LUDO : LE JEU MAUDIT (2015)

Deux jeunes couples investissent un centre commercial après la fermeture et font soudain face à des phénomènes effrayants et mortels...

LUDO

 

2015 – INDE

 

Réalisé par Qaushiq Mukherjee et Nikon

 

Avec Rii Sen, Kamalika Bernejee, Soumendra Bhattacharya, Murari Mukherjee, Ranodeep Bose, Joyraj, Battacharjee, Anamya Biswas, Subholina Sen

 

THEMA DIABLE ET DÉMONS I CANNIBALES

Inscrit dans la mouvance du cinéma indépendant indien, Qaushiq Mukherjee, plus connu sous le surnom de Q, est un réalisateur, monteur, directeur de la photographie et documentariste radical, s’évertuant dans chacune de ses œuvres à décrire une jeunesse indienne en perdition, phagocytée par les traditions religieuses omniprésentes. Ses productions sont souvent crues, violentes et érotiques, suscitant de vives controverses comme en témoigne son succès critique et public Gandu (2010), chronique d’un jeune rappeur désœuvré qui navigue entre le vol d’argent (directement dans les poches de l’amant de sa mère) et la consommation de drogue avec un ami aussi paumé que lui. Filmé en noir et blanc, traversé par des séquences musicales punk-rock, violent et très explicite dans les scènes de sexe, Gandu est devenu un petit phénomène du cinéma underground indien et a subi une interdiction de diffusion en Inde, contribuant ainsi à sa réputation de brûlot poétique et social. On est extrêmement loin du Bollywood coloré et dansant s’étirant sur des durées interminables (Ludo et Gandu n’excèdent pas les 90 minutes). Engagé, Q est entouré d’une équipe fidèle au sein de sa société de production Overdose Joint, et dépeint une Inde rongée par l’ennui, les interdits et l’emprise religieuse et morale. Cette envie de dépoussiérer les codes et clichés du cinéma indien était déjà esquissée dans son autre incursion dans le fantastique avec The Land of Cards, en 2012, fable hallucinée et expérimentale inspirée d’une légende indienne.

Ludo ne déroge pas à la règle en suivant l’errance nocturne de quatre adolescents minés par l’ennui, qui ne cherchent qu’à s’amuser et faire l’amour dans une société puritaine et autoritaire. Au gré de leurs pérégrinations, ils finissent par échouer dans un centre commercial après la fermeture et décident de s’y installer. Ainsi, à l’abri des regards, ils peuvent enfin explorer les lieux et s’adonner aux plaisirs qu’ils recherchaient. Mais une présence maléfique ne va pas tarder à les traquer et les plonger dans un cauchemar mortel. Le premier tiers du film suit donc la virée de ces quatre amis, dans une Inde sclérosée par la corruption de la police et la crainte qu’elle suscite. Dans sa description brute et directe, Q inscrit son récit horrifique dans sa vision nihiliste et désenchantée d’une jeunesse sans avenir et contrainte dans ses désirs de liberté. Ces thématiques sont fondatrices de son cinéma et de ses propositions artistiques. Sa réalisation rugueuse, son montage abrupt – avec des ruptures de rythmes précises – et sa bande-son rock rappellent tout au long du métrage que Q vient du ciné underground, expérimental et épris de liberté.

Sang concession

Ainsi, les deux premiers tiers nous plongent dans un récit urbain et social, traversé d’une dose d’horreur brutale, avant de basculer presque sans prévenir dans une autre forme plus onirique, par le biais d’un flash-back sur les origines du fameux jeu maudit. Dès lors, le rythme et le ton changent, ainsi que l’époque, offrant une parabole à peine voilée du consumérisme et du capitalisme. Dès que le jeu vous séduit et vous prend dans ses filets, vous perdez, quelle que soit l’issue de la partie. Les antagonistes, couple maudit et immortel, prisonniers du jeu, sombrent lentement dans la monstruosité et le cannibalisme tout en conservant leur amour réciproque. Héros tragiques mais tueurs impitoyables, les amants traversent le temps en semant la mort, étanchant la soif de sang de ce jeu démoniaque. Et nos quatre amis en feront les frais rapidement. Rii Sen, fidèle de l’équipe d’Overdose Joint, campe ici une amante maudite, vouée à ne pas pouvoir mourir, en perpétuelle recherche de sang et de chair. Dans les autres rôles, de jeunes acteurs très convaincants et investis donnent vie à ce conte macabre qui arrive tout de même à captiver par son ambiance unique. Si Ludo est beaucoup moins expérimental dans sa forme que Gandu ou Land of Cards, il n’en reste pas moins une incursion singulière dans l’univers punk et irrévérencieux de Qaushiq Mukherjee.

 

© Christophe Descouzères


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TOTEM (1999)

Six jeunes gens qui ne se connaissent pas se retrouvent inexplicablement dans une vieille maison isolée, cernée par des démons…

TOTEM

 

1999 – USA

 

Réalisé par David DeCoteau

 

Avec Jason Faunt, Marissa Tait, Eric W. Edwards, Sacha Spencer, Tyler Anderson, Alicia Lagano

 

THEMA DIABLE ET DÉMONS I PETITS MONSTRES I SAGA CHARLES BAND 

À la fin des années 1990, David DeCoteau souhaite se lancer dans la réalisation du thriller d’épouvante Voodoo Academy. Le producteur Charles Band lui donne le feu vert à condition qu’il tourne d’abord pour lui Totem, un petit film d’horreur au budget minuscule. Habitué à sacrifier la qualité au profit de la quantité (son rythme de travail reste très impressionnant), DeCoteau accepte et boucle les prises de vues en quatre jours seulement, avec six acteurs et deux décors. Difficile de faire plus efficace. Pas très fier du résultat final – et nous le comprenons -, le réalisateur choisit le pseudonyme de Martin Tate pour signer le film. Pour ceux qui sont habitués à sa filmographie, son style est pourtant facilement identifiable. Totem commence presque comme un épisode de La Quatrième dimension. Six jeunes gens qui ne se connaissent pas se retrouvent du jour au lendemain dans une cabane isolée au milieu des bois. Tous ont reçu le même message mental les guidant sur place, et les voilà désormais coincés dans un lieu qui semble entouré par une barrière invisible les empêchant de rentrer chez eux.

