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POLTERGAY (2006)

Clovis Cornillac et Julie Depardieu incarnent un couple dont la maison est hantée par les fantômes des habitués d’une ancienne boîte de nuit gay…

POLTERGAY

2006 – FRANCE

Réalisé par Eric Lavaine

Avec Clovis Cornillac, Julie Depardieu, Michel Duchaussoy, Lionel Abelanski, Philippe Duquesne, Jean-Michel Lahmi

Poltergay est le premier long-métrage d’Eric Lavaine, jusqu’alors spécialisé dans la production de films publicitaires et l’écriture de sketches humoristiques pour la télévision (Le Bébête Show, Nulle part ailleurs, Les Guignols, H). « L’idée de départ vient d’Hector Cabello Reyes, qui m’a dit un jour : “j’ai pensé à un court-métrage qui s’appellerait Poltergay et qui raconterait l’histoire d’une maison hantée par des fantômes homosexuels“ », se souvient-il. « Le concept et le jeu de mot étaient tellement drôles qu’il y avait à mon avis matière à écrire un scénario de long. Nous nous y sommes donc mis, et il nous a quand même fallu deux ans pour arriver à la mouture définitive » (1). Après avoir envisagé dans un premier temps donner la vedette à Stéfano Accorsi et Marion Cotillard, Lavaine dut changer son fusil d’épaule, le premier n’étant pas assez populaire aux yeux des investisseurs et la seconde pas disponible. Ce sont finalement Clovis Cornillac et Julie Depardieu qui tiennent le haut de l’affiche dans le rôle de Marc et Emma.

Nouveaux propriétaires d’une maison inhabitée depuis trente ans, nos tourtereaux ignorent que la cave a jadis abrité une boîte de nuit gay. Or le 29 avril 1979 à deux heures du matin, en pleine fête disco, un incident électrique survenu dans la machine à mousse provoqua une explosion qui ravagea les lieux et tua sur le coup tous les danseurs. Mais cinq corps ne furent jamais retrouvés, et aujourd’hui, ces cinq fantômes fêtards et exubérants viennent hanter les lieux. Il se trouve que seul Marc semble capable de les voir et de les entendre… Certes, le titre et le concept de Poltergay font mouche immédiatement, mais le film allait-il parvenir à exploiter cette excellente idée jusqu’au bout sans ressembler à un sketch anecdotique artificiellement étiré ? Au début, rien n’est moins sûr. L’humour s’avère en effet lourdaud, et la narration elliptique caviardée de fondus au noir est empreinte de maladresses. Fort heureusement, Eric Lavaine finit par trouver sa vitesse de croisière en cours de route.

Le cauchemar du macho

Il faut dire que Cornillac prend son rôle à bras le corps et sait le rendre bien souvent hilarant. « J’adore changer de style de comédie », avoue-t-il. « L’humour de Poltergay n’est pas le même que celui de Brice de Nice ou d’Astérix aux jeux olympiques, par exemple. Ça ne m’amuserait pas de rester en permanence dans le même registre » (2). Ici, on sent une vraie jubilation dans l’incarnation du macho pur et dur découvrant avec horreur que le seul moyen de se débarrasser de ces apparitions spectrales qui mettent en péril son couple consiste à avoir une expérience homosexuelle ! D’où une irrésistible séquence au cours de laquelle il s’oblige à fréquenter un bar homo et à se laisser séduire par un homme. Les fantômes eux-mêmes échappent peu à peu à l’archétype efféminé au look seventies – extrêmement caricatural en début de métrage – pour révéler de vraies personnalités et même émouvoir le spectateur en de furtifs instants. Autre trouvaille : le parapsychologue amateur de fast-food qu’incarne avec une délectation communicative Michel Duchaussoy. Tout ça ne vole pas très haut, certes, mais Poltergay regorge d’idées et de rebondissements qui rendent son visionnage franchement divertissant.

(1) Propos recueillis par votre serviteur en février 2006

(2) Propos recueillis par votre serviteur en juin 2007

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L’ARCHE DE MONSIEUR SERVADAC (1969)

Le cinéaste magicien Karel Zeman adapte librement Jules Verne et transporte ses héros sur une comète où règnent des dinosaures…

NA KOMETA

1969 – TCHECOSLOVAQUIE

Réalisé par Karel Zeman

Avec Emil Horvath Junior, Magda Casarykova, Frantisek Filipovski, Josef Vetrovec, Cestmir Randa, Jirina Jirakowa

THEMA DINOSAURES I EXOTISME FANTASTIQUE

L’Arche de Monsieur Servadac marque la fin d’une période pour le réalisateurKarel Zeman. C’est en effet sa dernière histoire tirée d’un roman de Jules Verne (en l’occurrence « Hector Servadac » publié en 1877), et son dernier long-métrage avec des comédiens en chair et en os. Toujours féru de satire sociale et de fantaisie débridée, le cinéaste tchèque situe son film en 1888. Suite à un séisme survenu en Méditerranée occidentale, un morceau de la Terre se détache et s’envole. Cette nouvelle comète entraîne avec elle la garnison française d’une ville d’Afrique du Nord, des nomades arabes, des trafiquants d’armes, une jeune fille kidnappée à l’intention de l’émir, des commerçants, des navigateurs, un trio d’amoureux, le rocher de Gibraltar et ses tenaces Britanniques… Un tel point de départ est évidemment un terrain propice aux effets spéciaux magiques de Zeman qui, fidèle à son habitude, se plaît à marier les techniques.

