L’HOMME AUX DEUX CERVEAUX (1983)

Steve Martin incarne un médecin spécialiste dans l’opération du cerveau qui a mis au point une technologie révolutionnaire

THE MAN WITH TWO BRAINS

1983 – USA

Réalisé par Carl Reiner

Avec Steve Martin, Kathleen Turner, David Warner, Paul Benedict, Peter Hobbs, Richard Brestoff, Earl Boen, David Byrd, Francis X. McCarthy, James Cromwell

THEMA MÉDECINE EN FOLIE

Rob Reiner a tant séduit les cinéphiles à travers sa filmographie riche et éclectique (Stand by Me, Princess Bride, Quand Harry rencontre Sally, Misery, Des Hommes d’honneur) qu’il en a presque éclipsé l’œuvre impressionnante de son père. Les talents multiples de Carl Reiner (acteur, réalisateur, producteur, scénariste écrivain) se sont pourtant déployés pendant sept décennies, placées principalement sous le signe de la comédie. Son septième long-métrage en tant que metteur en scène, Les Cadavres ne portent pas de costard, fut un beau succès critique et public. Il faut dire que le concept avait de quoi séduire les cinéphiles de tous poils : dans le rôle d’un détective privé à l’ancienne, le comédien Steve Martin y menait une enquête loufoque en croisant les plus grandes stars des années 40, grâce à un montage virtuose lui permettant d’interagir avec des extraits empruntés à une vingtaine de classiques du film noir. Michel Hazanivicius et Dominique Mézerette s’en souviendront lorsqu’ils concocteront le cultissime film patchwork La Classe américaine. Sur sa lancée, Carl Reiner décide de reformer le trio gagnant des Cadavres… en co-signant un nouveau scénario parodique avec George Gipe et Steve Martin, ce dernier étant une fois de plus réquisitionné pour jouer le rôle principal. Après les films noirs, ce sont les séries B de science-fiction qui sont dans la ligne de mire des trois auteurs, et tout particulièrement Donovan’s Brain dont il reprend l’argument principal. La référence est assumée par un extrait diffusé sur un téléviseur, le héros avouant aussitôt qu’il s’agit de son film préféré.

Steve Martin entre ici dans la peau de Michael Hfuhruhurr, un médecin dont le patronyme imprononçable constituera l’un des nombreux gags à répétition du film. Encore sous le choc de son récent veuvage, cet éminent spécialiste du cerveau a inventé une méthode révolutionnaire pour les opérations à crâne ouvert : la calotte qui se visse et se dévisse ! Exubérant, vantard, névrosé, il attire malgré tout notre sympathie. On ne peut pas en dire autant de Dolores Benedict (Kathleen Turner), une femme séduisante et cupide qui vient de provoquer la mort par apoplexie de son vieil époux (dans l’espoir de toucher son héritage) et se met désormais en tête de convoiter la fortune de Hfuhruhurr. Celui-ci tombe immédiatement sous son charme vénéneux et l’épouse, mais elle se refuse à lui et le mène par le bout du nez. Frustré au-delà de toute mesure, le médecin rend un jour visite à un collègue autrichien, Alfred Necessiter (David Warner). Ce dernier a mis au point une technique permettant de maintenir en vie des cerveaux sans corps dans un liquide de son invention. Or un lien télépathique se crée soudain entre Hfuhruhurr et le cerveau féminin d’une certaine Anne Uumellmahaye (à qui Sissy Spacek, l’inoubliable héroïne de Carrie, prête sa voix sans en être créditée). Une romance hors-norme s’établit dès lors entre le savant et la matière grise flottante…

Romance cérébrale

Comme toujours, Steve Martin excelle dans le registre excentrique qu’il cultive depuis les premiers sketches du « Saturday Night Live » qui le révélèrent. Dans le registre ultra-nerveux de l’homme frustré sexuellement, il s’avère hilarant. Mais pour lui donner la réplique, il fallait une partenaire de choix. En ce domaine, Kathleen Turner est époustouflante. Séduite par ce rôle qui lui permet de tourner en dérision sa propre prestation de femme fatale dans La Fièvre au corps de Lawrence Kasdan, elle n’en est encore qu’au tout début de sa carrière et crève déjà l’écran. L’année suivante, A la poursuite du diamant vert la consacrera définitivement comme superstar des années 80. Ce duo de choc se complète avec la prestation merveilleusement décalée de David Warner en archétype du savant fou qui veut greffer des cerveaux humains dans des corps de gorilles. L’œil attentif du fantasticophile repèrera aussi dans un tout petit rôle d’interne en médecine – déjà ! – le futur Herbert West de Re-Animator, autrement dit Jeffrey Combs. Mené à un train d’enfer, le scénario de L’Homme aux deux cerveaux est truffé de gags de toutes natures : visuels, sonores, dialogués, absurdes, parodiques… Certains sont dignes d’un cartoon (la porte d’un appartement qui s’ouvre sur un immense château gothique, les mains-ventouses, le flipper humain), d’autres évoquent l’humour des ZAZ (l’improbable séance d’alcootest). D’autres ont hélas bien du mal à traverser les frontières (chez nous, la star de la télé américaine Merv Griffin est un parfait inconnu). Toujours est-il que la générosité du film, ses excès, son absence de retenue et l’abattage de ses comédiens emportent immédiatement l’adhésion.