Cette demi-douzaine de protagonistes semble échappée d’un catalogue de mannequins. Les filles ont un visage angélique et les garçons bandent leurs muscles sous leurs débardeurs. DeCoteau a beau cacher son nom, nous le reconnaissons dès les premières minutes. Ces pimpants héros sont Alma (Marissa Tait), Paul (Jason Faunt), Leonard (Eric W. Edwards), Tina (Alicia Lagano), Roz (Sacha Spencer) et Robert (Tyler Anderson). Trois filles, trois garçons, donc plein de possibilités. Mais le film n’explore pas le potentiel romantico-érotique de la situation, préférant s’orienter vers une intrigue surnaturelle nébuleuse. En visitant le cimetière voisin, nos six héros découvrent en effet un étrange totem orné de trois sculptures inquiétantes. Bientôt, celles-ci reviennent à la vie et les attaquent. Pour s’en sortir vivants, certains d’entre eux vont devoir accepter de se transformer en meurtriers et de sacrifier les autres. C’est du moins la règle qu’édicte dans un langage inconnu l’une des filles, soudain possédée façon Evil Dead. Trois monstres, trois assassins, trois victimes, telle est l’équation macabre qui régit les lieux…

Petits monstres, vikings et zombies

Détendus, blagueurs, taquins, les jeunes héros de Totem réagissent face à la situation angoissante dans laquelle ils sont plongés avec une légèreté tellement peu crédible qu’elle ôte d’emblée toute possibilité de nous intéresser à leur sort. Tout sonne faux dans le film : leurs répliques, leur comportement, les coups de tonnerre qui ne cessent de ponctuer la bande son (comme dans Witchouse). DeCoteau tente bien de créer de l’étrangeté en laissant sa caméra tanguer autour de ses personnages (une technique elle aussi héritée de Witchouse), mais l’ennui s’installe rapidement. Le film se résume en effet à une interminable litanie de dialogues insipides récités par des acteurs sans conviction. Charles Band profite de ce scénario translucide pour décliner une nouvelle fois son obsession des petits monstres. Il s’agit cette fois-ci d’un démon ailé grimaçant, d’un golem cornu habillé comme un bourreau et d’une créature mi-singe mi-grenouille. Les marionnettes censées leur donner vie sont hélas animées très sommairement (« agitées » serait sans doute un terme plus exact). DeCoteau fait ce qu’il peut pour essayer de nous faire croire à leur présence maléfique, secouant sa caméra, abusant des fumigènes, recourant à un montage très nerveux. Mais rien n’y fait : ces petits jouets en plastique n’ont pas plus de crédibilité que les personnages humains qu’ils côtoient. Ne sachant visiblement pas comment terminer son film, DeCoteau insère dans son climax un flash-back constitué d’extraits des Vikings de Richard Fleischer puis fait surgir des zombies dans son cimetière. Pourquoi pas ? Au point où on en est…

 

© Gilles Penso


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SOUVIENS-TOI L’ÉTÉ DERNIER 2 (1998)

Un an après les événements racontés dans le premier film, le tueur psychopathe armé d’un crochet revient faire des siennes…

I STILL KNOW WHAT YOU DID LAST SUMMER

 

1998 – USA

 

Réalisé par Danny Cannon

 

Avec Jennifer Love Hewitt, Freddie Prinze Jr., Brandy Norwood, Mekhi Phifer, Muse Watson, Bill Cobbs, Matthew Settle, Jeffrey Combs, Jennifer Esposito

 

THEMA TUEURS I SAGA SOUVIENS-TOI L’ÉTÉ DERNIER

On ne peut pas dire que Souviens-toi l’été dernier ait été un film d’horreur follement novateur. Son succès fut cependant suffisamment important – en grande partie grâce à son casting attrayant et sa réappropriation des codes du slasher popularisés par Scream – pour que l’envie d’un second épisode se profile rapidement. D’autant que sa fin ouverte laissait en suspens plusieurs possibilités de prolongations de l’intrigue. Dès la sortie du film, Mike Mendez (futur réalisateur de Le Couvent et Lavalantula) propose une suite. Le studio, de son côté, préfèrerait confier le scénario à Kevin Williamson, auteur du premier film. Mais Williamson est alors sur tous les fronts, occupé à la fois par la série Dawson, The Faculty, Halloween 20 ans plus tard et Mrs Tingle. C’est finalement Trey Callaway, auteur de plusieurs épisodes de la série Timon & Pumba, qui est chargé d’écrire Souviens-toi l’été dernier 2. En toute logique, Jim Gillespie est envisagé pour reprendre en main la réalisation, à la grande joie de Jennifer Love Hewitt qui a gardé un excellent souvenir du précédent tournage. Mais Gillepsie tire finalement sa révérence – à cause des sempiternelles « divergences créatives » avec le studio, probablement – et se voit remplacé par le Britannique Danny Cannon, metteur en scène du moyennement convaincant Judge Dredd avec Sylvester Stallone et futur signataire d’épisodes clés de la série Les Experts.

