectacle » nous avouait Jennifer Connelly (3). Ses craintes sont hélas justifiées, le film ne laissant guère à Scott Derrickson le loisir d’exploiter les qualités de mise en scène qu’il avait révélées dans L’Exorcisme d’Emily Rose.

(1), (2) et (3) Propos recueillis par votre serviteur en novembre 2008.

© Gilles Penso

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LA GUERRE DES MONDES (1953)

Une adaptation libre du roman de H.G. Wells produite par George Pal et adaptée aux codes de la science-fiction des années 50

WAR OF THE WORLDS

1953 – USA

Réalisé par Byron Haskin

Avec Gene Barry, Anne Robinson, Les Tremayne, Bob Cornthwaite, Sandro Giglio, Housely Stevenson Jr, Lewis Martin

THEMA EXTRA-TERRESTRES

Le célèbre roman de H.G. Wells racontait en 1898 l’une des invasions extra-terrestres les plus inquiétantes et les plus dévastatrices jamais imaginées, et Orson Welles y puisa un inoubliable canular radiophonique sur CBS le 20 octobre 1938. Les années 50 étant propices à toutes les rencontres du troisième type, le cinéma s’empara à son tour du récit, sous l’égide du producteur George Pal, déjà instigateur de Destination Lune et Le Choc des mondes. A l’initiative du scénariste Barry Lyndon, le roman a été réactualisé et transposé de l’Angleterre victorienne à l’Amérique des années 50. Dans le même souci de modernisation, les machines de guerre martiennes décrites par l’écrivain, des tripodes marcheurs qui ont probablement servi d’inspiration aux Walkers de L’Empire contre-attaque, ont été remplacés par des ovnis en forme de boomerangs surmontés de périscopes aux allures de réverbères.

Ces maquettes impressionnantes, qui engloutirent 70% du budget du film (estimé à deux millions de dollars) et valurent à son équipe l’Oscar des effets spéciaux, évoluent dans de magnifiques décors miniatures. Et si les câbles qui les soutiennent sont souvent visibles à l’écran, chacune de leur intervention demeure extrêmement spectaculaire. La toute première apparition des vaisseaux est déjà très marquante : on n’en voit d’abord que la partie supérieure, ondulant comme un serpent à sonnettes et émergeant d’une météorite, puis désintégrant une poignée d’hommes qui tentaient de communiquer avec les visiteurs, drapeau blanc à la main. Le récit se concentre dès lors sur les investigations du docteur Clayton Forrester (Gene Barry), et sur son idylle naissante avec la ravissante Sylvia Van Buren (Ann Robinson).

Insensibles à la bombe atomique

Les séquences de destruction qui s’ensuivent figurent parmi les plus spectaculaires jamais montrées jusqu’alors sur un écran de cinéma, et préfigurent les excès pyrotechniques vers lesquels allaient pencher les films catastrophes des années 70. Moins convaincants sont les Martiens eux-mêmes, dont un représentant fait une apparition choc dans une ferme muée en refuge, ce qui a pour conséquence de faire s’époumoner la belle héroïne. Ces créatures en latex aux longs bras se terminant en ventouses et à l’œil unique tricolore auraient gagné à rester dans l’ombre ou à bénéficier d’effets spéciaux plus élaborés. Et lorsqu’on sait que Ray Harryhausen envisageait de réaliser lui-même sa propre version du roman de Wells, on se prend à rêver aux cauchemardesques aliens auxquels nous aurions pu avoir droit. Toujours dans le but d’actualiser le propos, la bombe atomique fait son apparition dans le film, mais elle s’avère bien incapable d’éradiquer des envahisseurs décidément très coriaces. Finalement, deus ex-machina, ce sont les bactéries de notre planète qui viennent à bout de la menace martienne, au cours d’un dénouement un peu abrupt souligné par une voix-off un tantinet sentencieuse. Très satisfaits du film, les ayant droits de Wells donnèrent carte blanche à George Pal pour l’adaptation d’un autre roman de l’écrivain, d’où la mise en chantier quelques années plus tard de La Machine à explorer le temps.

