QUE LA LUMIÈRE SOIT ! (1998)

Dieu décide de réaliser un film pour communiquer avec les humains et choisit une jeune réalisatrice comme porte-parole…

QUE LA LUMIÈRE SOIT !

 

1998 – FRANCE

 

Réalisé par Arthur Joffé

 

Avec Hélène de Fougerolles, Tchecky Karyo, Ticky Holgado, Harry Holtzman, Pierre Arditi, Sergio Castellito, Julien Guiomar

 

THEMA DIEU, LES ANGES, LA BIBLE I CINÉMA ET TÉLÉVISION

A l’approche des années 2000, la démocratisation des effets spéciaux numériques pousse les cinéastes du monde entier à se libérer de contraintes qu’ils pensaient impossibles pour aborder des récits audacieux gorgés de visions fantasmagoriques jusqu’alors hors d’atteinte. Sur le papier, cette ouverture du champ des possibles semble être une bénédiction. Mais lorsqu’on redécouvre rétrospectivement certaines des œuvres mises sur pied pendant cette période de liberté un peu naïve, la comparaison qui nous vient à l’esprit est celle d’un enfant à qui on aurait confié une carte de crédit sans limites pour aller faire ses emplettes dans un magasin de jouets. Cette bride sur le cou mal contrôlée semble être celle à laquelle est confronté le Arthur Joffé (Harem, Alberto Express) lorsqu’il s’attelle à l’écriture et à la réalisation de Que la lumière soit ! « Nous sommes au travail sur ce projet depuis 1994 », raconte Pascal Charpentier, superviseur des effets visuels. « À cette époque, le film était encore à l’étude. Il a connu plusieurs interruptions, puis a redémarré officiellement après une préparation très courte » (1). Ces nombreux faux départs et un scénario encore en cours d’écriture au moment de l’entrée en production du film n’étaient déjà pas bon signe, comme le confirmera le résultat final.

Le postulat de Que la lumière soit ! a de quoi laisser perplexe. Guère satisfait par les agissements des hommes, Dieu (à qui Pierre Arditi prête sa voix) décide de descendre sur Terre et de tourner un film, seul moyen à ses yeux de toucher le plus grand nombre. Il prend donc le contrôle d’une série de corps humains ou animaux pour convaincre Jeanne (Hélène de Fougerolles), une jeune réalisatrice, d’être son porte-parole. Celle-ci montre le scénario à un producteur mais ce dernier réclame un certain nombre de modifications. Pourquoi ? Parce que ce producteur n’est autre que Satan ! Voilà pour l’argument de départ de cette œuvrette en roue libre qui semble d’abord être conçue comme un impressionnant défilé de guest stars françaises. En plus d’Arditi et De Fougerolles, on note la présence de Tchecky Karyo, Ticky Holgado, François Morel, Patrick Bouchitey, Arielle Dombasle, Catherine Jacob, Elie Semoun, Julien Guiomar, Frédéric Mitterrand, Michel Galabru, Jacques Weber, José Garcia, Dominique Farrugia, Patrick Poivre d’Arvor, Rufus, Zinedine Soualem, Michael Lonsdale, Marie-Pierre Casey, Dominique Besenehard, Ruth Elkrief, Patrick Braoudé, bref un véritable tapis rouge du Festival de Cannes !

La divine comédie

Mais chacun sait que l’accumulation est rarement une bonne chose, surtout lorsqu’elle sert à camoufler sous ses excès les scories d’un scénario évasif qui prend l’eau de tous ses côtés. Côté effets visuels, on n’y va pas non plus avec le dos de la cuiller. Les équipes d’Ex Machina et de Buf Compagnie rivalisent d’inventivité pour exploiter au mieux de leurs possibilités les trucages numériques alors en plein essor. Les visions surréalistes abondent donc à l’écran, de l’abbaye flottante qui sert de moyen de locomotion à Dieu jusqu’à la chute de l’héroïne depuis le sommet de la tour Eiffel en passant par la transformation de Ticky Holgado en ange, les milliers de figurants massés devant Notre-Dame de Paris (reconstituée partiellement sur un site extérieur à Budapest) ou encore l’envol d’une foule s’échappant de la cathédrale… On ne pourra certes pas reprocher à Que la lumière soit ! son manque d’originalité ou d’ambition. Mais comment s’intéresser à ce postulat sans queue ni tête ? Si au moins les scènes de comédie n’étaient pas si balourdes ou anecdotiques, la pilule passerait sans doute mieux. Distribué à l’époque par Ciby 2000, la société de Francis Bouygues alors au bord de la faillite, le film d’Arthur Joffé a rapidement sombré dans l’oubli.

 

(1) Propos recueillis par votre serviteur en juillet 1998

 

© Gilles Penso


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A DARK SONG (2016)

Une jeune femme endeuillée et un médium étrange s’isolent dans une maison de campagne pour invoquer des esprits de l’au-delà…

A DARK SONG

 

2016 – GB / IRLANDE

 

Réalisé par Liam Gavin

 

Avec Steve Oram, Catherine Walker, Susan Lounghnane, Mark Huberman, Nathan Vos, Martina Nunvarova, Breffni O’Connor, Sheila Moloney, Ruby Kearns

 