Nous revoilà donc dans un contexte familier. Un an après la vague de meurtres perpétrés par le pêcheur vengeur Ben Willis (Muse Watson), Julie James (Jennifer Love Hewitt) suit des cours d’été à Boston. Mais son quotidien est troublé par d’affreux cauchemars liés au massacre de ses amis. Un beau jour, Karla Wilson (Brandy Norwood), sa colocataire, reçoit un appel téléphonique d’une station de radio locale et gagne un voyage aux Bahamas. Pour se changer les idées, Julie accepte de l’y accompagner. Mais la saison des ouragans venant de débuter, nos vacanciers se retrouvent seuls à l’hôtel. Et Julie, qui croyait avoir déjà connu la pire des terreurs, va s’apercevoir qu’elle se trompait. Le tueur au crochet est en effet de retour et reprend le massacre qu’il avait commencé dans le film précédent…

La reine des hurlements

Comme on pouvait le craindre, aucun cliché ne nous est épargné dans cette séquelle prévisible qui enchaîne jusqu’à la parodie involontaire les séquences au cours desquelles Julie sursaute et pousse des hurlements : dans son sommeil, en pleine salle de classe suite à un cauchemar, chez elle lorsque sa copine vient lui emprunter des habits, à cause du bruit de son micro-ondes, dans la rue en voyant passer des cyclistes, en boîte de nuit en croyant apercevoir la silhouette du tueur au crochet… Vouloir muer Jennifer Love Hewitt en « scream queen » au sens le plus strict, pourquoi pas ? Mais ici, nous frôlons dangereusement le ridicule. L’actrice décidera d’ailleurs d’arrêter les films d’horreur après celui-ci, pour éviter d’être cataloguée et étiquetée « reine des hurlements ». Moins percutant que son modèle – qui déjà foulait de nombreux sentiers battus -, Souviens-toi l’été dernier 2 s’enfonce très vite dans la routine, et si le succès est encore au rendez-vous, ses résultats au box-office sont incomparables avec ceux de son modèle. En 2006, un troisième opus sera produit directement pour une exploitation en vidéo, Souviens-toi l’été dernier 3.

 

© Gilles Penso


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JOSH KIRBY : TIME WARRIOR ! CHAPITRE 1 – PLANET OF THE DINO KNIGHTS (1995)

Le premier chapitre d’une saga délirante dans laquelle un ado voyage dans le temps jusque dans un moyen-âge alternatif peuplé de dinosaures…

JOSH KIRBY TIME WARRIOR! CHAPTER 1: PLANET OF THE DINO KNIGHTS

 

1995 – USA

 

Réalisé par Ernest Farino

 

Avec Corbin Allred, Jennifer Burns, Derek Webster, Barrie Ingham, John DeMita, Spencer Rochfort, Sandra Guibord, Jonathan C. Kaplan, Time Winters

 

THEMA VOYAGES DANS LE TEMPS I DINOSAURES I SAGA CHARLES BAND I JOSH KIRBY

Après avoir créé Moonbeam, un label de petits films « direct-to-video » destinés à un public familial, le producteur Charles Band envisage d’enchaîner les longs-métrages autonomes (Le Château du petit dragon, Prehysteria) et de créer parallèlement une grande saga de films à suivre reprenant l’esprit rocambolesque des serials de science-fiction des années 30. C’est ainsi que naît le projet Josh Kirby. Le scénario est confié à Ethan Reiff et Cyrus Voris. « Charlie nous a montré une demi-douzaine de posters originaux, des peintures qu’il avait commandées à des dessinateurs de couvertures de bandes dessinées », raconte Reiff. « C’est là qu’il a commencé à nous parler de la série de films qu’il voulait créer en s’inspirant de ces visuels. » (1) L’intention de Band est claire : s’inspirer directement – mais officieusement, pour ne pas à avoir de payer de copyrights – de la bande dessinée de SF « Rip Hunter, Time Master », publiée par DC dans les années 60. Une série de six films s’articulant sur le même arc narratif sont donc écrits par les duettistes, chaque épisode s’achevant sur un cliffhanger qui annonce le suivant. Prévu initialement à Salt Lake City, le tournage se déroule finalement au Castel Studio de Bucarest, que Band inaugura avec Subspecies. Le premier opus de cette saga, Planet of the Dino Knights, est confié à Ernest Farino, un homme d’effets spéciaux qui fit son baptême de metteur en scène au tout début des années 90.

Le 13 septembre 2420, à 2h15 du matin, des hommes mystérieux en tenue de vulcanologues, dirigés par un scientifique nommé Irwin 1138 (Barrie Ingham), démontent le Nullifier, un mystérieux artefact extraterrestre capable de détruire l’univers. Alors qu’ils dispersent ses six morceaux dans un portail spatio-temporel, ils sont attaqués par le diabolique Dr Zoetrope 366 (Derek Webster), revêtu d’une armure robotique massive armée de rayons laser. Voilà comment commence le premier chapitre de Josh Kirby : Time Warrior ! Le temps d’un bond temporel, nous voilà propulsés en 1994. Josh Kirby (Corbin Allred), un adolescent passionné de montres et malmené à l’école par une brute qui l’oblige à faire ses devoirs, découvre l’un des morceaux du Nullifier dans la niche de son chien. Lorsque le Dr Zoetrope tente de le récupérer, Josh se retrouve accidentellement dans la capsule temporelle d’Irwin. Avant de pouvoir rentrer chez lui, il va devoir l’accompagner dans sa mission, autrement dit récupérer les morceaux dispersés avant Zoetrope. Leur première escale les mène dans l’Angleterre de 1205 où ils rencontrent Azabeth Siege (Jennifer Burns), une guerrière intrépide, et Henry, un seigneur maléfique qui sème la terreur grâce à son dinosaure apprivoisé…