 

© Gilles Penso

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ENTRE DEUX RIVES (2006)

Keanu Reeves et Sandra Bullock reforment le couple de Speed pour incarner deux amoureux qui ne vivent pas dans le même espace-temps

THE LAKE HOUSE

2006 – USA

Réalisé par Alejandro Agresti

Avec Sandra Bullock, Keanu Reeves, Christopher Plummer, Shohreh Aghdashloo, Ebon Moss-Bachrach, Dylan Walsh

THEMA VOYAGES DANS LE TEMPS

Entre deux rives est le remake du film fantastique coréen Siworae réalisé en 2000 par Hyun-seung Lee. Très appréciée lors du Festival international de Pusan, l’œuvre originale resta cependant confidentielle, ce qui permit à Hollywood d’y puiser librement son inspiration en redistribuant les rôles principaux à deux stars américaines. Sollicité dans un premier temps, John Cusack céda finalement le pas à Keanu Reeves. Celui-ci retrouve ainsi Sandra Bullock, avec qui il partageait onze ans plus tôt l’affiche de Speed. Mais l’action mouvementée n’a plus cours ici, Entre deux rives narrant une romance impossible entre deux protagonistes appartenant à des espace-temps différents.

Lorsque le film commence, le docteur Kate Forster (Bullock) s’apprête à entamer une nouvelle carrière et une nouvelle vie dans un grand hôpital de Chicago. Son seul regret est d’abandonner la superbe maison qu’elle avait louée sur les berges d’un lac de l’Illinois… Avant de partir, elle laisse un mot à l’attention du prochain occupant, pour lui demander de faire suivre son courrier et lui indiquer que les empreintes de pattes de chien qui maculent la jetée et le seuil de la maison étaient déjà là avant qu’elle n’y emménage. Or lorsqu’il prend possession des lieux, l’architecte Alex Wyler (Reeves) a un choc : la maison, poussiéreuse et en piteux état, ne ressemble en rien à l’image qu’il s’en faisait. Et pas la moindre trace de pattes… Il se trouve qu’Alex avait occupé cette résidence familiale des années plus tôt, son père en ayant été l’architecte. Il décide donc de la restaurer sans prêter davantage attention au mystérieux message de Kate… Les bizarreries ne tardent pas à se multiplier, laissant bientôt imaginer l’impensable : Alex et Kate ne vivent pas à la même époque, et les sentiments qu’ils sont en train d’éprouver l’un pour l’autre ne peuvent se traduire qu’à travers une relation épistolaire qui, par miracle, franchit les portes du temps.

Le courrier du cœur

L’idée est fort séduisante, mais le scénario d’Entre deux rives ne cherche hélas jamais à jongler avec les paradoxes temporels vertigineux que permettait une telle intrigue. Le récit ne dépasse donc guère le cadre sagement balisé d’une romance stéréotypée hollywoodienne, happy-end béât compris, l’argument fantastique n’ayant pas beaucoup plus d’impact que la radio de Nuits blanches à Seattle ou les mails de Vous avez un message. D’ailleurs, il faut bien avouer que le principe des lettres écrites par un protagoniste et instantanément lues par l’autre ne fonctionne guère. Typiquement littéraire, le procédé n’est guère crédible à l’écran. Entre deux rives se distingue tout de même par la prestation à fleur de peau de Sandra Bullock (Keanu Reeves se contentant pour sa part d’assurer sobrement le minimum syndical), la beauté de la photographie et le somptueux décor de la maison suspendue au-dessus du lac, spécialement édifiée en verre et en bois pour les besoins du film par l’équipe de Nathan Crowley, fidèle collaborateur de Christopher Nolan depuis Insomnia. Quant au réalisateur argentin Alejandro Agresti, dont il s’agit du vingt-cinquième long-métrage, il s’en tire avec les honneurs, soignant du mieux qu’il peut la facture d’un film qu’on eut aimé plus audacieux.


© Gilles Penso

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HELLRAISER INFERNO (2000)

Le premier film du futur réalisateur de Doctor Strange tente de redonner un coup de fouet à la franchise moribonde créée par Clive Barker

HELLRAISER INFERNO

2000 – USA

Réalisé par Scott Derrickson

Avec Craig Sheffer, Nicholas Turturro, James Remar, Doug Bradley, Nicholas Sadler, Noelle Evans, Lindsay Taylor

