Archives des Films - Films Fantastiques

ELMER LE REMUE-MÉNINGES (1987)

Le réalisateur de Frère de Sang mixe une fois de plus le gore et le burlesque sans la moindre modération

BRAIN DAMAGE

1987 – USA

Réalisé par Frank Henenlotter

Avec Gordon Mac Donald, Jennifer Lowry, Rick Hearst, Theo Barnes, Lucille Saint-Peter, Vicki Darnell, Joseph Gonzalez, Bradlee Rhodes

THEMA MUTATIONS

Fort du succès underground de son très étonnant Frère de Sang, Frank Hennelotter en reprend plusieurs éléments scénaristiques pour composer ce non moins surprenant Brain Damage, notamment l’idée d’un jeune protagoniste masculin et de ses rapports amour/haine avec un parasite monstrueux qui lui colle à la peau. Cette fois-ci, le cinéaste peut délaisser le format 16 mm au profit du 35 mmm, ce qui lui permet d’obtenir un rendu visuel moins granuleux que sur Frère de Sang. Elmer est une bestiole échappant à toutes les normes zoologiques établies. Gros comme un chaton, il a vaguement la forme d’un étron pustuleux orné de deux petits yeux malicieux et d’une bouche carnivore capable de s’ouvrir démesurément pour révéler une impressionnante rangée de crocs, de crochets et d’aiguilles.

Ce charmant animal de compagnie, qui aurait traversé les âges en passant entre les mains de plusieurs personnages historiques, a finalement échu chez un couple de vieux excentriques dans un appartement new-yorkais. Très attachés à lui, ces derniers écument les meilleures boucheries du quartier pour lui fournir sa pitance préférée : des cervelles bien dodues. Un jour, en quête de repas plus frais, Elmer s’échappe et s’installe chez leur voisin, le jeune Brian. Tous deux concluent un pacte tacite : Brian aide Elmer à trouver des victimes dont le cerveau est encore palpitant, et Elmer permet à Brian de vivre des trips bien plus enivrants que ceux que procurent les drogues traditionnelles. Car en plantant l’une de ses aiguilles bucales dans la nuque de Brian, Elmer distille directement dans son cerveau un étrange liquide bleuté et lui permet de vivre des moments hallucinatoires d’une incroyable intensité. Peu à peu, Brian a de sérieux remords et décide de cesser cette étrange association. A partir de là, évidemment, les choses se gâtent…

Un défouloir accumulant les séquences gore excessives

Même s’il tente une satire acerbe de la drogue et de la jeunesse new-yorkaise paumée, Henenlotter semble surtout avoir conçu son film comme un défouloir, accumulant les séquences gore excessives. Notamment une fellation d’un genre très spécial où Elmer entre dans la bouche d’une jeune fille pour lui dévorer le cerveau (une séquence qui fut coupée pour l’exploitation du film sur grand écran et sa première sortie en vidéo, puis réintégrée par la suite), ou une scène onirique au cours de laquelle des litres de sang s’écoulent de l’oreille de Brian. Tour à tour marionnette mécanique ou figurine animée image par image, Elmer est la grande réussite du film, les acteurs humains qui lui donnent la réplique s’avérant, eux, plutôt catastrophiques. Elmer le Remue-Méninges est donc un OVNI, une curiosité mixant gore et burlesque, conforme au reste de l’œuvre de son atypique réalisateur. On pourrait presque évoquer un « Hennelotter Cinematic Universe », dans la mesure où Elmer et Frère de Sang semble se dérouler dans la même réalité, comme le confirme ce clin d’œil savoureux le temps d’une séquence où Brian croise dans le métro Duane Bradley (héros du film précédent) transportant son fameux panier d’osier !

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Films

EN EAUX TROUBLES (2018)

Jason Statham affronte un mégalodon à côté duquel même le requin des Dents de la Mer ressemble à une sardine !

THE MEG

2018 – USA

Réalisé par John Turteltaub

Avec Jason Statham, Li Bingbing, Rainn Wilson, Ruby Rose, Winston Chao, Shuya Sophia Cai, Cliff Curtis

THEMA MONSTRES MARINS

Jason Statham qui affronte un requin gros comme un building dans un mixage des Dents de la Mer et de Abyss tiré d’un best-seller des années 90. Comment ne pas être séduit par un tel concept ? Tous les clichés d’usage se bousculent joyeusement sans le moindre complexe, autour d’un motif scénaristique usé jusqu’à la corde : le héros dur à cuire qui, après un trauma exposé en début de film, coule des jours paisibles dans un coin exotique, loin de toutes responsabilités, mais accepte de reprendre du service lorsqu’il est le dernier espoir d’une mission quasi-impossible. Il s’agit en l’occurrence d’aller sauver son ex-femme et ses deux co-équipiers, coincés à l’intérieur de leur submersible dans des profondeurs insondables et menacés par une créature inconnue que notre héros, lui, a déjà affronté. À l’époque, personne ne croyait ce qu’il clamait à tue-tête à propos de ce monstre marin titanesque. Mais aujourd’hui, il faut bien se rendre à l’évidence : il avait raison.

