Archives des Films - Page 129 sur 380

REPTILICUS, LE MONSTRE DES MERS (1962)

Ce film de dinosaure involontairement hilarant, garni d’effets spéciaux d’une désarmante maladresse, nous vient tout droit du Danemark…

REPTILICUS

1962 – DANEMARK

Réalisé par Sidney Pink et Ib Melchior

Avec Carl Ottosen, Ann Smyrner, Mimi Heinrich, Asbjörn Andersen, Marla Behrens, Bent Mejding

Le Danemark n’est pas une contrée habituée au cinéma fantastique. Du coup, lorsque le producteur, scénariste et réalisateur danois Sidney Pink se lança dans un film de dinosaure baptisé Reptilicus, la curiosité du public fut aiguisée… pas longtemps, hélas, étant donnée la piètre qualité du produit. La première partie décrit avec une gravité et un sérieux imperturbable – si l’on excepte les pitreries affligeantes du comique de service, le jeune employé du laboratoire – la découverte par le professeur Martens d’un tissu animal ramené d’une mine lapone. Après étude du spécimen, Martens conclut qu’il s’agit là de la queue d’un grand reptile. Il part donc en quête d’autres fragments de chair, malgré l’incrédulité de ses collègues. Refusant de lâcher le morceau, Martens est en fait persuadé que l’animal en question constitue le lien entre les reptiles et les mammifères, et que sa chair peut se régénérer à volonté. L’expérience qu’il pratique dans la foulée va lui prouver ses dires au-delà de toute espérance. Car le bout de queue, déposé en chambre froide, se met à reprendre vie et à grandir avant de se transformer en monstre préhistorique.

Avant que la bête ne fasse son apparition, l’action s’arrête brusquement et le film s’intéresse dès lors à trois protagonistes gagnant la ville. Le réalisateur fait alors subir au spectateur une longue visite guidée de Copenhague, avec fontaines, rues, monuments, restaurants, et une chanson intégrale dans un cabaret ! Le public, pour le moins surpris, met donc un moment à se remettre de ce long passage touristique pour le moins déplacé. Comme s’il avait été interrompu par une coupure publicitaire, le cours de l’intrigue reprend ensuite, et la créature se montre enfin. Reptilicus, « croisement d’un diplodocus et d’un animal amphibie » nous affirme-t-on sentencieusement, est en fait une marionnette animée n’importe comment qui ressemble à un dragon, crache un très ridicule acide vert en dessin animé et évolue timidement dans de pitoyables maquettes. À part trois tristes rétro-projection, on ne le voit jamais en même temps que les acteurs.

« Le croisement d’un diplodocus et d’un animal amphibie »

Pour donner une impression de spectaculaire, Pink abuse des stock shots de catastrophes, montre les déploiements de l’armée et la foule qui court. C’est donc d’un œil distant – et fort amusé au second degré – qu’on regarde ce monstre semer la panique en Scandinavie puis prendre la fuite. Gravement brûlé après l’assaut de Mark Grayson, responsable de la sécurité, notre Reptilicus s’enfonce dans la mer pour cicatriser ses plaies. Mais le bombarder est impossible, car dès lors chaque morceau du saurien donnerait naissance à autant d’exemplaires du monstre, comme une Hydre de Lerne d’un genre nouveau. Mais que faire, bon sang ? Tandis que les autorités s’arrachent les cheveux, les spectateurs se tiennent les côtes, jusqu’à une fausse happy-end des plus prévisibles. AIP, le distributeur américain, fut tellement consterné par le film qu’il menaça Pink de le traîner en justice, sous prétexte que Reptilicus était inexploitable ! Pour amenuiser quelque peu le désastre, le scénariste Ib Melchior fut chargé de tourner quelques scènes supplémentaires aux États-Unis.

Partagez cet article

L’HOMME ET LE MONSTRE (1959)

Après avoir conclu un pacte avec Satan, un pianiste frustré devient virtuose mais se transforme en créature bestiale…

EL HOMBRE Y EL MONSTRUO

1959 – MEXIQUE

Réalisé par Rafael Baledon

Avec Abel Salazar, Enrique Rambal, Martha Roth, Ofelia Guilmain, Ana Laura Baledon, Jose Chavez, Maricarmen Vela, Carlos Suarez

THEMA DIABLE ET DÉMONS

La musique jouait déjà un rôle inattendu dans Le Monde des vampires, produit par Abel Salazar et réalisé par Fernando Mendez, puisqu’elle s’avérait plus efficace que le pieu ou les rayons du soleil pour éliminer les suceurs de sang aux dents longues. Dans cette nouvelle production Salazar, réalisée cette fois par le vétéran Rafael Baledon, elle est la clef de voûte d’une histoire de pacte avec Satan qui s’éloigne des archétypes dictés par le mythe de Faust pour nous offrir un conte d’horreur aux rebondissements surprenants. Enrique Rambal y incarne Samuel Magno, qui envie à la virtuose Alejandra Meyer (Martha Roth) le statut de meilleur pianiste du monde. Frustré, le musicien n’hésite pas à invoquer le diable en personne pour parvenir à ses fins. Guidé par Satan, Samuel égorge Alejandra et transporte son cadavre jusque chez lui, où il croupit désormais dans un placard, comme un trophée macabre. Lorsqu’il se met au piano, le damné se rend compte qu’effectivement il maîtrise comme personne au monde les touches d’ivoire. Mais bien entendu, il y a une contrepartie. Désormais, chaque fois qu’il joue de la musique, Samuel est condamné à se transformer en monstre hideux.

