Archives des Films - Page 92 sur 375

CONTACT (1997)

Que se passerait-il si les auteurs d’un message venu de l’autre bout de la galaxie nous invitaient à construire une machine pour les rejoindre ?

CONTACT

1997 – USA

Réalisé par Robert Zemeckis

Avec Jodie Foster, Matthew McConaughey, David Morse, James Woods, John Hurt, Tom Skerritt, William Fichtner, Angela Bassett, Jake Busey, Rob Lowe, Geoffrey Blake

THEMA EXTRA-TERRESTRES

En 1979, le scientifique et astronome Carl Sagan imagine avec son épouse Ann Druyan le concept d’un film de science-fiction qui ne parviendra pas à trouver de finances, malgré l’intérêt du studio Warner. Sagan transforme alors le récit en roman qu’il publie en 1985 sous le titre « Contact ». L’idée d’en tirer un long-métrage réapparaît à la fin des années 1980. Le premier réalisateur envisagé est Roland Joffé (La Déchirure, Mission) qui tire finalement sa révérence en 1993. Le suivant sur la liste est George Miller. Le père de Mad Max choisit Jodie Foster dans le rôle principal et se lance dans un gros travail de réécriture du scénario avec Michael Goldenberg. « Pour conserver à l’écran toute la richesse du livre de Carl Sagan, il aurait fallu en faire une série télévisée de trente épisodes », nous avouait Ann Druyan. « Nous devions pourtant trouver un moyen de l’adapter sous forme de long-métrage. C’est ce que le réalisateur George Miller a entrepris de faire lorsqu’il a commencé à travailler sur le projet » (1). Warner programme la sortie du film pour noël 96, mais la pré-production n’en finit plus de s’éterniser et les délais deviennent impossibles à respecter. Le studio finit par se séparer de Miller et embauche pour le remplacer Robert Zemeckis, encore frais émoulu du succès planétaire de Forrest Gump.

Dès l’entame de Contact, Zemeckis saisit l’immensité vertigineuse de l’univers en laissant sa caméra errer pendant de longues minutes dans l’espace en continuité depuis la Terre jusqu’aux confins de notre galaxie et au-delà. Plusieurs plans-séquence de ce type ponctueront régulièrement le métrage, liant l’infiniment grand et l’infiniment petit, les mondes extérieurs et intérieurs. Le point culminant de ces exercices virtuoses est un inoubliable flash-back dans lequel l’héroïne encore enfant court au ralenti jusqu’à se transformer en reflet dans le miroir d’une armoire à pharmacie. Cette héroïne, c’est Ellie, passionnée par le ciel et l’espace depuis toujours. Devenue astronome, elle capte un jour un signal qui semble provenir de Véga. En décodant ce message, tout porte à croire qu’il s’agit d’un mode d’emploi pour la construction d’une machine… Si le film est centré sur Ellie, que campe Jodie Foster avec une conviction étonnante, partagée entre la rigueur scientifique et la sensibilité à fleur de peau, un casting de premier ordre lui donne la réplique : Matthew McConaughey en homme d’église moderne, Tom Skerritt en directeur de recherches opportuniste, James Wood en conseiller à la sécurité toujours sur la défensive, William Fichtner en astrophysicien aveugle, Angela Basset en employée de la Maison Blanche, Rob Lowe en politicien conservateur, Jake Busey en gourou religieux mystique ou encore John Hurt en millionnaire passionné. Tous incarnent à leur manière une facette différente et complémentaire de l’humanité face à ce message d’outre-espace. Ironiquement, le personnage incarné par McConaughey avance plusieurs théories de la relativité que nous verrons mises en application dans Interstellar.

Sommes-nous seuls dans l’univers ?

Lorsqu’il s’agit de montrer les répercussions de la découverte d’Ellie aux yeux du monde, le champ s’élargit. Autour des antennes du Nouveau Mexique, une sorte de nouveau Woodstock s’installe. Sauf qu’au lieu des hippies, ce sont des passionnés d’OVNI, des mystiques religieux, des tribus indiennes, des néo-nazis, des forains et des commerçants appâtés par le gain qui se bousculent. L’intégration habile du président Bill Clinton dans l’intrigue rappelle les facéties historiques auxquelles s’adonnait déjà Zemeckis dans Forrest Gump. La force du scénario de Contact réside dans son approche réaliste, crédible et tangible. Cette science-fiction qui n’y ressemble pas n’en est que plus fascinante. « Carl Sagan avait été consultant sur 2001 l’odyssée de l’espace », nous explique Ann Druyan. « C’est lui qui avait fortement conseillé à Stanley Kubrick de ne pas montrer les extra-terrestres à la fin. Chaque fois qu’un film cède à cette tentation, il devient un jour ou l’autre démodé, car les techniques d’effets spéciaux sont en perpétuelle évolution. Lorsqu’on veut décrire un extra-terrestre, on est obligé de faire appel à ses propres perceptions et à ce que l’on connaît déjà. Or, au regard de l’immensité de l’univers, nos perceptions sont très limitées » (2). Contact évite non seulement cet écueil mais en outre nous interroge sur nos propres croyances. En filigrane se dessine l’éternelle opposition entre la foi religieuse et l’esprit scientifique, tandis qu’une phrase célèbre de Sagan – décédé pendant la production du film – est répétée par plusieurs des protagonistes : « Si les humains étaient la seule forme de vie dans l’univers, ça ferait beaucoup d’espace gaspillé. »

(1) et (2) Propos recueillis par votre serviteur en septembre 1997

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ROBO VAMPIRE (1988)

À Hong-Kong, un policier cyborg affronte des trafiquants de drogue, une armée de vampires et une femme-fantôme…