Il y a donc un peu de “Moby Dick” dans ce blockbuster composite aux allures de direct to vidéo au budget colossal. Par ailleurs, notre héros s’appelle Jonas, une petite allusion biblique pas très subtile mais assez drôle. Le monstre, lui, n’apparaît qu’au bout de 35 minutes, mais l’attente des spectateurs est franchement récompensée. Il s’agit d’un mégalodon (« meg » pour les intimes) de 25 mètres de long, qui traverse l’écran avec autant d’ampleur que le stardestroyer de Dark Vador. On croyait son espèce disparue depuis la préhistoire. Encore une fois, on se trompait. Peu avare en références, The Meg puise donc au passage quelques idées du côté de Jurassic Park. L’esprit de Michael Crichton n’est d’ailleurs pas loin au fil de ce récit mouvementé, la finesse et la rigueur scientifique en moins. Le T-rex était attiré par le bruit ? Qu’à cela ne tienne : le mégalodon l’est par la lumière et les vibrations (une idée pas plus absurde qu’une autre dans le monde du silence). D’où quelques moments de suspense intéressants construits autour de ce postulat bien pratique pour des scénaristes en totale roue libre.

« Il n'est pas question que je me fasse bouffer par un poisson préhistorique ! »

Dans ces abysses inexplorées, d’autres créatures étranges évoluent sous les yeux ébahis des protagonistes et des spectateurs, comme un calamar géant digne de 20 000 lieues sous les mers. Désireux de multiplier les images iconiques mémorables – toujours bienvenues pour alimenter efficacement les bandes annonces – le film de John Turteltaub nous offre la vision très impressionnante d’une fillette dans une station océanographique qui, devant une grande baie vitrée, fait face à la gueule démesurée du monstre, ou cette scène d’attaque sur une plage chinoise bondée qui donne au film les allures d’un Dents de la Mer gonflé aux hormones. Les séquences d’action survitaminées, la romance improbable, la violence soft, le sens du sacrifice sont au menu de The Meg, qui s’agrémente en outre de dialogues plein de lyrisme. Nos favoris ? « L’homme contre le meg, c’est pas une bataille, c’est un carnage », « il y a un monstre, et il nous regarde », « il n’est pas question que je me fasse bouffer par un poisson préhistorique », « prends ça dans les dents, saloperie de charogne », ou encore le très poétique « t’es peut être un fils de pute mais t’es pas un trouillard. » Nous ne sommes pas loin de la verve des Serpents dans l’avion, ce qui permet de situer assez justement les ambitions du film.

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Films

LE SPECTRE DE FRANKENSTEIN (1942)

Boris Karloff cède son maquillage à Lon Chaney Jr pour une troisième suite délirante des aventures de Frankenstein

THE GHOST OF FRANKENSTEIN

1942 – USA

Réalisé par Erle C. Kenton

Avec Lon Chaney Jr, Bela Lugosi, Lionel Atwill, Sir Cedric Hardwicke, Evelyn Ankers, Dwight Frye, Ralph Bellamy

THEMA FRANKENSTEIN I SAGA UNIVERSAL MONSTERS

A la fin du Fils de Frankenstein, le monstre incarné par Boris Karloff était précipité dans un puits de souffre en fusion et le sinistre bossu Ygor (Bela Lugosi) passait de mort à trépas. Comment produire une séquelle dans de telles circonstances ? Pas d’inquiétude : tout ce beau monde se retrouve sain et sauf – au mépris de la logique la plus élémentaire – dans ce Spectre de Frankenstein rocambolesque. Souhaitant en découdre une bonne fois pour toutes avec la malédiction du savant et de son monstre, les habitants du village de Frankenstein dynamitent son château, avec l’aval d’un maire qui ne pense qu’à sa réélection, et malgré les gravats jetés du haut des tours par un Ygor en pleine forme se prenant par Quasimodo. Le château (une très belle maquette) explose donc, mais des débris émerge bientôt une main qui projette son ombre gigantesque sur le mur face à Ygor : celle du monstre. Ce qui nous laisse imaginer que ce bon vieux docteur Frankenstein n’a pas seulement trouvé le moyen de ranimer les morts mais a également percé le secret de la vie éternelle. Comment expliquer autrement les résurrections successives d’une créature décidément indestructible ? Préservé par le souffre, le monstre s’échappe avec Ygor avant la destruction totale du château. Dans les bois, il est frappé par la foudre, qui semble soudain raviver ses forces. « Frankenstein était ton père, mais la foudre était ta mère ! » s’exclame alors Ygor. Ce dernier n’a désormais qu’une idée en tête : faire transplanter son cerveau dans le corps du monstre. Dans ce but, il contacte le docteur Theodore Bohmer (Lionel Atwill, qui fut l’inspecteur de police manchot du film précédent), adjoint et rival du fils cadet du célèbre savant, lequel est interprété par Sir Cedric Hardwicke et répond au doux nom de Ludwig Von Frankenstein.