Maladroitement calqué sur celui que Jack Pierce créa pour Le Loup-garou, le maquillage bestial, qui apparaît progressivement via une série de fondus enchaînés, révèle un museau démesuré, des dents proéminentes, d’épais sourcils et des poils en abondance. Mais l’approximation de ce grimage est transcendée par le jeu très convaincant de Rambal, d’autant que cet aspect grotesque peut tout aussi bien s’interpréter comme une métaphore de la vanité et de la bassesse, muant bien souvent l’homme en bête. Seule la mère du malheureux, incarnée avec sévérité par Ofelia Guilmain, est au courant de son secret. Mais plusieurs événements étranges finissent par attirer l’attention de Ricardo Souto, un mélomane à qui Abel Salazar prête ses traits. Le thème du pacte avec le diable se mixe ainsi avec celui du loup-garou et de Jekyll et Hyde, jusqu’à ce que le monstre ne s’en prenne à la jeune pianiste Laura (Martha Roth à nouveau), reprenant la figure classique de la Belle et la Bête.

La musique du diable

D’excellentes séquences d’action ponctuent le film, notamment l’attaque de la créature qui défonce les portes d’un hôtel avec brutalité et agresse Ricardo. L’Homme et le monstre fait également la part belle à l’angoisse pesante, comme lorsque Samuel, attiré comme un aimant par les touches d’un piano, ne peut s’empêcher d’interpréter un morceau de Tchaïkovski à la demande d’une petite fille, bien qu’il soit conscient de la terrible métamorphose qui s’ensuivra. Le climax, situé en plein concert, est filmé avec la maestria d’un Alfred Hitchcock, et rappelle d’ailleurs beaucoup le suspense musical mis en place dans L’Homme qui en savait trop. Les qualités habituelles des productions Salazar sont au rendez-vous de ce récit horrifique novateur, notamment une belle photographie noir et blanc riche en contrastes, une poignée de décors somptueux judicieusement exploités malgré la petitesse du budget, et une partition de qualité signée Gustavo Carrion.

À découvrir dans le même genre…

Partagez cet article

CELL PHONE (2016)

Les ondes des téléphones portables zombifient la population dans cette adaptation ratée d’un roman de Stephen King…

CELL

2016 – USA

Réalisé par Tod Williams

Avec John Cusak, Samuel L. Jackson, Isabelle Fuhrman, Clark Sarullo, Ethan Andrew Casto, Owen Teague, Stacy Keach

THEMA MUTATIONS I SAGA STEPHEN KING

Le roman « Cellulaire » de Stephen King, paru en 2006, part d’un postulat très prometteur, utilisant le prisme de l’horreur et de la science-fiction pour mieux dénoncer la zombification de nos contemporains face à leur téléphone portable. L’entrée en matière, comme souvent chez King, sait saisir la curiosité du lecteur et capter immédiatement son attention. Mais il faut avouer que le récit tire à la ligne, étalant sur plus de 400 pages une histoire de plus en plus incohérente, s’acheminant vers un final improbable. Le projet de l’adaptation de ce roman à l’écran, annoncé dès 2012, ne laissait donc rien espérer d’extraordinaire, étant données les nombreuses faiblesses du livre. Stephen King en écrivit le scénario avec Adam Alleca et la mise en scène fut confiée à Tod Williams, dont l’un des seuls titres de gloires était Paranormal Activity 2. Le film reprend dans les grandes lignes le principe du roman. La scène d’introduction, assez spectaculaire, montre le déchainement de la folie destructrice et meurtrière de tous les utilisateurs d’un téléphone portable dans un aéroport. Meurtres sanglants, hystérie collective et collisions d’avions s’enchaînent sur un rythme infernal.

Le dessinateur Clay (John Cusack) et le chauffeur de métro Tom (Samuel L. Jackson) tentent d’échapper au massacre. L’amateur observateur remarquera que Cusack et Jackson se donnaient déjà la réplique dans une autre adaptation de Stephen King, le remarquable Chambre 1408 (auquel Cell Phone rend hommage à plusieurs reprises le temps d’une poignée de clins d’œil discrets). Tous deux sont bientôt rejoints par Alice (Isabelle Fuhrman), qui vient d’occire sa mère contaminée par le terrible virus. Sur leur route, les trois rescapés croisent les « téléphoneurs » (autrement dit les contaminés) mais aussi des petits groupes épars de survivants. Clay s’accroche alors au fol espoir que son fils et sa femme sont encore en vie, qu’ils ont échappé à « l’impulsion » fatale et qu’ils l’attendent.