ROBO VAMPIRE

1988 – HONG-KONG / USA

Réalisé par Godfrey Ho

Avec Robin Mackay, Nian Watts, Harry Myles, Joe Browne, Nick Norman, George Tripos, David Borg, Diana Byrne, Alan Drury, Tao Chiang, Arthur Garrett

THEMA VAMPIRES I ROBOTS I FANTÔMES

Le nom de la société de production hongkongaise Filmark est synonyme de petits films fauchés improbables faits de bric et de broc et recyclant souvent des images empruntées un peu partout. Face au succès international de Robocop, le producteur Tomas Tang (un pseudonyme qu’empruntent plusieurs membres de Filmark) se dit qu’il y a sans doute de l’argent à se faire avec l’histoire d’un policier robot. Par ailleurs, l’accueil très chaleureux réservé à Histoires de fantômes chinois par le grand public est une aubaine. Pourquoi ne pas ajouter dans cette histoire des éléments surnaturels ? Voilà comment naît cet objet filmique totalement inclassable dont le titre Robo Vampire et le poster détournant effrontément le visuel du classique de Paul Verhoeven laissent déjà rêveur. Le concept du film est le suivant : un patron de la pègre établi à Hong-Kong engage un moine taoïste afin de créer une armée de vampires et ainsi sécuriser son trafic de drogue. Prometteur n’est-ce pas ? Les vampires en question ont le visage peinturluré à la va vite et des mains en latex avec des ongles crochus. Les bras tendus comme le monstre de Frankenstein, ils adoptent un mode de déplacement incroyablement risible (de manière involontaire bien sûr) qui consiste à effectuer des petits bonds à pieds joints. Avides de chair humaine, ils crachent de la fumée et projettent des étincelles. Voilà donc de redoutables adversaires !

Et le policier robot dans tout ça ? Patience, il arrive. Pendant une descente contre les trafiquants de drogue, Tom Wilde, l’un des agents de la brigade des stups, est assailli par des feux d’artifices surnaturels projetés par l’un des vampires. Les médecins ont beau s’acharner sur lui avec leur joli transistor qui fait bip-bip, rien n’y fait, il est déclaré mort. Le docteur consciencieux et son infirmière se regardent gravement en secouant la tête pour bien nous faire comprendre qu’il n’y a aucun espoir. En apprenant la terrible nouvelle, un ingénieur militaire exalté annonce alors à son supérieur : « Puisque Tom est mort, j’aimerais utiliser son corps pour créer un robot de type androïde. » Au lieu de finir dans une cellule capitonnée avec une camisole de force, il voit sa requête approuvée officiellement. Notre savant bricoleur s’active donc avec des morceaux de métal, un fer à souder, un appareil électronique qui clignote et une perceuse, et voilà : le Robo Warrior est né. Dans son costume en aluminium avec un saladier argenté sur la tête, des lunettes de ski et des jambières de joueur de hockey sur glace, il est de toute beauté. Les méchants n’ont qu’à bien se tenir désormais !

Robo Toc

À partir de là, tous les délires sont permis. On apprécie notamment le « uber-vampire » que fabrique le moine taoïste en agitant ses bras dans tous les sens et en prononçant des formules magiques. Le résultat est une sorte de mort-vivant dont la tête est un masque de gorille et dont la longue chevelure brune s’agite au vent ! Ce sera lui, le plus dangereux des ennemis du Robo Warrior. La meilleure scène le concernant est cependant celle où il soupire tandis que sa bien-aimée (une femme-fantôme) l’aguiche en masquant à peine sa nudité sous un voile transparent. Constatant qu’il n’a pas assez de métrage pour tenir sur un film entier, le réalisateur Godfrey Ho récupère des séquences entières d’un film policier thaïlandais, Paa Lohgan, réalisé en 1984, et tente de les raccorder avec son histoire d’androïde et de monstres blafards. Une bonne moitié de Robo Vampire est donc constituée de scènes de fusillades, de combats au couteau, d’attaques de commando dans la jungle, de kidnapping d’agents et d’explosions diverses qui n’ont strictement rien à voir avec le reste du film mais que le montage et la post-synchronisation harmonisent du mieux qu’ils peuvent. Le résultat est bien sûr parfaitement invraisemblable et ne laissera aucun spectateur indemne. Se confronter à Robo Vampire est une expérience dangereuse pour le cerveau humain, vous êtes prévenus !

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THE BABYSITTER: KILLER QUEEN (2020)

McG donne une suite au slasher parodique qu’il avait conçu pour Netflix en basculant cette fois-ci dans le surnaturel…

THE BABYSITTER: KILLER QUEEN

2020 – USA

Réalisé par McG

Avec Judah Lewis, Emily Alyn Lind, Jenna Ortega, Robbie Amell, Andrew Bachelor, Hana Mae Lee, Bella Thorne, Samara Weaving, Ken Marino

THEMA TUEURS I DIABLE ET DÉMONS

Face à la vacuité un tantinet suffisante de The Babysitter, que McG avait écrit et réalisé pour Netflix, personne ne s’attendait à un chef d’œuvre en apprenant la mise en chantier d’une suite. Et effectivement, de ce point de vue, le réalisateur de Charlie et ses drôles de dames et Terminator Renaissance ne nous trompe pas sur la marchandise. Les ingrédients sont les mêmes. La finesse, l’intelligence et la rigueur ne sont donc pas au rendez-vous, loin s’en faut. L’intrigue se situe deux ans après les événements décrits dans le premier Babysitter. Judah Lewis reprend le rôle du jeune Cole et nous semble beaucoup plus âgé que ce que le scénario veut nous faire croire (car en réalité cinq ans séparent les tournages des deux films). En première année de lycée, il passe pour un adolescent sérieusement perturbé ayant inventé de toutes pièces cette histoire de secte satanique dirigée par son ancienne baby-sitter. Personne ne croit à son témoignage, à l’exception de sa meilleure amie Melanie (Emily Alyn Lind), une blonde pétillante avec laquelle il aimerait bien approfondir sa relation au-delà de la simple amitié. Le reste du monde, y compris ses parents, est persuadé qu’il a été victime d’une crise psychotique. Lorsque Cole accepte de fuguer avec Melanie pour festoyer au bord d’un grand lac en compagnie d’un petit groupe d’amis, la situation ne tarde pas à dégénérer. Les vieux démons sont en effet de retour…