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FRANKENSTEIN RENCONTRE LE LOUP-GAROU (1943)

Le premier crossover des monstres de l’écurie Universal oppose deux créatures mythiques au cœur d’un village imaginaire

FRANKENSTEIN MEETS THE WOLF MAN

1943 – USA

Réalisé par Roy William Neill

Avec Lon Chaney Jr, Ilona Massey, Bela Lugosi, Lionel Atwill, Patrick Knowles, Maria Ouspenkaya, Don Barclay

THEMA FRANKENSTEIN I LOUPS-GAROUS I SAGA UNIVERSAL MONSTERS

A la fois suite du Loup-garou de George Waggner et du Spectre de Frankenstein d’Erle C. Kenton, cette première rencontre des monstres de l’Universal pose un sérieux problème de casting, car Lon Chaney Jr doit jouer Larry Talbot, l’homme-loup, rôle qui l’a rendu célèbre trois ans plus tôt. Or c’est également lui qui interprétait le monstre de Frankenstein dans Le Spectre de Frankenstein. Qui allait bien pouvoir le remplacer sous le crâne plat et les électrodes ? Ironie du sort, c’est Bela Lugosi qui reprend le rôle, alors qu’il l’avait refusé douze ans plus tôt à l’époque du premier Frankenstein de James Whale. Ce choix n’est pas illogique, dans la mesure où Lugosi jouait le rôle d’Ygor dans le film précédent, et que le cerveau de son personnage habite désormais le corps du monstre. En revanche, rien n’explique que la créature soit à nouveau muette et qu’aucune allusion ne soit faite à la cécité qui la frappait à la fin du Spectre de Frankenstein, même si Lugosi évolue dans le film comme un somnambule, les bras tendus et le regard vide. Certaines séquences furent tournées pour assurer un lien plus étroit entre le film précédent et celui-ci, mais elles furent coupées au montage.

Frankenstein rencontre le loup-garou rachète les gigantesques aberrations de son scénario, signé Curt Siodmak, par une qualité esthétique indiscutable. Malencontreusement ressuscité par deux pilleurs de tombe au début du film, suivant un prétexte narratif des plus évasifs, Larry Talbot s’évade de l’hôpital dans lequel on le soignait après qu’il eut été retrouvé inconscient un lendemain de pleine lune. Il retrouve Maleva (Maria Ouspenkaya), une Bohémienne, mère de l’homme-loup qui mordit autrefois Talbot et le contamina (et que jouait… Bela Lugosi). La première partie du film, qui nous conte cette quête désespérée, s’avère assez convaincante. En revanche, dès que Talbot, accompagné par Maleva, se retrouve dans le village helvétique de Vasaria où vécut Frankenstein, la crédibilité s’effondre. Le monstre, malgré le maquillage de Jack Pierce, est assez pitoyable sous les traits bouffis de Lugosi, d’autant que son rôle est des plus schématiques. Pour couronner le tout, il est découvert prisonnier de la glace, alors qu’il succomba dans les flammes lors du film précédent !

La guerre des monstres

L’homme-loup obtient d’Elsa Frankenstein (Ilona Massey), fille du baron, la révélation de la cachette en laquelle Frankenstein tenait ses notes secrètes. Un médecin, Mannering (Patric Knowles), accepte de guérir Larry Talbot et de détruire le monstre de Frankenstein, mais en dernier ressort il leur rend à tous deux des forces décuplées. Tandis que les deux monstres s’affrontent, les villageois font sauter un barrage tout proche et inondent le château (une très jolie maquette qui finira sous un torrent d’eau déchaînée, sous la supervision de l’as des effets spéciaux John P. Fulton). Dans certaines scènes d’action musclées, Bela Lugosi et Lon Chaney Jr sont doublés par les cascadeurs Eddie Parker et Gil Perkins, méticuleusement maquillés par Jack Pierce. Le résultat sera suffisamment convaincant pour que le studio confie le rôle du monstre à un autre cascadeur, en l’occurrence Glenn Strange, dans le film suivant de la série, La Maison de Frankenstein.

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NOMADS (1985)

Pour son premier film, John McTiernan dirige le débutant Pierce Brosnan dans un thriller surnaturel oppressant

NOMADS

1985 – USA

Réalisé par John McTiernan

Avec Pierce Brosnan, Lesley-Anne Down, Anna-Maria Monticelli, Adam Ant, Mary Woronov, Hector Mercado, Josie Cotton

THEMA SORCELLERIE ET MAGIE

Quelques années avant de réaliser Predator, Piège de cristal, À la poursuite d’Octobre Rouge et de devenir l’un des plus grands – le plus grand ? – réalisateurs de films d’action de tous les temps, John McTiernan réalisait Nomads, un premier long-métrage portant déjà en substance une grande partie de son univers et de ses thèmes récurrents. « Je suis issu d’une modeste famille irlandaise et j’ai grandi dans une petite ville industrielle au nord de New York », raconte le réalisateur pour résumer ses débuts. « Les Irlandais-Américains étant obsédés par l’éducation, il était clair que j’allais devoir suivre des études supérieures. Pour éviter un cursus trop classique, je me suis mis à étudier le cinéma à l’American Film Institute de Los Angeles. Là, j’ai commencé à écrire des scénarios, dans l’espoir d’en signer un qui soit suffisamment abouti pour que je puisse le réaliser. Et ce fut le cas avec Nomads. » (1) Le film s’inspire d’un roman de Chelsea Quinn Yarbro, dont les péripéties étranges tournent autour d’un anthropologue canadien francophone. Pour incarner ce personnage central, McTiernan pense logiquement à Gérard Depardieu. Mais le futur Cyrano de Jean-Paul Rappeneau n’est pas tenté par la proposition. La production change alors son fusil d’épaule et se tourne vers un comédien irlandais popularisé par la série TV Les Enquêtes de Remington Steele mais encore novice au cinéma : Pierce Brosnan.