THEMA DIABLE ET DÉMONS

Pour son premier long-métrage en tant que scénariste et réalisateur, Liam Gavin décide d’isoler deux personnages dans un huis-clos et de laisser la magie opérer. Mais le cinéaste ne choisit pas la facilité pour autant. La relation complexe qui s’établit entre ses protagonistes va permettre au film d’osciller entre la comédie, le drame et l’épouvante, puisqu’il est ici question de l’ouverture des portes de l’au-delà. Le récit s’appuie sur une véritable pratique occulte, puisée dans le livre du mage égyptien Abramelin, mais Gavin décide de changer les détails du rituel à la fois par respect pour ceux qui le pratiquent réellement et par superstition. Le décor principal du film est une maison de campagne que le réalisateur filme à deux endroits différents. Les plans extérieurs sont ceux d’un manoir isolé bâti dans l’arrière-pays irlandais. Les décors intérieurs, en revanche, sont obtenus dans une maison de ville située dans la banlieue de Dublin. Tourné en une petite vingtaine de jours, A Dark Song est réalisé à l’économie, ce qui n’empêche pas Gavin de soigner particulièrement sa mise en forme, notamment en sollicitant le directeur de la photographie Cathal Watters (qui magnifie les paysages gallois tourmentés) et le compositeur Ray Harman (dont la bande originale sobre et anxiogène concourt beaucoup à l’atmosphère du film).

Sophia Howard (Catherine Walker), une jeune femme endeuillée, loue une maison isolée dans la campagne galloise dans l’espoir de convaincre Joseph Solomon (Steve Oram), un médium très antipathique, de la guider dans un rite épuisant de plusieurs mois. Dicté par le Livre d’Abramelin, ce protocole mystique est censé invoquer un ange gardien à qui Sophia pourra demander de parler avec son défunt fils. Salomon explique qu’une fois le rituel commencé, s’ils quittent la maison avant qu’il ne soit terminé, ils courront un grave danger, et que Sophia devra endurer des mois d’exercices punitifs au cours desquels ils auront affaire à une horde de démons. Elle accepte et se plie dès lors à des dizaines d’exercices douloureux et éprouvants. Clairement éplorée par la mort de son enfant, Sophia semble toutefois cacher sa motivation véritable. Quant à Solomon, ne cherche-t-il pas à abuser de la situation en profitant de son statut d’occultiste ?

Kamoulox

Malgré le jeu solide des deux acteurs principaux, la pratique occulte à laquelle se livrent les personnages semble tellement extravagante qu’elle finit par entamer sérieusement la crédulité du spectateur. On finit par se demander si ce rituel rime à quelque chose, tant il semble puiser de manière aléatoire dans tous les cultes possibles et imaginables. On boit du sang, on se noie dans une piscine, on s’affame, on se rase, on s’isole, on mange des champignons, on se masturbe… Bref c’est un peu le Kamoulox de la parapsychologie. Tout semble n’être qu’un prétexte pour que le personnage féminin principal expie ses péchés (autrement dit un désir de vengeance inavoué qu’elle voudrait muer en pardon). Cette culpabilité issue du bagage culturel judéo-chrétien – le besoin absolu de rédemption qui prend le pas sur toute logique et tout sens du discernement – aurait dû être le thème principal du film. Mais A Dark Song piétine, ne se prononce pas sur ce qu’il veut nous raconter et tourne autour de ses personnages sans les approfondir. Solomon reste insultant, autoritaire et désagréable, tandis que Sophia oscille entre l’ascèse passive et l’agressivité. Il devient donc de plus en plus difficile de s’attacher à ce duo improbable. Comme en outre le final peine à nous convaincre, convoquant tardivement une imagerie surnaturelle frontale, autant dire que le premier long-métrage de Liam Gavin nous laisse un sentiment mitigé.

 

© Gilles Penso


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EVIL TOONS (1992)

Spécialiste des films fantastiques à tout petit budget, Fred Olen Ray tente de mélanger Evil Dead et Qui veut la peau de Roger Rabbit !

EVIL TOONS

 

1992 – USA

 

Réalisé par Fred Olen Ray

 

Avec Monique Gabrielle, Dick Miller, David Carradine, Michelle Bauer, Barbara Dare, Madison Stone, Suzanne Ager, Don Dowe, Arte Johnson

 

THEMA DIABLE ET DÉMONS

Au début des années 90, Fred Olen Ray, expert en films de genre ambitieux réalisés avec des budgets ridicules, imagine un projet fou : une sorte de parodie de Qui veut la peau de Roger Rabbit ? qui mêlerait l’horreur, l’érotisme, la comédie et un monstre en dessin animé. « À l’origine, j’avais proposé le film à Roger Corman pour 250 000 dollars », raconte-t-il. « Il m’a ri au nez et m’a dit qu’il était totalement impossible de faire un tel film avec ce budget, qu’il coûterait au moins un million, si ce n’est plus » (1). Tous les producteurs, distributeurs et investisseurs vers lesquels il se tourne ont la même réaction. Mais Olen Ray en a vu d’autres. Persuadé qu’il tient un concept intéressant, il décide de le financer lui-même avec un budget ridicule de 140 000 dollars. Ses actrices principales seront les peu pudiques Monique Gabrielle, Suzanne Ager, Barbara Dare et Madison Stone (ces deux dernières étant habituées au cinéma X), auxquelles s’adjoignent deux guest-stars masculines aux visages familiers : Dick Miller (l’acteur fétiche de Roger Corman et Joe Dante) et David Carradine (le « petit scarabée » de la série Kung-Fu). Quant aux décors et aux accessoires, ils sont majoritairement empruntés à d’autres productions. Il ne s’agirait pas non plus d’augmenter inutilement les dépenses.