L’invasion des « téléphoneurs »

Nous sommes ici sur un terrain connu, quelque part entre le film d’infectés (28 jours plus tard), le film de fin du monde (La Route) et le film de « body snatchers » (L’Invasion des profanateurs). Cell Phone n’échappe donc à aucun lieu commun. Pire : les idées science-fictionnelles de King (notamment les hommes dont le cerveau est vidé puis réinitialisé par l’intermédiaire des téléphones) ont du mal à passer le cap de l’écran. Elles étaient déjà difficiles à avaler sur le papier, mais dans le film elles sombrent vite dans le grotesque. Plusieurs scènes de foules très impressionnantes scandent certes le métrage (notamment dans le stade, ou lors du climax autour de l’antenne), mais elles ne mènent nulle part et ne s’appuient sur aucun enjeu clairement défini. Quant au final, parfaitement grotesque, il prend les allures d’une sorte d’énorme gag absurde aux accents de la chanson « Trololo ». Du coup Cell Phone s’oublie aussitôt après avoir été visionné et la salve acide contre l’addiction aux téléphones portables n’a pas du tout l’impact escompté.

Partagez cet article

TIMECRIMES (2007)

Plongé accidentellement dans un voyage temporel incontrôlable, un homme se retrouve dans des situations de plus en plus cauchemardesques…

LOS CRONOSCRIMENES

2007 – Espagne

Réalisé par Nacho Vigalondo

Avec Karra Elejalde, Candela Fernandez, Babara Goenaga, Nacho Vigalondo, Juan Inciarte

THEMA VOYAGES DANS LE TEMPS

Pour son premier long-métrage, le réalisateur espagnol Nacho Vigalondo se laisse inspirer par ses lectures de jeunesse, notamment le magazine de bandes-dessinées « 2000 AD ». C’est entre ces pages que naît une grande partie de sa passion pour la science-fiction. Conscient des limites budgétaires auxquelles il va devoir faire face, Vigalondo concocte une complexe histoire de voyage dans le temps qui s’appuiera toute entière sur la rigueur du scénario, de la mise en scène et des comédiens, sans le moindre recours aux effets visuels. Tout commence dans la campagne espagnole. Hector (Karra Elejalde) et Clara (Candela Fernandez) vivent en lisière de forêt dans une maison qu’ils rénovent. Alors qu’il observe les bois avec une paire de jumelles, Hector découvre au loin une jeune femme (Babara Goenaga) qui retire son T-shirt et expose sans pudeur sa poitrine, attisant forcément sa curiosité. Sitôt son épouse partie faire des courses, Hector mène l’enquête et finit par retrouver la belle inconnue au sol, dénudée et inconsciente. Que s’est-il passé ? A peine remis de sa surprise, notre homme est poignardé au bras par un homme inquiétant au visage couvert de bandages ensanglantés.

Voilà un point de départ pour le moins intriguant. Mais le personnage principal n’est pas au bout de ses surprises. Alors qu’il prend la fuite pour échapper à son assaillant menaçant, Hector s’introduit en effet dans un mystérieux bâtiment voisin et fait accidentellement un voyage dans le temps. Le voilà bientôt confronté à lui-même une heure auparavant. En cherchant à tout prix à réparer cette erreur et à revenir au présent, il va déclencher sans le vouloir une série de désastres irréparables… Ce scénario aux répercussions vertigineuses, écrit par Nacho Vigalondo lui-même, aborde le thème du paradoxe temporel sous un angle très trivial pour mieux le transcender. Dans le but d’éviter aux spectateurs de perdre pied, le récit utilise maintes astuces, y compris celle d’un des protagonistes nous expliquant à l’aide d’un croquis simplifié le principe des mondes parallèles créés par chaque saut dans le temps, comme à l’époque de Retour vers le futur 2.

Paradoxes

Le « héros » de Timecrimes étant un homme ordinaire, voyeur à ses heures comme tout spectateur qui se respecte, le phénomène d’identification fonctionne parfaitement et les influences hitchcockiennes sont assumées, ce que semblent confirmer cette énorme paire de ciseaux échappée du Crime était presque parfait ou ces péripéties dramatiques sur le toit d’une maison qui évoquent forcément Sueurs froides. L’argument science-fictionnel est d’autant plus crédible qu’il est banalisé, comme pour mieux laisser l’intrigue psychologique se développer. Ce tueur iconique (une tenue échappée des feuilletons des années 30, un bandage qui lui donne des allures de momies) surgit brusquement au fil de l’intrigue et se justifie évidemment par les incroyables retournements de situation dont le film abonde. En filigrane, une question métaphysique se pose : le moi d’il y a une heure est-il le même que le moi du présent ? S’agit-il de la même personne ? Un vieil adage ne dit-il pas qu’aucun homme ne se baigne deux fois dans la même rivière, parce que la deuxième fois ce n’est pas la même rivière et ce n’est pas le même homme ? C’est ce que semble démontrer ce récit à tiroirs, condensé dans l’espace, dans le temps et dans le nombre de protagonistes pour mieux tutoyer l’infini. Il faut bien sûr saluer la prestation étonnante de Karra Elejalde, acteur principal – et multiple ! – du film de Nacho Vigalondo, ce dernier se réservant le rôle d’un scientifique bien vite dépassé par la tournure des événements. Salué par la critique, Timecrimes sera couvert de récompenses à travers ses passages dans les festivals du monde entier.