Refusant toute nuance, McG force sans cesse le trait. Cole est donc devenu l’archétype du lycéen coincé, avec ses cheveux bien peignés, son costume en velours côtelé, sa timidité maladive et sa maladresse digne d’un Pierre Richard. Nouvelle venue dans l’aventure, la lycéenne ténébreuse Phoebe est incarnée par Jenna Ortega, future chouchou des ados gothiques (Scream 2022, X, la série Mercredi). Ici aussi, pas de demi-mesure : la jeune fille est rebelle, boudeuse, injurieuse, marginale… et tout de noir vêtue bien sûr. Quelques idées de mise en scène intéressantes surnagent, notamment les séquences de discussions entre Judah et Melanie devant l’école où tout le monde – à part eux deux – bouge au ralenti, comme si le temps se figeait. Mais l’humour de The Babysitter Killer Queen, moteur principal du film, est la plupart du temps pesant, graveleux, pour ne pas dire embarrassant. Les rebondissements eux-mêmes sont parfaitement improbables, le traitement systématique de toute l’intrigue au second degré semblant servir d’excuse à McG pour aborder son scénario et ses personnages par-dessus la jambe.

Low Faust

Comme s’ils se croyaient dans un énième Scream, le réalisateur et ses co-scénaristes (Dan Lagana, Brad Morris et Jimmy Warden) jugent bon de gorger les dialogues de clins d’œil cinématographiques, de Terminator 2 à Délivrance en passant par Star Trek, Alien, Matrix, Thelma & Louise, Pee Wee’s Big Adventure, Le Silence des agneaux, Indiana Jones, Black Panther ou Will Hunting. C’est bien sympathique mais sans grand intérêt. L’intrigue globale s’inspirant vaguement du mythe de Faust, le script n’en finit plus d’insister et d’expliquer la référence, comme si le public était trop stupide pour comprendre du premier coup. Il y a bien ça et là quelques débordements gore cartoonesques amusants, mais leur traitement majoritairement digital les prive de tout charme « à l’ancienne », loin des délires sanguinolents d’un Braindead. Les effets numériques sont d’ailleurs globalement ratés, pas beaucoup plus élaborés que ceux d’un mockbuster de The Asylum. Voilà pour le bilan, globalement peu enthousiasmant. Si l’on accepte de jouer le jeu de la simili-parodie sans queue ni tête, on peut certes passer un bon moment, mais à condition de revoir considérablement à la baisse ses exigences en termes d’horreur et de comédie.

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TOMB INVADER (2018)

Vous vouliez Angelina Jolie ou Alicia Vikander ? désolé, nous n’avons que la version low cost…

TOMB INVADER

2018 – USA

Réalisé par James Thomas

Avec Gina Victori, Andrew Katers, Samantha Bowling, Evan Weinstein, Shawn McConnell, Lindsay Sawyer, Val Victa, Jordan Williams, Kate Watson

THEMA EXOTISME FANTASTIQUE

Bien sûr, Tomb Raider est la source d’inspiration principale de cette production The Asylum qui ne cherche jamais à s’en cacher, bien au contraire. Il suffit de regarder son poster ! Mais l’influence d’Indiana Jones, et tout particulièrement des Aventuriers de l’arche perdue, est tout aussi importante, ce qui n’est pas dépourvu de sens dans la mesure où Lara Croft elle-même doit beaucoup au docteur Jones. Dès l’entame, on nous rejoue presque le prologue du classique de Spielberg au féminin (le temple truffé de pièges, la récupération in-extremis d’un artefact ancien, le protagoniste intercepté à la sortie par des sbires agressifs, son retour à la civilisation en tant que professeur d’archéologie). Le nom de l’héroïne lui-même, Alabama Channing (« Ally » pour les intimes), ressemble à une variante féminine d’Indiana Jones (dont le petit nom est « Indy » comme chacun sait). Mais comparer Tomb Invader aux Aventuriers de l’arche perdue reviendrait à mettre sur le même pied d’égalité une chanson de Jul et une symphonie de Beethoven. Il est donc prudent de ramener les choses à leurs justes proportions.

Ally Channing (Gina Victori) est donc une intrépide archéologue qui, entre deux leçons prodiguées à dix figurants jouant distraitement des étudiants, court les trésors perdus dans des jungles inhospitalières. À la sortie d’un de ses cours, la mystérieuse Isabelle Villeneuve (Lindsay Sawyer) l’intercepte et lui donne une boîte contenant le journal de bord de sa mère (morte pendant des fouilles archéologiques vingt ans plus tôt) et un téléphone portable. À l’autre bout du fil se trouve le milliardaire Tim Parker (Evan Weinstein) qui l’invite à le rejoindre en Chine pour traquer un trésor légendaire. Ally accepte à condition d’être accompagnée par deux amis : l’archéologue Helena (Samantha Bowling) et le géologue Bennie (Shawn McConnell). Le joyeux trio atterrit dans une forêt chinoise filmée en réalité dans le Griffith Park de Los Angeles et se retrouve nez à nez avec le trafiquant d’antiquités Nathan Carter (Andrew Katers). La folle aventure peut commencer. Du moins, c’est ce que le spectateur espère…