Le texte d’introduction d’Evil Toons nous annonce très sérieusement que le film va nous raconter une histoire vraie. Par une nuit d’orage, David Carradine, revêtu d’un grand manteau et coiffé d’un chapeau de pasteur, court sur le pas d’une grande demeure, avec à la main un livre qu’on croirait échappé d’Evil Dead (sa couverture en peau révélant un visage grimaçant a de sérieux airs de famille avec le Necronomicon de Sam Raimi). L’homme se réfugie dans la cave de la maison, se passe une corde au cou et se pend en espérant ainsi déjouer le mal. Mais le livre maléfique ricane… Notre quatre bimbos entrent alors en scène. Elles ont été embauchées par un certain Burt (Dick Miller) pour nettoyer cette maison de fond en comble avant l’arrivée des nouveaux propriétaires. Entre deux séances de strip-tease, les jeunes femmes passent le balai et découvrent bientôt un vieux coffre renfermant un crâne et un couteau. David Carradine réapparaît alors, revenu miraculeusement d’entre les morts, et leur donne le livre maléfique (pour une raison qui nous échappe un peu, mais à ce stade nous avons compris qu’il faut être indulgent avec le scénario). Or ce grimoire renferme des démons qui ne demandent qu’à se réveiller…

Des seins animés

Au-delà des emprunts évidents à Evil Dead, le film abonde de clins d’œil. L’une des filles lit le roman « The Frankenstein Wheel », les dialogues évoquent tous les clichés des films d’horreur (la grande maison isolée, la nuit d’orage), Olen Ray se réfère à son propre Hollywood Chainsaw Hookers (avec une apparition de Michelle Bauer qui joue hors-champ avec une tronçonneuse) et Dick Miller regarde un large extrait d’Un baquet de sang à la télévision (dont il tient le premier rôle) avant d’affirmer : « comment se fait-il que ce type n’ait jamais gagné d’Oscar ? » Le clou du spectacle est un démon lubrique en dessin animé qui surgit du livre et agresse l’une des héroïnes. À mi-chemin entre le loup de Tex Avery et le diable de Tasmanie des Looney Tunes, il écarquille les yeux et laisse pendouiller sa langue quand il découvre le corps dénudé de sa future victime en émettant des borborygmes prononcés par le réalisateur lui-même. L’animation est sommaire et le temps de présence de la bête à l’écran très limité, mais il est tout de même incrusté dans les prises de vues réelles avec habileté, à une époque où les effets visuels n’étaient pas encore numériques. « Avec un plus gros budget, le film aurait été bien meilleur, le toon plus présent à l’écran, mais je suis néanmoins très fier de l’avoir fait, d’autant plus que personne ne voulait y croire », conclut Fred Olen Ray (2). Distribué un temps en France sous le titre Qui a peur du diable ?, Evil Toons est certes écrit et joué n’importe comment, mais comment ne pas saluer l’audace et l’effronterie d’un cinéaste qui aura passé toute sa carrière à distraire les spectateurs amateurs de séries B décomplexées avec des concepts souvent abracadabrants ?

 

(1) et (2) Propos extraits du livre « Fred Olen Ray : il était une fois à Hollywood » de Damien Granger (2023).

 

© Gilles Penso

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L’ÉTUDIANT DE PRAGUE (1926)

Un étudiant sans le sou accepte la proposition alléchante d’un homme louche qui n’est autre que le diable…

DER STUDENT VON PRAGUE

 

1926 – ALLEMAGNE

 

Réalisé par Henrik Galeen

 

Avec Conrad Veidt, Elizza La Porta, Fritz Alberti, Agnes Esterhazy, Ferdinand von Alten, Werner Krauss, Erich Kober

 

THEMA DOUBLES I DIABLE ET DÉMONS

En 1913, Hanns Heinz Ewers réalisait L’Étudiant de Prague, un conte moral inspiré à la fois de la légende de Faust, de la nouvelle « William Wilson » d’Edgar Allan Poe, de « L’homme qui a perdu son ombre » d’Adelbert von Chamisso et d’un des récits fantastiques d’E.T.A. Hoffmann, « L’Histoire du reflet perdu. » Malgré ces influences multiples, ce sujet original est entré dans l’inconscient collectif comme s’il s’agissait d’un conte folklorique ancré dans les traditions séculaires germaniques, alors que c’est pourtant une invention de pur cinéma. En 1926, Henrik Galeen en réalise un remake dans lequel Conrad Veidt, l’inoubliable somnambule du Cabinet du docteur Caligari, reprend le rôle tenu avant lui par Paul Wegener (Le Golem). Ces deux longs-métrages qui se répondent l’un l’autre présentent la particularité d’inaugurer et de clore la période dite du film expressionniste allemand, puisque L’Étudiant de Prague d’Ewers est l’une des œuvres qui ouvrit les hostilités de ce courant artistique singulier, alors que la version de Galeen marque d’une certaine manière son chant du cygne. Il est par ailleurs étonnant que le récit se soit ainsi dédoublé sur une période de 13 ans, le double étant justement le thème principal de cette histoire tourmentée.

