RAGDOLL : MAGIE NOIRE (1999)

Un rappeur menacé par un caïd mafieux fait appel à de vieux rites vaudou pour donner vie à une poupée meurtrière et assouvir sa vengeance…

RAGDOLL

 

1999 – USA

 

Réalisé par Ted Nicolaou

 

Avec Russell Richardson, Jennia Fredrique Aponte, Tarnell Poindexter, William Stanford Davis, Danny Wooten, William L. Johnson, Troy Medley

 

THEMA SORCELLERIE ET MAGIE I JOUETS SAGA CHARLES BAND

Toujours prompt à surfer sur les vogues et les effets de mode, le producteur Charles Band était passé à côté du phénomène blaxpoitation dans les années 70. Deux décennies plus tard, il décide de se rattraper tardivement sous les conseils de l’acteur et producteur Mel Johnson Jr. (qui jouait le mutant Benny de Total Recall). Son idée : profiter de la popularité du rap et du RnB pour lancer une série de films fantastiques aux castings 100% afro-américains et même un label musical. Finalement, il n’accouchera que de quatre longs-métrages et d’un disque, sous l’étiquette « Alchemy Entertainment ». Ragdoll est le premier opus de cette petite série, recyclant le titre d’un projet que Band avait commencé à développer en 1992. Fidèle collaborateur du producteur, Ted Nicolaou (Subspecies) est chargé de la réalisation. « J’étais toujours le premier à être envoyé au feu, parce que Charlie savait qu’il obtiendrait quelque chose de relativement bon ou du moins que je me tuerais à la tâche », raconte ce dernier. « Je pense que Ragdoll est correct, étant donné qu’il a été tourné en une quinzaine de jours, ce qui était bien sûr trop court pour les ambitions que nous avions. » (1) Contrairement à ses habitudes, Nicolaou n’écrit pas le scénario lui-même, laissant cette tâche à Benjamin Carr.

Nous sommes dans la Louisiane de la fin des années 90. Kwayne (Russell Richardson), sa fiancée Teesha (Jennia Watson) et deux de leurs amis forment un groupe de rap qui commence à connaître un petit succès local. Ils finissent par attirer la convoitise de Big Père (William Davis), un parrain de la pègre locale qui décide de s’occuper d’eux. Mais les quatre artistes refusent publiquement son offre. Pour faire monter la pression d’un cran et montrer qu’il ne plaisante pas, Père envoie deux de ses hommes de main pour rudoyer la grand-mère de Kwayne (Freda Payne) et l’envoyer à l’hôpital. Furieux, le jeune homme décide de se venger en se plongeant dans les manuels vaudou de sa grand-mère. Il invoque ainsi l’inquiétant « homme de l’ombre » (Frederic Tucker) qui envoie une poupée meurtrière massacrer les gangsters. Mais il y a un redoutable prix à payer en échange de cette vengeance sanglante…

La poupée du diable

Charles Band continue ainsi à décliner la fascination pour les poupées tueuses qu’il a développée depuis sa découverte de La Poupée de la terreur en 1975. Le petit monstre ricanant aux dents acérées de Ragdoll, conçu par Shaun Smith, se réfère d’ailleurs directement à celui qui terrifiait Karen Black dans le classique de Dan Curtis. « Charlie a une sorte d’obsession pour les petites poupées que je ne partage pas », avoue Nicolaou. « Chaque fois que c’est possible, j’essaye de refuser les films mettant en scène des petites créatures, parce que je préfère travailler avec des personnes, pas avec des marionnettes. » (2) Le réalisateur fait pourtant du bon travail, concoctant quelques séquences d’épouvante réussies malgré une poupée aux mouvements limités. Ses déplacements glissants en plans larges, qui donnent le sentiment qu’elle est montée sur des roulettes, manquent singulièrement de crédibilité. Mais ses gros plans grimaçants sont très efficaces. Les acteurs eux-mêmes assurent une performance solide et relativement convaincante, même si leurs dialogues versent souvent dans la caricature (avec un « motherfucker » toutes les deux répliques). Ce mélange étrange de film de gangsters et de film d’épouvante, mêlant le rap et le vaudou, donne un cocktail intéressant à défaut d’être inoubliable. Les trois films suivants de cette série d’« horreur urbaine » seront The Horrible Dr Bones, Killjoy et The Vault.

 

(1) et (2) Propos extraits du livre « It Came From the Video Aisle ! » (2017)

 

© Gilles Penso

À découvrir dans le même genre…

 

Partagez cet article

LES FEEBLES (1989)

Pour son deuxième long-métrage, Peter Jackson montre les coulisses d’un grand show musical interprété par des marionnettes trash…

MEET THE FEEBLES

 

1989 – NOUVELLE-ZÉLANDE

 

Réalisé par Peter Jackson

 

Avec Danny Mulheron, Donna Akersten, Syuar Devenie, Mark Hadlow, Ross Jolly, Brian Sergent, Peter Vere-Jones, Mark Wright, Fane Flaws

 

THEMA MAMMIFÈRES

Promu réalisateur culte auprès des fantasticophiles grâce au délirant Bad Taste, Jackson embraye aussitôt sur un autre film fou : Meet the Feebles, qu’on pourrait définir comme une relecture trash du Muppet Show. Entièrement interprété par des marionnettes ou des acteurs costumés en animaux, ponctué de plusieurs chansons originales, cet hommage outrancier aux travaux de Jim Henson et Frank Oz se situe dans les coulisses d’un grand spectacle musical. Le scénario est cette fois-ci co-écrit avec Fran Walsh, future compagne de Jackson et co-scénariste de tous ses films suivants, ainsi qu’avec Stephen Sinclair et Danny Mulheron (qui assurera au passage la prestation physique d’un des personnages principaux, l’hippopotame Heidi). Le réalisateur et son équipe s’installent à Wellington, notamment dans un hangar ferroviaire abandonné et dans le St. James Theatre, pour y bâtir leurs décors et y installer leur ménagerie hétéroclite bardée d’une armée de marionnettistes. Le projet est démentiel, bien trop ambitieux pour la maigre somme de 750 000 dollars que la production a réussi miraculeusement à réunir. Les dépassements budgétaires se multiplient donc, le calendrier de tournage déborde de tous les côtés, mais Jackson tient bon et parvient à boucler tant bien que mal ses Feebles.