Partagez cet article

BIGFOOT ET LES HENDERSON (1987)

Une comédie populaire gorgée de bons sentiments dans laquelle une famille d’Américains moyens se lie d’amitié avec une grosse bête poilue…

HARRY AND THE HENDERSONS

1987 – USA

Réalisé par William Dear

Avec John Lithgow, Melinda Dillon, Kevin Peter Hall, Margaret Langrick, Joshua Rudoy, David Suchet, Lainie Kazan, Don Ameche, M. Emmet Walsh

THEMA YETIS ET CHAÎNONS MANQUANTS

C’est en s’inspirant des nombreux témoignages liés à de supposées apparitions de Sasquatchs et de Bigfoots dans les forêts américaines et canadiennes que le trio de scénaristes Bill Martin, Ezra D. Rappaport et William Dear écrit l’histoire de Harry and the Hendersons. Les trois hommes avaient déjà collaboré ensemble sur le programme télévisé musical Elephant Parts. Le prénom « Harry » serait par ailleurs hérité de celui du chanteur Harry Nilsson, pour qui Bill Martin écrivit plusieurs chansons. Conçu comme une comédie familiale fantastique brassant large – et notamment le public des productions Amblin -, Harry and the Hendersons trouve le producteur exécutif idéal en la personne de Steven Spielberg. William Dear le connaît, puisqu’il avait réalisé pour lui l’un des épisodes de la série Histoires fantastiques (un quiproquo réussi autour de deux momies, l’une vraie et l’autre fausse). Familier avec le genre fantastique (il fut aussi réalisateur de Timerider), Dear hérite de la mise en scène de Harry and the Hendersons et part tourner avec une brochette de comédiens solides sur plusieurs sites naturels américains propices à l’intrusion de son Bigfoot vedette.

Comme chacun sait, Bigfoot est une créature gigantesque et velue aux grands pieds, d’où son nom. Il est aux croyances Peaux-Rouges l’équivalent du Yeti de l’Himalaya. Un jour, les Henderson, une famille d’Américains moyens, vont faire sa connaissance en le percutant de plein fouet avec leur break alors qu’ils reviennent d’un camping. Le croyant mort, ils décident de le ramener avec eux dans la banlieue Seattle, dans l’espoir de le vendre. Mais en se rendant le soir dans le garage pour examiner sa prise, George Henderson (John Lithgow) découvre que le Bigfoot est bien vivant et qu’il s’est échappé. Parti explorer la maison à la recherche d’une nourriture à sa dimension, le monstre s’empare avidement du réfrigérateur. Les Henderson finissent par s’attacher à cette grosse bête velue, beaucoup plus amicale et intelligente qu’ils ne le croyaient. George s’investit alors d’une mission : lui rendre sa liberté et le ramener à la nature. Mais les choses ne sont pas aussi simples, d’autant qu’un chasseur à la gâchette facile se met sur leur trace…

Au poil !

Très agréable, distrayant de bout en bout, réalisé avec soin, Harry and the Hendersons coche tranquillement toutes les cases de son cahier des charges, et c’est sans doute là que le bât finit par blesser. Car le côté « recette de cuisine aux ingrédients bien dosés » de l’entreprise lui ôte aussi toute spontanéité : un peu d’action, un peu de comédie, un peu de suspense, un peu d’émotion, c’est propre, bien emballé mais pas très surprenant et sans doute trop formaté pour convaincre totalement. D’autant que la trame du film se calque sagement sur celle de E.T. l’extra-terrestre. On se rabat donc sur l’abattage de John Lithgow (parfait dans tous les registres) et sur les remarquables effets spéciaux de Rick Baker. Réconcilié avec Steven Spielberg après une brouille liée au faux départ de la production de E.T. (justement), le génial maquilleur crée sans doute ici son faciès simien le plus réussi et le plus expressif, s’inspirant en partie de la physionomie des orangs outans. Ce travail remarquable (celui qu’il préfère parmi toutes ses créations) s’appuie sur la prestation impressionnante du gigantesque Kevin Peter Hall (le Predator, c’est lui !) et permettra au film de remporter l’Oscar des effets spéciaux de maquillage. Pour jouer la carte du mystère, la campagne marketing du film évitait de montrer la créature, ce qui joua en sa défaveur. Il fallait de toute évidence capitaliser sur « la bête », ce que firent de nombreux territoires en dehors des États-Unis (y compris la France) en exhibant la brave créature sur les posters et en rebaptisant le film Bigfoot et les Henderson. Le film eut finalement suffisamment de succès pour engendrer une sympathique sitcom diffusée entre 1991 et 1993.