Au moment de lancer ce quatrième opus de la saga Frankenstein, Universal se heurte à un problème épineux: Boris Karloff refuse de jouer à nouveau le rôle de la créature dans ce quatrième opus, déçu par la tournure que prend le personnage. Le studio décide alors de le remplacer par Lon Chaney Jr, promu star de l’épouvante depuis ses rôles monstrueux dans Le Loup-Garou et La Tombe de la Momie. Le visage de Chaney, rondouillard et un brin empâté, laisse moins transparaître que Karloff la détresse et la candeur du monstre, même si Jack Pierce lui applique un maquillage identique à celui des trois films précédents. C’est la preuve irréfutable que le succès du design d’une telle créature repose autant sur le talent du maquilleur que sur l’incarnation du comédien. En ce sens, le travail conjoint – et quasiment fusionnel – de Pierce et Karloff reste à ce jour imbattable.

Un nouveau visage pour le monstre

Au détour du casting, on note la présence de Dwight Frye, ex-assistant bossu de Frankenstein dans le tout premier film de la série, devenu ici chef de village. Alors que le second fils de Frankenstein souhaite détruire le monstre en le démembrant, le fantôme de son père lui apparaît dans une scène surprenante (ce qui justifie le titre du film) et lui demande de poursuivre ses travaux. Ludwig envisage alors de doter la créature du cerveau du docteur Kellerman, l’une des victimes du monstre, mais c’est finalement la cervelle d’Ygor qui atterrira dans le crâne de la créature. La transplantation est une réussite exemplaire, mais les effets secondaires ne tardent pas à se manifester et à précipiter la chute du monstre et l’incontournable brasier purificateur… Jusqu’au prochain épisode, bien sûr.

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Films

SLEEPY HOLLOW, LA LÉGENDE DU CAVALIER SANS TÊTE (1999)

Le premier « vrai film d'horreur » de Tim Burton est un hommage direct aux productions gothiques de la Hammer

SLEEPY HOLLOW

1999 – USA

Réalisé par Tim Burton

Avec Johnny Depp, Christina Ricci, Miranda Richardson, Michael Gambon, Casper Van Dien, Lisa Marie, Christopher Lee

THEMA FANTÔMES I SAGA TIM BURTON

Créateur des effets spéciaux de maquillage de La Revanche de Freddy, Jeu d’Enfant et Les Contes de la Crypte, Kevin Yagher développe à la fin des années 90 le projet d’un film qui s’inspirerait de la nouvelle « La Légende du Val Dormant » écrite en 1820 par Washington Irving. Il co-écrit donc un scénario avec l’aide du futur auteur de Seven Andrew Kevin Walker et fait le tour des studios hollywoodiens, en vain. Personne ne semble s’intéresser à ce cavalier fantôme sans tête jusqu’à ce que Tim Burton ait vent du projet. Après avoir assisté impuissant au massacre de la franchise Batman par Joel Schumacher et avoir tenté en vain de porter à l’écran une aventure inédite de Superman avec Nicolas Cage, Burton cherche à retrouver ses amours premières. Il voit dans Sleepy Hollow la possibilité de réaliser son premier vrai film d’horreur tout en rendant hommage aux classiques de l’épouvante produits par la compagnie britannique Hammer dans les années 60, ainsi qu’à d’autres œuvres phares de la même époque comme Le Masque du Démon de Mario Bava. Kevin Yagher reste rattaché au projet en tant que créateur des maquillages spéciaux et co-producteur. Un autre nom prestigieux vient compléter l’équipe de production : Francis Ford Coppola.

Le récit démarre dans le New York de 1799. Johnny Depp incarne Ichabod Crane, un inspecteur de police en bute à l’autorité car les méthodes d’enquête utilisées par ses pairs lui semblent archaïques et dépassées. Gêné par cet individu embarrassant, un juge austère (Christopher Lee) décide d’envoyer Crane enquêter dans le petit village de Sleepy Hollow, frappé par trois meurtres successifs. Toutes les victimes ont été décapitées et leurs têtes ayant disparu. La légende locale affirme que le coupable est le « Cavalier sans tête ». Missionné pour maintenir le peuple américain sous le joug de l’empire britannique, ce mercenaire sanguinaire aux dents taillées en pointe fut décapité et enterré par des soldats au cours de l’hiver 1779. Mais désormais, on murmure que son fantôme erre dans les bois. Bien sûr, notre policier n’apporte aucune foi à ces racontars. Mais la suite des événements va mettre à mal son cartésianisme et son approche scientifique. A travers son antagoniste spectral incarné par Christopher Walken, Tim Burton construit des séquences parfois assez éprouvantes, comme lorsque le monstre vient décapiter un couple et leur jeune enfant à coup de hache ! Le film s’avère d’ailleurs particulièrement sanglant, multipliant les gros plans de têtes coupées, les bras tranchés, les corps empalés et les morts violentes. En d’autres moments, les visions d’horreur sont burlesques, comme cette sorcière qui hurle et dont les yeux sortent des orbites (équivalent numérique des trucages en stop-motion de Pee-Wee et Beetlejuice). Même s’il n’est pas spécialement à l’aise avec les séquences d’action, Burton parvient à concocter quelques poursuites très mouvementées au cours desquelles chevaux et carrioles filent à vive allure dans les bois nocturnes et embrumés.