Oubliez le sympathique Kermit la grenouille ou la rigolote Peggy la cochonne. Place au bestiaire le plus graveleux de l’histoire du music-hall : une diva hippopotame boulimique en pleine dépression nerveuse, un morse véreux trafiquant de drogue qui couche avec sa secrétaire féline, des lapines nymphomanes atteintes de maladies vénériennes, un rat réalisateur de films pornographiques, une mouche paparazzi qui se nourrit dans les toilettes et développe ses photos dans la chasse d’eau, un lézard lanceur de couteaux drogué et traumatisé par la guerre du Viêt-Nam, un éléphant refusant de reconnaître l’enfant qu’il a eu avec une poule, une vache actrice de films SM, un tapir obsédé sexuel… À douze heures de la grande première du spectacle « Meet the Feebles » qui sera capté par des caméras de télévision, tout ce beau monde s’agite dans le stupre, les malversations et la fornication. Seuls le timide hérisson Robert et la candide caniche Lucille semblent innocents au milieu de toute cette bassesse…

Muppet chaud

Juste après l’ouverture musicale qui pourrait encore faire croire que nous sommes face à un spectacle tout-public, les choses dégénèrent et le film montre son vrai visage : vulgaire, gore, bête et méchant. Peter Jackson continue donc de jouer les « sales gosses » avec une délectation toute primitive. Mais l’on sent bien que derrière ces kilos de peluche déguisés en animaux, ce sont ses semblables que le réalisateur caricature sans pudeur. Et même si Les Feebles semble d’un cynisme indécrottable, l’idylle naissante entre le hérisson et le caniche parvient miraculeusement à nous toucher parce qu’elle montre qu’il y a peut-être encore une lueur d’espoir dans cet océan d’ignominies. À leur manière, ils semblent annoncer un autre couple lui aussi mis rudement à l’épreuve : Lionel et Paquita, les amoureux de Braindead. La performance technique que représente un tel film est impressionnante, au regard des faibles moyens à la disposition de l’équipe. L’inventivité sans cesse en éveil de Jackson et des futurs fondateurs de la compagnie d’effets spéciaux Weta (dont le surdoué Richard Taylor) illumine chaque séquence des Feebles, qui ose même un flash-back en pleine guerre du Vietnam parodiant Voyage au bout de l’enfer ! Les Feebles sort en salles en 1989 et fait son petit effet, confirmant le grain de folie de son initiateur qui ne s’arrêtera évidemment pas en si bon chemin et s’attaquera ensuite à son cultissime Braindead.

 

© Gilles Penso


Partagez cet article

FRANKENSTEIN REBORN ! (1998)

La jeune Anna Frankenstein rend visite à son oncle dont les étranges expériences vont avoir de fâcheuses conséquences…

FRANKENSTEIN REBORN !

 

1998 – USA

 

Réalisé par David DeCoteau

 

Avec Haven Burton Paschall, Jaason Simmons, Ben Gould, Ethan Wilde, George Calin, Oana Stefanescu, Claudiu Trandafir, Roxana Popa

 

THEMA FRANKENSTEIN I SAGA CHARLES BAND

Réalisée dans la foulée de The Werewolf Reborn !, cette relecture modernisée du mythe de Frankenstein s’appuie sur les mêmes mécanismes. C’est presque à se demander si le scénariste Benjamin Carr (alias Marshall Stevens) n’a pas effectué un simple copier/coller en modifiant juste le nom des personnages et quelques péripéties. Le principe est donc rigoureusement identique à celui du film précédent : une adolescente américaine rend visite à un oncle austère en Europe de l’Est, reçoit un accueil glacial, rencontre un sympathique garçon de son âge et met à jour un terrible secret familial. Le cahier des charges n’a pas changé non plus : faire se rencontrer la série Chair de poule et les Universal Monsters. Succédant à Jeff Burr, David DeCoteau part en Roumanie avec quelques dizaines de milliers de dollars pour un tournage express de six jours. Pour l’anecdote, les décors utilisés sur place seront réemployés pour le très drôle (au second degré) Beowulf de Graham Baker. DeCoteau se doute que Frankenstein Reborn ! ne fera pas beaucoup d’éclat et n’ajoutera rien de significatif à sa filmographie. Il décide donc de signer le film sous le pseudonyme de Julian Breen.

Nous nous intéressons cette fois-ci à une fille de 13 ans nommée Anna Frankenstein (Haven Burton Paschall). Récemment orpheline, la jeune Américaine vient vivre avec son oncle dans un château qu’il possède dans la campagne roumaine. Elle est accueillie par une gouvernante très antipathique (Oana Stefanescu), croise un assistant pas beaucoup plus engageant (George Calin) et rencontre enfin son oncle, le bien-nommé Victor Frankenstein (Jaason Simmons). Avec l’aide d’un gamin du coin qui connaît les lieux comme sa poche (Ben Gould), Anna découvre à quelles étranges expériences se livrent Victor et son assistant : la création d’un être couvert de cicatrices et son éveil à la vie (Ethan Wilde). Or le monstre s’échappe bientôt, bat la campagne, occis un villageois qui l’attaque et devient finalement un « gentil toutou » avec lequel Anna sympathise secrètement, lui apportant de la nourriture, lui faisant la lecture et lui apprenant quelques rudiments de vocabulaire…