À découvrir dans le même genre…

Partagez cet article

INVISIBLE INVADERS (1959)

**Des extra-terrestres transforment les humains en zombies pour conquérir la Terre dans cet ancêtre délirant de La Nuit des morts-vivants…**

INVISIBLE INVADERS

1959 – USA

Réalisé par Edward L. Cahn

Avec John Agar, Jean Byron, Philip Tonge, Robert Hutton, John Carradine, Paul Langton, Eden Hartford, Don Kennedy

THEMA ZOMBIES I EXTRA-TERRESTRES

Fort prolifique dans le double domaine de l’épouvante et de la science-fiction, le réalisateur Edward L. Cahn les mêle ici étroitement en recyclant ses deux thématiques préférées : les extra-terrestres belliqueux (Invasion of the Saucer Men, La Fusée de l’épouvante) et les zombies (Creature with the Atom Brain, Zombies of Mora-Tau, Voodoo Woman). Si sa méconnue Fusée de l’épouvante servit probablement d’inspiration à Dan O’Bannon et Ronald Shussett pour le scénario d’Alien, il n’est pas impossible que cet Invisible Invaders fut l’une des influences subies par George Romero lorsqu’il s’attela à sa Nuit des morts-vivants neuf ans plus tard. Au cours du prologue, le docteur Karol Noymann, incarné par l’incontournable John Carradine, meurt dans l’explosion de son laboratoire de physique. Après l’enterrement, son collègue le docteur Adam Penner (Philip Tonge) reçoit la visite de Noymann, sous la forme d’un zombie animé par une puissance extra-terrestre installée sur la lune depuis des siècles.

Nos agressifs voisins sélénites ont en effet un plan imparable pour envahir notre planète : s’emparer du corps des défunts et les muer en zombies à leurs ordres. Si un tel stratagème prêtait à rire dans Plan 9 From Outer Space réalisé la même année par Ed Wood, la menace est ici fort efficacement menée. Et elle s’achève dans un bunker, où les humains survivants sont agressés sans relâche par des zombies blafards en costume cravate dont le nombre ne cesse de croître. La petitesse du budget se fait sensiblement sentir tout au long du métrage, mais Edward Cahn la contourne par d’habiles stratagèmes. Il use ainsi de stock-shots variés pour illustrer les scènes de foule et de destruction qu’il n’a pas les moyens de filmer lui-même, et traduit l’invisibilité des agresseurs extra-terrestres par des trucages simples et efficaces : deux tas de terre qui bougent pour visualiser les pas traînants des envahisseurs (il usa d’une astuce voisine pour les empreintes de The She Creature), des branches qui s’écartent toutes seules, et le tour est joué. Le film s’encombre en revanche d’une voix off sentencieuse parfaitement inutile qui croit bon de paraphraser régulièrement l’action.

Aimez-vous les uns les autres

Le casting d’Invisible Invaders est dominé par John Agar et Philip Tonge, plus vrais que nature dans leurs rôles respectifs de militaire pugnace et de vieux savant accablé. On ne peut en dire autant de Jean Byron et Robert Hutton, assurant les fonctions superficielles de belle plante et de rival amoureux. Nos quatre survivants tentent bien de vaporiser du produit acrylique sur les zombies pour les immobiliser, mais ils ne parviennent pour autant à endiguer l’invasion. Jusqu’à ce qu’un accident ne leur révèle le point faible des aliens : les ondes sonores. L’ultime contre-attaque évoque ainsi celle des Soucoupes volantes attaquent, et le film s’achève sur une morale enjoignant toutes les nations à cesser de lutter entre elles. Un message plutôt naïf dont la sincérité est cependant touchante, d’autant qu’Invisible Invaders se positionne d’emblée comme une œuvre farouchement anti-nucléaire.

Partagez cet article

LE MONDE DES VAMPIRES (1961)

Cet ultime volet d’une trilogie mexicaine consacrée aux suceurs de sang multiplie les idées surprenantes et les séquences rocambolesques…

EL MUNDO DE LOS VAMPIROS

1961 – MEXIQUE

Réalisé par Alfonso Corona Blake

Avec Mauricio Garces, Erna Martha Bauman, Silvia Fournier, Guillermo Murray, Jose Baviera, Yolanda Margain