Nous sommes dans le Prague de 1820. L’étudiant Balduin (Conrad Veidt) est un excellent escrimeur, sans doute le meilleur de toute la ville, mais c’est un jeune homme ténébreux et taciturne, dont le comportement tranche d’emblée avec celui de ses camarades, prompts à festoyer, chanter, boire de la bière et trousser quelques jupons. Si Balduin est si morose, c’est parce qu’il est sans le sou, et cette misère commence sérieusement à le peser, au point qu’il ne se rend même pas compte que la jolie fleuriste Liduschka (Elizza la Porta) lui fait les yeux doux. « Votre escarcelle est vide ? Laissez Satan la remplir ! » chante à son attention l’un de ses camarades en grattant sa guitare, nous annonçant déjà le drame qui couve. Car aussitôt, le mystérieux Scapinelli (Werner Krauss), un vieil homme affublé d’un grand chapeau et d’un parapluie, fait son apparition et propose son aide. Balduin le repousse, croyant avoir affaire à un vieil usurier. Mais Scapinelli lui fait une offre alléchante : contre 600 000 florins d’or, il achète son reflet dans le miroir. L’étudiant signe le contrat en éclatant de rire, bientôt pris de vertige par la pluie de pièces d’or qui se déverse sur sa table. Désormais, rien ne l’empêche de faire la cour à la comtesse Margit (Agnes Esterhazy) et de faire partie de la belle aristocratie tchèque. Mais ce pacte diabolique a bien sûr un revers très déplaisant…

Hanté par son propre reflet

C’est d’abord sous des atours très mélodramatiques que se construit l’intrigue de L’Étudiant de Prague, une de ces nombreuses histoires d’amours impossibles où chacun convoite celui qui lui est inaccessible (la fleuriste couve du regard l’étudiant qui n’a d’yeux que pour la comtesse, laquelle est déjà fiancée). Lorsque le diable entre en scène sous les traits du facétieux Scapinelli, la mise en scène d’Henrik Galeen se fait lyrique, à l’image de ce tableau très iconique dans lequel le tentateur observe le monde du haut d’un promontoire où se dresse un arbre tordu secoué par le vent. Sa gestuelle laisse imaginer qu’il manipule les humains comme des marionnettes. C’est sans doute lui qui provoque la rencontre fortuite de l’étudiant et de la jeune comtesse, au cours d’un accident de cheval qui nous surprend par son montage nerveux très moderne. Plus tard, c’est l’ombre gigantesque de Scapinelli qui se dressera sous le balcon où Balduin et celle qu’il aime se content fleurette. Très inspiré, Galeen joue aussi avec les miroirs (via des effets optiques très habiles) et avec le motif visuel du double. Car le reflet de Balduin ne tarde pas à venir le hanter, surgissant derrière les pierres tombales ou dans la forêt blême comme un fantôme sinistre et culpabilisateur. Au moment de sa sortie, L’Étudiant de Prague reçoit un accueil plutôt glacial de la part du public et de la critique, et il faut attendre quelques années avant qu’il ne soit enfin estimé à sa juste valeur, celle d’une des pièces maîtresses d’un courant cinématographique unique en son genre, alors sur le déclin.

 

© Gilles Penso


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TRAQUÉE (2023)

Seule dans sa grande maison isolée, une jeune femme doit faire face à une invasion extra-terrestre…

NO ONE WILL SAVE YOU

 

2023 – USA

 

Réalisé par Brian Duffield

 

Avec Kaitlyn Dever, Zack Duhame, Lauren Murray, Geraldine Singer, Dane Rhodes, Daniel Rigamer, Dari Lynn

 

THEMA EXTRA-TERRESTRES

Scénariste de The Babysitter, Underwater et Love and Monsters, Brian Duffield écrit en 2019 No One Will Save You sans le support d’une compagnie de production particulière, persuadé que le concept finira par trouver acquéreur. Notre homme a le nez creux, puisque 20th Century Studio, filiale de Disney, a le coup de cœur pour son script et en fait l’acquisition en avril 2021. Cette histoire étant purement visuelle (huit mots de dialogue pour 90 minutes de métrage, il fallait oser !), Duffield a plein d’idées en tête pour la mise en scène et négocie auprès du studio pour réaliser le film lui-même. Ce sera son second long-métrage après la comédie fantastico-horrifique Spontaneous. Kaitlyn Dever incarne Brynn, une couturière qui vit toujours dans la maison de son enfance et qui pleure la perte de sa mère, Sarah, et de sa meilleure amie, Maude. Pour l’aider à faire son deuil, elle construit dans son salon une ville modèle en miniature. Son intérieur a ceci d’étrange qu’il a les allures d’une maison de poupée dans laquelle le temps se serait arrêté. Il est d’ailleurs difficile de comprendre à quelle époque se situe le film. Si un ordinateur portable apparaît furtivement dans le film, Brynn semble vivre dans un monde rétro où les téléphones sont filaires et analogiques, où les photos se prennent avec des polaroïds et où le courrier s’écrit sur papier et s’envoie par enveloppe. Des petites lampes éclairent les pièces, des peluches et des papillons ornent sa chambre, comme si elle refusait de sortir de l’enfance.

L’autre singularité liée au personnage est son statut de paria. Lorsqu’elle fait de brèves incursions dans la petite ville dont sa maison est séparée de quelques kilomètres, c’est pour croiser des regards hostiles, pour ne pas dire haineux. Que s’est-il donc passé pour isoler à ce point notre héroïne de ses semblables ? Il nous faudra beaucoup de temps pour le comprendre. Toujours est-il que le titre original, qu’on pourrait traduire par « Personne ne te sauvera », joue sur le double sens du verbe « save », évoquant à la fois le secours (autrement dit le sauvetage) et le salut (de l’âme ?). Les diffuseurs français, eux, se contentent du prosaïsme en choisissant Traquée, un titre déjà utilisé chez nous pour Someone to Watch Over Me de Ridley Scott. Mais alors pourquoi faut-il sauver Brynn ? Pourquoi est-elle traquée ? La réponse ne tarde pas à venir. Une nuit, seule chez elle comme toujours, elle est réveillée en sursaut par des bruits inquiétants. Un intrus est entré dans sa maison. Or ce n’est pas un être humain…