La nièce de Frankenstein

Plus encore que The Werewolf Reborn !, cet opus tire parti au maximum des décors à sa disposition, notamment des coursives de château gothiques et un somptueux laboratoire magnifié par la photographie de Viorel Sergovici. Même les forêts nocturnes se révèlent très photogéniques dans ce Frankenstein Reborn ! que DeCoteau soigne au maximum. Le maquillage du monstre ne dépareille pas, œuvre de Mark Williams qui réadapte le célèbre design de Jack Pierce. L’homme a tout de même participé à La Mouche et Aliens avant de se recycler dans les séries B aux micro-budgets. Il connaît donc son affaire. Plus que les films Universal, ce sont ici les productions Hammer qui semblent inspirer la direction artistique. Mais à l’instar de The Werewolf Reborn !, le scénario n’a rien de foncièrement palpitant et délivre à peu près ce qu’on en attend sans prendre beaucoup de risques. Lorsque le producteur Charles Band décide enfin d’exploiter ces deux films directement en vidéo en 1998, il reste à peine de quoi assurer la post-production, le mixage et l’étalonnage. Ces étapes clés sont donc expédiées à la va vite. The Werewolf Reborn ! et Frankenstein Reborn ! resteront sans suite, malgré l’annonce de deux autres films consacrés respectivement à Dracula et la momie. Le label « Filmonsters ! » disparaitra donc aussitôt.  Les deux films seront ensuite exploités sous forme d’un double-programme lors d’une ressortie DVD en 2005.

 

© Gilles Penso


Partagez cet article

THE WEREWOLF REBORN ! (1998)

Dans cette relecture tout public du mythe du loup-garou, une adolescente découvre que son oncle a des problèmes de poils les nuits de pleine lune…

<p class="MsoNormal" style="margin: 0cm; font-size: 12pt; font-family: Calibri, sans-serif; font-weight: 400; white-space-collapse: collapse;"

THE WEREWOLF REBORN !

 

1998 – USA

 

Réalisé par Jeff Burr

 

Avec Robin Atkin Downes, Ashley Tesoro, Bogdan Cambera, Len Lesser

 

THEMA LOUPS-GAROUS I SAGA CHARLES BAND

La série Chair de poule cartonnant dans les bacs VHS à la fin des années 90, le producteur Charles Band se dit qu’il serait opportun de s’engouffrer dans cette vague en créant son propre label de films d’épouvante tout public. D’où la naissance de « Filmonsters ! » dont la vocation est de remettre au goût du jour les monstres du répertoire classique (ceux de l’âge d’or du studio Universal). Lorsqu’il annonce cette nouvelle collection en 1997, Band ne sait pas encore sous quel format l’exploiter. Des films ? Des séries TV ? En attendant, il fait peindre des posters alléchants autour du loup-garou, du monstre de Frankenstein, de Dracula et de la momie, imitant volontairement le visuel de Chair de poule et s’accompagnant d’un slogan qui ose l’euphémisme : « Des chefs-d’œuvre de l’horreur… retravaillés pour les fans de tous âges ! » Jeff Burr est chargé de tourner le premier opus, The Werewolf Reborn !, avec en poche un budget de 20 000 dollars (qu’il transporte lui-même en liquide dans l’avion jusqu’à Bucarest où se déroule le tournage !). Le réalisateur de Massacre à la tronçonneuse 3 doit parvenir à mettre en boîte son histoire de loup-garou en six jours seulement, avec à sa disposition les infrastructures roumaines mises en place à l’époque de Subspecies.

L’introduction, qui présente le label « Filmonsters » », réutilise des extraits de Puppet Master 2 et les détourne habilement. Les poupées meurtrières se promènent dans un cimetière et déversent le « fluide de vie » qui ressuscite une créature aux mains crispées. Symboliquement, ce prologue annonce que la génération Full Moon s’apprête à dépoussiérer les monstres d’antan. Pour attirer le jeune public friand de Chair de poule, il lui faut un protagoniste de son âge. Place donc à Eleanor Crane (Ashley Tesoro), une Américaine de quatorze ans qui rend visite à son oncle Peter (Robin Atkin Downes) au fin fond de la Roumanie. Elle est accueillie très froidement par les autochtones et encore plus par son oncle qui ne veut absolument pas d’elle dans sa maison. Cette hostilité est liée à une malédiction qui frappe ce pauvre Peter, condamné chaque nuit de pleine lune à se transformer en lycanthrope et à partir se mettre des villageois sous la dent. Tandis que les morts s’accumulent, Eleanor tente de dénouer la situation et se heurte à un inspecteur de police obstiné incarné par Len Lesser (l’oncle Leo de Seinfeld).

L’enfant qui criait au loup

Jeff Burr emballe le film du mieux qu’il peut avec les contraintes qui lui sont imposées par la production. Les acteurs sont raisonnablement convaincants, les décors naturels habilement exploités et tout se joue au premier degré, ce qui détone par rapport aux habituels produits Full Moon. Très classique, l’intrigue ne réserve hélas pas beaucoup de surprises et enchaîne les passages obligatoires, des villageois peureux aux gitans superstitieux en passant par les battues nocturnes dans les bois et les scènes de transformation. Si celles-ci sont rapidement escamotées à l’écran (avec l’aide de quelques discrets morphings), les maquillages spéciaux supervisés par Mark Rappaport tiennent la route, rendant ouvertement hommage au Loup-garou d’Universal mais aussi à La Nuit du loup-garou de la Hammer. Tout ça manque tout de même d’un peu de fantaisie et s’achève à la va vite, puisque le film dure à peine une heure. « Je donne tout ce que je peux à chaque film que je réalise et j’essaie d’utiliser au maximum les ressources à ma disposition », explique Jeff Burr. « Mais parfois, les choses jouent en votre défaveur et vous essayez de faire un plat sans les bons ingrédients. Certains films que j’ai tournés en Roumanie, comme celui-ci, n’ont pas vraiment aidé à faire avancer ma carrière » (1). Limité mais pas honteux, The Werewolf Reborn ! sera suivi de près par Frankenstein Reborn !