À mi-chemin entre la terreur et le burlesque…

Du côté du casting, quelques nouveaux visages viennent intégrer l’univers du cinéaste, notamment Christina Ricci (que Burton décrit comme un croisement entre Peter Lorre et Bette Davis !) et Casper Van Dien (tout juste échappé de Starship Troopers et de Tarzan et la Cité Perdue). Mais le cinéaste aime aussi retrouver ses fidèles comédiens, offrant une apparition en forme de clin d’œil à Martin Landau et à Lisa Marie et proposant une fois de plus le rôle principal à Johnny Depp. « Pour moi, le seul vrai ingrédient indispensable aux films de Tim Burton est Tim Burton lui-même », avoue le comédien. « Peu importent le casting ou l’équipe. La signature de Tim est toujours là. » (1) Loin de la naïveté et de la candeur des personnages qu’il incarnait dans Edward aux Mains d’Argent et Ed Wood, Depp se prête ici aux facéties d’un personnage dont le fort potentiel comique ne semble pas totalement assumé. Pas assez drôle pour susciter le rire, trop exubérant pour être pris au sérieux, son Ichabod Crane devient agaçant sans vraiment susciter l’identification des spectateurs. Le scénario s’encombre en outre d’une quantité astronomique de dialogues explicatifs qui n’en finissent plus de justifier les faits et gestes des personnages et de commenter tous les rebondissements de l’intrigue. C’est donc sur l’aspect purement visuel que le film se rattrape, Sleepy Hollow se distinguant par la qualité de sa mise en forme, sa somptueuse atmosphère gothique, sa très belle photographie aux tons désaturés et ses décors tourmentés. « Construire un décor de cinéma a quelque chose de magique, notamment lorsqu’on joue avec de fausses perspectives, comme dans Sleepy Hollow », témoigne Tim Burton. « Certains arbres d’arrière-plans étaient conçus à des échelles de plus en plus réduites, pour accentuer l’effet de profondeur. D’autres avaient des formes de personnages effrayants. » (2) Une grande partie de ce rendu visuel est à mettre au crédit du directeur artistique Rick Heinrichs, dont le défi consiste ici à détourner les codes du style expressionniste pour les adapter à un environnement colonial. On se souviendra notamment de ce superbe arbre des morts qui saigne quand on l’entaille et sous l’écorce duquel sont cachées toutes les têtes coupées ou de ce grand moulin décrépi qui se réfère au Frankenstein de James Whale.

(1) Propos recueillis par votre serviteur en janvier 2008

(2) Propos recueillis par votre serviteur en mars 2012

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Films

L’INVASION DES PROFANATEURS DE SÉPULTURES (1956)

En pleine guerre froide, le réalisateur de L'Inspecteur Harry signait l'un des films les plus paranoïaques de tous les temps

INVASION OF THE BODY SNATCHERS

1956 – USA

Réalisé par Don Siegel

Avec Kevin McCarthy, King Donovan, Dana Wynter, Larry Gates, Carolyn Jones, Ralph Dumke, Jean Willes, Virginia Christie

THEMA EXTRA-TERRESTRES I VEGETAUX I SAGA BODY SNATCHERS

Deux médecins sont déconcertés par d’étranges évènements se produisant dans leur ville de Santa Mira, en Californie. Certains de leurs patients ne reconnaissent plus leurs proches parents. Après la découverte du corps de leur ami Jack dont le visage est inachevé, les deux médecins doivent se rendre à l’évidence : la ville est envahie par des extra-terrestres qui imitent l’apparence humaine. Il est difficile de ne pas lire en filigrane de ce récit – et du roman de Jack Finney dont il s’inspire – une parabole de l’invasion communiste telle que la craignait l’Amérique des années 50. Cette paranoïa très populaire à l’époque, selon laquelle les « rouges » tenteraient de polluer insidieusement les esprits jusqu’à modifier le comportement des gens, pouvait-elle trouver meilleure métaphore que ces aliens végétaux se déguisant sous les traits de nos semblables pour mieux nous envahir de l’intérieur ? Finney a toujours rejeté les accusations d’anticommunisme dont son livre fut l’objet. Lucide, le réalisateur Don Siegel s’attendait lui aussi à une lecture de son film sous un prisme politique. Il s’efforça donc autant que possible d’évacuer tout caractère idéologique pour se concentrer sur l’argument de science-fiction lui-même et sur la tension extrême qu’il génère. De ce point de vue, L’Invasion des Profanateurs de Sépultures est une réussite exemplaire.

Tourné en moins de vingt jours, selon un planning serré et avec un rythme soutenu, le film communique au public ce sentiment d’urgence permanent et suscite une empathie désespérée avec Miles Bennell, campé par un Kevin McCarthy habité par son rôle. Les traits de plus en plus défaits, le regard fou, le visage déformé par des gros plans fortement contrastés, il lutte contre le sommeil qui le transformerait lui aussi en créature sans âme, en coquille vidé errant sans but sur une planète devenue terre d’asile de zombies n’ayant plus d’humains que l’apparence. « Sleep no more ! » (« Ne dormez plus ! ») : cette phrase en forme d’avertissement qui faillit être le titre du film, peut se lire au second degré comme une invitation à rester en éveil pour ne pas se plier à un conformisme privant l’individu de son libre-arbitre et se marginalité. La phrase sera reprise telle quelle dans Les Griffes de la Nuit par un Wes Craven tout à fait conscient de son double sens.