Le futur James Bond de Goldeneye incarne donc Jean-Charles Pommier, un scientifique français passionné par les croyances religieuses et les rituels spirituels des cultures non occidentales. Dès l’entame, McTiernan nous prend par surprise en tuant son héros. Pommier est en effet assassiné violemment et meurt dans les urgences d’un hôpital de Los Angeles. À son chevet, le docteur Eileen Flax (Lesley-Anne Down) est soudain possédée par ses souvenirs et revit la dernière semaine de sa vie. Le temps se rembobine donc et nous retrouvons le fringuant anthropologue et son épouse Niki (Anna-Maria Monticelli) dans leur maison de banlieue. Bientôt, le couple est menacé par une bande de voyous qui rôdent dans leur quartier en adoptant d’étranges comportements tribaux. Fasciné par eux, Pommier découvre qu’il s’agit d’esprits démoniaques d’origine inuit ayant pris une apparence humaine pour mieux perpétrer leurs sanglants forfaits. Maintenant qu’il a percé à jour leur secret, notre homme devient leur cible…

« Ce ne sont pas les mots qui comptent… »

Il n’est pas difficile de comprendre ce qui a pu séduire John McTiernan dans ce récit, lui qui n’aura de cesse au fil de sa filmographie de décliner les thèmes de la tribalité et de la barrière de la langue. « Quand j’étais enfant, je passais beaucoup de temps à l’opéra », nous raconte-t-il. « Je ne comprenais pas les mots, puis je me suis rendu compte que ça n’avait pas d’importance du moment que le ton du chant était juste. A l’université, j’ai vu des centaines de films étrangers, et j’ai arrêté de lire les sous-titres. La plupart du temps, je comprenais ce qui se passait grâce à l’émotion véhiculée par les comédiens. Ce ne sont pas les mots qui comptent, mais leur sonorité. Voilà pourquoi, dans mes films, j’aime placer des dialogues en langage étranger sans les sous-titrer. Une distance se crée alors entre les personnages qui cherchent à se comprendre et vont au-delà de la barrière de la langue. » (2) Ces propos nous rappellent quelques scènes clés d’À la poursuite d’Octobre Rouge et Le Treizième guerrier. Le jeu sur la langue étrangère est ici quelque peu altéré par la non-francophonie de Pierce Brosnan, qui parle notre langue avec un étrange accent. Dans la version française, sa nationalité sera d’ailleurs changée, le Français Jean-Charles Pommier devenant l’Allemand Johnny Baumann. Autres réserves : le coup de vieux qu’ont pris certains aspects du film, notamment le gang des rues tellement typique des années 80 qu’il semble échappé de la comédie musicale Starmania ! Il n’en demeure pas moins que McTiernan fait preuve d’une belle maîtrise pour un premier long-métrage, dirigeant ses comédiens avec beaucoup de justesse, bâtissant une efficace atmosphère oppressante et tournant même une scène de cauchemar qui s’achève par une chute dans le vide filmée exactement comme celle – devenue célèbre – de Hans Gruber dans Piège de cristal. Très impressionné par son travail, Arnold Schwarzenegger sollicitera McTiernan pour diriger Predator deux ans plus tard. Quant à Pierce Brosnan, il retrouvera le metteur en scène entre deux escapades bondiennes le temps d’un très élégant remake de L’Affaire Thomas Crown.

(1) et (2) Propos recueillis par votre serviteur en janvier 2010

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SKY SHARKS (2020)

Des zombies nazis chevauchent des requins volants génétiquement modifiés et partent à la conquête du monde !

SKY SHARKS

2020 – ALLEMAGNE

Réalisé par Marc Fehse

Avec Eva Habermann, Cary-Hiroyuki Tagawa, Tony Todd, Naomi Grossman, Amanda Bearse, Robert LaSardo, Dave Sheridan, Barbara Nedelkakova

THEMA MONSTRES MARINS I ZOMBIES

Voilà bien longtemps que les requins sont devenus les nouveaux clowns du cinéma fantastique, s’accommodant à toutes les sauces pour le plus grand plaisir des amateurs de nanars et de films déviants. Qu’elle est loin l’époque où le simple « grand blanc » des Dents de la mer suffisait à terrifier les spectateurs ! Aujourd’hui, les squales doivent atteindre des proportions démentielles, muter, voler, fusionner avec d’autres créatures, affronter des adversaires improbables… En pareil contexte, l’annonce d’un film mettant en scène des zombies nazis chevauchant des requins volants pour conquérir le monde n’étonne même plus ! La révélation de ce projet et la projection d’une première bande-annonce fit pourtant son petit effet au marché du film de Cannes en 2015, à la grande satisfaction de ceux qui produisirent quatre ans plus tôt l’invasion extra-terrestres de Spores. Nombreux furent ceux qui contribuèrent à la campagne de financement participatif du film, leur apport modeste permettant de boucler un budget estimé à 2,5 millions d’euros. Après un tournage amorcé en 2016 et une longue – très longue – post-production, Sky Sharks montre enfin le bout de son museau et semble vouloir tenir toutes les promesses de son concept fou, comme le montre cette scène d’introduction délirante où un avion de ligne est attaqué par une armada volante de nazis morts-vivants montés sur des squales mutants biomécaniques qui fendent les airs à une vitesse supersonique.