THEMA DIABLE ET DEMONS I SAGA HELLRAISER

Après le cuisant échec artistique d’Hellraiser Bloodline, qui avait incité son réalisateur Kevin Yagher à le signer sous le fameux pseudonyme Allan Smithee, la saga créée par Clive Barker était mal en point, et l’écrivain lui-même décida de ne plus s’impliquer dans les séquelles ultérieures, cédant tous ses droits à la compagnie Dimension Films. La série ne s’arrêta pas pour autant et ce cinquième épisode, conçu directement pour le petit écran comme son prédécesseur, fut confié à Scott Derrickson, le scénariste d’Urban Legend Final Cut, effectuant là ses premiers pas de réalisateur. « J’ai eu la chance de rencontrer l’immense réalisateur Robert Wise quand j’étais étudiant », raconte Derrickson. « Lorsque je lui ai demandé conseil, il m’a dit que la meilleure façon de faire ses preuves de metteur en scène était de commencer par un film d’horreur ». (1) Le personnage principal de cet énième opus est l’inspecteur de police Joseph Thorn, incarné par Craig Sheffer (qui fut le héros de Cabal réalisé par… Clive Barker !). Infidèle, drogué, peu scrupuleux, cet individu peu recommandable enquête sur un tueur qui laisse le doigt coupé d’un enfant sur les lieux de ses crimes. Etrangement,  chaque meurtre semble avoir un lien avec le policier. Tandis que ses investigations avancent, Thorn est frappé de cauchemars terrifiants et finit par se mettre en chasse d’un énigmatique personnage connu sous le surnom de « l’ingénieur »…

De prime abord, ce scénario n’entretient que très peu de rapports avec la mythologie d’Hellraiser. La fameuse boîte de Pandore est à peine évoquée, les Cénobites sont devenus de simples apparitions oniriques et Pinhead lui-même n’intervient que quelques minutes au cours du métrage. Tout se passe comme si l’intrigue policière avait d’abord été construite indépendamment, n’intégrant que dans un second temps (et au compte-goutte) les éléments récurrents de la saga. Cet état de fait peu frustrer les amateurs du Hellraiser d’origine. Mais il faut reconnaître que cette approche présente le mérite de bousculer les clichés pour saisir les démons de Clive Barker sous un autre angle, les déséquilibres psychologiques du protagonistes se substituant aux traditionnelles visions d’horreur.

« Ta chair détruit ton corps… »

La différence majeure avec les autres films de la série réside dans le fait qu’après l’ouverture de la boîte, les démons n’apparaissent pas subitement pour embrocher le protagoniste avec leurs chaînes. Leur intervention est plus insidieuse. Le héros a des hallucinations, perd pied avec la réalité, voit partout des visages monstrueux (un procédé que le réalisateur réutilisera avec L’Exorcisme d’Emily Rose). En ce sens, les séquences de cauchemar mettant en scène un homme-tronc sans visage et deux cénobites femelles aux langues noires démesurées sont particulièrement efficaces. Si les talents de réalisateur de Scott Derrickson sautent aux yeux dès les premières minutes, la fadeur de Craig Sheffer joue sérieusement en défaveur du film, tout comme la morale judéo-chrétienne qui auréole d’un peu trop près le scénario, notamment lorsque Pinhead révèle au héros la nature de ses démons intérieurs. « Ta chair détruit ton corps » affirme-t-il, une métaphore illustrant aussitôt le propos (Joseph adulte assassine l’enfant qu’il était). Le péché, la rédemption, la foi sont donc au cœur d’Hellraiser Inferno, cette « débauche religieuse » étant la marque de fabrique de Derrickson, ce que confirmera sa filmographie ultérieure.

(1) Propos recueillis par votre serviteur en novembre 2008

© Gilles Penso

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LABYRINTHE (1986)

David Bowie, Jennifer Connelly et tout un bestiaire en peluche s'anime dans ce conte délicieusement kitsch conçu par Jim Henson

LABYRINTH

1986 – USA

Réalisé par Jim Henson

Avec David Bowie, Jennifer Connelly, Shelley Thompson, Toby Froud, David Goelz, Steve Whitmire, Karen Prell

THEMA CONTES

Fort du succès artistique de Dark Crystal, Jim Henson, le père du Muppet Show, décida de transformer l’essai en se lançant dans un nouveau conte fantastique appréciable à la fois par les enfants et les adultes. Au lieu d’opter une fois de plus pour un casting exclusivement constitué de marionnettes (c’était la grande originalité de Dark Crystal en 1982), il préféra cette fois mixer créatures fantastiques et acteurs humains. Revu à la hausse, le budget atteint la somme confortable de 25 millions de dollars (contre 15 millions pour Dark Crystal). La jeune Jennifer Connelly, qui venait de faire ses preuves dans Phenomena de Dario Argento, tient donc la vedette de Labyrinthe, dont le scénario fut co-écrit par Henson et l’ex-Monty Python Terry Jones, et dont la production fut assurée par George Lucas. Elle y incarne Sarah, une adolescente romantique mal à l’aise dans sa vie de famille.