Lara Soft

Malgré quelques jolis panoramas chinois empruntés à des images de stock (notamment la fameuse armée en terre cuite de Xi’an), la « jungle » très californienne dans laquelle se déroule l’action manque singulièrement d’exotisme. Certes, la mise en forme est un peu plus soignée que la moyenne des films estampillés The Asylum et Gina Victori donne de sa personne dans le rôle principal. Mais le scénario est terriblement simpliste et absolument pas passionnant. Les dialogues sont banals, pour ne pas dire idiots, et les personnages n’ont pas une once de crédibilité (le faire-valoir comique bavard, les villageois chinois caricaturaux, le beau gosse insouciant chasseur de trésors). Les péripéties se résument bien vite à un jeu de cache-cache ennuyeux dans la forêt, ponctué de quelques bagarres de cour de récréation. Au bout d’une heure ayant largement éprouvé la patience des spectateurs, les protagonistes tournent en rond dans un décor unique de temple antique en carton-pâte et achèvent les plus patients d’entre nous. Le basculement dans le fantastique pur n’intervient que tardivement, à travers l’intervention en fin de métrage d’un guerrier en terre qui prend soudain vie et se bat contre Lara – pardon Ally – pour l’empêcher de mettre la main sur le précieux « cœur du dragon ». Dommage que cette fantasmagorie soit si furtive. Plus d’écarts de ce genre auraient sans doute amélioré cette aventure insipide et fastidieuse.

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LE TÉMOIN DU MAL (1998)

Denzel Washington incarne un policier enquêtant sur une entité maléfique capable de voyager de corps en corps…

FALLEN

1998 – USA

Réalisé par Gregory Hoblit

Avec Denzel Washington, John Goodman, Donald Sutherland, Embeth Davidtz, James Gandolfini, Elias Koteas

THEMA DIABLE ET DÉMONS

Le film policier et le fantastique ne sont pas des genres faciles à mixer, dans la mesure où l’un repose sur des bases hyperréalistes et l’autre sur l’imagination la plus débridée. C’est pourtant cet audacieux mélange que tente ici le réalisateur Gregory Hoblit, peu familier avec l’épouvante mais à l’aise dans l’univers de la police puisqu’on lui doit les premiers épisodes des séries Hill Street Blues, La Loi de Los Angeles, Flic à tout faire et New York Police Blues, ainsi que Peur primale sur le grand écran. « Mon père était agent du F.B.I. et j’ai donc grandi dans ce milieu », nous raconte Hoblit. « À mon avis les histoires policières sont d’une incomparable richesse en matière de personnages forts et de situations critiques » (1). Longtemps pressenti pour tenir le rôle principal du Témoin du mal, Arnold Schwarzenegger cède finalement le pas à Denzel Washington qui, reconnaissons-le, est bien plus crédible que ne l’aurait été l’ex-Terminator dans la peau d’un flic banal. Pour lui donner la réplique, Hoblit opte pour de solides comédiens de la trempe de Donald Sutherland, John Goodman, James Gandolfini et Elias Koteas, sans oublier Embeth Davidtz, inoubliable dans L’Armée des ténèbres et La Liste de Schindler.

Pour donner corps au Témoin du mal, le réalisateur s’appuie sur deux modèles du genre qui resteront sans doute à jamais insurpassés : Rosemary’s Baby et L’Exorciste. Ce qui l’intéresse, dans les classiques de Polanski et Friedkin, est leur capacité à faire surgir le diable dans un contexte familier et concret. Le scénario du Témoin du mal, écrit pat Nicholas Kazan (Le Mystère Von Bulow), prend donc pour héros un inspecteur de la brigade criminelle de Philadelphie, John Hobbes (Washington). Celui-ci affronte bien malgré lui une entité maléfique portant le nom d’Azazel et voyageant de corps en corps depuis que le tueur en série Edgar Reese (Elias Koteas) lui a lancé une malédiction avant son exécution. Alors que le criminel périt dans la chambre à gaz, la caméra s’élève, traverse le plafond, passe d’une pièce à l’autre (par l’entremise d’images de synthèse habiles) et annonce aux spectateurs que le Mal est désormais en liberté, prêt à se déployer partout…

Le diable aux corps

Ce sujet pour le moins original pousse Hoblit à opter pour d’intéressants choix de mise en scène. « Je souhaitais modifier la palette des couleurs au fur et à mesure du déroulement de l’histoire », nous explique-t-il. « Au début, nous avons utilisé des teintes très chaudes, des rouges, des oranges, des dorés. Puis, progressivement, nous avons employé des couleurs plus froides et plus ternes, jusqu’à tendre vers le monochromatique à la toute fin » (2). Difficile de ne pas penser à Hidden lorsqu’Azazel passe d’un hôte humain à l’autre, conditionnant leur comportement en les muant en simples marionnettes assujetties à sa volonté. La séquence la plus étonnante, en ce domaine, est celle où tous les passants d’une rue sont contaminés l’un après l’autre à toute vitesse (une scène savamment chorégraphiée par Russell Clark dans laquelle les « possédés » sont incarnés par des danseurs). Malgré une première partie pleine de promesses, Le Témoin du mal peine hélas à passionner ses spectateurs jusqu’au bout, empruntant finalement des voies connues sans parvenir à réinventer le genre. Malgré le savoir-faire de Gregory Hoblit et le charisme impeccable de Denzel Washington, les spectateurs ne répondront guère présent et le film sombrera progressivement dans l’oubli.