 

(1) Propos extraits du livre « It Came From the Video Aisle ! » (2017)

 

© Gilles Penso

À découvrir dans le même genre…

 

Partagez cet article

WE ARE ZOMBIES (2023)

Dans un monde où les zombies cohabitent paisiblement avec la population, un trio de losers tente de tirer parti de la situation…

WE ARE ZOMBIES / NOUS LES ZOMBIES

 

2023 – CANADA

 

Réalisé par Yoann-Karl Whissell, François Simard et Anouk Whissell

 

Avec Alexandre Nachi, Derek Johns, Megan Peta Hill, Vincent Leclerc, Stéphane Demmers, Carlo Mestroni, Guy Nadon, Patrick Abellard, Marc-André Boulanger

 

THEMA ZOMBIES

Depuis 2003, il n’y a plus moyen de réaliser une comédie autour du thème des zombies sans que les équipes marketing en charge de la promotion des films ne se sentent obligés de citer Shaun of the Dead dans leurs slogans. Ainsi avons-nous droit ici à un poster clamant : « Une comédie d’horreur jubilatoire entre La Nuit des morts-vivants et Shaun of the Dead», rien que ça ! Or pour être honnête, We are Zombies n’a pas grand-chose à voir avec la parodie mythique d’Edgar Wright, même s’il est ici aussi question de détourner le thème du mort-vivant sous un angle burlesque en mettant en vedette un petit groupe d’anti-héros maladroits et patauds. Le trio canadien à l’origine du film, connu sous l’acronyme RKSS (abréviation de Roadkill Superstar), est constitué de Yoann-Karl Whissell, François Simard et Anouk Whissell. Les amateurs de cinéma de genre les connaissent grâce à deux longs-métrages hautement référentiels qui rendaient hommage de manière originale aux séries B des années 80 : le post-apo Turbo Kid et le slasher Summer of 84. Cette fois-ci, ils s’attaquent à l’adaptation d’une bande dessinée de Jerry Frissen et Guy Davis, « The Zombies That Ate the World ». S’il est difficile d’échapper à l’influence de George Romero, nous sommes loin de La Nuit des morts-vivants ou Zombie. Le script aurait même plutôt tendance à évoquer des digressions singulières comme Les Revenants ou Fido.

Dans le futur proche de We are Zombies, les morts se sont mis subitement à ressusciter et errent désormais partout sous forme de cadavres ambulants. Mais ces zombies-là ne sont pas anthropophages, pas plus qu’ils ne contaminent les vivants. Leurs dents décharnées restent sagement dans leurs mâchoires décomposées et aucune faim de cerveau ou de chair humaine n’agite leur vie mécanique. Certains sont même capables d’aligner quelques mots et d’occuper des petits boulots. Le terme politiquement correct pour les mentionner est « handicapés de la vie ».  Il nous faut donc oublier les habitudes que nous ont données Zombie, Le Retour des morts-vivants ou The Walking Dead. Ici, la donne a changé. Pour gagner leur vie, Freddy (Derek Johns), le fan de catch à l’esprit étroit, Karl (Alexandre Nachi), l’intello obsédé sexuel, et Maggie (Megan Peta Hill), sa sœur à la langue bien pendue, débarrassent illégalement les foyers des zombies dont ils ne veulent plus en se faisant passer pour des employés de la compagnie Coleman. Mais leurs petites combines vont rapidement les plonger dans une situation incontrôlable…

Morts de rire

Dès l’entame, Yoann-Karl Whissell, François Simard et Anouk Whissell montrent la nature de l’humour qu’ils vont développer tout au long du métrage : impertinent, grivois, bête et méchant. Il ne s’agit pas là de faire dans la dentelle mais de trancher dans le vif. Les personnages sont donc caricaturaux et pas du genre finaud, ce qui n’empêche pourtant pas d’éprouver pour eux un certain attachement (en grande partie grâce à la sympathie que dégagent leurs interprètes). La tonalité générale reste absurde, constellée de gags visuels qui font généralement mouche et qui rendent les spectateurs complices consentants de l’esprit potache des trois cinéastes. A mi-parcours d’une intrigue relativement simple reprenant le motif connu de l’arnaque qui tourne mal, le scope du scénario s’élargit en convoquant une machination militaro-politico-industrielle qui semble vouloir retrouver l’esprit séminal de Romero. Dès lors, les séquences d’horreur se font beaucoup plus graphiques, sollicitant un grand nombre d’effets spéciaux de maquillage à l’ancienne qui ne sont pas loin d’évoquer certaines folies visuelles de Braindead. We are Zombie ne marquera sans doute pas aussi durablement les mémoires que Shaun of the Dead ou même Zombieland, mais c’est une tentative rafraîchissante de variante culottée autour d’un sujet mille fois rebattu.

 

© Gilles Penso


Partagez cet article

ALIEN : ROMULUS (2024)

Vingt ans après les événements racontés dans Alien, un groupe de jeunes ouvriers se heurte aux xénomorphes dans une station abandonnée…

ALIEN : ROMULUS

 

2024 – USA

 

Réalisé par Fede Alvarez

 

Avec Cailee Spaeny, David Jonsson, Archie Renaux, Isabela Merced, Spike Fearn, Aileen Wu, Rosie Ede, Soma Simon, Bence Okeke, Viktor Orizu, Robert Bobroczkyi

 