Grâce aux contes fantastiques qu’elle lit à longueur de journée, elle trouve le moyen de s’évader d’un quotidien trop morne et imagine même de temps en temps que son frère cadet Toby (interprété par le tout jeune Toby Froud, fils du concepteur visuel du film), parfois trop envahissant à son goût, est enlevé par une horde de lutins. Or un soir, son souhait secret se réalise. Prise de panique, elle se sert de son livre favori, « Le Labyrinthe », pour franchir les portes de l’autre monde et partir à la recherche de Toby. Plongée dans les méandres d’un labyrinthe peuplé de créatures étranges, elle n’a que treize heures pour remettre la main sur son frère, prisonnier dans le palais du cruel et séduisant Jareth. « Je demande si peu », réclame celui-ci. « Crains moi, aime moi, fais ce que je dis et je serai ton esclave. »

« Crains moi, aime moi… »

Affublé d’une coupe en pétard peroxydée à faire pâlir Luc Besson, Jareth est incarné par David Bowie, assurant par sa simple présence une belle promotion au film et permettant au film de se muer, le temps de quelques séquences, en véritable comédie musicale. Ainsi, après avoir donné la réplique à l’immense Donald Pleasence dans Phenomena, Jennifer Connelly partage-t-elle cette fois l’affiche avec l’une des plus grandes rock stars du moment. Dès les premiers préparatifs de Labyrinthe, Henson envisageait de faire appel à un chanteur de sa carrure pour le rôle, les deux autres choix possibles étant Sting et Michael Jackson. Ce casting surprenant contribue beaucoup à l’impact de Labyrinthe, paré en outre d’un bestiaire débordant d’originalité (dont chaque spécimen s’inspire des jouets ou des éléments de décoration de la chambre de Sarah que l’on découvre au début du film), d’une magnifique photographie d’Alex Thomson (La Forteresse noire, Legend), d’effets spéciaux imaginatifs (incluant un hibou en image de synthèse pendant le générique de début, effet assez révolutionnaire à l’époque) et de décors proprement magiques (inspirés partiellement par l’univers sens dessus dessous de MC Escher). Mais le film ne parvient pas à égaler en fantaisie Dark Crystal, de l’ombre duquel il ne s’extirpe guère, entravé par un scénario trop basique, une mise en scène quelque peu académique et une bande originale qui, aujourd’hui, a pris un sacré coup de vieux.

© Gilles Penso

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LITTLE BUDDHA (1993)

Bernardo Bertolucci nous transporte au Népal pour une odyssée aux confins de la vie, de la mort et de la réincarnation…

LITTLE BUDDHA

1993 – USA

Réalisé par Bernardo Bertolucci

Avec Keanu Reeves, Bridget Fonda, Chris Isaak, Rucoheng Ying, Alex Wiesendanger, Raju Lal, Greishma Makar Singh

THEMA MORT

La famille Conrad vit une existence paisible à Seattle. Dean (Chris Isaak), le père, est un ingénieur talentueux, Lisa (Bridget Fonda), la mère, une enseignante, et Jesse (Alex Wiesendanger), le fils, un petit garçon de neuf ans très éveillé. Un groupe de moines bouddhistes, dirigés par le Lama Norbu (Ruocheng Ying), vient un jour leur rendre une visite surprenante. Selon eux, Jesse pourrait fort bien être la réincarnation de l’un de leurs plus grands chefs spirituels, disparu il y a neuf ans. Au Népal, deux autres enfants semblent correspondre au même profil… Traiter un tel sujet sans maladresse relevait de la gageure. Bruno Bertolucci a remporté le pari haut la main, en effectuant des choix judicieux à tous les niveaux. Au didactisme pesant, aux excès de mysticisme, le réalisateur du Dernier empereur a préféré la candeur et la poésie. « Qu’est-ce que la méditation ? », demande le jeune Jesse à Lama Norbu. « C’est être parfaitement calme et détendu », répond ce dernier, «  te séparer de tout ce qui t’entoure, libérer ton esprit comme un oiseau, afin que tu puisse voir tes propres pensées flotter à la manière des nuages qui passent. » Pour naïve qu’elle soit, la métaphore fonctionne malgré tout à merveille.