L’animation image par image est mise à contribution pour une séquence totalement absurde dans laquelle, venue de nulle part, une horde de dinosaures surgit du désert et s’approche du fort où sont réfugiés les militaires. La séquence a sans doute nécessité un travail intensif, car plusieurs dizaines de sauriens traversent l’écran en même temps. Se libérant des contraintes pédagogiques et paléontologiques de son Voyage dans la préhistoire, Karel Zeman se permet bon nombre de libertés sur la morphologie de ses dinosaures, qui manquent singulièrement de réalisme. Mais la scène en question est la plus impressionnante du film, d’autant que le mélange des dinosaures avec les acteurs est impeccable, malgré des proportions parfois un peu évasives. Constatant que les coups de feu n’effraient aucunement les monstres, les militaires se rendent compte que le bruit de la chute de plusieurs casseroles provoque chez eux une réaction de fuite. Voici donc tous nos héros qui jettent littéralement leurs canons, mettent en place un système de rampes à casseroles et parviennent à faire fuir les gigantesques sauriens en provoquant un vacarme épouvantable.

Darwin en folie

Une autre scène évoque beaucoup Voyage dans la préhistoire dans la mesure où le héros, passant en bateau devant une île, aperçoit des reptiles antédiluviens et s’extasie devant les forêts du Carbonifère. Mais là aussi, Karel Zeman ne s’embarrasse plus de rigueur scientifique. Et le cinéaste d’enchaîner sur une séquence burlesque dans laquelle, pour symboliser l’évolution des espèces, il montre un poisson sur pattes qui avance de manière un peu ridicule. Son corps se recouvre de poils, sa mâchoire de crocs, une queue touffue lui pousse, et il se transforme en sanglier bipède, ce qui ouvre l’appétit du cuisinier du bateau précédemment cité. Il faut l’avouer, L’Arche de Monsieur Servadac est moins inventif que des films tels que L’Invention diabolique ou Le Baron de Crac, d’autant que son humour et ses longs dialogues tombent souvent à plat, et que son dénouement use le bon vieux cliché « tout ça n’était qu’un rêve ! ». Mais grâce aux touches de magie dont il s’est fait une spécialité, Karel Zeman parvient tout de même à en faire une œuvre unique et rafraîchissante.

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Bonus +

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SACRÉ GRAAL (1975)

Les Monty Pythons se lancent dans leur premier long-métrage de fiction, une épopée médiévale fantaisiste et délirante…

MONTY PYTHON AND THE HOLY GRAIL

1975 – GB

Réalisé par Terry Gilliam et Terry Jones

Avec Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Gilliam, Terry Jones, Michael Palin, Connie Booth, Carol Cleveland, Neil Innes, Ben Duffell, John Young

THEMA HEROIC FANTASY I DIEU, LES ANGES, LA BIBLE I SORCELLERIE ET MAGIE

Entre la troisième et la quatrième saison de leur show télévisé Monty Python’s Flying Circus, les six trublions qui surent dynamiter la télévision britannique avec leur humour « nonsensique » et leur grain de folie inimitable décident de se lancer dans l’écriture d’un long-métrage. Un premier film leur avait certes déjà été consacré, sous le titre And Now for Something Completely Different (« traduit » en France par La Première folie des Monty Pythons), mais il s’agissait alors d’une compilation de sketches issus des deux premières saisons de leur émission. Cette fois-ci, le groupe vise la fiction. Leur idée : raconter la quête du roi Arthur et des Chevaliers de la Table Ronde sous un angle burlesque et parodique. Le défi est de taille, d’autant que le budget à leur disposition est très limité (moins de 300 000 livres) et que le duo Terry Gilliam et Terry Jones n’a encore réalisé aucun film. Ce sera donc une expérience d’apprentissage pur s’appuyant sur le même sens comique que celui du Flying Circus : des saynètes isolées reliées l’une à l’autre de manière évasive, des interludes en animation conçus par Gilliam et des digressions joyeusement absurdes. Comme toujours, les Monty Pythons jouent chacun de nombreux rôles, tout comme la majorité des acteurs du film, dont le tournage se déroule majoritairement sur des sites naturels captés en Ecosse.