THEMA EXTRA-TERRESTRE I SAGA ALIEN

Bien des suppositions s’égrenèrent sur le destin de la saga Alien, suite à l’accueil mitigé d’Alien Covenant et au rachat de la 20th Century Fox par Disney. Fallait-il continuer à raconter les événements séparant Prometheus du premier Alien, comme le prévoyait initialement Ridley Scott ? Devait-on plutôt s’intéresser à des péripéties ultérieures au volet réalisé par Jean-Pierre Jeunet ? La franchise allait-elle finalement se muer en série TV destinée à la plateforme Disney + ? La réponse est venue de Fede Alvarez, talentueux cinéaste uruguayen révélé par son remake saignant d’Evil Dead qui transforma l’essai avec Don’t Breathe et Millenium : ce qui ne me tue pas. En 2010, alors que Covenant n’est pas encore entré en production, le réalisateur propose sa propre vision de ce que pourrait être un nouvel Alien aux cadres de la Fox. Quelques années plus tard, ses idées ont fait leur chemin et le studio – désormais absorbé par la maison de Mickey – propose de lui donner carte blanche, avec la bénédiction de Ridley Scott lui-même, toujours présent mais cette fois-ci au poste de producteur. Or Alvarez est un fan de la première heure des trois premiers Alien, auxquels il souhaite rendre un vibrant hommage sans pour autant verser dans la nostalgie béate gorgée de fan service. Pour trouver le juste équilibre, il décide de situer son intrigue vingt ans après celle du premier Alien et 37 ans avant celle d’Aliens. En se positionnant chronologiquement entre la vision de Scott et celle de James Cameron, Alvarez sait qu’il joue gros. Mais notre homme n’a pas froid aux yeux. Ne s’était-il pas déjà frotté avec succès au chef d’œuvre pourtant intouchable de Sam Raimi ?

Les premières grandes décisions artistiques sont liées à la technologie, à la fois celle mise en scène dans le film et celle qui servira à sa confection. Le futur tel qu’il était vu dans les années 70-80 est forcément dépassé aujourd’hui. Mais qu’importe : les ordinateurs, les décors, les machines, les armes et les véhicules d’Alien Romulus s’inscrivent dans une parfaite cohérence avec les designs d’Alien et d’Aliens, situant de fait ce film dans une sorte de rétro-futur alternatif du plus bel aloi. Au passage, Alvarez s’inspire aussi de certains concepts visuels du jeu vidéo Alien : Isolation, unanimement apprécié par les fans de la franchise. Pour l’envers du décor, le réalisateur obéit à la même logique. Il n’est certes pas question d’évacuer les effets numériques, devenus incontournables. Mais parallèlement, les maquettes, les effets spéciaux physiques, les maquillages spéciaux et l’animatronique sont largement sollicités. Trois ténors se répartissent ainsi la charge de travail concernant la création des monstres : Alec Gillis (Tremors, Alien 3, Starship Troopers), Shane Mahant (Terminator, Aliens, Predator) et Richard Taylor (Braindead, Les Feebles, Le Seigneur des Anneaux). Le fait que ces virtuoses aient fait leurs premières armes dans les années 80 et que Gillis et Mahan soient des piliers de la saga Alien n’est évidemment pas un hasard.

Du neuf avec du vieux

Pour les protagonistes de son film, Alvarez opère un choix inattendu en se focalisant sur un groupe de jeunes adultes éloignés des héros habituels de la saga. Fils d’ouvriers dont la plupart sont morts ou ravagés par la maladie, cloitrés sur une colonie minière insalubre sur laquelle ils sont voués à passer toute leur existence, ils décident de changer de destin, quitte à se mettre hors la loi. Leur projet : partir fouiller une station spatiale abandonnée, récupérer les modules d’hibernation et se mettre en sommeil cryogénique jusqu’à une planète plus prospère et plus accueillante. Bien sûr, la station qu’ils accostent n’est pas totalement désertée… Il n’était pas simple de trouver la balance idéale entre les « passages obligatoires » et les situations inédites, cette alchimie délicate qui consiste à faire du neuf avec du vieux sans trop déstabiliser le spectateur tout en le surprenant. Par miracle, Alien Romulus y parvient. Sa mise en scène au cordeau, son casting solide et sa direction artistique impeccable se mettent au service d’un scénario qui s’efforce sans cesse de détourner les composantes connues de la saga pour les placer au cœur de séquences de suspense inédites. Ce qu’Alvarez fait avec les face-huggers et le sang acide, par exemple, relève du jamais vu. Héritière directe de la Sigourney Weaver d’Alien, de la Noomi Rapace de Prometheus et de la Katherine Waterson d’Alien Covenant, Cailee Spaeny campe à son tour une survivante déployant des trésors de ressources motivées par l’énergie du désespoir pour faire face aux prédateurs… jusqu’à un final cauchemardesque suscitant un malaise proche des séquences les plus dérangeantes d’Alien la résurrection. Bref, voilà un épisode certes facultatif mais hautement recommandable, porté par une remarquable bande originale orchestrale de Benjamin Wallfish qui cligne habilement de l’œil vers les musiques d’Alien, Aliens et Prometheus.

 

© Gilles Penso


Partagez cet article

LA MAISON QUI TUE (1971)

Dans ce film à sketches inspiré des écrits de Robert Bloch, Peter Cushing, Christopher Lee et Ingrid Pitt occupent à tour de rôle une étrange demeure…

THE HOUSE THAT DRIPPED BLOOD

 

1970 – GB

 

Réalisé par Peter Duffel

 

Avec Peter Cushing, Christopher Lee, Ingrid Pitt, Tom Adams, Denholm Elliot, Jon Pertwee, Joanna Dunham

 