Afin de servir le sujet de leur mieux, les comédiens jouent avec un maximum de spontanéité et de naturel. Ainsi, Chris Isaak et Bridget Fonda, en parents américains cartésiens confrontés aux croyances bouddhistes, font preuve d’une sobriété à la limite de l’austérité. Quant aux trois enfants vedettes, ils sont pétillants de naturel et de vivacité. Comme Jesse, comme Bertolucci lui-même plusieurs décennies plus tôt, le spectateur découvre dans le film la vie du prince Siddharta, futur Bouddha, à travers un livre d’images qui prend vie. Cette évocation, qui scande régulièrement le récit, baigne dans un climat magique quasi omniprésent, ponctué de visions ouvertement fantastiques : le bébé éléphant onirique, les fleurs poussant sous les pas de l’enfant, l’arbre protecteur se penchant sur les personnages, Siddharta affrontant son double maléfique, ou encore le déchaînement cataclysmique des éléments naturels face à Bouddha assis paisiblement au pied d’un grand arbre.

Keanu Reeves dans la peau de Siddharta

Entre Point Break et Speed, Keanu Reeves casse son image de star du cinéma d’action et nous offre une magnifique incarnation de Siddharta, toute en ingénuité et en candeur. En plus de ces atouts fort estimables, Little Buddha se pare d’une très belle photographie de Vittorio Storaro (collaborateur régulier de Bertolucci, Francis Ford Coppola et Warren Beatty), qui prend tour à tour des tonalités froides bleutées ou chaudes orangées, selon que l’action se déroule en Amérique ou en Orient, et d’une superbe partition de Ryuichi Sakamoto qui sait éviter les excès de l’emphase malgré un large déploiement symphonique, et qui atteint le summum de son lyrisme au cours du final, d’une beauté à couper le souffle. Frileux jusqu’alors quant à l’évocation du bouddhisme, le cinéma international profitera de la brèche ainsi ouverte pour proposer dans la foulée des œuvres telles que Kundun ou Sept ans au Tibet. Little Buddha est dédié à Francis Bouygues, qui mourut avant de pouvoir produire le film.

 

© Gilles Penso

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ROCKETEER (1990)

Joe Johnston nous offre un film de super-héros délicieusement rétro inspiré des serials d'antan

THE ROCKETEER

1990 – USA

Réalisé par Joe Johnston

Avec Bill Campbell, Jennifer Connelly, Timothy Dalton, Ed Lauter, Paul Sorvino, Terry O’Quinn, James Handy, Tiny Roy

THEMA SUPER-HEROS

Après un fort sympathique Chérie J’ai rétréci les gosses, Joe Johnston persiste dans le domaine de la comédie fantastique avec Rocketeer qui dégage un délicieux parfum de nostalgie et ravive la flamme des super-héros d’antan. Inspiré de la bande dessinée du même nom créée par Dave Stevens en 1982, elle-même sous influence de quelques serials tels que The Rocket Man, le film se situe en 1938 et met en vedette Cliff Secord (Bill Campbell), un jeune pilote cascadeur. Celui-ci entre par hasard en possession d’une fusée dorsale qui le transforme littéralement en homme volant. Aussitôt, le voilà pris entre les griffes des espions nazis et de la CIA qui veulent absolument lui mettre le grappin dessus.

Le casting du film, judicieux, met en vedette Jennifer Connelly, la splendide héroïne de Phenomena et Labyrinthe, en fiancée du héros, Timothy Dalton, formidable James Bond de la fin des années 80, en acteur fourbe et cabotin à la solde des nazis, et Bill Campbell, jeune premier qui possède toute la fougue et la sympathie nécessaire au rôle-titre, ce qui ne semble guère pourtant avoir joué en sa faveur, car il ne transforma pas vraiment l’essai par la suite (jusqu’à ce que la télévision s’intéresse tardivement à lui, à travers des séries telles que Deuxième chance ou Les 4400). Le film s’amuse à reconstituer quelques apparitions de guest-stars célèbres du Hollywood des années 30, comme Howard Hughes, W.C. Fields, Clark Gable, et même Rondo Hatton, un acteur spécialisé dans les rôles de méchants à cause de la maladie acromégalique qui déformait ses traits, et dont Rick Baker s’est appliqué à reproduire le visage grotesque.