Système D

La « production value » de ce premier Josh Kirby est beaucoup plus importante que celle des films Moonbeam habituels. Les décors sont variés, les effets visuels ambitieux, la figuration costumée abondante, bref Charles Band se donne pour une fois les moyens de ses ambitions. Certes, on sent bien qu’une grande partie des trucages sont bricolés avec les moyens du bord, que les dinosaures en stop-motion (des figurines recyclées de Prehysteria et animées par Rob Maine) bougent de manière saccadée, que la marionnette qui donne vie à la mascotte extra-terrestre Prism (créée par Mark Rappaport) manque singulièrement de fluidité ou que les images de synthèse (supervisées par Randy Cook et Michael Hoover) restent très basiques. Mais ce système D permanent contribue justement au charme de Josh Kirby et le dote d’une singularité bien à part, comme si ce film délirant et généreux avait été concocté par de grands enfants à qui on aurait donné des jouets et une caméra. De nombreuses allusions à l’univers du comic book (le nom Kirby, le Nullifier échappé d’une aventure des Quatre Fantastique) et du cinéma (le Zoetrope de Francis Ford Coppola, le 1138 de George Lucas) ponctuent d’ailleurs le métrage. Pulp, distrayant, léger, Planet of the Dino Knight s’achève en plein suspense, afin de pousser le public à se précipiter illico dans la seconde aventure de Josh Kirby.


(1) Propos extraits du livre « It Came From the Video Aisle ! » (2017) 

© Gilles Penso

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SATANIK (1968)

Après avoir absorbé un sérum rajeunissant, une vieille scientifique défigurée se transforme en jeune femme séduisante et enchaîne les crimes…

SATANIK

 

1968 – ITALIE / ESPAGNE

 

Réalisé par Piero Vivarelli

 

Avec Magda Konopka, Julio Peña, Umberto Raho, Luigi Montini, Armando Calvo, Mimma Ippoliti, Isarco Ravaioli, Nerio Bernardi, Pino Polidori, Antonio Pica

 

THEMA MÉDECINE EN FOLIE I SUPER-VILAINS

Au départ, « Satanik » est un fumetti (équivalent italien des comic books) créé par le scénariste Max Bunker et le dessinateur Magnus. À mi-chemin entre l’aventure, l’érotisme, l’horreur et la science-fiction, cette BD sulfureuse connaît un certain succès dès sa première parution en 1964. Le cinéma transalpin s’y intéresse logiquement, d’autant que la super-vilaine masquée qui tient la vedette de « Satanik » s’inscrit dans la même veine pop que Fantomas, Danger Diabolik ou Superargo, qui font alors les joies des spectateurs européens. Le réalisateur Piero Vivarelli s’empare donc du sujet et prend comme assistant Pupi Avati, futur metteur en scène de Zeder et La Maison aux fenêtres qui rient. Ce dernier ne gardera pas un souvenir très heureux de ce tournage, peu convaincu par les choix artistiques de Vivarelli. Face au résultat, nous serions tentés de lui donner raison. Le rôle principal est confié à l’étourdissante Magda Konopka, qui représente sans conteste l’intérêt majeur du film mais dont la carrière n’aura guère fait d’étincelles. L’amateur de cinéma de quartier l’apercevra plus tard dans Quand les dinosaures dominaient le monde de Val Guest, aux côtés des créatures en stop-motion de Jim Danforth.

En tout début de métrage, nous apprenons que le professeur Greaves (Nerio Bernardi), un biochimiste renommé, a trouvé une formule miracle de régénérescence des cellules. Il l’a testée sur des animaux avec des résultats excellents et quasi-immédiats. Les cobayes rajeunissent en effet, mais en contrepartie, ils développent des instincts agressifs. Le sérum n’est donc pas encore tout à fait au point. Sa collègue Marnie Bannister (Magda Konopka), âgée et frappée d’une maladie de peau qui la défigure partiellement (via un maquillage efficace à défaut d’être subtil), veut pourtant tester la formule sur elle-même, malgré les risques. Lorsque Greaves refuse, elle le tue d’un coup de scalpel et absorbe la potion. Après des convulsions violentes dignes de celles d’un docteur Jekyll en pleine mutation (coups de tonnerre à l’appui), Marnie se métamorphose en ravissante jeune femme puis prend la poudre d’escampette. Elle décide alors de séduire plusieurs hommes fortunés en jouant les veuves noires…

Très très méchante

Satanik tire pleinement parti de la photogénie de son actrice principale, qui change sans cesse de garde-robe au fil du récit. Mais son collant de super-vilaine (qui apparaît sur tous les posters du film) n’intervient qu’une seule fois, à un quart d’heure de la fin, le temps d’une séquence de strip-tease d’une gratuité parfaitement assumée. Si cette anti-héroïne tue à tour de bras (le couteau, le tisonnier, la noyade, tous les moyens sont bons), l’intrigue avance de manière très erratique, au rythme de l’enquête décontractée et désinvolte que mènent les deux inspecteurs chargés de l’affaire, échangeant des bons mots sans beaucoup progresser dans leurs investigations. La mise en scène elle-même se révèle très datée, abusant de coups de zoom intempestifs et s’affublant de séquences inutiles qui semblent faire office de remplissage (le spectacle de flamenco dans le restaurant, le ski nautique à Genève, le morceau de blues joué dans le casino). L’amateur de cinéma bis a certes droit à sa dose d’érotisme soft, de fusillades, de meurtres et de bagarres, mais Satanik nous donne tout de même le sentiment de gâcher son intéressant potentiel pour se perdre dans les méandres d’un scénario lâche et bien peu palpitant. Le film sera d’ailleurs boudé par le public et la critique au moment de sa sortie.