THEMA VAMPIRES I TUEURS

La Maison qui tue est un film à sketches dont chaque segment est tiré d’une histoire courte écrite par Robert Bloch, le célèbre auteur de la nouvelle qui donna naissance à Psychose. L’écrivain réadapte lui-même ses textes – datant de 1939, 1947 et 1962 – pour les muer en scénarios. Si le vétéran Freddie Francis (L’Empreinte de Frankenstein, Le Train des épouvantes, Dracula et les femmes) est initialement envisagé à la réalisation, l’homme doit décliner l’invitation à cause d’un projet qui le retient en Californie mais qui malheureusement ne verra pas le jour. C’est Peter Duffel (surtout habitué aux épisodes de séries TV) qui est chargé de le remplacer. Ce dernier souhaiterait appeler le film « La Jeune fille et la mort », en référence à la composition de Franz Schubert qui sera présente dans la bande originale. Mais le producteur Milton Subotsky veut absolument le mot « sang » dans le titre, d’où The House that dripped blood (« La maison d’où coulait le sang »). Le film raconte la disparition de Paul Henderson, une star de cinéma, dans une grande demeure se dressant fièrement dans la campagne anglaise. En enquêtant sur cette étrange affaire, un agent de Scotland Yard (John Bennett) découvre que la maison, aujourd’hui inhabitée, a déjà été le théâtre d’événements étranges par le passé. D’où un enchaînement de sketches mettant en vedette quelques-unes des gloires du fantastique britannique.

Le premier segment, « Method for Murder », montre l’installation d’un couple (Denholm Elliot et Joanna Dunham) dans la fameuse maison. L’époux est un écrivain spécialisé dans les histoires d’horreur qui est progressivement hanté par le tueur de son dernier roman. Il commence à l’apercevoir dans les miroirs, l’entend rire, le voit surgir dans les bois voisins… « Un auteur qui crée un personnage est comme un acteur qui endosse un rôle », affirme-t-il paniqué. « Parfois, le rôle prend le dessus. » Un rebondissement théâtral clôt cette histoire. Peter Cushing tient la vedette du second segment, « Waxworks », dans lequel il incarne Philip Grayson, un businessman à la retraite heureux de pouvoir emménager dans cette paisible demeure. Enfin libéré du rythme éreintant de son activité professionnelle, il prend le temps de se prélasser, d’écouter de la musique, de flâner dans le village voisin. Ces déambulations le conduisent dans un musée des horreurs, où il tombe nez à nez avec une statue de cire à l’effigie de Salomé qui le fascine totalement. Ce n’est pas tant la tête coupée qui git sur le plateau porté par la belle qui le trouble, que l’étrange ressemblance de la sculpture avec sa défunte épouse… Le sketch révèle son lot de surprises, mais c’est surtout le jeu de Cushing qui retient l’attention. Ses regards tristes et ses sourires empreints de mélancolie contaminent le spectateur qui entre aussitôt en empathie avec le personnage. Ce rôle est d’autant plus marquant que la vie privée de l’acteur sera frappée l’année suivante par la perte de son épouse Helen, un deuil dont il ne se remettra jamais vraiment.

« Bela Lugosi, pas l’autre gars ! »

Christopher Lee intervient dans le segment « Sweets to the Sweet », dans le rôle d’un businessman austère et sévère nommé John Reid. En emménageant dans la vaste maison, il engage une enseignante pour s’occuper de sa fille Jane et lui servir de tutrice. Terrifiée par le feu, la fillette semble cacher un lourd secret, ce que confirmera un dénouement éprouvant. Dans « The Cloak », le dernier sketch, l’acteur spécialisé dans les films d’horreur Paul Henderson (Jon Pertwee, connu pour avoir interprété Doctor Who) et sa femme Carla (Ingrid Pitt) s’installent dans le manoir pour un nouveau tournage. Sur le plateau, Henderson s’agace face au manque de réalisme des décors et s’exalte en se souvenant des bons vieux films d’horreur, comme Dracula. « Celui avec Bela Lugosi », s’empresse-t-il de préciser, « pas avec l’autre gars ! » (une petite pique à l’encontre de Christopher Lee dans les films Hammer !) Dans sa loge, il découvre un jour la carte d’un marchand de costumes et de perruques, l’étrange Von Hartmann (Geoffrey Bayldon) qui le reçoit et lui vend pour une somme dérisoire une cape de vampire… Oscillant en permanence entre le premier et le second degré, cultivant un humour semi-parodique plutôt réjouissant, ce sketch offre une variante surprenante du vampirisme qui se transmet ici par un vêtement. Ingrid Pitt y joue un rôle presque autobiographique, celui d’une comédienne spécialisée dans les personnages de suceuses de sang. Tout au long du film, Peter Duffel soigne sa mise en scène et profite du charisme de son casting prestigieux. Mais le scénario déçoit souvent, la maison n’étant finalement qu’un prétexte un peu artificiel qui ne provoque jamais les drames mais sert simplement de point commun entre les sketches.

 

© Gilles Penso


Partagez cet article

BLOOD DOLLS (1999)

Un millionnaire psychopathe crée des poupées meurtrières pour se venger de ceux qui l’ont trahi…

BLOOD DOLLS

 

1999 – USA

 

Réalisé par Charles Band

 

Avec Kristopher Logan, Debra Mayer, William Paul Burns, Warren Draper, Nicholas Woeth, Jodie Fisher, Phil Fondacaro, Naomi McClure, Jack Forbes, Jason Pace

 

THEMA JOUETS I SAGA CHARLES BAND

Très occupé en cette fin de vingtième siècle, le producteur Charles Band prend tout de même le temps de réaliser lui-même Blood Dolls avec lequel il espère créer un petit événement. Son idée consiste en effet à se servir de ce film d’horreur délirant – tourné à la va vite pendant douze jours en Californie – pour lancer la carrière d’un groupe de rock féminin. Il réunit donc quatre chanteuses et musiciennes sous le nom des « Blood Dolls » (« Les poupées sanglantes ») : Cotton Baby, Black Baby, Razor Baby et Shirley. Derrière ces pseudonymes se cachent Venesa Talor, Persia White, Yvette Lera et J. Paradee. Autoproclamées « anti-Spice Girls », celles-ci se voient dotées d’un look trash sexy et ponctuent régulièrement le film de morceaux de rock, le reste de la bande originale étant pris en charge par Richard Band sous le pseudonyme de Ricardo Bizzeti. Mais Band veut aller plus loin : avec le concours de Miles Copeland, le manager de Police et de Sting, il prépare une tournée du groupe sur le continent américain. L’opération semble juteuse : les concerts des filles aideront à la promotion du film, qui servira lui-même de showcase pour faire découvrir leur répertoire. En théorie, c’est imparable. En pratique, rien ne va se passer comme prévu…