THEMA VAMPIRES

Pour cette troisième incursion mexicaine au pays des vampires après Les Proies du vampire et Le Retour du vampire, un ravalement de façade complet a été effectué. Ainsi, à l’exception du producteur Abel Salazar, l’équipe a changé du tout au tout. Exit donc le casting principal, ainsi que le réalisateur Fernando Mendez, remplacé ici au pied levé par Alfondo Corona Blake. Le lien entre ce film et les deux précédents est donc des plus ténus, d’autant qu’ici, le traitement de l’épouvante s’avère plus frontal et bien moins insidieux. A la tête d’une armée de vampires souterrains, le maléfique comte Subotai complote pour pouvoir se venger du dernier descendant de la famille Colman, dont l’ancêtre fut l’ennemi de sa famille en Hongrie. Pour y parvenir, il s’efforce de vampiriser ses deux ravissantes nièces. Le changement de ton est annoncé d’emblée, avec cette séquence pour le moins improbable dans laquelle le comte Subotai dirige un sacrifice rituel au nom d’une prétendue divinité antique, invoquant évasivement la cabale et déclamant de grands textes explicatifs face à la caméra.

Le décor de cette cérémonie occulte est une catacombe ornée de torches qu’on croirait issue d’un péplum, les adeptes de la cérémonie sont des dizaines de jeunes femmes outrancièrement maquillées ainsi que des vampires affublés de masques rigides grotesques aux yeux globuleux, aux oreilles pointues et aux dents proéminentes. Quant à Subotai, il dirige ses serviteurs improbables en pianotant sur un orgue constitué d’ossements humains et jette ses victimes dans un puits hérissé de pointes. Le scénario l’affuble même d’un assistant bossu et difforme qui semble vaguement hérité des Frankenstein d’Universal. On l’aura compris, nous nageons ici dans une ambiance assez proche du serial et de la bande dessinée. Corona Blake persévèrera d’ailleurs dans cette voie, notamment en réalisant plusieurs épisodes de la fameuse saga consacrée au catcheur Santo.

Les vampires n’aiment pas le piano !

Le Monde des vampires se permet au passage quelques variantes fort surprenantes autour de la mythologie des suceurs de sang. Ici, en effet, l’arme la plus susceptible de les anéantir n’est ni le pieu, ni le crucifix, ni l’ail, mais une mélodie jouée au piano ! Quant à la transformation progressive des humains en vampire, elle passe par une étrange étape au cours de laquelle des poils hirsutes se mettent à couvrir le dos des mains avant de s’attaquer au visage. Comme si lycanthropie et vampirisme se confondaient quelque peu en une seule et même malédiction. Le film se pare même de quelques visions surréalistes du plus curieux effet, comme cette image très furtive d’une jeune fille au corps de chauve-souris. Guillermo Murray ne démérite guère dans le rôle du machiavélique comte vampire Subotai, d’autant que sa ressemblance physique avec Christopher Lee est assez frappante, mais l’absence de German Robles, héros inoubliable des deux films précédents, se fait cruellement sentir. Ce segment est donc le plus anecdotique des trois, mais il comporte les mêmes qualités graphiques et formelles que ses deux modèles, tout en reprenant la majeure partie de la bande originale composée par Gustavio Carrion pour Les Proies du vampire.

Partagez cet article

À LOUER (2006)

Pour la collection « Scary Stories » destinée à la télévision espagnole, Jaume Balaguero signe un huis-clos redoutablement oppressant…

PARA ENTRA A VIVIR

2006 – ESPAGNE

Réalisé par Jaume Balaguero

Avec Macarena Gomez, Nuria Gonzalez, Adria Collado, Ruth Diaz, Roberto Romero, David Sandanya, Julieta Marocco

THEMA TUEURS

Conçu pour la télévision espagnole, À louer s’inscrit dans la collection « Peliculas Para No Dormir » (un titre qu’on pourrait traduire par « Histoires pour ne pas dormir », mais qui fut rebaptisé « Scary Stories » en France). Cette série de téléfilms autonomes est dirigée par le vétéran Narciso Ibanez Serador, à qui nous devons notamment La Résidence. Pas du tout complexé par un planning de tournage réduit et un budget limité, Jaume Balaguero (La Secte sans nom, Fragile) en profite pour concocter avec Alberto Marini un scénario concentré dans l’espace et dans le temps, avec un nombre restreint de comédiens et une situation de départ plutôt simple. La redoutable efficacité du film et sa capacité à générer le stress et l’angoisse n’en sont que plus remarquables. Jeune infirmière en poste au Jaume’s Hospital (!), Clara attend un enfant. Son époux et elle revendent donc leur appartement afin d’en dénicher un plus grand. Mais le temps passe et les offres alléchantes ne pleuvent pas. Jusqu’à cette petite annonce énigmatique déposée dans leur boîte aux lettres. Curieux, nos deux tourtereaux décident d’y jeter un coup d’œil. C’est bien sûr le début de la fin…