Le scénario, qui se résume finalement à peu de choses, s’intéresse à une équipe de géologues découvrant accidentellement au cœur de l’Antarctique un laboratoire caché dans les profondeurs de la glace depuis la seconde guerre mondiale. À l’intérieur se trouve le fruit d’une expérience secrète conduite par le docteur Hans Kammler pour assurer aux nazis une victoire certaine et une domination du monde. Tout est parti de l’invention du K7B, conçu pour régénérer les tissus afin de rendre les soldats invincibles. Avec une telle armée, pilotant de surcroît des requins génétiquement modifiés pour pouvoir échapper à la gravité, rien ne semblait pouvoir arrêter l’ascension du quatrième Reich. L’histoire en décida autrement. Mais aujourd’hui, cette terrible arme redoutable est libérée dans la nature et les avions de ligne en sont les premières victimes. Face à ce danger que rien ne semble pouvoir stopper, deux jeunes soldates découvrent avec désarroi que leur père centenaire, qui dirige un conglomérat industriel et s’injecte régulièrement un sérum pour stopper le vieillissement de ses cellules, n’est autre que l’homme qui supervisa cette opération pendant la guerre. Pour éradiquer cette menace rétro-futuriste, tous les pays vont devoir s’allier et mettre sur pied une opération commando de la dernière chance…

Les dents de l’amer

Qu’un tel film ait été conçu par des cinéastes allemands ne manque évidemment pas de sel. De toute évidence, nos voisins germains n’hésitent pas à exorciser leur propre passé, quitte à jouer la carte de l’autodérision, de la science-fiction et de l’horreur décomplexée. De ce point de vue, tous les excès sont permis. Les scènes de carnage en plein vol se parent ainsi d’effets gore extrêmes, mélange habile d’effets numériques et de maquillages spéciaux (plusieurs d’entre eux étant supervisés par le gourou Tom Savini lui-même) qui n’ont rien à envier à un Braindead. Les effets visuels eux-mêmes s’avèrent extrêmement soignés, supérieurs à ceux de n’importe quel épisode de la saga Sharknado. De fait, malgré son budget réduit, Sky Shark a du cachet. Mais sa tonalité reste difficile à appréhender. Ni totalement parodique, ni franchement drôle, le film a du mal à se positionner entre le premier et le second degré, ce qui finit par nuire à son impact. Quant aux circonvolutions artificielles du scénario (à grand renfort de flash-backs à répétition), elles semblent vouloir combler un vide narratif qu’on ne saurait appréhender autrement que comme un constat d’impuissance : de toute évidence, un tel concept s’adaptait mieux à un court qu’à un long métrage. Du coup, malgré sa profusion d’effets spéciaux high-tech, ses effets de montage dynamiques et sa musique électronique énergisante, Sky Sharks accumule les longueurs et les « ventres mous ». Entre deux attaques de requins volants, le spectateur aura du mal à réfréner quelques bâillements, malgré les fausses pubs qui scandent le métrage pour tenter de relancer l’intérêt en clignant manifestement de l’œil vers les spots TV parodiques de Robocop et Starship Troopers.

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CASHBACK (2007)

Un étudiant qui travaille de nuit dans un supermarché pour arrondir ses fins de mois découvre qu’il peut arrêter le temps…

CASHBACK

2007 – GB

Réalisé par Sean Ellis

Avec Sean Biggerstaff, Emilia Fox, Shaun Evans, Stuart Goodwin, Michael Dixon, Michael Lambourne, Marc Pickering, Keeley Hazell

THEMA VOYAGES DANS LE TEMPS

Avant d’être un cinéaste, Sean Ellis fut un talentueux photographe de mode, et son premier long-métrage Cashback peut tout à fait s’interpréter comme un mariage heureux entre ces deux modes d’expression. L’instant fugitif capté par l’obturateur d’un appareil photo et le défilement du temps enregistré par une caméra s’y télescopent en effet au sein d’un scénario étrange imprégné d’éléments autobiographiques. Étudiant aux Beaux-Arts, Ben Willis (Sean Biggerstaff) connaît toutes les peines du monde à se remettre de sa rupture avec sa petite amie Suzy (Michelle Ryan). Devenu totalement insomniaque, il décide de rentabiliser les huit heures nocturnes qu’il passe à ne pas dormir en acceptant un travail de nuit dans un supermarché. Menés par un patron fat et imbu de sa personne, les collègues de Ben rivalisent d’ingéniosité pour tromper leur ennui pendant leurs interminables heures de travail. Les uns s’interdisent de regarder les aiguilles des montres, les autres inventent des jeux stupides ou s’adonnent à des sports extrêmes entre les rayons du supermarché. C’est alors que Ben se découvre un don insoupçonné : celui de pouvoir arrêter le temps.