Un homme-fusée en stop-motion

Ancien directeur artistique d’ILM, Joe Johnston a tout naturellement fait appel à ses ex-collègues pour réaliser les effets visuels de son second long-métrage. L’idée initiale était d’utiliser autant que possible un cascadeur costumé pour les scènes de voltige, et de ne recourir à une figurine animée image par image que pour quelques plans larges très furtifs. Mais les temps de préparation interminables des séquences avec le cascadeur et les plans tests très efficaces réalisés en animation par le talentueux Tom Saint Amand réussirent à convaincre la production d’employer les figurines de manière intensive. « J’ai récupéré des photographies de très bonne qualité de l’acteur Bill Campbell en costume, prises sur le plateau », raconte St Amand. « Je m’en suis servi de guide pour la fabrication des deux figurines d’animation de 45 cm de haut que nous avons utilisées dans le film. L’équipe de tournage pouvait ainsi mettre en place un plan avec la première figurine pendant que j’en animais un autre avec la seconde. En moyenne, chaque plan du Rocketeer nous demandait environ une demi-journée d’animation. » (1) Certes, les incrustations sur fond bleu ne sont pas toujours irréprochables (d’indésirables liserés gâchent ainsi certains plans), mais la mise en scène alerte de Johnston et les excellents effets d’animation de St Amand contribuent à conférer aux poursuites aériennes un extraordinaire dynamisme. Spectaculaire comme il se doit, le climax réserve un sort explosif à un gigantesque ballon dirigeable et à Timothy Dalton lui-même, s’écrasant avec panache sur l’enseigne des collines d’Hollywood.

 

(1) Propos recueillis par votre serviteur en septembre 1999.

 

© Gilles Penso

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MATRIX REVOLUTIONS (2003)

Le point final de la trilogie culte créée par les frères Wachowski prend une dimension épique lorsque s'affrontent les humains et les machines

MATRIX REVOLUTIONS

2003 – USA

Réalisé par Larry et Andy Wachowski

Avec Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie Anne Moss, Hugo Weaving, Lambert Wilson, Monica Bellucci 

THEMA MONDES VIRTUELS ET MONDES PARALLELES I ROBOTS I SAGA MATRIX

Troisième volet de la saga Matrix, cette « révolution » accumule dans sa première partie les erreurs des deux films précédents : philosophie de comptoir, dialogues nébuleux, combats répétitifs et dangereuses pertes de rythme. L’élu Néo y végète dans un coma prolongé, tandis que l’agent Smith infiltre la résistance et que les soldats de Zion se préparent à une ultime guerre contre les machines qui les oppressent depuis tant d’années. Passée la première heure du film, l’action explose enfin avec une furie vertigineuse, car l’affrontement tant annoncé entre humains et créatures mécaniques prend une tournure dantesque, proprement époustouflante. En ce sens, Matrix Revolutions nous libère de la frustration engendrée par Terminator 3, lequel expédiait en quelques timides séquences la fameuse guerre hommes/machines. Ici, point de demi-mesure : les guerriers de Zion, engoncés dans des exo-squelettes hérités d’Aliens, se castagnent contre des milliers de sentinelles aux allures de calamars robotiques, tandis que des foreuses géantes dévastent une partie de la cité. Développée sur une bonne demi-heure, cette bataille homérique est l’un des plus gros morceaux d’anthologie de la trilogie.

Mais ce n’est en fin de compte qu’un spectacle pyrotechnique, et Matrix Revolutions parvient heureusement à dépasser cette ambition d’artificier en mettant en place une idée scénaristique audacieuse, qui donne une intéressante tournure au récit. L’agent Smith devenant peu à peu omnipotent, il finit par représenter un danger à la fois pour les humains et pour la Matrice. Sorti de son coma, Néo part donc négocier une trêve avec le dieu des Machines, pour lesquelles l’homme n’est plus qu’une source d’énergie au même titre que la plus vulgaire des piles. A travers cette divinité mécanique (dont la physionomie enfantine s’inspire du visage du neveu d’Andy Wachowski), le terme « Deus ex Machina » prend dès lors tout son sens. Le film s’achève sur un duel nocturne sous une pluie numérique (constituée de lignes de codes issus de la Matrice) plus intéressant du point de vue de son enjeu que de sa visualisation, les combats mi-kung-fu mi-jeu vidéo ayant largement été galvaudés depuis les deux Matrix précédents. Et la conclusion, à la fois triste et pleine d’espoir, s’ouvre sur une nouvelle ère, bâtie sur le corps des nombreux soldats sacrifiés.