La distance qui sépare l’immeuble à visiter du centre-ville s’avère particulièrement longue, et lorsque le couple découvre le bâtiment décrépi et abandonné, tous deux déchantent. Mais l’employée de l’agence est déjà là, qui les attend jovialement sous la pluie dans son ciré jaune canari. Ils gravissent donc les étages sinistres avec désenchantement, par politesse, se jurant de déguerpir le plus rapidement possible. Or lorsqu’ils pénètrent dans l’appartement, un piège effroyable se referme sur eux, et le cauchemar commence. En 68 minutes à peine, Balaguero parvient à clouer le spectateur sur son siège, démontrant que l’absence de moyens peut stimuler la créativité au lieu de la gangréner. Une grande part de la réussite d’À louer est à mettre au crédit des deux actrices principales, la première donnant physiquement de sa personne avec une énergie incroyable, la seconde déployant tout un registre d’émotions contraires, oscillant entre la bonhomie sympathique, la folie furieuse hystérique et la profonde dépression.

La panique et la folie

Inventif, Balaguero tire parti au mieux de son décor unique, qu’il rend terriblement anxiogène, et filme certaines de ses actions avec des tremblements de caméra surprenants qui pourraient fort bien symboliser le basculement des protagonistes dans la panique et la folie. Une brève interruption en cours de récit, proche des facéties narratives de Takashi Miike sur Audition, laisse d’ailleurs imaginer un temps que le cauchemar n’est que la funeste prémonition d’événements non encore survenus. Les amateurs du cinéma de Jaume Balaguero ne pourront s’empêcher de tisser des liens entre À louer et [Rec], qu’il co-réalisera l’année suivante avec Paco Plaza. Les deux films se concentrent en effet sur une icône moderne du cinéma de terreur : une jeune femme énergique adoptant un look digne de Bruce Willis (débardeur, treillis) et traversant en hurlant les escaliers et les couloirs d’un vieil immeuble barcelonais, prise en chasse par des monstres d’autant plus effrayants qu’ils sont – ou furent – humains. Ce bel exercice de style inaugura en beauté une série télévisée inégale, équivalent hispanique des Masters of Horror américains.

Partagez cet article

ILSA LA TORTIONNAIRE (1977)

La « saga » douteuse initiée en 1974 se complète d’un quatrième épisode officieux signé par le roi de l’horreur érotique Jess Franco…

GRETA – HAUS OHNE MÄNNER

1977 – USA / ALLEMAGNE / FRANCE

Réalisé par Jess Franco

Avec Dyanne Thorne, Tania Busselier, Eric Falk, Lina Romay, Esther Studer, Esther Moser, Jess Franco

THEMA SUPER-VILAINS I CANNIBALES I SAGA ILSA

Tournée quasiment en même temps qu’Ilsa la tigresse du goulag, ce quatrième épisode, resté longtemps inédit en France, n’est pas officiellement rattaché à la trilogie initiée par Don Simpson et David Friedman. Il fut d’ailleurs distribué sur le marché international sous les titres de Greta the Mad Butcher et Wanda the Wicked Warden. Mais les évidentes similitudes avec les trois Ilsa précédents lui donnèrent rapidement le statut de dernier épisode de la « saga », ce qui fut confirmé par son titre américain Ilsa the Wicked Warden, puis sa contrepartie française Ilsa la tortionnaire. La mise en scène a ici été confiée aux bons soins de Jess Franco. Celui-ci, parfaitement à l’aise dans le double domaine de l’horreur crue et de l’érotisme gras, s’en donne donc à cœur joie, à grands coups de scènes de douche, de tortures au fouet et à l’électrochoc, de viols collectifs, de catch féminin dénudé, de sadomasochisme et de saphisme… Bref, Ilsa la tortionnaire, c’est la foire d’empoigne du mauvais goût. Au bout de quatre épisodes, cette étrange recette commence à devenir un tantinet lassante…

Après le camp nazi, le harem et le goulag, la cruelle teutonne (toujours incarnée par l’incontournable Dyanne Thorne) se trouve ici en charge d’une institution psychiatrique pour femmes au cœur d’une forêt d’Amérique latine. Ses méthodes pour soigner la folie, on s’en doute, ne sont pas des plus orthodoxes, et servent principalement à satisfaire ses fortes pulsions sadiques. Abbie Philips (Tanya Busselier), une jeune femme à la recherche de sa sœur disparue, se laisse volontairement interner dans la sinistre clinique afin de mener son enquête, grâce à la complicité du docteur Milton Arcos (joué par Jess Franco lui-même). Elle ne sera guère au bout de ses peines, car en plus d’Ilsa et de ses revêches surveillantes, Abbie se heurtera à quelques patientes peu commodes, dont la désaxée Juana, interprétée par Lina Romay, actrice fétiche de Franco, qui la soumettra à toutes sortes d’humiliations sordides (la plus gratinée étant probablement de se substituer à son papier toilette au cours d’une séquence fétichiste de haut vol).