 

© Gilles Penso


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OBLIVION 2 (1996)

Cowboys, mutants et extra-terrestres se confrontent dans cette suite du western spatial bizarroïde de Sam Irvin…

BACKLASH : OBLIVION 2

 

1996 – USA

 

Réalisé par Sam Irvin

 

Avec Richard Joseph Paul, Jackie Swanson, Andrew Divoff, Meg Foster, Isaac Hayes, Julie Newmar, Carel Struycken, George Takei, Musetta Vander, Maxwell Caulfield

 

THEMA SPACE OPERA I EXTRA-TERRESTRES I SAGA CHARLES BAND

Oblivion et Oblivion 2 ont été tournés en même temps dans des extérieurs naturels et des plateaux roumains, avec l’idée d’en tirer d’autres épisodes dans la foulée. Sam Irvin boucle donc les prises de vues de ce diptyque surréaliste (qui inspirera de toute évidence le blockbuster Cowboys et envahisseurs de Jon Favreau en 2011) avec les mêmes décors, le même casting et la même équipe technique. À la fin du premier Oblivion, Zack Stone (Richard Joseph Paul) prenait ses fonctions de shérif, avec l’assistance de l’androïde Stell Barr (Meg Foster) et de l’Indien Buteo (Jimmie F. Skaggs), après s’être débarrassé du maléfique alien reptilien Redeye (Andrew Divoff). Oblivion 2 retrouve nos personnages où nous les avons laissés, c’est-à-dire dans une petite ville de western située sur une planète lointaine. Isaac Hayes et George Takei jouent toujours les guests invités (de manière plus épisodique cependant, ce qui n’est pas plus mal étant donnée leur propension à cabotiner outre-mesure), tandis que d’autres seconds rôles prennent plus d’importance, notamment l’impressionnant Carel Stuycken en croque-mort géant, Julie Newmar en tenancière de saloon Miss Kitty et surtout Musetta Vander qui vole la vedette de tous ses partenaires dans le cuir provocateur de Lash, la super-vilaine sous influence de Betty Page qu’elle incarne.

C’est d’ailleurs Lash qui va centraliser toutes les sous-intrigues du film. Après avoir découvert la localisation d’une mine de Derconium (le minerai le plus précieux de l’univers) au cours d’une partie de cartes dont son adversaire ne sort pas indemne, la vile dominatrice adepte du fouet électrique, du revolver laser et du couteau, pense avoir touché le pactole. Mais Sweeney (Maxwell Caulfield), un chasseur de prime à la réputation redoutable, débarque en ville pour l’arrêter, avec l’aide du shérif. La belle finit derrière les barreaux et semble donc hors d’état de nuire. C’est le moment que choisit l’extra-terrestre écailleux Jaggar (Andrew Divoff), frère de Redeye, pour atterrir à son tour dans la bourgade, mettre la main sur elle et s’emparer de la mine qu’elle a découverte. Alors que la situation menace de virer à l’imbroglio et au pugilat tous azimuts, Miss Kitty nous laisse entendre qu’elle cache elle-même bien son jeu. Bref, c’est bien vite la foire dans la ville d’Oblivion.

Il était une foire dans l’Ouest

Oblivion 2 ne s’est pas conçu sans mal. Si le tournage est une expérience plutôt joyeuse, la post-production s’effectue dans l’urgence suite aux déconvenues de la compagnie Full Moon qui vient alors de se séparer de son distributeur vidéo Paramount. Le financement manque au point qu’il n’est plus possible de demander à Pino Donaggio, compositeur d’Oblivion, d’écrire la bande originale de la suite. Charles Band et Sam Irvin prennent alors la décision de réutiliser la même musique que celle du premier film. Ce second opus s’inscrit ainsi dans la parfaite continuité de son prédécesseur, à la fois distrayant mais très anecdotique, souffrant surtout d’une mise en scène très télévisuelle dont le statisme s’accorde mal avec l’univers délirant dans lequel s’inscrit le récit. Parmi les nouveaux venus du casting, on apprécie la prestation de Maxwell Caulfield. Là où le script nous laisse imaginer un mercenaire brutal sans foi ni loi, l’acteur nous offre la prestation d’une sorte de dandy désinvolte au fort accent anglais, en puisant son inspiration chez le Patrick McNee de Chapeau melon et bottes de cuir, et en adoptant un look proche de celui de Gene Wilder dans Charlie et la chocolaterie. Si les créatures en stop-motion du premier Oblivion brillent ici par leur absence, le climax nous offre l’apparition furtive mais très réjouissante d’une tortue godzillesque annonçant ce que le créateur d’effets spéciaux Michael Deak allait faire dans la foulée avec Zarkorr ! The Invader et Kraa ! The Sea Monster. Oblivion 2 ne sera disponible dans les bacs vidéo qu’en 1996, soit trois ans après son tournage, et les suites envisagées ne verront jamais le jour.

 

© Gilles Penso


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HELLRAISER : JUDGMENT (2018)

Tandis que trois inspecteurs de police enquêtent sur les meurtres atroces d’un tueur en série, Pinhead se met en quête d’âmes damnées…

HELLRAISER : JUDGMENT

 

2018 – USA

 

Réalisé par Gary J. Tunnicliffe

 

Avec Damon Carney, Randy Wayne, Alexandra Harris, Heather Langenkamp, Paul T. Taylor, Gary J. Tunnicliffe, Jeff Fenter, Tony Payne, Rheagan Wallace

 

THEMA DIABLE ET DÉMONS I SAGA HELLRAISER

Voilà plusieurs années que l’expert en maquillages spéciaux Gary J. Tunnicliffe rêve de réaliser un Hellraiser. Pilier de la saga inspirée par Clive Barker depuis le troisième opus, il s’était offert un galop d’essai en 2004 en dirigeant le court-métrage No More Souls : One Last Slice of Sensation, un bonus caché du DVD de Hellraiser : Deader. Il projette ensuite de diriger Hellraiser : Révélations, mais un conflit de calendrier l’en empêche et c’est finalement Victor Garcia qui réalise cet épisode très anecdotique. Déçu, Tunnicliffe écrit un film d’horreur indépendant qui possède sa propre mythologie en espérant le faire financer, sans succès. Jusqu’au jour où Dimension Films se tourne vers lui : il leur faut produire un Hellraiser rapidement s’ils veulent conserver les droits de la franchise. Tunnicliffe réadapte alors son scénario. C’est ainsi que naît Hellraiser : Judgment, que Dimension produit en même temps que Children of the Corn : Runaway de John Gulager, les deux films étant tournés simultanément dans des décors voisins. Doug Bradley refusant toujours de reprendre le rôle de Pinhead, à cause de la piètre qualité des derniers épisodes de la saga, Tunnicliffe lui cherche un remplaçant plus convaincant que le Stephan Smith Collins de Hellraiser : Révélations et jette son dévolu sur Paul T. Taylor.