Très sensible à la beauté féminine, il utilise cette capacité incroyable pour contempler en mode « pause » les plus belles clientes du supermarché. Il n’hésite d’ailleurs pas à les déshabiller afin de reproduire leurs courbes généreuses sous forme de magnifiques esquisses. N’importe quel autre mâle se serait probablement servi de ce pouvoir pour assouvir ses plus vils instincts, mais Ben est un esthète, et le fait de pouvoir saisir à tout moment le caractère insaisissable de la beauté le comble de satisfaction. Bientôt, le jeune homme se laisse charmer par Sharon (Emilia Fox), la caissière du supermarché à laquelle il n’avait jusqu’alors prêté aucune attention, mais que ses « suspensions du temps » lui permettent de découvrir sous un nouveau jour…

Arrêt sur image

A mi-chemin entre la naïveté poétique d’un film de Michel Gondry et le raffinement ironique d’un American Beauty, Cashback est une œuvre résolument à part. A partir d’une idée pour le moins absurde, Sean Ellis parvient à tisser un récit enchanteur, alternant les séquences de comédie potaches et les moments d’intense beauté sans jamais perdre le fil de son propos, qu’on pourrait résumer en quelques mots : pour saisir la beauté du monde, il faut prendre la peine de s’arrêter pour le regarder. Nous ne saurons d’ailleurs jamais si le pouvoir de Ben est réel ou s’il n’est qu’une vue de l’esprit. Preuve que le réalisateur a de la suite dans les idées, Cashback fut d’abord un court-métrage de 18 minutes, réalisé en 2004 et maintes fois primé à travers le monde. La « version longue » que voici n’en est d’ailleurs pas une réadaptation mais plutôt une adjonction, dans la mesure où le court-métrage a été réutilisé dans son intégralité par Sean Ellis, lequel s’efforça ensuite d’y ajouter toute une série de nouvelles séquences, imaginées au cours d’une session marathon de sept jours d’écriture. Culotté, surprenant, bourré d’idées narratives et visuelles, Cashback est un véritable bol d’air frais et prouve une fois de plus l’incessante innovation du cinéma fantastique britannique.

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THE SILENT HOUSE (2010)

Un oppressant huis-clos en plan-séquence concocté avec un budget anémique par le cinéaste uruguayen Gustavo Hernandez

LA CASA MUDA

2010 – URUGUAY

Réalisé par Gustavo Hernandez

Avec Florence Colucci, Gustavo Alonso, Abel Tripaldi, Maria Salazar

THEMA FANTÔMES

L’idée d’un long-métrage en temps réel constitué d’un unique plan séquence n’est pas nouvelle. Alfred Hitchcock, toujours friand de nouvelles expériences, s’était déjà frotté à l’exercice en 1948 avec La Corde, même s’il dérogeait parfois à la règle de la continuité de prise de vue en s’octroyant la liberté de quelques coupures dans son montage. La volonté d’adapter le concept à un film d’épouvante claustrophobique était cependant séduisante, d’autant que The Silent House (La Casa Muda dans sa langue d’origine, autrement dit « La Maison Muette ») est officiellement le premier film de genre produit en Uruguay. Avant même son premier tour de manivelle, il s’agissait donc d’un petit événement, bouclé pour un budget anémique équivalent à quelque six mille dollars. Le scénario lui-même, œuvre d’Oscar Estevez, cultive la simplicité. Laura (Florencia Colucci) et son père Wilson (Gustavo Alonso) s’installent dans une maison de campagne privée d’électricité pour la retaper avant sa mise en vente. La première nuit qu’ils passent sur les lieux est ponctuée d’étranges phénomènes. Car des bruits inexpliqués et particulièrement inquiétants proviennent soudain du dernier étage de la maison…

Voilà pour le point de départ. A partir de là, l’angoisse s’instille en douceur, captée par une caméra qui ne lâchera plus d’une semelle son héroïne plongée dans une pénombre rapidement étouffante. Tournant là dans son premier long-métrage, la jeune comédienne Florencia Colucci s’est heurtée à quelques contraintes techniques très particulières, le film ayant nécessité de longues répétitions proches de celles d’une pièce de théâtre avant un tournage marathon concentré en quatre jours seulement. « Il a fallu s’adapter à cette façon de filmer très particulière, dans la continuité », explique-t-elle. « Du coup, je faisais presque partie intégrante moi-même de l’équipe technique. Le moindre de mes mouvements était chorégraphié et je prenais en charge l’éclairage des plans puisque je portais une lanterne à la main. Selon les indications que me donnait le directeur de la photographie, je devais positionner cette lampe à telle ou telle hauteur, sans jamais perdre de vue le fil de l’émotion. C’était une double contrainte intéressante. Évidemment, il y avait aussi des câbles au sol et des obstacles un peu partout, que j’ai dû apprendre à éviter au fil de mes déplacements en temps réel. Chaque entrée et sortie de champ était calculée au millimètre. » (1)

La maison de l’horreur

La mécanique dramatique de The Silent House repose ainsi autant sur les circonvolutions de sa caméra que sur le jeu habité de sa jeune interprète. Certes, les effets de peur concoctés par le réalisateur Gustavo Hernadez s’écartent rarement des sentiers battus et les réactions de la jeune protagoniste manquent souvent de cohérence. L’exercice semble donc un peu vain… jusqu’à une révélation en fin de métrage qui remet en perspective l’intégralité du film et lui donne un nouveau souffle salvateur, quoique tardif. The Silent House a cependant rencontré son public, à tel point que les États-Unis se sont empressés d’en initier un remake, co-réalisé par Chris Kentis et Laura Lau.