« Ne dormez plus ! »

L’une des scènes les plus mémorables de L’Invasion des Profanateurs de Sépultures est justement celle où Miles s’apprête à embrasser sa bien-aimée pour réaliser avec horreur que sa réaction est dénuée de la moindre émotion. Plus de passion, plus de colère, plus d’étincelle… Le film aurait dû s’achever sur un ultime sursaut pessimiste, McCarthy, hagard sur l’autoroute, se tournant vers la caméra en hurlant : « vous êtes le prochain ! ». Mais les producteurs, rétifs à cette noirceur sans appel, imposèrent à Don Siegel un flash-back apaisant très discutable – et très peu cohérent. Philosophe, Siegel en fera une boutade, affirmant que les cosses extraterrestres ne symbolisent définitivement pas la menace communiste mais l’uniformisation imposée par les cadres des studios hollywoodiens.

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Films

GREYSTOKE, LA LÉGENDE DE TARZAN (1984)

Christophe Lambert incarne l'un des Tarzan les plus réalistes et les plus mémorables de l'histoire du cinéma

GREYSTOKE, THE LEGEND OF TARZAN LORD OF THE APES

1984 – GB

Réalisé par Hugh Hudson

Avec Christophe Lambert, Andie MacDowell, Ian Holm, Ralph Richardson, James Fox, Cheryl Campbell, Ian Charleson

THEMA EXOTISME FANTASTIQUE I SAGA TARZAN

Jusqu’au début des années 80, le personnage de Tarzan était indissociable de Johnny Weissmüller, poussant son inimitable cri en se balançant de liane en liane, affrontant des crocodiles en caoutchouc à coup de couteau, séduisant la belle Jane en peaux de bêtes affriolantes et jouant avec son inséparable chimpanzé Cheetah. Lorsque les mentalités se modifièrent et que l’Afrique échappa à l’imagerie d’Epinal véhiculée par les colons britanniques, le mythe de Tarzan perdit de sa saveur… Jusqu’à sa résurrection flamboyante dans Greystoke, un magnifique plaidoyer opposant une nature sensible à une civilisation hypocrite.

Artisans de cette renaissance, le scénariste Robert Towne (Chinatown) et le réalisateur Hugh Hudson (Les Chariots de Feu) prirent le parti d’un réalisme absolu, en opposition aux aventures fantastico-épiques des films précédents. L’intrigue prend place en 1886. Suite à un naufrage, Lord John Clayton et son épouse Alice trouvent refuge au beau milieu de la jungle africaine, où ils se bâtissent une cabane précaire. En donnant naissance à son fils, Alice succombe, et John est tué peu après en affrontant un singe agressif. Le bébé est dès lors recueilli par une peuplade de chimpanzés qui l’élève comme l’un des leurs. Vingt ans plus tard, le capitaine Philippe d’Arnot, membre d’une expédition zoologique en grande partie décimée par une attaque de pygmées, découvre cet homme élevé parmi les singes. Reconnaissant en lui le fils de feu John Clayton, il le convainc de le suivre jusqu’en Angleterre. Là, l’homme-singe fait la connaissance de son grand père excentrique, Lord Greystoke, et de sa délicieuse cousine Jane…

Satire sociale et singes en latex

Le film aborde ainsi le célèbre mythe sous l’angle de la satire sociale, peignant un portrait vitriolé de l’aristocratie britannique colonialiste du 19ème siècle. Le plus savoureux, en la matière, est la capacité d’adaptation de l’homme sauvage à cette société précieuse et ampoulée. Il lui suffit pour cela d’utiliser les dons de mimétisme qu’il a appris parmi les singes, preuve que le nouveau monde qu’il découvre n’est fait que d’apparats et de simulacres. Une grande partie de la réussite de Greystoke repose sur son casting éblouissant. Aux côtés des interprétations délectables de Sir Ralph Richardson (vénérable sorcier dans Le Dragon du Lac de Feu) et Ian Holm (futur Bilbo du Seigneur des Anneaux), on découvre deux visages alors inconnus : Christophe Lambert, époustouflant en homme-animal pris entre deux mondes antithétiques, et Andie MacDowell, dont les sourires radieux exhalent une sensualité indicible. Le pied à l’étrier, tous deux poursuivront d’importantes carrières internationales, mais ils ne retrouveront que rarement l’intensité des rôles qu’ils jouèrent dans cette œuvre-phare. Le film bénéficie aussi des créations incroyables du maquilleur Rick Baker, concevant les faux singes les plus réalistes de l’histoire du cinéma (il se surpassera lui-même à l’occasion de Gorilles dans la brume). La partition pleine d’emphase de John Scott, les magnifiques extérieurs africains mis en lumière par John Alcott et le déchirant dénouement achèvent de porter aux nues ce Greystoke, qui bouleversa à tout jamais la légende imaginée par Edgar Rice Burroughs.