C’est dans un tout nouveau monde que nous entraîne le prologue de Hellraiser : Judgment. Certes, Pinhead est déjà là, mais les autres créatures qui le côtoient ne sont pas des Cénobites. Elles proviennent d’un autre univers macabre, « l’inquisition stygienne », preuve que la première version du scénario ne se rattachait pas directement à la saga. Le plus étonnant d’entre eux est « l’Auditeur », un homme à la figure couturée de cicatrices que Gary J. Tunnicliffe interprête lui-même. Sa mission : recueillir le témoignage des âmes damnées qui tombent entre ses griffes, puis soumettre ce rapport écrit à « l’Évaluateur » (joué par le réalisateur John Gulager) qui dévore littéralement les morceaux de papier avant de les régurgiter. La sentence finale est appliquée par « le Boucher » et « le Chirurgien ». Parallèlement à cette antichambre de l’enfer que nous fait découvrir l’entame du film, le scénario s’intéresse à l’enquête policière menée par trois détectives : les frères Sean et David Carter et l’inspectrice Christine Egerton (Damon Carney, Randy Wayne et Alexandra Harris). Leur cible : un serial killer dont les meurtres s’inspirent des Dix Commandements.

Sous l’influence de Seven

Hellraiser : Judgment n’a pas beaucoup d’envergure et trahit cruellement son manque de moyens (son budget est estimé à environ 350 000 dollars). Mais il a le mérite de s’efforcer d’enrichir la mythologie originale, de savoir bâtir une atmosphère glauque oppressante et d’offrir aux spectateurs un défilé de créatures perturbantes. Au-delà de Pinhead et de l’Auditeur, nous avons ainsi droit à un trio de femmes nues au visage écorché, un boucher massif qui porte un masque en forme de tête de bébé ou encore un tueur tout de cuir vêtu dont la tête est dissimulée par un masque à gaz. Tunnicliffe sait tirer parti du mieux qu’il peut des décors décrépits à sa disposition pour muer l’apparition de chacun de ces échappés de l’enfer en moments de cauchemar efficaces. Côté enquête policière, on ne peut s’empêcher de penser à Seven, qui demeure visiblement la référence principale du film. Les assassinats sophistiqués et atroces suivent en effet un schéma similaire, chaque victime étant frappée selon l’un des commandements de la bible qu’elle aurait bafoué, tandis que le meurtrier adresse aux policiers des messages sibyllins. Laissé sur une étagère à cause des allégations d’abus sexuels impliquant Harvey Weinstein, cofondateur de la société mère dont Dimensions Films est une filiale, Hellraiser : Judgment sera discrètement exploité en vidéo par Lionsgate en février 2018. Le film n’entrera certes pas dans les mémoires, mais quel saut qualitatif par rapport au pitoyable Hellraiser : Révélations !

 

© Gilles Penso


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SMILE 2 (2024)

Cette suite supérieure à son modèle s’intéresse à une star de la pop frappée à son tour par la terrible malédiction du sourire diabolique…

SMILE 2

 

2024 – USA

 

Réalisé par Parker Finn

 

Avec Naomi Scott, Rosemarie DeWitt, Lukas Gage, Miles Gutierrez-Riley, Peter Jacobson, Ray Nicholson, Dylan Gelula, Raul Castillo, Drew Barrymore

 

THEMA DIABLE ET DÉMONS

Excellente surprise doublée d’un joli succès au box-office, Smile propulse en 2022 le scénariste et réalisateur Parker Finn sur le devant de la scène. Aussitôt, Paramount lui propose un deal pour signer d’autres films d’horreur, avec en priorité une suite de Smile. Finn accepte mais souhaite éviter les idées scénaristiques trop évidentes. « Je ne voulais pas faire ce que l’on attendait de moi, je ne voulais pas emprunter la voie de la facilité », explique-t-il. « Je voulais me mettre au défi de créer quelque chose de frais et de différent, avec une nouvelle thématique émotionnelle. J’avais besoin de trouver un personnage qui me semble être la bonne colonne vertébrale sur laquelle accrocher l’histoire, et c’est ainsi que j’ai développé le personnage de Skye Riley. » (1) Ainsi, même si le policier incarné par Kyle Gallner assure momentanément le lien avec le film précédent, Smile 2 s’intéresse à un tout autre protagoniste, en l’occurrence une pop star mondialement célèbre dont le rôle est confié à Naomi Scott (la Jasmine d’Aladdin, l’une des drôles de dames du Charlie’s Angels de 2019, Kimberly dans Power Rangers). L’actrice s’inspire de Lady Gaga pour son personnage, puis se lance dans une session accélérée de répétition des chansons et des chorégraphies avant que le tournage commence.