Tout est écrit à l'avance

Au fil du récit, les références bibliques et historiques abondent, notamment à travers le nom des lieux, des personnages et des vaisseaux (de Zion à Nabuchodonosor en passant par le Mérovingien et les Séraphs). Dommage que le déterminisme inhérent à la thématique de l’élu entrave le processus d’identification du spectateur, dans la mesure où tout semble déjà écrit et prévu à l’avance, les protagonistes étant réduits à l’état de marionnettes télécommandées par le Destin. Dans ce cas, comment s’impliquer vraiment dans les faits et gestes des protagonistes ? Voilà, probablement, l’un des problèmes majeurs de cette trilogie hautement surestimée. Aussi coûteux que Matrix Reloaded, Matrix Revolutions ne remporta pas le même succès financier. La saga se poursuivit donc sous forme de jeux vidéo et de dessins animés télévisés.

 

© Gilles Penso

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MATRIX RELOADED (2003)

Une poignée de séquences d'action époustouflantes surnagent au milieu d'un océan de philosophie de comptoir dans ce second opus décevant

MATRIX RELAODED

2003 – USA

Réalisé par Andy et Larry Wachowski

Avec Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss, Monica Bellucci, Lambert Wilson, Hugo Weaving

THEMA MONDES VIRTUELS ET MONDES PARALLELES I ROBOTS I SAGA MATRIX

Allez, on recharge la Matrice et c’est reparti pour un tour! Six mois après les événements survenus dans le premier Matrix, Neo (Keanu Reeves), en pleine possession de ses super-pouvoirs, est parvenu à arracher un certain nombre de ses semblables aux griffes des machines. Les « évadés » se sont réfugiés sur Zion, dernier bastion de la résistance humaine. Mais le répit est de courte durée, car une armada de sentinelles robotisées s’apprête à mener un terrible assaut. Pour couronner le tout, le redoutable agent Smith (Hugo Weaving) s’avère désormais capable de se cloner en un nombre infini d’avatars. Selon l’Oracle, le seul espoir réside dans le « fabricant de clefs », un personnage énigmatique que Neo, Morpheus et Trinity vont s’efforcer de retrouver. Au bout de leur quête se poseront deux questions essentielles : qu’est-ce que la Matrice, et qui en est le créateur ?

Le problème principal de cette séquelle est qu’Andy et Larry Wachowski ont déjà tout dit dans le premier film. Par conséquent, le scénario de Matrix Reloaded se met rapidement à tourner à vide, et de larges séquences inutiles viennent faire office de remplissage. Comment interpréter autrement cette espèce de rave party qui n’en finit plus, ou cette interminable discussion sur un banc avec l’Oracle ? Le premier Matrix s’efforçait au moins d’assurer un certain équilibre entre l’action et l’exposition. Ici, pas de commune mesure : dialogues explicatifs et batailles mouvementées ne s’interpénètrent pas mais s’additionnent plutôt sous forme de grands blocs souvent fastidieux. Matrix Reloaded mérite tout de même un visionnage sur grand écran pour deux scènes de combat propres à entrer dans les annales par leur démesure et leur caractère inédit.

Vingt minutes de course-poursuite sur l'autoroute

Dans la première, tournée en vingt-sept journées harassantes, Neo affronte mille exemplaires de l’agent Smith  en même temps, en une lutte vertigineuse et hallucinante qui laisse le souffle coupé. Dans la seconde, protagonistes et antagonistes se bastonnent allègrement au beau milieu d’une autoroute, sautant de véhicule en véhicule, au fil d’une course-poursuite démentielle qui dure vingt bonnes minutes ininterrompues (et qui nécessita trois mois de tournage). Pour les besoins de cette échauffourée autoroutière, General Motors céda à la productions trois cents véhicules promis à d’explosives destructions. Cela dit, étant donné le budget impressionnant du film (cent cinquante millions de dollars dont cent alloués aux seuls effets spéciaux !) et le nombre hallucinant de techniciens sollicités (près de deux mille noms apparaissent au générique !), la qualité des séquences d’action va un peu de soi. Pour le reste, l’attention se relâche régulièrement, et ce ne sont ni Monica Bellucci et Lambert Wilson, guest stars au rôle autant grotesque qu’inutile, ni la très longue explication finale avec l’Architecte (Helmut Bakaitis), confuse et assommante, qui parviennent à relancer l’intérêt. La fin prend la forme d’un cliffhanger s’ouvrant directement sur Matrix Revolutions, troisième et ultime volet d’une fort inégale saga qui fut tourné simultanément à celui-ci et aux séquences live du jeu vidéo « Enter the Matrix ».