La grande bouffe

Pour le reste, rien de bien nouveau à l’horizon. Dyanne Thorne, alors quadragénaire, continue à exhiber son opulente poitrine, les jeunes filles soupçonnées de fricoter avec les révolutionnaires passent un mauvais quart d’heure dans les geôles insalubres, et les clichés de la série se mêlent joyeusement aux lieux communs des films de prison de femmes, sous-genre que Jess Franco connaît par cœur pour lui avoir donné quelques-uns de ses plus « beaux » fleurons (Quartier de femmes, Caged Women, Love Camp et autres titres tout aussi poétiques). Ilsa la tortionnaire restera tout de même dans les mémoires pour son climax hallucinant, au cours duquel les patientes torturées, menées par Juana, se rebellent contre Ilsa, se jettent violemment sur elle et la dévorent littéralement ! Et le montage d’alterner des gros plans des mâchoires ensanglantées des jeunes femmes avec des images de fauves déchiquetant leurs proies… Un final choc qui scelle définitivement les aventures de la blonde tortionnaire.

À découvrir dans le même genre…

Partagez cet article

VIDOCQ (2001)

Le superviseur d’effets spéciaux visuels Pitof passe à la mise en scène pour une adaptation baroque et excessive des aventures du célèbre détective…

VIDOCQ

2001 – FRANCE

Réalisé par Pitof

Avec Gérard Depardieu, Guillaume Canet, Ines Sastre, André Dussollier, Edith Scob, Moussa Maaskri, Jean-Pierre Gros

THEMA SORCELLERIE ET MAGIE

Après avoir été superviseur d’effets spéciaux sur la plupart des grosses productions françaises des années 90 et 2000 (Les Visiteurs, La Cité des enfants perdus, Astérix et Obélix contre César), puis réalisateur de deuxième équipe sur l’Alien la résurrection de Jean-Pierre Jeunet, Pitof est passé à la mise en scène avec cet ambitieux Vidocq. L’idée de base consiste à s’éloigner de la célèbre série policière des années 60 pour plonger dans une atmosphère mystique émaillée de crimes étranges et de sorcellerie. Le fameux détective du titre, interprété par Gérard Depardieu, disparaît alors qu’il était sur le point d’arrêter un mystérieux assassin surnommé l’alchimiste. Etienne Boisset (Guillaume Canet), son jeune biographe, reprend alors son enquête… Avide d’expérimentations techniques, Pitof a opté pour un tournage en format HD et s’est mis en tête de reconstituer intégralement le Paris de 1830, à grand renfort d’effets numériques et de matte-paintings. Ces belles intentions sont hélas ruinées par une absence totale de finesse. La texture de l’image prend les allures d’une vidéo bas de gamme, les trucages sont extrêmement voyants, les faux cieux nuageux terriblement mal incrustés. Bref, l’audace visuelle s’est muée en patchwork grotesque et maladroit.

Plus problématique : ce refus en bloc de tout sens de la mesure s’étend au moindre aspect du film. Le casting opte systématiquement pour des « gueules » sans se soucier de la pertinence d’un tel choix, les comédiens surjouent avec une outrance risible, les cadrages privilégient les angles bizarres et les très gros plans sans justification, le montage est épileptique au point de manquer de lisibilité… La musique, omniprésente, a été confiée au talentueux Bruno Coulais, qui tente lui aussi les expériences hardies. « J’aime bien l’idée de traiter le 19^ème siècle avec les sonorités d’aujourd’hui », nous confie-t-il. « Sans aller vers l’anachronisme total, un mélange de classicisme et de modernité peut être très intéressant » (1). D’où la guitare électrique pendant l’un des combats entre Vidocq et l’alchimiste.

Le miroir de la mort

Mais la partition de Vidocq est un joyeux fourre-tout, à l’image du film entier, mêlant les imitations manifestes de Danny Elfman, les extraits classiques épars ou encore les recyclages de l’incontournable « Mars » de Gustav Holst. Le problème, c’est que la musique, comme le reste, ne s’arrête jamais et ne s’offre aucun ralentissement, ne permettant donc à aucune dynamique (au sens propre) de se mettre en place. Du coup, l’ambition du film est tuée dans l’œuf, et c’est d’autant plus dommage que le scénario offrait des possibilités fascinantes et que la direction artistique de Marc Caro était des plus inventives, avec une mention spéciale pour le masque-miroir de l’alchimiste dans lequel ses victimes se voient mourir. Cet hommage direct à la caméra tueuse du Voyeur de Michael Powel est concrétisé à l’écran par les effets digitaux de McGuff Ligne sous la supervision de Rodolphe Chabrier. « Parfois, c’est pendant le tournage que viennent les idées de nouveaux outils numériques », nous explique ce dernier. « Il me paraît indispensable de toujours prendre en compte le réalisateur, les comédiens et les conditions de tournage » (2). Dommage que tous ces talents servent une œuvre aussi brouillonne.

(1) Propos recueillis par votre serviteur en septembre 2001

(2) Propos recueillis par votre serviteur en novembre 2009

À découvrir dans le même genre…

Partagez cet article