L’environnement glamour, coloré et scintillant dans lequel évolue cette superstar contraste à merveille avec le caractère horrifique du scénario. De ce point de vue, Parker Finn parvient effectivement à créer la surprise. En pleins préparatifs de sa tournée événementielle après plusieurs drames personnels ayant lourdement entravé sa carrière (l’accident de voiture qui a coûté la vie de son petit-ami, sa lutte contre la toxicomanie), la newyorkaise Skye Riley est gonflée à bloc, sous l’œil attentif de sa mère Elizabeth qui fait aussi office de manager (Rosemarie DeWitt). Si Skye semble enfin libérée de ses addictions, les douleurs que provoquent les séquelles physiques de son accident la poussent à solliciter les services d’un dealer local, Lewis (Lukas Gage) pour obtenir sa dose d’analgésiques. Mais lorsqu’elle se rend un soir en douce chez lui, la chanteuse sent bien que quelque chose ne tourne pas rond. Le jeune homme est paniqué, extrêmement fébrile, au bord du malaise. Soudain, il se redresse et la fixe avec un sourire figé effrayant. Pour Skye, c’est le début de la fin…

Une tournée en enfer

D’emblée, Finn tient à nous faire comprendre que cette suite quittera les sentiers battus pour jouer la carte de l’originalité. Le plan-séquence mouvementé de 8 minutes qui ouvre le film, puis le plateau télévisé animé par Drew Barrymore (dans son propre rôle) entérinent cette sensation. Smile 2 ne va pas là où on l’attend. Si la mécanique narrative établie par le premier film est un élément incontournable avec lequel il faut forcément composer, le scénario parvient à la décliner sous un jour nouveau. Grâce à cette volonté de sang neuf, à la pleine implication d’une Naomi Scott très convaincante et à l’exploration sans fards des états d’âme de cette héroïne aux fêlures encore profondes, Smile 2 parvient à surpasser son modèle et à captiver ses spectateurs. Si les jump-scares un peu faciles continuent à pointer parfois le bout de leur nez, le cinéaste sait la plupart du temps éviter les effets d’épouvante classiques qui sont légion dans la majorité des films d’épouvante post-Conjuring. Il ose même un clin d’œil savoureux, le temps d’une apparition de l’acteur Ray Nicholson qui imite soudain le sourire de son père Jack dans Shining ! On pourra regretter que le dernier acte cède aux effets un peu grossiers et grand-guignolesques, couplés à un enchaînement de rebondissements un tantinet excessifs. Mais l’impact du film n’en souffre pas outre-mesure et sa chute est une excellente trouvaille qui fait froid dans le dos.

 

(1) Extrait d’une interview publiée dans « Bloody Disgusting » en octobre 2024

 

© Gilles Penso


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VENOM : THE LAST DANCE (2024)

Eddie Brock et son alter-ego dégoulinant sont pris en chasse par des créatures extra-terrestres voraces et par des soldats armés jusqu’aux dents…

VENOM : THE LAST DANCE

 

2024 – USA

 

Réalisé par Kelly Marcel

 

Avec Tom Hardy, Chiwetel Ejiofor, Juno Temple, Rhys Ifans, Stephen Graham, Peggy Ku, Clark Backo, Alanna Ubach, Cristo Fernandez, Jared Abrahamson

 

THEMA SUPER-HÉROS I SAGA MARVEL COMICS

Certains succès hollywoodiens échappent à toute logique. Objectivement, comment expliquer que le public ait répondu aussi favorablement à un film aussi mal fagoté que le premier Venom ? Admettons qu’il s’agissait de l’effet de surprise. Mais sa suite calamiteuse, Venom Let There Be Carnage, provoqua un enthousiasme tout aussi invraisemblable. Allez comprendre. La mayonnaise prenant aussi bien, il n’y avait aucune raison de s’arrêter en si bon chemin. Andy Serkis, réalisateur du second opus, se prépare donc à rempiler pour un troisième épisode. Mais la pré-production de sa version de La Ferme des animaux lui prend beaucoup de temps et le contraint à céder sa place. C’est donc la scénariste Kelly Marcel (Dans l’ombre de Mary, Cinquante nuances de Grey, Cruella et les deux premiers Venom) qui prend le relais, effectuant du même coup ses premiers pas derrière la caméra. Avec à sa disposition un budget de 120 millions de dollars (l’enveloppe a encore augmenté depuis les deux films précédents), l’apprentie-réalisatrice peut se faire plaisir. Au détour du casting, on retrouve deux visages ayant déjà payé leur tribut aux adaptations Marvel en endossant d’autres rôles : Chiwetel Ejiofor (Mordo dans Doctor Strange) et Rhys Ifans (Curt Connors alias Le Lézard dans The Amazing Spider-Man).

Co-scénariste du film avec Kelly Marcel, Tom Hardy a visiblement trouvé une rente juteuse avec Venom. Le Mad Max de Fury Road semble pourtant se traîner sans la moindre conviction d’une scène à l’autre, comme s’il s’acquittait de mauvaise grâce de ce boulot routinier en attendant de pouvoir toucher son chèque. Comment interpréter autrement ses regards hagards, sa mine défaite et son jeu désincarné en pilote automatique ? Si le post-générique de Let There Be Carnage promettait un crossover avec le Marvel Cinematic Universe et notamment avec les Spider-Man interprétés par Tom Holland, cette suite se débarrasse des multiverses en quelques secondes. En vérité, le récit se résume à peu de choses : Eddie Brock et son alter-ego quittent le Mexique pour les États-Unis, traînent à Las Vegas puis dans la zone 51, tandis que des militaires veulent leur peau et que le Xenophage, un vilain monstre extra-terrestre en images de synthèse qu’il nous semble avoir déjà vu dans une centaine de films, cherche à se les mettre sous la dent. Voilà, c’est à peu près tout. Le film dure à peine un peu plus de 90 minutes, c’est une qualité indiscutable à mettre à son compte. L’une des seules, hélas.