(1) Propos recueillis par votre serviteur en février 2011

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LE TESTAMENT D’ORPHÉE (1960)

Jean Cocteau joue son propre rôle et traverse l’espace-temps pour se confronter aux créations de son passé

LE TESTAMENT D’ORPHÉE

1960 – FRANCE

Réalisé par Jean Cocteau

Avec Jean Cocteau, Édouard Dhermitte, Henri Crémieux, François Perier, Maria Casarès, Jean-Pierre Léaud, Daniel Gélin, Yul Brynner, Jean Marais

THEMA VOYAGES DANS LE TEMPS I MYTHOLOGIE I MORT

Contrairement à ce que son titre pourrait laisser penser, Le Testament d’Orphée n’est pas la suite d’Orphée mais un curieux film introspectif et surréaliste qui emprunte des éléments et des personnages du film précédent pour les réorganiser en brisant le quatrième mur qui sépare la réalité de la fiction. Dès l’entame, la voix off de Jean Cocteau s’adresse directement aux spectateurs pour livrer ses réflexions et ses états d’âme. « Le privilège du cinématographe, c’est qu’il permet à un grand nombre de personnes de rêver ensemble le même rêve » dit-il, avant d’annoncer que le film que nous nous apprêtons à voir est un véritable « strip-tease », une mise à nu de son auteur. Aussitôt, le poète nous apparaît en costume du 18^ème siècle, jaillissant en fondu enchaîné devant un écolier qui n’en croit pas ses yeux. Ce fantôme du passé s’éclipse et ressurgit face à une femme qui, abasourdie, laisse tomber son bébé au sol. Cocteau se projette une fois de plus dans le temps pour se révéler à un vieillard sur un fauteuil roulant qui, avant de trépasser, laisse tomber une boîte de balles de révolver. Ces trois personnes visitées – l’enfant, le bébé et le vieil homme – sont un seule et même homme, un savant que Cocteau vient rencontrer une ultime fois, alors qu’il est dans la force de l’âge, pour lui raconter son voyage temporel. Fasciné, le scientifique récupère les balles, charge son revolver et tire sur le poète… qui ressuscite immédiatement dans un costume des années 60 et s’éloigne au ralenti. « Ne me demandez pas pourquoi » est le sous-titre du Testament d’Orphée. Voilà qui annonce la couleur !

L’ultime long-métrage de Cocteau est ainsi construit autour d’une collection de cadavres exquis s’enchaînant poétiquement au mépris de toute logique narrative. On ne s’étonnera donc pas outre-mesure de voir le cinéaste croiser sur son chemin un homme déguisé en cheval, de découvrir un camp de gitans où le feu se consume à l’envers, de voir surgir des flots le poète Cégeste, tout droit revenu du film Orphée et toujours incarné par Edouard Dhermitte… « Vous cherchez trop à comprendre, c’est un grave défaut » dit le personnage à l’attention du poète, visiblement aussi décontenancé que les spectateurs face à cet enchaînement de faits étranges et aléatoires. Échappés eux aussi d’Orphée, Maria Casarès et François Perrier interviennent à leur tour au sein d’un tribunal absurde dont Cocteau est le principal accusé. Au fil de ce récit labyrinthique, on croisera des vedettes invitées aussi disparates que Claudine Auger, Charles Aznavour, Nicole Courcel, Jean-Pierre Léaud, Daniel Gélin, Alice Sapritch, Françoise Sagan, Roger Vadim, Pablo Picasso, Jean Marais et même Yul Brynner !

Le sang du poète

Dans Le Testament d’Orphée, Cocteau utilise avec une répétition confinant à l’obsession les prises de vues en marche arrière pour inverser le cours du temps, des actions et des phénomènes naturels : les chutes sont inversées, les photos brûlées se reconstituent, les flots ouverts se referment, les toiles découvrent les tableaux, les éponges font apparaître la craie sur l’ardoise, les fleurs déchirées se reconstituent… Même certains dialogues sont entendus à l’envers. Le cinéaste chercherait-il à travers son art à concevoir l’impossible, autrement dit remonter le cours du temps pour retrouver une jeunesse qui s’échappe à grands pas ? Cet exercice de style a quelque chose d’enivrant. Il n’est pas interdit d’y trouver la source d’inspiration majeure d’un film comme Tenet. Certes, Le Testament d’Orphée laisse l’étrange impression d’écouter le poète parler sans cesse de lui à la troisième personne, de passer son temps à s’auto-citer, bref de se regarder un peu trop le nombril. Mais après tout, comme le dit Cégeste au milieu du métrage, « un peintre fait toujours son propre portrait ». Hermétique ou fascinant, selon l’état d’esprit dans lequel se trouve le spectateur au moment de son visionnage, ce testament prophétique, dans lequel Cocteau met en scène sa propre mort, ne pouvait porter titre plus approprié. Le poète s’éteindra en effet trois ans après la sortie du film.

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THE GRUDGE (2004)

Le terrifiant remake d’un classique de l’épouvante japonaise réalisé par Takashi Shimizu et produit par Sam Raimi

THE GRUDGE

2004 – USA

Réalisé par Takashi Shimizu

Avec Sarah Michelle Gellar, Jason Behr, Kadee Strickland, Clea duVall, Bill Pullman, Grace Zabriskie, Ted Raimi

THEMA FANTÔMES I SAGA THE GRUDGE

A l’instar de Ring, Ju-On a tôt fait l’objet d’un remake hollywoodien. A la différence qu’ici, Sam Raimi, heureux producteur du projet, a souhaité maintenir l’action du film au Japon, et surtout confier la mise en scène au réalisateur de l’original, Takashi Shimizu. Le prologue est un véritable électrochoc, enchaînant deux séquences coup de poing qui montent en crescendo et laissent déjà le spectateur sur les rotules. Ainsi assistons-nous coup sur coup au suicide brutal d’un occidental interprété par Bill Pullman et à l’agression d’une jeune garde-malade japonaise par un fantôme effrayant dans un grenier obscur. L’intrigue se précise alors : Karen, une jeune étudiante américaine (Sarah Michelle Gellar), et Doug, son petit ami (Jason Behr), sont venus s’installer à Tokyo pour un stage d’études. Arrondissant ses fins de mois, Karen remplace une infirmière à domicile et se retrouve au chevet d’Emma (Grace Zabriskie), une femme âgée qui passe le plus clair de son temps à dormir et à parler seule. La maison semble paisible, mais en réalité deux spectres hantent les lieux et semblent animés d’une violente pulsion vengeresse, suivant le vieil adage japonais selon lequel ceux qui meurent avec rancœur reviennent tourmenter les vivants. D’abord terrifiée, Karen va progressivement reconstituer le puzzle qui pourra lui expliquer l’origine de la malédiction et l’empêcher de trépasser dans d’abominables circonstances comme tous ceux qui, avant elle, ont franchi le seuil de la maison.