Histoire sans paroles

Brian Duffield connaît ses classiques. Il paie donc son tribut à plusieurs incontournables du genre, notamment du côté de Steven Spielberg (on pense beaucoup à la scène d’enlèvement du petit Barry dans Rencontres du troisième type et à la séquence de la planque de La Guerre des mondes) et du M. Night Shyamalan de Signes. Mais la démarche n’a rien du clin d’œil cinéphilique ni de la citation. Si le réalisateur s’empare de ce passif, c’est pour mieux le réinventer à sa manière. Inventive, sa mise en scène ne cesse de multiplier les trouvailles pour éviter la monotonie d’une situation qui finit par s’étirer. Car tel est le piège de Traquée : un film-concept au point de départ qui accroche ses spectateurs dès les premières minutes mais peine un peu à évoluer sans se répéter. Il faut certes saluer l’implication totale de l’actrice Kaitlyn Dever (qui joue quasiment le film sans aucun partenaire et sans le moindre dialogue), le recours chaque fois que possible aux effets animatroniques (toujours plus convaincants que leurs contreparties numériques, en tout cas dans le cas présent) et un final qui – s’il laissera beaucoup de monde perplexe – a le mérite de surprendre. En découvrant le film, Stephen King s’est fendu d’une de ses fameux dithyrambes prouvant son amour inconditionnel pour le genre. « Brillant, audacieux, impliquant, effrayant », s’exclame-t-il. « Il faut remonter soixante ans en arrière, à un épisode de La Quatrième dimension intitulé « Les Envahisseurs », pour trouver quelque chose de semblable » (1). Sans partager tout à fait l’enthousiasme du King, reconnaissons au film de Duffield son audace et ses partis pris radicaux qui changent un peu du tout-venant.

 

(1) Post de Stephen King sur Twitter le 25 septembre 2023.

 

© Gilles Penso


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SIMETIERRE : AUX ORIGINES DU MAL (2023)

Que s’est-il passé plusieurs décennies avant l’histoire terrifiante racontée dans le roman de Stephen King ? Voici la réponse…

PET SEMATARY : BLOODLINES

 

2023 – USA

 

Réalisé par Lindsey Anderson Beer

 

Avec Jackson White, Natalie Alyn Lind, Forrest Goodluck, Isabella Star LaBlanc, Henry Thomas, Jack Mulhern, David Duchovny, Samantha Mathis, Pam Grier

 

THEMA ZOMBIES I SAGA STEPHEN KING

Même s’il n’arrive pas à la cheville de celui réalisé par Mary Lambert, le Simetierre de 2019 a suffisamment déplacé les foules pour donner envie à son producteur Lorenzo di Bonaventura de capitaliser sur ce succès. Fallait-il se lancer dans une suite, exercice auquel Lambert s’était elle-même prêtée sans beaucoup de bonheur avec Simetierre 2 ? Plus prudemment, di Bonaventura choisit l’option de la préquelle, généralement bien accueillie par le public (le doublé X et Pearl de Ti West ne vient-il pas de le démontrer à nouveau ?). Le scénariste Jeff Buhler, déjà à l’œuvre sur Simetierre, se met aussitôt au travail. À la mise en scène, en revanche, on change de tête. Kevin Kölsch et Dennis Midmyer cèdent donc le pas à Lindsey Anderson Beer, qui avait écrit la comédie romantique Sierra Burgess is a Loser et la série The Magic Order et qui officie ici pour la première fois au poste de réalisatrice. L’intrigue du film précédent se déroulant en 2019, année de sa sortie en salles, Simetierre : Aux origines du mal raconte des événements survenus cinquante ans auparavant, soit en 1969, toujours à Ludlow dans le Maine.

Alors que la guerre du Vietnam fait rage, le jeune Jud Crandall (Jackson White) prend la décision de fuir sa ville natale pour partir dans le Michigan et rejoindre les casques bleus avec sa petite-amie Norma (Natalie Alyn Lind). Il fait donc ses adieux à ses parents (Henry Thomas et Samantha Mathis) et prend enfin la route, mais soudain Norma est violemment attaquée par un chien. Son propriétaire est Timmy Baterman (Jack Mulhern), un ancien ami d’enfance de Jud revenu du front avec une médaille. Or le prologue nous a fait comprendre que Timmy est rentré du Vietnam les pieds devants et que son père (David Duchovny) l’a ressuscité en utilisant les dangereux pouvoirs du cimetière indien en lisière de la petite ville. Timmy est donc un zombie au comportement de plus en plus étrange. C’est par lui que le mal va se propager à Ludlow, prélude à un sanglant massacre…

La bouche du diable

Inscrire l’histoire sur fond de guerre du Vietnam est une idée intéressante, même si elle n’est pas nouvelle. La préquelle Massacre à la tronçonneuse : le commencement jouait déjà cette carte. Toujours est-il que le personnage de Timmy évoque beaucoup Le Mort-vivant de Bob Clark. Si le scénario prend largement ses distances avec le roman original de Stephen King, l’esprit de l’écrivain tente d’émerger à travers une pincée de nostalgie familière (les retrouvailles troublées des trois amis d’enfance dans cette petite ville du Maine) et le détournement de certains de ses motifs (les champs de tournesol où résonnent d’inquiétants chuchotements évoquent irrésistiblement ceux des Démons du maïs). A mi-parcours, un flash-back situé en 1674 (la « préquelle de la préquelle » en quelque sorte) raconte les origines de la malédiction. « La forêt est comme la bouche du diable », y apprend-on. « Tout ce qu’on y enterre revient à la vie, comme recraché par l’enfer. » Malgré ses prémices prometteuses, le film n’échappe pas à une certaine routine. Quelques scènes réussies surnagent, comme celle de l’attaque du chien ou de l’assaut dans l’hôpital, mais ne parviennent pas à sauver les meubles. Pas plus que le recours à trois guest stars sur le retour (Henry Thomas, David Duchovny et Pam Grier) qui cachetonnent ici sans conviction. Quant aux incohérences en cascade qui ponctuent le dernier acte, elles achèvent d’enterrer cette préquelle finalement très dispensable.