Le scénario de Blood Dolls est un joyeux fourre-tout qui réutilise plusieurs ingrédients déjà exploités par Band dans le passé. Caché sous un masque sinistre qui ferait passer Fantomas pour un joyeux drille, Travis Virgil (Kristopher Logan) est un millionnaire génétiquement modifié dont la tête n’est pas plus grosse qu’une balle de tennis. Féru d’excentricités, il a à ses services un majordome dont le maquillage de clown sinistre est le même que celui du Jack-Attack de Demonic Toys (William Paul Burns), un assistant nain acariâtre (Phil Fondacaro, le Dracula de The Creeps) et quatre filles turbulentes enfermées dans une cage qui sont contraintes de jouer des morceaux de rock à la demande sous peine de subir des décharges électriques. Ce sont elles, les fameuses « Blood Dolls ». Suite à une manigance financière lui ayant fait perdre des fortunes, Travis décide de se venger de ceux qui l’ont trahi à l’aide d’une de ses inventions : une machine capable de transformer les humains en poupées meurtrières qui lui obéissent au doigt et à l’œil. Le titre du film désigne ainsi à la fois les chanteuses en prison et les jouets assassins…

La poupée qui fait non

Le film part un peu dans tous les sens, accumulant les passages gore (un homme transpercé par une perceuse dans une gigantesque gerbe de sang, un autre qui est lentement découpé par des câbles en fer qui le saucissonnent étroitement), les scènes SM (entre une femme dominatrice et son époux fébrile), les gags insolites et les chansons qui scandent régulièrement le scénario. Pour le reste, Blood Dolls applique peu ou prou la même recette que la saga Puppet Master, lançant dans les pattes des futures victimes trois poupées grimaçantes adeptes des pièges mortels et des armes blanches miniatures. Charles Band espère visiblement faire de son film un objet de culte. En réalité, Blood Dolls passera relativement inaperçu. Quant à la tournée musicale prévue, elle n’aura jamais lieu, l’un des membres du groupe (Venesa Talor, ancienne strip-teaseuse et héroïne de Femalien) ayant officiellement refusé le maigre salaire prévu pour cette opération (avocat et action en justice à la clé). Le groupe des « Blood Dolls » ne survivra pas à cette tentative étouffée dans l’œuf. Dommage, l’idée n’était pas mauvaise. Mais comme souvent, Charles Band n’a pas les moyens de ses ambitions et sabote d’excellents concepts qui mériteraient qu’on mette un peu plus généreusement la main à la poche.

 

© Gilles Penso

À découvrir dans le même genre…

 

Partagez cet article

BAD CGI GATOR (2023)

Ne reculant devant rien, ce film de monstre fait la promotion de la mauvaise qualité de ses effets spéciaux !

BAD CGI GATOR

 

2023 – USA

 

Réalisé par Danny Draven

 

Avec Michael Bonini, Maddie Lane, Ben VanderMey, Rebecca Stoughton, Cooper Drippe, Sarah Buchanan, Lee Fealy

 

THEMA REPTILES ET VOLATILES I SAGA CHARLES BAND

Chez Full Moon, on ose tout, même l’impensable. La compagnie à l’origine des sagas Puppet Master et Subspecies n’hésite jamais devant un bon concept, surtout s’il est provocateur. Quelques années après avoir commis un Corona Zombies calamiteux qui n’eut d’autre vertu que celle d’un morbide opportunisme, la société de Charles Band tente le tout pour le tout : un film de monstre qui assume pleinement la mauvaise qualité de ses effets spéciaux en en faisant non seulement un argument marketing mais aussi un élément comique vaguement justifié par un scénario improbable. Pour être honnête, l’idée n’est pas nouvelle, puisque Matthew et Jason Ellsworth signaient déjà un Bad CGI Sharks en 2019. C’est Zalman Band, le propre fils de Charles, qui est à l’origine de l’histoire abracadabrante de Bad CGI Gator, tandis que la réalisation échoit à Danny Draven (Horrorvision, Cryptz, Patient Seven). Signe des temps, Full Moon produit désormais de nombreux films directement destinés à leur plateforme de streaming et donc formatés sur des durées courtes (deux fois 30 minutes ou une heure). Bad CGI Gator (dont le titre pourrait se traduire par « L’alligator en mauvaises images de synthèse », oui ça sonne tout de suite moins bien en français) fait partie de cette nouvelle génération de films « direct-to-streaming » qui se distinguent généralement par une mise en forme soignée malgré des budgets ridicules.

Les héros de ce petit film absurde sont six étudiants qui rivalisent de stupidité et sont ouvertement pétris de clichés : le gros bras sportif, l’abruti imbibé de bière, les deux bimbos superficielles accros aux réseaux sociaux, le garçon réservé et maladroit (qui ressemble bizarrement à une version jeune de Martin Sheen) et la fille marginale qui se sent au-dessus des autres. Ce petit groupe mal assorti s’installe dans une maison au bord d’un lac pour un petit séjour à base de bière, de coucheries, de vidéos TikTok et de jeux idiots. L’un d’entre eux consiste à jeter tous les ordinateurs portables en leur possession au fond du lac, comme un acte de rébellion contre les conventions… à condition de tout filmer et de tout envoyer sur les réseaux sociaux en espérant créer une vidéo virale. Les ordis coulent donc à pic. Mais un petit alligator qui passait par là entre en contact avec les machines. Soudain, une étrange réaction en chaîne se déclenche : frappé par des éclairs électrico-numériques, le reptile devient énorme et prend les allures d’une création approximative en images de synthèse. Ce monstre improbable surgit des eaux et décide de grignoter les six ados attardés qui se trouvent à proximité…