 

© Gilles Penso

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UN AMOUR DE SORCIERE (1996)

Une sorte de remake officieux de Ma Sorcière bien aimée avec Vanessa Paradis dans le rôle de la jolie jeteuse de sorts

UN AMOUR DE SORCIÈRE

1996 – FRANCE

Réalisé par René Manzor

Avec Vanessa Paradis, Gil Bellows, Jean Réno, Jeanne Moreau, Dabney Coleman, Katrine Boorman, Malcolm Dixon

THEMA SORCELLERIE

Comme son titre l’indique assez explicitement, Un Amour de sorcière tente de remettre au goût du jour le concept de la série Ma sorcière bien aimée, elle-même inspirée par le roman « Ma Femme est une Sorcière » de Thorne Smith. C’est aussi l’occasion, pour le producteur Christian Fechner, de porter à l’écran l’une de ses plus grandes passions : la magie. Fidèle à ses habitudes, Fechner réunit à cet effet un casting de haut niveau. Vanessa Paradis, Jean Réno et Jeanne Moreau donnent ainsi la réplique au jeune Gil Bellows, future coqueluche de la série Ally McBeal, le tout sous la direction de René Manzor, un réalisateur connu pour sa fantasticophilie (il mit notamment en scène Le Passage et 36-15 code Père Noël). Bellows incarne Michael Firth, un talentueux informaticien venu à Paris pour discuter d’un contrat décisif pour sa carrière. Là, il rencontre la belle Morgane (Paradis) et son fils Arthur, à peine âgé de quelques mois. Or Morgane est une sorcière au service du bien, et Arthur est menacé par les forces du mal représentées par le maléfique Molok (Réno). Pour soustraire son charmant bambin à l’influence du redoutable sorcier, elle doit lui trouver un parrain. Michael est la personne idéale, dans la mesure où il est né, comme l’enfant, un 14 juin à six heures du matin. A l’issue d’une cérémonie occulte, Arthur sera sauvé, mais Michael en ressortira vidé de toute intelligence. C’est ce qu’explique à Morgane sa vénérable grand-mère (Moreau). Or Morgane est en train de tomber amoureuse de Michael…

Paré d’un budget conséquent, Un Amour de sorcière recourt souvent aux effets spéciaux visuels pour donner corps aux pouvoirs magiques de ses protagonistes. « Notre plus grande satisfaction est que le public ne se doute pas une seule seconde que nos plans sont truqués » explique à cet effet Joyce Menger, en charge d’un certain nombre d’effets numériques (1). Mais chaque fois que possible, Fechner fait appel aux techniques des prestidigitateurs afin de capter certaines actions directement devant les caméras. « Quelles que soient les techniques utilisées, la méthode est identique : il faut détourner l’attention du spectateur pour mieux le tromper », raconte Gaëtan Bloom, illusionniste et comédien sollicité pour certains tours de passe-passe sur le tournage. « C’est ce qu’avait déjà parfaitement compris Méliès, qui fut le premier à mixer les tours de magie et les effets spéciaux. » (2).

Le service minimum

Afin de mettre toutes les chances de son côté, l’ambitieux producteur fait de surcroît tourner son film en deux versions, l’une en français, l’autre en anglais sous le titre Witch Way Love (choix qui motiva la présence de comédiens parfaitement bilingues). Hélas, tout ce déploiement de moyens et d’énergies ne joue pas en faveur du film. Artistiquement pauvre, articulé autour d’un scénario excessivement  mièvre et porté par des comédiens assurant le service minimum sans nous laisser l’opportunité de nous intéresser à leurs personnages, Un Amour de sorcière est à mille lieues de la grande comédie fantastico-romantique que l’on escomptait. Le film fut donc un flop, et Fechner s’avéra mieux inspiré lorsqu’il retrouva Vanessa Paradis sous la direction de Patrice Leconte dans La Fille sur le pont.

 

(1) et (2) Propos recueillis par votre serviteur en décembre 1996

 

© Gilles Penso

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