Même s’il met en scène les peurs les plus classiques (le noir, la claustrophobie) et les situations les plus convenues en pareil contexte (personnages seuls menacés par une présence invisible, bruits inquiétants derrière une porte close), The Grudge peut se targuer de figurer parmi les films les plus terrifiants de sa génération. Car le climat de tension développé dès les premières minutes du métrage et les très nombreux effets chocs font systématiquement mouche, provoquant un phénomène alternatif déstabilisant : soit le spectateur est cloué sur son fauteuil, soit il sursaute violemment. A tel point que par moments, le visionnage de The Grudge s’apparente à une véritable épreuve pour les nerfs. Tout le mérite en revient à Shimizu, qui transcende les lieux communs du film de fantômes via ses cadrages, ses astuces de montage, sa gestion de la pénombre et son utilisation habile de la musique stressante de Christopher Young.

La virtuosité de la terreur

Sans compter ces idées visuelles surpenantes, comme l’enfant fantôme qui apparaît à tous les étages du même immeuble à travers la vitre d’un ascenseur, cette main crispée qui surgit de la chevelure de Sarah Michelle Gellar, ou cette inquiétante silhouette sur l’écran du téléviseur, directement héritée de Ring. A cette mise en scène virtuose, Shimizu ajoute une narration éclatée qu’il avait déjà expérimentée dans Ju-On. Le scénario accumule ainsi les flash-backs qui, peu à peu, permettent de comprendre quels événements tragiques ont généré les horreurs de la sinistre demeure. Hélas, la clef de l’énigme est décevante, car elle foule les sentiers battus. The Grudge vaut donc bien plus pour sa réalisation que pour son scénario, mais son impact demeure extrêmement fort, et résonne encore longtemps après son générique de fin.

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CONTAMINATION (1980)

**Sous l’influence d’Alien, Luigi Cozzi met en scène une menace extraterrestre à base d’œufs gélatineux provoquant moult morts dégoulinantes**

CONTAMINATION

1980 – ITALIE / ALLEMAGNE

Réalisé par Luigi Cozzi

Avec Ian McCulloch, Louise Marleau, Marino Masé, Siegfried Rauch, Gisela Hahn, Carlo de Mejo, Carlo Monni

THEMA EXTRA-TERRESTRES

Le prologue de Contamination, très prometteur, évoque l’un des épisodes clés du roman « Dracula » de Bram Stoker mais aussi la fameuse scène d’introduction de L’Enfer des zombies de Lucio Fulci. On y voit un navire sans équipage entrer au port de New York. Cinq hommes l’inspectent et découvrent les cadavres atrocement déchiquetés d’une partie de l’équipage. Dans des caisses marquées « café », des sortes d’œufs verdâtres peu ragoûtants éclosent et provoquent la mort dégoulinante de quatre hommes de l’équipe. Décontaminé, Tony Harris (Marino Masé), le policier qui a survécu au drame, localise la société d’import dont le hangar abrite les mêmes caisses d’œufs. Il mène donc l’enquête aux côtés de Stella Holmes (Louise Marleau), une scientifique de l’armée. Collectant les indices au compte-goutte, tous deux finissent par relier les œufs au commandant Ian Hubbard (Ian McCulloch), l’un des cosmonautes ayant participé au dernier voyage sur Mars. Revenu traumatisé par la vue de son coéquipier hypnotisé par une forme de vie inconnue, notre homme a désormais sombré dans l’alcool et le discrédit. D’autant que son collègue a disparu sans laisser de trace peu après leur retour sur Terre. Parvenus à la plantation de café qui sert de couverture à la culture des œufs, le policier, la scientifique et l’astronaute font bientôt face à la menace du « cyclope », un monstrueux Martien qui semble à l’origine d’un vaste complot pour envahir notre planète.

Contamination souffre d’un évident manque de personnalité, laissant trop souvent planer l’ombre d’Alien auquel Luigi Cozzi (sous son pseudonyme habituel Lewis Coates) se réfère directement lorsqu’il fait exploser la poitrine des victimes de ces fameux œufs extra-terrestres. Le premier titre du scénario était d’ailleurs Alien Arrives on Earth, et le film fut distribué aux États-Unis sous le titre Alien Contamination afin d’en assumer ouvertement l’influence (et de laisser croire à certains spectateurs crédules qu’il s’agissait d’une sorte de séquelle du classique de Ridley Scott). Le scénario se met assez rapidement à collectionner les poncifs des mauvais films d’aventure italiens, qui étaient alors légion dans les années 80. Et malheureusement, la terreur de la contamination annoncée par le titre est complètement occultée aux profits d’une intrigue à l’intérêt finalement très limité. Seul véritable élément distractif : les explosions de poitrine qui ponctuent régulièrement le récit et qui respectent les règles du bon goût instaurées par les cinéastes transalpins de l’époque, Lucio Fulci et Joe d’Amato en tête. De fait, les intestins voltigent, le sang asperge le décor et les bruitages sont à l’avenant.