« Nous ne sommes pas les méchants »

Kelly Marcel et Tom Hardy ne prenant même plus la peine de bâtir un semblant d’histoire, Venom : The Last Dance prend les allures d’un road movie erratique aux péripéties sans intérêt et aux enjeux inexistants. Certaines idées sont à peine explorées (un drame survenu dans le passé de la scientifique incarnée par Juno Temple) puis abandonnées aussitôt. Pour ne pas réclamer trop d’efforts de la part des spectateurs, on prône la simplicité : les militaires et les Xenophages sont vilains, les savants et Venom sont gentils. Et pour ceux qui seraient un peu distraits, l’un des symbiotes juge utile de dire au soldat belliqueux incarné par Ejiofor : « nous ne sommes pas les méchants ». Le principal objectif de ce scénario anémique semble être de multiplier les situations les plus ridicules possibles dans l’espoir de faire rire un public décidément jugé peu exigeant : Venom/Brock qui prépare un cocktail, s’accroche au fuselage d’un avion en plein vol, chante en chœur avec une famille de hippies, dépense tout son argent dans une machine à sous, fait des chorégraphies sur « Dancing Queen »… Nous avons aussi droit à des clins d’œil à Thelma et Louise et Rain Man, à un cheval-Venom, un piranha-Venom, une grenouille-Venom et tout un tas d’autres variantes pour le grand final pétaradant. Le succès de ce troisième opus ayant été très modéré, la formule semble enfin s’être épuisée…

 

© Gilles Penso


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SHAPESHIFTER (1999)

Après le kidnapping de ses parents agents secrets, un jeune homme découvre qu’il possède de très étranges pouvoirs…

SHAPESHIFTER / SHIFTER

 

1999 – USA

 

Réalisé par Philippe Browning

 

Avec Paul Nolan, Bill MacDonald, Catherine Blythe, Emmanuelle Vaugier, Theodor Danetti, Serban Celea, George Illie, Andrei Finti, Marioara Sterian

 

THEMA POUVOIRS PARANORMAUX I MAGIE ET SORCELLERIE I NAINS ET GÉANTS I SAGA CHARLES BAND

Au départ, le concept de Shapeshifter est déjà assez curieux, sorte de mixage improbable entre la série Manimal et la saga Spy Kids, puisqu’il s’agit de l’histoire d’un étudiant, fils de deux agents secrets, qui se découvre la capacité de se transformer en animal. Mais visiblement, ce postulat ne suffit pas au scénariste Louis DeLoach (inconnu au bataillon, s’agirait-il d’un pseudonyme ?) qui décide d’injecter un nombre incalculable de bizarreries dans son récit, faisant fi du budget ridicule que la production met à la disposition du film. Shapeshifter fait en effet partie de la collection des « direct-to-video » pour jeune public produits par Charles Band, le roi de l’oursin dans le portefeuille. Pour faire des économies, le film est tourné en Roumanie – plus précisément sur les plateaux de Castel Film où Band a ses habitudes – et confié à Philippe Browning. Ce dernier fut réalisateur de deuxième équipe sur Sanglante paranoïa et écrira plus tard plusieurs épisodes de séries TV, mais Shapeshifter est son seul long-métrage. Le prologue se situe quelques siècles dans le passé, dans une forêt où un groupe de tziganes festoie autour d’un feu de camp. Soudain, une météorite traverse les cieux et tombe dans les bois. Un jeune garçon la récupère aussitôt…

Le temps d’une ellipse, nous voilà à la fin des années 90, dans un avion en plein vol. Contraint de changer régulièrement de pays et d’identité, à cause de parents agents secrets qui sont sans cesse affectés à de nouvelles missions par la CIA, Alex Brown s’installe cette fois-ci à Glenville et apprend qu’il s’agit de leur dernier déménagement. Ses parents se sont en effet retirés du business. Or avant de démissionner, Monsieur et Madame Brown enquêtaient sur un trafic de plutonium et d’uranium fomenté par le redoutable général Petrov. Et voilà qu’ils sont kidnappés en pleine nuit et emprisonnés à Bucarest. Bien décidé à retrouver leur trace, Alex se rend sur place. À partir de là, il se met à improviser… et le scénariste semble en faire autant. En effet, notre jeune héros assiste à un concert de rock, puis erre dans les rues en pleine nuit, et se retrouve sans raison particulière dans la maison d’un alchimiste en haillons vieux de 363 ans qui doit sa longévité à la « pierre de vie » qui est tombée du ciel. Car le petit garçon du prologue, c’était lui.

Sans queue ni tête

Dès lors, il ne faut plus chercher à se raccrocher à la moindre logique. Le vieil homme joue en effet avec un instrument de musique étrange – l’harmonica de verre – et annonce à Alex qu’il peut changer de forme s’il le souhaite. Et hop ! Le temps d’un morphing, notre jeune homme devient un chien, part espionner le repaire de Petrov, reprend forme humaine et prend la fuite en scooter grâce à une jeune femme qui passait par là. Rien n’a donc de sens dans cette histoire sans queue ni tête. Plus tard, Alex se transformera en oiseau ou carrément en griffon (une créature en images de synthèse absolument hideuses), discutera avec un avatar digital venu du futur, s’associera à un résistant tzigane nain, découvrira qu’il peut changer les gens en cafard et se métamorphosera en flux digital pour entrer dans un ordinateur… Bref du grand n’importe quoi ! Le vil général Petrov, lui, utilise un pistolet laser qui réduit ses victimes en poussière et se fait aider par une sorcière aux allures de Cruella qui joue aux jeux vidéo dans des catacombes, peut se téléporter ou miniaturiser les êtres humains ! Certes, Shapeshifter semble un peu moins fauché que les productions pour enfants habituelles de Charles Band. Les décors sont relativement nombreux, tout comme la figuration et les scènes d’action, et l’approche esthétique n’est pas très éloignée de celle de la saga Subspecies. Mais comment s’intéresser à ce scénario absurde qui semble avoir été rédigé sous l’influence de puissants psychotropes ? La fin laisse la porte ouverte sur une suite qui – on ne s’en étonnera guère – ne se concrétisa jamais.

 

© Gilles Penso


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