 

© Gilles Penso


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EXCROISSANCE (2023)

Une jeune femme à l’équilibre mental fragile voit un jour un étrange appendice pousser sur son flanc…

APPENDAGE

 

2023 – USA

 

Réalisé par Anna Zlokovic

 

Avec Hadley Robinson, Emily Hampshire, Deborah Rennard, Brandon Mychal Smith, Desmin Borges, Kausar Mohammed, Annie Pisapia; Adam Butterfield

 

THEMA MUTATIONS I DOUBLES I PETITS MONSTRES 

Excroissance est le premier long métrage d’Anna Zlokovic, autour d’un sujet qu’elle avait déjà décliné en 2022 sous forme d’un film de six minutes – déjà très perturbant – mettant en scène Rachel Sennott et Eric Roberts. En passant au format long, la réalisatrice ne se contente pas d’étirer son concept. Elle l’enrichit, le développe et crée une sorte de légende urbaine s’appuyant sur une donnée scientifique bien réelle : la « chimère double ADN », autrement dit la fusion entre deux jumeaux. « Honnêtement, tout est parti de ma propre anxiété », dit-elle pour expliquer la genèse d’Excroissance. « C’était simplement l’anxiété, le syndrome de l’imposteur, le fait de ne pas savoir quoi faire avec ces émotions. J’ai eu une séance de thérapie au cours de laquelle mon thérapeute m’a dit : “Essayons cet exercice où nous séparons votre anxiété de vous-même afin d’avoir une conversation avec elle, comme s’il s’agissait d’un personnage à part entière”. Ça m’a marqué. Je me suis dit : “Hmm, ça pourrait être le sujet d’un film de monstres vraiment cool”. Et c’est de là qu’est venue l’idée » (1) Pour son baptême de mise en scène « dans la cour des grands », Anna Zlokovic frappe très fort, jouant avec les émotions et les attentes des spectateurs pour mieux les déstabiliser.

Le personnage central du film est Hannah (Hadley Robinson), une jeune styliste évoluant dans un environnement toxique qui est en train de la ronger. Entre les tensions croissantes qui bâtissent des murs invisibles entre sa mère très snob Stacy (Deborah Rennard) et elle et le comportement odieux de son patron Cristean (Desmin Borges) qui se comporte en diva du monde de la mode, Hannah n’est pas loin du burn-out. Elle peut certes s’appuyer sur la présence de son petit ami attentionné Kaelin (Brandon Mychal Smith) et de sa meilleure amie Esther (Kausar Mohammed) mais rien n’y fait, l’anxiété gagne du terrain. Soudain, son corps se met à réagir bizarrement. Chaque fois que l’angoisse ou la contrariété s’emparent d’elle, elle ressent une douleur violente sur le côté de l’abdomen, là où se trouve une tache de naissance. Bientôt, une chose se met à pousser à cet endroit du corps : une sorte d’excroissance de plus en plus grosse, de plus en plus douloureuse et de plus en plus mobile…

Malaise

Plusieurs références viennent à l’esprit des fantasticophiles que nous sommes pendant le visionnage d’Excroissance. Nous pensons d’abord à Chromosome 3 de David Cronenberg , puis à Frère de sang de Frank Henenlotter, et finalement au Double maléfique d’Avi Nesher. Ces sources d’inspiration sont d’autant plus assumées que la réalisatrice décide d’opter pour des effets spéciaux à l’ancienne exhalant volontairement une délicieuse patine « eighties ». Mais au-delà de l’effet nostalgique, les prothèses, l’animatronique, le latex et le faux sang créent un sentiment organique beaucoup plus palpable que n’importe quelle image de synthèse. Il n’était pas facile d’aborder un tel sujet aussi frontalement sans sombrer dans le ridicule, à moins d’opter pour un ton volontairement loufoque à la manière d’un Bad Milo par exemple. Or Excroissance parvient à trouver le juste équilibre, conservant son approche au premier degré tout en assumant à bras ouvert son concept « chimérique ». Comme dans les films cités ci-dessus, Excroissance expose la matérialisation physique des angoisses, des inquiétudes et des mauvais penchants, avec en filigrane l’idée d’un autre moi (le « ça » cher aux psychanalystes) capable de jouer la mouche du coche et d’assumer les instincts primaires que le « surmoi » ne peut accepter en pleine conscience. « C’est comme si ça validait nos pensées négatives » dira l’héroïne. La finesse du jeu des acteurs et la capacité d’Anna Zlokovic à créer un malaise permanent – cette sensation lancinante que le pire reste à venir, même dans les scènes les plus paisibles – ne sont pas les moindres atouts de cette Excroissance très recommandable.