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Films

AUSTIN POWERS DANS GOLDMEMBER (2002)

Le troisième opus de la saga Austin Powers transporte l'agent secret parodique au beau milieu des années disco !

AUSTIN POWERS IN GOLDMEMBER

2002 – USA

Réalisé par Jay Roach

Avec Mike Myers, Beyoncé Knowles, Seth Green, Michael York, Robert Wagner, Mindy Sterling, Verne Troyer, Michael Caine

THEMA ESPIONNAGE ET SCIENCE-FICTION I VOYAGES DANS LE TEMPS I SAGA AUSTIN POWERS

C’était à craindre : la mayonnaise ne peut pas prendre à tous les coups. Après un premier épisode savoureux et une séquelle hilarante, la franchise Austin Powers s’épuise avec ce troisième volet en sérieuse perte de vitesse. Plus vraiment d’histoire, pas beaucoup de rythme, bon nombre de gags repris littéralement aux deux films précédents… Tel est le triste constat de ce Goldmember. Pourtant, ce ne sont pas les bonnes idées qui manquent, et une poignée de scènes prodigieuses font encore mouche. C’est le cas de ce prégénérique démentiel parodiant les films d’espionnage des années 2000 (les James Bond avec Pierce Brosnan, bien sûr, mais aussi les Mission Impossible et les Charlie’s Angels). Ce prologue s’avère être un extrait de « Austinpussy », un film hollywoodien censé adapter les aventures d’Austin Powers, d’où l’impressionnante intervention de guest stars de luxe (Tom Cruise dans le rôle de Powers, Kevin Spacey dans celui du docteur Denfert, Danny de Vito en Mini-Me, Gwyneth Paltrow sous la défroque de la plantureuse Dixie Nomous et Steven Spielberg derrière la caméra !). Nous découvrons ensuite les « vrais » Denfert et Mini-Me qui s’évadent de la prison où ils croupissaient pour faire équipe avec Goldmember, un mégalomane hollandais hideux qui s’inspire évidemment du personnage incarné par Gert Froebe dans Goldfinger. C’est Mike Myers qui incarne ce nouveau vilain pittoresque, ajoutant ainsi un quatrième personnage à son palmarès. Pour pouvoir dominer le monde, ils utilisent une machine à voyager dans le temps et kidnappent Nigel Powers, le propre père d’Austin.

L’une des idées géniales du film est de donner ce rôle à Michael Caine, héros de films d’espionnages anglais musclés dans les années 70, qui se parodie lui-même avec une bonne humeur communicative. Autre joie du casting : la présence de la chanteuse Beyoncé Knowles dans le rôle de l’inspecteur Foxxy Cleopatra (hommage aux héroïnes que Pam Grier incarna en pleine vogue de la blaxploitation), avec qui Austin Powers fait équipe après avoir remonté le temps jusqu’en 1975. Véritable révélation de Goldmember, Beyoncé crève l’écran dès sa première apparition en entonnant la chanson du titre, excellent mixage de plusieurs tubes funky des seventies.

L'épisode de trop ?

Malheureusement, toutes ces trouvailles, au lieu de servir un scénario digne de ce nom, ne font que s’additionner sans rigueur et perdent ainsi beaucoup de leur impact. Du coup, même si quelques gags font encore mouche (les élucubrations grotesques de Goldmemeber, la scène des câbles avec Gras-Double, les sous-titres chez l’industriel japonais, la séquence du Manneken-Pis, la parodie de clip de rap avec Dr Evil et Mini-Me en prison), le résultat reste très en deçà des deux précédents épisodes. On note que le montage initial de Jay Roach durait trois bonnes heures. Pour ramener le film à une durée plus raisonnable de 95 minutes, le réalisateur a dû expurger bon nombre de séquences, notamment une apparition de Heather Graham (héroïne du film précédent), plusieurs numéros musicaux et même une allusion au Bateau de Wolfgang Petersen.

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Films

LA MAUVAISE GRAINE (1956)

Ne vous fiez pas à son regard d'ange : voici l'ancêtre de tous les enfants maléfiques de l'histoire du cinéma !

THE BAD SEED

1956 – USA

Réalisé par Mervyn LeRoy

Avec Patty McCormack, Nancy Kelly, Henry Jones, William Hopper, Eileen Heckart, Jesse White, Evelyn Varden

THEMA ENFANTS

Tiré de la pièce de théâtre homonyme de Maxwell Anderson, La Mauvaise Graine est le mètre étalon du film mettant en scène un enfant maléfique, la référence indiscutable en la matière. « Pour la petite Rhoda, le meurtre est un jeu d’enfant » déclarait l’affiche de l’époque, annonçant ainsi la couleur. Fille du respectable colonel Kenneth Penmark et de la douce et pédagogue Christine, Rhoda est une gamine de huit ans qui présente toutes les caractéristiques de l’enfant modèle. Polie, intelligente, bonne élève, coiffée de nattes et vêtue de jolies robes printanières, elle fait la fierté de son entourage. La gardienne Monica, notamment, se laisse tant attendrir par Rhoda qu’elle la gâte sans vergogne.