(1) et (2) Propos recueillis par votre serviteur en février 1998

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TRIASSIC WORLD (2018)

Les membres d’un laboratoire spécialisé dans la recherche génétique sur les dinosaures sont traqués par un spécimen en furie qui vient de s’évader…

TRIASSIC WORLD

2018 – USA

Réalisé par Dylan Vox

Avec Shellie Sterling, Hayley J. Williams, Joseph Michael Harris, Jennifer Levinson, Thomas Steven Varga, Joel Berti, Marc Gottlieb, Korbin Miles, Jermain Hollman

THEMA DINOSAURES

Fidèle à ses habitudes, la compagnie de production The Asylum s’inscrit dans les tendances cinématographiques du moment pour profiter des succès récents et anticiper ceux qui s’apprêtent à débarquer au cinéma. Après la sortie de Jurassic World et juste avant celle de sa suite Jurassic World : Fallen Kingdom, le réalisateur Dylan Vox bricole donc un petit film au titre volontairement très évocateur : Triassic World. Contrairement aux habituelles production Asylum, le film présente le mérite de s’éloigner du blockbuster qu’il imite pour bâtir une intrigue originale, ou du moins distincte de son modèle. Certes, les dialogues font allusion à des parcs d’attractions dans lesquels surviennent des incidents liés aux dinosaures, incidents qui modifient la législation sur les espèces préhistoriques. Mais c’est avant tout un clin d’œil. Rien n’empêche d’ailleurs d’imaginer que Triassic World se situe dans le même univers que les films de la saga Jurassic Park, en tout cas dans un monde où les sauriens antédiluviens sont bien vivants et divertissent le grand public. Cette fois-ci, le titre ne se réfère pas à l’époque du Jurassique mais à celle du Trias, première période du Mésozoïque ayant vu émerger sur Terre les dinosaures, il y a 250 millions d’années.

À Los Angeles, la société Triassic Corporation réalise des recherches génétiques sur des dinosaures ramenés à la vie. L’objectif est de cultiver des organes utilisables par le monde médical en cas de besoin de greffes sur des humains. L’espèce sur laquelle ils pratiquent leurs expériences s’appelle Gojirasaurus. C’est évidemment un hommage à Gojira, autrement dit Godzilla, mais ce nom n’a pas été inventé pour les besoins du film. Le Gojirasaurus est un carnassier bipède qui a réellement existé pendant le Trias, et qui fut nommé en 1997 par le paléontologue Kenneth Carpenter. Long de six mètres et pesant près de 150 kilos, c’est un prédateur redoutable que Triassic World relooke un peu pour le rapprocher morphologiquement du tyrannosaure. Pendant les prémices du film, le montage alterne la visite du centre par un riche investisseur avec la catastrophe qui est en train de se dérouler quelques étages plus bas. Car « G-32 », un spécimen femelle particulièrement virulent, vient de s’échapper et commence à semer la mort sur son passage. Or rien ni personne ne semble pouvoir l’arrêter.

Carnosaur Park

Si l’on se réfère à la qualité habituelle des films produits par The Asylum, Triassic World se situe clairement sur le dessus du panier. La mise en scène multiplie les idées visuelles intéressantes, la photographie est soignée, les acteurs jouent avec un maximum de conviction et même les effets spéciaux – une fois n’est pas coutume – tiennent la route. Bien sûr, il ne s’agit pas de rivaliser avec le bestiaire coûteux de Jurassic World, mais le dino en image de synthèse qui cavale dans les coursives en rugissant et croque à belles dents tous ceux qui passent à sa portée est tout à fait acceptable. D’autant que la production a le bon goût de solliciter une tête animatronique grandeur nature pour certains gros plans. Quelques effets gore (décapitations, morsures sanglantes) viennent en outre égayer le film, le plaçant dans la mouvance de Carnosaur qui fut le premier à combiner les dinosaures et l’horreur. Bien sûr, la mécanique du huis-clos dans lequel un monstre décime un à un tous les protagonistes évoque Alien. Et ce qui devait arriver arrive : au bout d’une trentaine de minutes plutôt bien troussées, les situations finissent par tourner en rond et l’intrigue n’évolue plus beaucoup, malgré des idées narratives censées relancer le suspense (un gaz mortel qui menace de se déverser sur les survivants, la morsure du dinosaure qui contamine ses victimes en altérant leur comportement). Il n’empêche que pour une fois, voilà un film The Asylum qui ressemble à peu près à un vrai film ! Une suite baptisée Triassic Hunt sortira en 2021.

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MAC ET MOI (1988)

**Une imitation improbable de E.T. mise en scène par le réalisateur de Philadelphia Experiment et financée par McDonald’s et Coca Cola…**

MAC AND ME

1988 – USA

Réalisé par Stewart Raffill

Avec Jade Calegory, Christine Ebersole, Jonathan Ward, Lauren Stanley, Katrina Caspary, Vinnie Torrente

THEMA EXTRA-TERRESTRE

Futur producteur de L’Expert, Soldier et Ocean’s Eleven, R.J. Louis pense flairer la bonne affaire à la fin des années 1980. Après avoir travaillé sur plusieurs campagnes publicitaires pour McDonald’s, il propose à la célèbre marque de fast food de s’impliquer dans un projet de long-métrage, en échange de plusieurs placements produits bien visibles à l’écran. La multinationale accepte, tout comme Coca Cola qui joue le jeu à son tour. Avec ces emblèmes de la malbouffe à ses côtés, le producteur n’a plus qu’à trouver un sujet de film susceptible d’attirer le grand public en salles, toutes générations confondues. Il ne lui faut pas longtemps pour penser au succès phénoménal de E.T. l’extra-terrestre, encore dans toutes les mémoires, et de décider de mettre sur pied une imitation. Réalisateur éclectique ayant signé plusieurs films familiaux et quelques sympathiques séries B de science-fiction comme Ice Pirates et Philadelphia Experiment, Stewart Raffill est aussitôt embauché. « J’ai été engagé à la dernière minute », se souvient-il. « Le producteur m’a convoqué dans son bureau. Toute son équipe était déjà là, prête à tourner. J’ai demandé à voir le scénario, ce à quoi il m’a répondu : “Nous n’avons pas de scénario. C’est à vous de l’écrire. Il va falloir s’y mettre rapidement, alors commencez à préparer le film et écrivez pendant les week-ends“ ! » (1)