 

(1) Extrait d’une interview publiée dans Comicbook.com en octobre 2023

 

© Gilles Penso

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UNTAMED WOMEN (1952)

Quatre militaires américains s’échouent sur une île peuplée par des femmes sauvages, des hommes hirsutes et des dinosaures…

UNTAMED WOMEN

 

1952 – USA

 

Réalisé par W. Merle Connell

 

Avec Mikel Conrad, Lyle Talbot, Doris Merrick, Richard Monahan, Mark Lowell, Morgan Jones, Midge Ware, Judy Brubaker

 

THEMA DINOSAURES I EXOTISME FANTASTIQUE

Alors que Steve Holloway (Mikel Conrad), un soldat en convalescence dans un hôpital militaire, tente de se remettre d’un traumatisme crânien, la mémoire lui revient peu à peu, un flash-back nous transportant à bord d’un bombardier de l’US Air Force touché par un tir ennemi. Après son amerrissage en catastrophe, les quatre survivants s’échouent sur une île inconnue et sont capturés par une tribu de femmes préhistoriques. Le manque de crédibilité de ces dernières s’avère tellement flagrant que le spectateur n’a dès lors que deux options : soupirer d’exaspération ou rire en appréhendant cette aventure au second degré. Car ces jolies filles en peaux de bêtes, au maquillage et au brushing impeccable, dansent au son des tamtams sous l’autorité d’une prêtresse du dieu soleil et s’expriment dans un anglais parfait. Le scénario rocambolesque de George Wallace Sayre nous apprend qu’elles descendent de druides et qu’elles sont dirigées par la prêtresse du dieu soleil Sandra (Dorris Merrick). Sans aucune explication, cette dernière aide soudain nos héros à s’évader. À ce stade, il devient clair que le récit sera alambiqué et qu’il ne va pas falloir trop chercher à comprendre mais plutôt se laisser bercer par cette fable exotico-fantastique récréative.

Même si le titre du film nous annonce des « femmes sauvages », ces dernières ne tardent pas à faire les yeux doux à nos beaux mâles, à les cajoler, à sautiller en riant bêtement et à se tenir par la main pour gambader dans les bois. Ce n’est pas tous les jours que de fiers Américains en uniforme débarquent dans la jungle préhistorique ! D’autant que lorsque surgissent les représentants du sexe masculin, on comprend mieux le capital séduction des héros occidentaux. Les hommes de l’île sont en effet des guerriers primitifs à l’esprit atrophié dont les barbes, les perruques et les costumes semblent avoir été découpés dans du papier crépon. Il suffit de trois coups de feu pour se débarrasser – du moins momentanément – des vilains simiesques. « Le tonnerre magique a eu raison d’eux » s’extasie alors une Sandra de moins en moins farouche. « Maintenant que vous êtes là, nous n’avons plus à craindre les hommes velus. »

« Nous n’avons plus à craindre les hommes velus ! »

Le poster du film nous promettant une généreuse faune antédiluvienne, Untamed Women se devait d’offrir aux spectateurs son lot de dinosaures. Nos quatre militaires découvrent donc une vallée peuplée de créatures préhistoriques – autrement dit des stock shots en provenance directe de Tumak fils de la jungle. Face à ces éléphants déguisés en mammouths, ces tatous cornus, ces lézards géants et ces iguanes, l’un d’eux s’exclame : « c’est comme un zoo, mais d’il y a un million d’années. » Leur expédition est également ponctuée par l’attaque d’une plante carnivore grotesque (deux grandes feuilles qui se referment mollement sur un comédien qui fait semblant de se débattre) et par un traditionnel cataclysme final, emprunté lui aussi à Tumak. Les péripéties limitées, les dialogues simplistes, les personnages archétypaux et les moyens ultra-limités d’Untamed Women jouent évidemment en sa défaveur, d’autant qu’un certain sexisme typique des années 50 rend l’entreprise quelque peu antipathique.

 

© Gilles Penso


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LE BARON DE CRAC (1962)

Le réalisateur tchèque Karel Zeman s’empare des célèbres aventures du Baron de Munchausen pour en tirer un poème visuel délirant…

BARON PRÁSIL

 

1962 – TCHECOSLOVAQUIE

 

Réalisé par Karel Zeman

 

Avec Milos Kopecky, Jana Beejchova, Jan Werich, Rudolf Jelinek, Karel Höger, Nadesda Blazickova, Karel Effa, Josef Hlinomaz, Otto Simánek

 

THEMA CONTES

Historiquement, cette adaptation des aventures du mythique Baron de Münchhausen se situe exactement entre celle de Joseph Von Baky (1943) et celle de Terry Gilliam (1989). Et, tout naturellement, elle a subi les influences de la première, tout en servant de source d’inspiration à la seconde. Comme toujours chez Karel Zeman, le récit sert de prétexte à une accumulation de séquences fantastiques, drôles et joyeusement absurdes. Tout commence sur la lune, où le Baron de Munchausen (« Crac » dans la version française, incarné par Milos Kopecky) festoie avec Cyrano de Bergerac (Karel Höger) et Michel Ardan (Otto Simánek), le héros de Jules Verne. Là, le Baron est invité par Tonik (Rudolf Jelinek), un jeune cosmonaute, à faire un tour sur la Terre. Tonik et Crac visitent un palais à Constantinople, libèrent la jeune Princesse Bianca des griffes du sultan, prennent la fuite, sont avalés par une énorme baleine, rencontrent diverses créatures monstrueuses, participent à une bataille épique et se retrouvent finalement sur la lune.