Mais très tôt, on sent bien que quelque chose cloche. Les premiers indices nous sont livrés par la partition d’Alex North, qui tisse autour de la comptine « Au clair de la lune » d’inquiétantes variations. Christine elle-même nourrit un étrange pressentiment sans pouvoir le définir clairement. Le drame se noue au cours d’un pique-nique pour enfants. Claude, un petit garçon de huit ans, y meurt noyé. La thèse de l’accident est adoptée à l’unanimité, mais certains détails s’avèrent troublants. Notamment la médaille d’or de dissertation, que portait le malheureux et qui a disparu. Une médaille que convoitait ardemment Rhoda. Au fond d’elle, Christine sait l’atroce vérité : sa petite fille a frappé Claude à coups de pieds et l’a noyé elle-même ! Mais aucune preuve ne vient confirmer cette hypothèse, et Rhoda échafaude des mensonges à la perfection. Seul Leroy, homme à tout faire simple d’esprit, a tout de suite vu clair dans le jeu de la tueuse en jupette. « Elle peut bien se faire admirer et adorer par tout le monde, avec ses airs d’ange descendu sur la Terre », marmonne-t-il. « Mais avec moi ça ne prend pas ! »

Les racines du mal

Plus l’intrigue avance, plus l’angoisse grandit, d’autant que Rhoda semble avoir déjà assassiné par le passé une vieille voisine afin de récupérer une boule de cristal. La jeune « héroïne » personnifie ainsi le caprice poussé à son paroxysme. Un terrible secret de famille vient bientôt porter un semblant d’explication, posant en substance la question de l’origine du mal. Est-il héréditaire ou contextuel ? Inné ou acquis ? Passionnant d’un bout à l’autre, doté d’une écriture excellente et d’acteurs forts convaincants, La Mauvaise Graine souffre en revanche d’une mise en scène excessivement académique, n’osant jamais trahir le matériau théâtral initial au point de privilégier à outrance les plans-séquence statiques, les cadres larges et les dialogues démonstratifs. Mervyn LeRoy assure ainsi le service minimum, et l’on rêve de ce qu’un Alfred Hitchcock ou un Orson Welles auraient pu tirer d’un tel récit. Autre regret : un dénouement bizarre qui multiplie les rebondissements vaudevillesques avant d’asséner au public une chute moralisatrice de fort mauvais aloi. A vrai dire, le film aurait gagné à s’arrêter une séquence plus tôt. Malgré ces réserves, La Mauvaise Graine mérite pleinement son statut de classique et engendra une effrayante descendance de têtes blondes homicides.

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Films

DRACULA 3D (2012)

Le maestro Dario Argento tente de redorer son blason en revisitant Bram Stoker en relief…

DRACULA 3D

2012 – ITALIE

Réalisé par Dario Argento

Avec Thomas Kretschmann, Asia Argento, Rutger Hauer, Marta Gastini, Unax Ugalde, Miriam Giovanelli

THEMA DRACULA I VAMPIRES I SAGA DARIO ARGENTO

Dario Argento aux commandes d’une énième version de Dracula vendue principalement sur ses effets 3D ? Il y avait de quoi s’inquiéter. Car le maestro est tombé bien bas depuis la fin des années 90, signant des œuvres de plus en plus mineures malgré quelques rares coups d’éclat (Le Sang des Innocents par exemple). Dès le générique de Dracula 3D, nos craintes semblent se confirmer. L’image numérique signée Lucianio Tovoli (franchement peu esthétique) et la musique excessive de Claudio Simonetti (avec des passages au thérémin qui évoquent presque le cinéma d’Ed Wood) ne laissent rien présager de bon.

Le film s’ouvre sur les ébats amoureux de Milos (Christian Burruano) et Tania (Miriam Giovanelli) dans une grange, une nuit d’orage (la « nuit de Walpurgis » qui effraie visiblement tous les superstitieux de la région). Quand elle rentre chez elle, la jeune femme est attaquée dans les bois par un hibou vampire qui la mord au cou ! Car le Dracula d’Argento ne cesse de se transformer au cours du film, par l’entremise de trucages numériques pas vraiment convaincants. Passe encore lorsque le comte vampire se mue en loup, mais que dire de sa métamorphose en nuée de mouches ou en mante religieuse géante ? L’intrigue retrouve les grandes lignes du récit de Bram Stoker, avec l’arrivée de Jonathan Harker (Unax Ugalde) dans le village de Passburg pour officier comme bibliothécaire au service de Dracula, sur les recommandations de Lucy Kisslinger (Asia Argento), puis le surgissement d’un Renfield dément (Giovanni Franzoni) qui tue un villageois en lui plantant une pelle dans la tête et arrache l’oreille d’un autre à coups de dents, et enfin l’arrivée très tardive (au bout d’une heure dix de métrage) d’un Rutger Hauer fatigué dans le rôle du chasseur de vampires Abraham Van Helsing.