On ne s’étonnera donc pas du caractère improbable du scénario de Mac et moi, co-écrit par Stewart Raffill et Steve Feke (Terreur sur la ligne, Poltergeist III). Une famille entière de la planète Lapedus est accidentellement absorbée par une sonde spatiale. En revenant sur Terre, cette sonde s’ouvre et libère quatre petits extra-terrestres devant des savants qui n’en croient pas leurs yeux. Les créatures s’échappent en empruntant les conduits d’aération et réapparaissent dans le désert. Or leur fils a disparu. Il a en effet été retrouvé par la famille Cruise. La mère, Janet (Christine Ebersole), emmène ses deux fils Michael (Jonathan Ward) et Eric (Jade Calegory) vers leur nouvelle maison. Handicapé, Eric découvre le petit alien avec lequel il se lie d’amitié et qu’il appelle Mac (acronyme de « Mysterious Alien Creature », soit créature extraterrestre mystérieuse). Par télépathie, Mac reçoit des messages de détresse de sa famille. Eric, Michael et Debbie (Lauren Stanley) vont tout faire pour l’aider à retrouver les siens, mais ils sont surveillés par des agents du gouvernement…

Mad Mac

Raffill a donc respecté scrupuleusement les consignes de son producteur : reprendre scène par scène le scénario de E.T. et y adjoindre quelques séquences musicales pop pour plaire aux adolescents. Comme si la démarche plagiaire ne suffisait pas elle-même à considérer Mac et moi avec embarras, le film montre avec tant d’insistance les logos de McDonalds et de Coca Cola qu’il finit par prendre les allures d’un spot publicitaire géant. Et que dire du look de ce bébé alien ? Cette marionnette aux allures de baudruche en plastique affublée d’yeux exorbités et d’une bouche en cul de poule est-elle vraiment censée nous faire croire à ses origines extra-terrestres ? La seule véritable originalité du film est d’avoir donné la vedette à un enfant handicapé, incarné par un jeune acteur véritablement immobilisé sur un fauteuil roulant. La démarche est intéressante, même si elle n’apporte rien d’un point de vue narratif et donne même naissance à un gag involontaire. La scène où le fauteuil dévale d’une falaise et tombe dans l’eau est en effet devenue un des moments favoris des amateurs d’humour au second degré. L’acteur Paul Rudd lui-même dégaine sans cesse cet extrait sur les plateaux télévisés où on l’invite. On note la présence très discrète d’une figurante encore inconnue dans une scène de parking anodine : Jennifer Aniston. Malgré ce que promet la fin du film (un arrêt sur image avec l’inscription du texte « Nous reviendrons ! »), aucune suite ne fut donnée à Mac et moi à cause de ses résultats décevants au box-office. Nous l’avons échappée belle !

(1) Extrait d’une interview publiée sur le site Slashfilm en juillet 2016

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ATLANTIC RIM (2013)

Pacific Rim débarque sur les grands écrans ? Vite, produisons à toute allure une copie low cost avec des robots géants et des monstres marins !

ATLANTIC RIM : WORLD’S END

2013 – USA

Réalisé par Jared Cohn

Avec Graham Greene, David Chokachi, Anthony Criss, Jackie Moore, Nicole Alexandra Shipley, Jared Cohn, Jinhi Evans, Steven Marlow, Nicole Dickson

THEMA ROBOTS I MONSTRES MARINS

Des robots géants qui affrontent des monstres à la Godzilla ? Qu’un gros film de studio ose s’attaquer à un tel sujet en mettant le paquet sur le marketing et en sollicitant un réalisateur prestigieux est une aubaine pour la petite compagnie de « cinéastes flibustiers » The Asylum. À peine le Pacific Rim de Guillermo del Toro est-il annoncé que les fantassins au service du producteur David Michael Latt s’activent pour boucler en quelques mois une imitation à tout petit budget avec comme objectif de sortir exactement en même temps que le blockbuster de Legendary Pictures, autrement dit début juillet 2013. L’exercice du plagiat monte donc d’un cran par rapport à Transmorphers ou Alien vs. Hunter. Non content de singer le titre du film qui lui sert de modèle, Atlantic Rim reprend quasiment le même scénario, du moins ce qu’on en sait à l’époque. Suite à la disparition d’une plateforme pétrolière et d’un mini-sous-marin de reconnaissance dans le golfe du Mexique, la scientifique Margaret Adams (Nicole Dickson) lance le programme Armada : des robots géants conçus pour le sauvetage en haute mer. Les trois machines – pilotées par Red (David Chokachi), Tracey (Jackie Moore) et Jim (Anthony Criss) – plongent à près de 800 mètres de profondeur et découvrent les restes mutilés de la plate-forme pétrolière… mais également un monstre gigantesque.

C’est le point de départ d’un enchaînement de combats robots contre monstres, beaucoup plus excitants sur le papier qu’à l’écran étant donnés les faibles moyens mis à la disposition du réalisateur Jared Cohn et de son équipe. Pour assurer une plus-value visuelle de poids à ce film sans trop dépenser d’argent, la production envisage de tourner un grand nombre de séquences sur la base aérienne navale de Pensacola, en Floride. Mais en découvrant le scénario, les autorités militaires refusent, désapprouvant l’image de l’armée qu’il donne (c’est déjà un miracle qu’ils soient allés jusqu’au bout de la lecture !). Le plan B est donc l’installation de l’équipe de tournage à proximité de cette base, dans un aéroport privé pour hélicoptères. Ce changement de décor – ainsi que des intempéries non prévues au programme – entraînent plusieurs réécritures du script par Richard Lima, Thunder Levin (Sharknado) et Hank Woon Jr (Age of Dinosaures).