Fidèle à ses habitudes, Zeman multiplie avec enthousiasme plusieurs modes d’expression visuelle, notamment l’incrustation des acteurs réels dans des environnements inspirés des œuvres de Gustave Doré, les maquettes, le dessin animé, les marionnettes mécaniques et les figurines animées image par image. Parmi les créatures mémorables du film, on note sept chevaux ailés qui tirent un drôle de navire dans les cieux étoilés (l’un d’entre eux ayant les allures d’un jouet en bois), un gigantesque serpent de mer qui vogue tranquillement à l’horizon en transportant dans sa gueule une pomme tentatrice, un dragon ailé qui a les allures d’une ancienne gravure, un araignée d’eau géante, un effrayant poisson volant, la baleine qui avale les héros (tour à tour figurine animée ou marionnette), un serpent qui s’échappe d’un tableau représentant Adam et Ève, un oiseau grand comme King Kong qui attaque le baron à la manière du Roc du 7e voyage de Sinbad, un cheval des mers aux pattes palmées, ou encore une sirène qui se transforme en requin. Tous ces animaux fantasmagoriques sont animés avec beaucoup de fluidité et combinés aux comédiens réels via de très habiles incrustations.

Folies surréalistes

Le Baron de Crac est donc un véritable festival de séquences délicieusement surréalistes où l’art du bricolage de Zeman et sa propension à mélanger toutes les techniques à sa disposition transportent le spectateur dans un univers inclassable, comparable à nul autre, à mi-chemin entre les prises de vues réelles, l’animation et le livre pour enfants. Les images folles abondent, comme ce cheval qui saute au-dessus d’un précipice titanesque ou cet astronaute et cet homme en armure qui s’envolent côte à côte. Bien sûr, l’un des moments clés du film est la célèbre séquence du vol du baron à cheval sur un boulet de canon. Face à la quantité astronomique de trucages du film, on comprend pourquoi il a fallu trois longues années pour le mener à bien. Le Baron de Crac permettra à Karel Zeman de remporter en 1962 la Voile d’Or du Festival International de Locarno.

 

© Gilles Penso

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RICHARD AU PAYS DES LIVRES MAGIQUES (1994)

Macaulay Culkin se transforme en personnage de dessin animé et pénètre dans un monde fantastique peuplé de créatures étranges…

THE PAGEMASTER

 

1994 – USA

 

Réalisé par Joe Johnston et Maurice Hunt

 

Avec Macaulay Culkin, Christopher Lloyd, Whoopi Goldberg, Patrick Stewart, Leonard Nimoy, Jim Cummings, Frank Welker, Ed Begley Jr., Mel Harris

 

THEMA CONTES I DRAGONS

Comment se fait-il que ce long-métrage ambitieux mêlant prises de vues réelles et dessin animé, co-réalisé par Joe Johnston (Chérie jai rétréci les gosses, Rocketeer, Jumanji) et mettant en vedette un casting de stars ultra-populaires (Macaulay Culkin, Christopher Lloyd, Whoopi Goldberg, Patrick Stewart, Leonard Nimoy, excusez du peu !) soit aujourd’hui complètement sorti des mémoires ? Pourquoi la plupart de ceux qui y ont participé l’ont-ils depuis effacé de leur filmographie ? Tout partait pourtant bien : un pitch alléchant proposé par le scénariste Charles Pogue (La Mouche, Mort à l’arrivée, Cœur de dragon), une coproduction assurée par Turner Pictures et Hanna-Barbera, une équipe artistique constituée de plusieurs transfuges de Fievel et le nouveau monde (dont le producteur David Kirchner et le compositeur James Horner), un mixage audacieux entre l’animation traditionnelle et les images de synthèse… Mais en cours de réalisation, le film semble échapper à tout contrôle. Le budget explose, les délais de fabrication se rallongent, le scénario est réécrit, la production change plusieurs fois de ligne directrice, le montage est revu sans le consentement de Johnston… bref rien ne va plus.

Finalisé par David Casci, David Kirschner et Erbier Contreras, le scénario du film s’intéresse à Richard Tyler (Macaulay Culkin), un garçon de dix ans qui a peur de tout et que ses parents envoient acheter des clous pour construire une cabane dans un arbre. Surpris par une violente tempête, il trouve refuge dans une bibliothèque municipale où Monsieur Dewey (Christopher Lloyd), un gardien excentrique, lui conseille vivement la lecture d’un livre très particulier. Malgré ses protestations, Richard se voit remettre une carte de bibliothèque et découvre à l’intérieur du bâtiment une grande rotonde sur laquelle est peinte une fresque représentant de nombreux personnages littéraires mythiques. Bientôt, ces peintures se mettent à couler et à le transporter dans un univers dessiné où trois livres anthropomorphes se joignent à lui : Aventure, Fantaisie et Épouvante…

Une page se tourne

Le thème sur lequel repose ce film, c’est-à-dire les joies de la lecture pour les enfants, est certes fascinant, mais le résultat peine à convaincre malgré de très belles idées visuelles, comme la transition entre le monde réel et le monde animé : des gouttes de peinture qui s’écoulent, forment un flot multicolore qui engloutit le jeune héros et le fait basculer dans la fantasmagorie pure. La partie centrale du film, en animation, n’a pas la finesse des longs-métrages Disney ou des productions Don Bluth dont elle s’inspire. Le rendu du relief, des ombres et des volumes se révèle souvent défaillant, malgré des jeux intéressants sur les zones de lumière. Cela dit, le gros défaut de Richard au pays des livres magiques reste sa structure évasive et la progression erratique de son intrigue, qui se résume bêtement à la recherche de la sortie de la bibliothèque. Comme enjeu dramatique, on a vu mieux. Malgré la richesse visuelle des royaumes de l’aventure, de l’épouvante et de la fantaisie et les nombreuses références aux classiques des genres convoqués (docteur Jekyll et mister Hyde, le capitaine Achab, Long John Silver, la Reine de Cœur ou encore un fort beau dragon), ce Pagemaster peine donc à passionner ses spectateurs.

 

© Gilles Penso


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