Un loup, des mouches et une mante religieuse géante…

Sous la cape d’un Dracula plus en retenue qu’à l’accoutumée, Thomas Kretschmann propose une prestation plutôt intéressante. Mais les pouvoirs de super-héros dont Argento l’affuble le privent de la moindre crédibilité. Comme dans cette scène bizarre où le vampire intervient au milieu d’une réunion de notables du village qui désirent briser le pacte qu’ils ont conclu avec lui. Il se déplace soudain en accéléré comme Flash. Puis des griffes à la Wolverine poussent sur ses doigts, avec lesquelles il égorge un homme et en décapite un autre. Il arrache ensuite la gorge d’un troisième à coups de dents, et plante une épée dans le corps d’un quatrième. Quant au cinquième, il retourne son propre pistolet contre lui-même et se tire une balle dans la tête. On aurait rêvé que le Dario Argento baroque des années 70/80, celui de Suspiria et Inferno, s’empare d’un tel sujet pour le transcender. Mais le cinéaste se contente d’une image froide et d’une mise en scène distanciée, privilégiant les plans larges théâtraux, comme s’il ne parvenait pas à s’impliquer pleinement dans le film, signant une mise en forme proche de celle des téléfilms des années 90. Et lorsque le sang jaillit à l’écran, le cinéaste se sent obligé d’appuyer chaque effet par des trucages numériques, amenuisant l’impact des scènes horrifiques de son film au point de les doter d’une imagerie aseptisée de jeu vidéo.

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Films

LE RETOUR DE GODZILLA (1955)

Le deuxième épisode de la saga Godzilla confronte le dinosaure atomique à une sorte de hérisson préhistorique géant…

GOJIRA NO GYAKUSHY

1955 – JAPON

Réalisé par Motoyomi Odo

Avec Hiroshi Koizumi, Setsuo Wakayama, Mindru Chiaki, Yukio Kasama, Takashi Shimura, Mayuri Mokusho

THEMA DINOSAURES I SAGA GODZILLA

L’intrigue de cette séquelle immédiate de Godzilla, mise en production dans l’urgence suite au succès inespéré du premier opus, démarre sans s’embarrasser de long prologue. Deux jeune pilotes au service d’une compagnie d’exportation de poisson y survolent la mer. Alors qu’ils scrutent les eaux, à la recherche de nouveaux bancs de thons, l’un d’eux est frappé par une avarie en plein vol et se pose d’urgence sur une île inhabitée. Tandis que son collègue vient à son secours, les deux aviateurs aperçoivent deux énormes monstres préhistoriques qui s’affrontent sauvagement. Le gigantisme de ces bêtes en noir et blanc, dont l’échine reptilienne se découpe derrière de massifs rochers, évoque les pugilats du classique Tumak fils de la jungle qui inspira dès sa sortie en 1940 moult films d’aventure préhistoriques à travers le monde. Sans doute le cinéaste Motoyoshi Odo se laissa-t-il lui aussi influencer par le mélodrame antédiluvien de Hal Roach.

Lorsque les deux pilotes parviennent à s’échapper et à prévenir les autorités d’Osaka, la communauté scientifique se met en branle et cherche à trouver une explication rationnelle au phénomène. « Les essais nucléaires ont fait sortir de leur tanière Godzilla et un Anguillosaurus communément appelé Anguilas » dit un savant. Et d’enchaîner sur des explications paléontologiques fantaisistes. En effet, l’anguillosaurus est une invention pure, le monstre en question ressemblant à une sorte d’ankylosaure (dinosaure cuirassé du Crétacé) doté ici d’une mâchoire carnivore. Pour expliquer le retour de Godzilla, réduit à l’état de squelette à la fin du premier film, les éminents experts trouvent une explication bien commode : il s’agit d’un second spécimen de la même espèce. Alors qu’une candide romance s’esquisse entre l’un des aviateurs et une standardiste, l’armée s’apprête à passer à l’action. Le film nous offre alors une séquence de suspense très efficace au cours de laquelle tous les habitants de la ville d’Osaka sont sommés de respecter un black-out pour que Godzilla ne soit pas attiré par les lumières de la ville et s’éloigne de la baie. Mais lorsque des prisonniers s’évadent et provoquent par mégarde une immense explosion, la ruse échoue et Godzilla surgit, provoquant une belle scène nocturne d’acharnement inutile de l’artillerie contre sa cuirasse atomique, Anguillas se joignant bientôt à l’échauffourée.

Black-out sur Osaka

Alors que le premier Godzilla utilisait abondamment les effets de ralenti pour évoquer les proportions titanesques de son dinosaure, Le Retour de Godzilla emploie curieusement des mouvements accélérés. Ces derniers auraient été obtenus accidentellement suite à une erreur du caméraman, mais le superviseur des effets visuel Eiji Tsuburaya apprécia le résultat (qui lui rappela sans doute les animations en stop-motion de King Kong) et le conserva. A vrai dire l’effet obtenu est plutôt intéressant, même si parfois la rapidité des gestes prend une tournure presque comique, d’autant qu’Anguillas est un quadrupède assez pataud. Tsuburaya multiplie les tableaux de destructions très spectaculaires et nous gratifie notamment d’une impressionnante séquence d’inondation du métro. Comme dans le premier Godzilla, c’est le sens du sacrifice d’un homme vaillant et désintéressé qui permettra de venir à bout de la créature, celle-ci achevant l’aventure ensevelie sous une avalanche de glace.

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