À quoi ça Rim ?

Même si Atlantic Rim essaie de nous intéresser à ses protagonistes humains, à ce général dur à cuire qui en a vu d’autres (Graham Greene, beaucoup plus convaincant dans Danse avec les loups et La Ligne verte il faut bien l’avouer), à ces trois top guns du pilotage de robot que rien n’effraie (bagarre de rue ridicule à l’appui) et qui s’embarquent dans un triangle amoureux de soap opera ou encore à ce gradé belliqueux qui veut à tout prix lancer des missiles nucléaires (Steven Marlow, prononçant ses dialogues avec la voix de Batman en serrant les dents, un bandeau à la Nick Fury sur l’œil), le spectateur n’en a cure et veut principalement voir des robots qui castagnent des monstres. Sauf que le budget ne permet pas des merveilles, on s’en doute. Certes, les trois grandes machines guerrières sont assez réussies, nous offrant même quelques séquences iconiques du plus bel effet comme le surgissement de l’une d’entre elles sur une plage au milieu des baigneurs. Les monstres, en revanche, ne sont guère gâtés par la nature. Ni leur design de dinosaures/dragons aux yeux globuleux et aux pattes de tritons, ni leur texture d’image de synthèse bas de gamme, ni leur animation évasive ne réussissent à nous convaincre une seule seconde. Voilà qui amenuise considérablement l’impact des scènes de combat, notamment cet affrontement final dans les rues de New York où une bébête géante qui se prend pour Le Monstre des temps perdus cherche des noises aux trois méga-robots volants qui le cognent avec une épée et un marteau géant. En 2018, en prévision de Pacific Rim : Uprising, Jared Cohn récidivera avec Atlantic Rim : Résurrection.

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LE PIC DE DANTE (1997)

Pierce Brosnan et Linda Hamilton affrontent la furie d’un volcan en éruption dans une petite ville américaine réduite en cendres…

DANTE’S PEAK

1997 – USA

Réalisé par Roger Donaldson

Avec Pierce Brosnan, Linda Hamilton, Charles Hallahan, Grant Heslov, Elisabeth Hoffman, Jamie Renée Smith, Jeremy Foley

THEMA CATASTROPHES

Après avoir écrit Daylight, le scénariste Leslie Boehm poursuit dans la veine du film catastrophe avec Le Pic de Dante, un récit de volcan dévastateur produit par Gale Anne Hurd. Cette dernière, complice de longue date de James Cameron, fait appel à une actrice qu’elle connaît bien pour tenir le haut de l’affiche : Linda Hamilton. Le partenaire masculin qui donnera la réplique à l’ex-Sarah Connor du diptyque Terminator est alors au sommet de sa gloire puisqu’il s’agit de Pierce Brosnan, qui vient tout juste d’enfiler le smoking de l’agent 007 dans Goldeneye. Toutes les conditions semblent réunies pour attirer le grand public dans les salles de cinéma. Ironiquement, le personnage de volcanologue qu’incarne ici Brosnan s’appelle Harry Dalton, portant donc le même nom de famille que l’acteur auquel il succéda dans le rôle de James Bond. Le Pic de Dante commence par une scène de trauma classique. Alors qu’il tente d’échapper à une éruption en Colombie, Dalton perd son épouse, frappée par un débris projeté sur le toit de leur véhicule. Quatre ans plus tard, il part enquêter sur l’activité sismique de la petite ville (imaginaire) de Dante’s Peak, dans l’état de Washington. Là, il fait la connaissance de Rachel Wando (Linda Hamilton), maire de la ville, à qui il fait bientôt les yeux doux. Mais l’heure n’est pas tout de suite à la romance, car le volcan endormi qui surplombe la tranquille bourgade est sur le point de se réveiller…

Les enjeux politiques et touristiques de la petite ville, mis en opposition à l’alerte d’une catastrophe imminente que beaucoup voudraient étouffer en jouant les autruches, évoquent bien sûr Les Dents de la mer. Il ne faut effrayer ni les habitants, ni les visiteurs, ni les investisseurs, même si la montagne gronde. Soignée, solide et efficace, la mise en scène du Pic de Dante démontre l’expérience et le métier de Roger Donaldson, à qui nous devons entre autres Le Bounty, Sens unique, Cocktail, Cadillac Man, Sables mortels, le remake de Guet-apens et La Mutante. Même dans les moments les plus anecdotiques, sa caméra sait être virtuose, accompagner avec élégance les humains et les véhicules tout en les inscrivant dans des décors naturels souvent très photogéniques. À l’unisson, la bande originale de James Newton Howard et John Frizzell (l’un composant le thème principal, l’autre les morceaux additionnels) accompagne efficacement les pérégrinations de nos héros et de la petite équipe de vulcanologues venus tâter le terrain…