« Au secours, il y a un œuf ! »

Du coup, certains dialogues atteignent certains sommets de ridicule, notamment lorsque notre héroïne paniquée crie : « Au secours ! Laissez-moi sortir ! Il y a un œuf ! » Au moment du dénouement, la menace martienne n’est plus suggérée mais montrée sous toutes ses coutures. Hélas, le monstre en question (conçu par Claudio Mazzoli et construit par Giorgio Ferrari) est un amas de latex grotesque affublé d’un gros œil lumineux du plus mauvais effet et d’un appendice dévoreur dont l’aspect vaginal nous ramène aux designs de Giger et donc – une fois de plus – à Alien. Le réalisateur s’avouera très déçu par cette créature, qu’il imaginait plus mobile et plus crédible. Sa volonté initiale était d’ailleurs d’utiliser sa technique préférée, la stop-motion. La musique des Goblin, l’un des rares éléments réjouissants de Contamination, prend une tournure envoûtante au moment du flash-back sur Mars, orné de maquettes et d’effets visuels signés Armando Valcauda, déjà sollicité par Luigi Cozzi sur Star Crash. Les nombreuses incohérences du film s’expliquent en partie par les divergences d’opinion de Cozzi et de son producteur Claudio Mancini, le premier préférant accentuer le caractère science-fictionnel de Contamination et le second espérant une aventure d’espionnage à la James Bond.

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GODZILLA CONTRE DESTROYAH (1995)

**Dans cet ultime épisode du second cycle de la saga Godzilla, le « Roi des Monstres » affronte le plus destructeur de tous ses adversaires…**

GOJIRA TAÏ DESTUTOROIA

1995 – JAPON

Réalisé par Takao Okawara

Avec Takuro Tatsumi, Yôko Ishino, Yasufumi Hayashi, Megumi Odaka, Sayaka Osawa, Saburo Shinoda, Akira Nakao

THEMA DINOSAURES I SAGA GODZILLA

Cet opus étonnant des aventures de Godzilla s’efforce non sans effronterie de bouleverser le mythe en redéfinissant certaines de ses données tout en retournant aux sources, à savoir le film original de 1954. Ainsi, extraits à l’appui, nous revoyons le docteur Serizawa venir à bout du monstre en le privant d’oxygène, et nous apprenons que le premier Godzilla est bel et bien mort. Tous les monstres similaires qui sont apparus depuis sont donc des descendants, ce qui expliquerait la présence dans certains épisodes d’un bébé Godzilla, assurant le rôle de relais au lieu de simple faire-valoir comique. Mais jouer aux apprentis-sorciers n’a jamais réussi aux hommes, et l’on découvre que l’annihilateur d’oxygène créé par Serizawa quelque 40 ans plus tôt a donné naissance à des créatures destructrices microscopiques, qui n’ont fait que croître avec le temps. D’où une séquence mémorable où, atteignant la taille de crustacés miniatures, elles réduisent en poussière les myriades de poissons d’un grand aquarium nippon. Grandissant encore, elles atteignent trois mètres de haut et sèment la terreur dans Tokyo.

L’armée se frotte à cette menace croissante, en un affrontement qui n’est pas sans évoquer Aliens. Hélas, l’efficacité de la mise en scène y est appauvrie par le manque de crédibilité des marionnettes mécaniques « interprétant » les monstres. Ces derniers ressemblent à des scorpions surmontés d’un long cou au bout duquel se dresse une tête de dragon, dont la bouche s’inspire à la fois de celle des aliens et des predators. Apparemment indestructibles, les bêtes mutent encore et deviennent un seul et même monstre : Destroyah. Un malheur ne venant jamais seul, voilà que Godzilla, suite à une catastrophe survenue sur son île, se charge plus que jamais en radioactivité. Son cœur agit désormais comme le moteur d’une centrale atomique sur le point d’exploser. Et la déflagration, inévitable, équivaudrait à des milliers d’Hiroshima, réduisant la Terre en cendres. Scientifiques et militaires proposent donc d’attirer les deux monstres l’un vers l’autre, afin qu’ils s’autodétruisent.

Autodestruction

S’ensuit un pugilat titanesque, dont la folie destructrice dépasse celle pourtant gratinée du film précédent. À cette bataille participent un bombardier futuriste capable de propulser des rayons réfrigérants, ainsi que le fils de Godzilla. Celui-ci n’a plus rien d’un évadé des Télétubbies ou des Tortues Ninja. Son allure de saurien carnassier au long cou effilé, à la queue de serpent et à la crête dorsale discrète en fait le monstre le plus réussi du film, d’autant que, pour une fois, il ressemble vraiment à un dinosaure. Si Destroyah est enfin vaincu à l’issue du film, les dommages collatéraux sont considérables. Car Godzilla Jr s’y écroule tristement, laissé pour mort, tandis que son père, rongé peu à peu par son cancer radioactif, se dissout douloureusement jusqu’à retourner au néant. Un climax surprenant et presque poignant, tempéré tout de même par une dernière image, magnifique : au milieu des fumées et des débris surgit bientôt la silhouette familière d’un grand dinosaure atomique. Godzilla renaît-il de ses cendres ? Son rejeton a-t-il assuré la relève ? Aucune réponse officielle ne sera donnée à ces interrogations, Godzilla contre Destroyah marquant la fin de l’ère « Heisei » avant le troisième cycle nippon des aventures du « Roi des Monstres » relancé en 1999.

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