Digitalligator

Bad CGI Gator assume pleinement l’incongruité de son intrigue et de ses personnages, multipliant chez ses jeunes héros les comportements niais et les dialogues saugrenus, comme lorsque le grand macho crie « je suis un mâle alpha ! » en brandissant un sabre, ou lorsque l’une des filles se demande si l’alligator tueur est un mâle, une femelle ou un saurien non genré. Bien sûr, l’attraction principale reste cette vilaine bête qui s’avère capable de courir, de sonner aux portes et même de voler. Son animation, sa texture et son incrustation dans les prises de vues réelles rivalisent de médiocrité assumée. Les effets visuels sont pourtant attribués à Dave Matherly qui, jadis, œuvrait pour des films comme Vampire vous avez dit vampire, Les Aventures de Jack Burton, The Devil’s Rejects ou Hostel. Ici, nous voilà revenu à l’époque des « creature features » diffusés sur Sci-Fi Channel au tout début des années 2000, des micro-productions Nu Image ou des pires rejetons d’Asylum. À côté des effets numériques de Bad CGI Gator, n’importe quel Sharknado ressemble à Avatar, c’est dire ! On s’amuse donc raisonnablement dans ce film qui rit de sa propre bêtise… puis s’oublie aussitôt après avoir été visionné.

 

© Gilles Penso


Partagez cet article

DEMONIC TOYS : JACK-ATTACK (2023)

Le clown aux dents tranchantes de la saga Demonic Toys a droit à son propre film et terrorise une famille de fermiers au fin fond de l’Amérique…

DEMONIC TOYS : JACK-ATTACK

 

2023 – USA

 

Réalisé par William Butler

 

Avec Sofia Castellanos, Mabel Thomas, Carson Polish, Kamarra Cole, Taylor Abigail Rice, Sean Ramey, Maddie Small, Christine Brunner, Tim Novotny

 

THEMA JOUETS I SAGA CHARLES BAND I DEMONIC TOYS

Après avoir consacré trois films à l’affreux bébé en plastique aux dents acérées Baby Oopsie, le réalisateur William Butler et le producteur Charles Band continuent à décliner les personnages de la petite franchise Demonic Toys en s’intéressant cette fois ci à Jack-Attack, un démon maléfique qui a pris lui aussi possession d’un jouet apparemment inoffensif. Jack a donc la forme d’une tête de clown grimaçante montée sur ressorts et enfermée dans une boîte. Capable de mordre ses victimes avec ses crocs tranchants, il peut aussi se déloger de son support pour ramper comme un serpent et s’en aller commettre toutes sortes de ravages. Son potentiel horrifique est donc intéressant, tirant parti de la phobie des clowns entretenue dans des films comme Ça ou Terrifier. Jugeant peut-être que ce bon vieux Jack risque d’avoir du mal à soutenir par sa seule présence un film entier, privé de ses habituels partenaires de jeu, le scénario lui adjoint ici un comparse inquiétant : un autre clown (en pied, celui-ci) muet dont le comportement bestial, les allures de boucher et le maniement du marteau ne sont pas sans évoquer le Leatherface de Massacre à la tronçonneuse.

Le duo infernal se déchaîne dès le prologue, réduisant en charpie une vieille dame sous les yeux de l’adolescente Lily (Sofia Castellanos). Désormais muette, l’orpheline traumatisée passe ses journées à dessiner des clowns effrayants en attendant qu’une famille d’accueil veuille bien la prendre en charge. Les heureux élus sont Tyler et Kate Yost (Sean Ramey et Christine Brunner), un couple de fermiers qui accepte de recueillir la malheureuse, sous la supervision attentive de la travailleuse sociale Audrey Haines (Mabel Thomas). Lily découvre son nouveau foyer ainsi que les deux enfants du couple Yost, autrement dit Dewey (Taylor Abigail Rice), une « influenceuse » accro à son téléphone, et Mike (Carson Polish) qui passe son temps à batifoler avec sa petite-amie. Mais Jack-Attack a suivi Lily jusque dans cette coquette propriété rurale et ne saurait tarder à sortir de sa boîte pour s’adonner à son jeu favori : ricaner en massacrant tous ceux qui passent à sa portée…

L’attaque des clowns

Fidèle à ses habitudes, William Butler soigne sa mise en forme malgré une poignée de maladresses (l’ombre d’un drone pendant une prise de vue aérienne, quelques raccords sonores hasardeux) et cherche même à approfondir un peu ses personnages en adoptant une tonalité sérieuse et sombre. Mabel Thomas et Sofia Castellanos nous offrent à ce titre des prestations très honorables, même si ce potentiel est sous-exploité par le format court du film (une heure à peine) et par une intrigue somme toute filiforme. Butler s’amuse donc avec sa mise en scène, laissant apparaître furtivement dans le cadre des silhouettes de clown que seuls les spectateurs ou Lily parviennent à apercevoir, et ne rechigne pas devant les effets gore pour diversifier les séquences de meurtres. La chair se déchire, les yeux s’arrachent, les entrailles s’ouvrent, les hachoirs à viande tournent à plein régime et les enclumes tombent sur les victimes comme dans un cartoon des Looney Tunes. On apprécie aussi le discret crossover avec la série des Baby Oopsie via l’évocation des événements liés au personnage de Sybil Pittman, la collectionneuse de vieilles poupées. Sans doute une « réunion » des joujoux diaboliques de Demonic Toys est-elle prévue dans la foulée, comme le laisse entendre cet épilogue très ouvert.

 

© Gilles Penso

À découvrir dans le même genre…

 

Partagez cet article