La colère de la montagne

Mais le rythme est défaillant, le film s’attardant plus que de raison sur les petites chamailleries entre les scientifiques et sur l’idylle naissante entre Harry et Rachel, alors que le public réclame ce qu’on lui a promis : de l’action, du suspense et une catastrophe digne de ce nom. « Cette montagne est une bombe à retardement » ne cesse pourtant de nous annoncer Dalton. Les choses commencent enfin à s’agiter à mi-parcours du métrage, à grand renfort d’effets mécaniques, pyrotechniques, miniatures et numériques. Le cataclysme prend de l’ampleur et Donaldson le filme avec naturalisme. Mais bientôt s’invitent les séquences de suspense absurdes évacuant peu à peu tout réalisme (le gamin de 8 ans qui conduit le 4×4 de sa mère pour secourir sa grand-mère, la voiture des héros qui roule sous l’eau et saute au-dessus des arbres puis slalome dans la lave), coupant court à toute suspension d’incrédulité. Sans oublier l’inévitable séquence du chien qu’il faut sauver. « Soyons clair : c’est un film qui repose sur des faits authentiques, mais en réalité, face à un tel volcan, aucun des personnages n’aurait pu survivre », nous confesse le réalisateur. « Le héros, les enfants, le chien… Tous auraient péri ! Mais ce film n’est pas une réalité, ni un documentaire : c’est un divertissement. Et le spectateur qui sort de la salle a le sentiment de faire partie lui aussi des survivants. » (1) Il a aussi un peu le sentiment, avouons-le, qu’on l’a pris pour un imbécile. Le succès du Pic de Dante sera d’ailleurs tout relatif, les critiques lui réservant un accueil bien peu chaleureux.

(1) Propos recueillis par votre serviteur en mars 1997

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TITANIC 2 (2010)

Cette improbable suite/remake du blockbuster de James Cameron déverse sur un nouveau paquebot un tsunami gigantesque…

TITANIC II

2010 – USA

Réalisé par Shane Van Dyke

Avec Marie Westbrook, Shane Van Dyke, Bruce Davison, Michelle Glavan, D.C. Douglas, Brooke Burns, Josh Roman, Carey Van Dyke, Dylan Vox, Wittly Jourdan

THEMA CATASTROPHES

Shane Van Dyke est un acteur de séries B anecdotiques (Shark Swarm, Transmorphers : Robot Invasion) devenu scénariste et réalisateur d’autres séries B tout autant anecdotiques (Paranormal Entity, 6 Guns). Son père Barry Van Dyke est un vétéran de la télévision américaine (Galactica 1980, Supercopter, Diagnostic : Meurtre) et son grand-père Dick Van Dyke une star des années 1960 (c’était le héros de Mary Poppins et Chitty Chitty Bang Bang mais aussi de sa propre série The Dick Van Dyke Show). Le talent semble donc avoir cruellement décru de génération en génération. Toujours est-il que Van Dyke Junior se lance ici dans une entreprise impensable : une suite/remake du chef d’œuvre de James Cameron réalisée avec un budget anémique ! C’est encore un coup de la société de production The Asylum, qui ne recule devant rien pour surfer sur les grands succès hollywoodiens. Le concept du film est plutôt malin : un siècle après le fameux naufrage, autrement dit le 10 avril 2012, un nouveau paquebot de luxe baptisé le Titanic II entame le même voyage inaugural que son prédécesseur en empruntant la même route que lui mais en sens inverse, donc de New York à Southampton. Bien sûr, la croisière ne va pas tarder à tourner à la catastrophe.

La production profite de la mise à sa disposition du fameux Queen Mary, amarré en permanence comme navire-hôtel et comme attraction touristique dans le port de Long Beach, en Californie. Ce navire présente beaucoup de ressemblances avec le Titanic – à une cheminée près – et sert donc de « doublure » au célèbre bâtiment pour plusieurs séquences du film. Le vieux navire britannique n’en est pas à son premier tournage, puisqu’il accueillit les équipes de L’Aventure du Poséidon et de S.O.S. Titanic. Avec un tel décor à sa portée, Shane Van Dyke bénéficie d’une précieuse plus-value visuelle. L’autre atout du film est une brochette d’acteurs solides qui s’efforcent de jouer avec un maximum de conviction, notamment Bruce Davison dont les fantasticophiles se souviennent surtout grâce à Willard. Finalement, le comédien le moins crédible est Van Dyke lui-même, dans le rôle du playboy qui a conçu le bateau, qui se promène avec une grappe de bimbos en robe de soirée à ses bras et déclame ses répliques romantiques comme on commenterait un match de foot. Les intrigues de soap opera s’invitent en effet à bord, soulignées par une bande originale sirupeuse qui tente maladroitement d’imiter celle de James Horner. L’acteur/réalisateur se souvient sans doute qu’il apparut en début de carrière dans un épisode d’Amour, gloire et beauté.

L’histoire se répète

Mais nous ne sommes pas là pour lambiner. Un glacier vient en effet de s’effondrer au Groenland, déclenchant un gigantesque tsunami qui déferle à mille kilomètres à l’heure en direction de l’Atlantique et s’apprête à pulvériser le Titanic II. Lorsque les effets spéciaux s’y mettent, rien ne va plus. Les incrustations sont hasardeuses, le navire en images de synthèse n’est pas du tout convaincant, les fissures dans la glace ressemblent aux effets comiques d’un cartoon de Tex Avery et les différents crashs d’avions et d’hélicoptères sont désespérément ratés. On est presque touché de voir à quel point Titanic II s’efforce d’imiter Titanic avec application malgré les minuscules moyens à sa disposition, tirant parti comme il peut de son décor, de sa poignée de figurants et de ses trucages sommaires. Tout y est : le départ du navire en fanfare, le naufrage, le parcours du combattant du couple vedette dans les coursives, le final déchirant dans les eaux glacées… Jusqu’à la chanson romantique du générique de fin ! Distribué un temps sous le titre de Titanic : Odyssée 2012, ce « mockbuster » (imitation cheap d’un blockbuster) n’a rien de foncièrement mémorable mais se laisse regarder sans ennui. Une suite au caractère ouvertement surnaturel lui sera donnée en 2022 sous le titre Titanic 666.

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