Dès le générique de début, le délire bat son plein, avec des sous-titres suédois incompréhensibles et des mentions qui n’ont aucun sens. Puis apparaît le roi Arthur (Graham Chapman), trottinant à pied tandis que son écuyer Patsy (Terry Gilliam) imite le bruit des sabots d’un cheval avec deux morceaux de noix de coco. Les Pythons ne nous trompent donc pas sur la marchandise et annoncent très vite la couleur. Ces deux personnages décalés – qui se prennent très au sérieux, ce qui renforce évidement le comique de la situation – parcourent la Grande-Bretagne à la recherche d’hommes pour rejoindre les Chevaliers de la Table Ronde. Bientôt, Sir Bedevere le sage (Terry Jones), Sir Lancelot le brave (John Cleese), Sir Galahad le pur (Michael Palin) et Sir Robin le pas très brave (Eric Idle) se joignent à lui, accompagnés de leurs écuyers et de quelques ménestrels adeptes de chansons embarrassantes. Dieu leur apparaît alors, écartant les nuages pour leur ordonner de partir à la recherche du Saint Graal.

Sacrés gags

Le moyen-âge boueux et misérable décrit dans Sacré Graal s’inspire en partie des films de Pasolini. Cette influence sera réutilisée par Terry Gilliam dans Jabberwocky, qui sent lui aussi la saleté, la misère et la pestilence. Les gags du film partent dans tous les sens et nous ravissent par leur liberté totale. Parfois, ce sont des dialogues délirants à rallonge (le débat autour du poids des alouettes, le paysan syndicalo-anarchiste qui milite pour un gouvernement équitable, la discussion pour déterminer si une femme est une sorcière ou non). D’autres fois, ce sont des effets purement cartoonesques (le parachutage des vaches et des moutons, le chevalier géant à trois têtes). Sans compter les écarts sanglants (le chevalier noir découpé en morceaux qui continue à se battre), les numéros musicaux (la chanson de Camelot, la ritournelle de Robin), les séquences en animation découpée (Dieu qui s’adresse aux chevaliers, la « bête noire » dans la caverne), les intermèdes anachroniques (la mort de l’historien « célèbre » et les gendarmes qui enquêtent) ou les gags qui n’ont absolument aucun sens (les chevaliers qui disent « Ni »). Sacré Graal ne se fixe donc ni règle, ni limite, surprenant sans cesse ses spectateurs qui se demandent bien où ce délire va les mener. Pour un coup d’essai c’est un coup de maître. Il n’était pourtant pas simple d’adapter au format d’un long-métrage l’humour si particulier des Monty Pythons, fait de situations absurdes, de ruptures inattendues, de décalage permanent et de « cadavres exquis » surréalistes. Le groupe enchaînera avec La Vie de Brian et Le Sens de la vie avant que Terry Gilliam se lance avec succès dans une carrière solo – sans jamais complètement oublier l’esprit « Python » de ses débuts.

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LE CHÂTEAU DES MORTS-VIVANTS (1964)

Christopher Lee incarne un comte sinistre obsédé à l’idée de pratiquer sa passion de la taxidermie sur des spécimens humains…

IL CASTELLO DEI MORTI VIVI

1964 – ITALIE

Réalisé par Luciano Ricci et Lorenzo Sabatini

Avec Christopher Lee, Gaia Germani, Philippe Leroy, Mirko Valentin, Donald Sutherland, Renato Terra, Antonio de Martino

THEMA SUPER-VILAINS

Produit avec des capitaux franco-italiens par Paul Maslansky, le futur initiateur de la saga Police Academy, Le Château des morts-vivants porte un titre mensonger, car aucun cadavre ambulant n’y traîne la patte, ce qui ne l’empêche pas de multiplier les attraits aux yeux des fantasticophiles. Nous sommes dans l’Europe du début du 19^ème siècle, au lendemain des guerres napoléoniennes. Une troupe d’artistes ambulants est invitée par le comte Drago (Christopher Lee) pour venir donner un spectacle privé. Dans le vaste château de leur hôte, les saltimbanques découvrent une multitude d’animaux empaillés. Le teint livide, les yeux cernés, le menton grignoté par un petit bouc, Drago leur fait part de sa passion pour la taxidermie : « ce que je cherche, c’est la suspension de la vie, le figeage de l’éternité ». L’aristocrate a en effet découvert une substance naturelle qui, lorsqu’elle est ingérée par un animal ou injecté sous son épiderme, le pétrifie totalement. Les artistes découvrent hélas que ces expériences d’embaumement ne se limitent pas aux animaux, Drago s’érigeant alors en psychopathe illuminé, sorte de variante taxidermiste de L’Homme au masque de cire.

Aux côtés de Christopher Lee et du couple vedette saupoudrant l’intrigue d’un soupçon de romance (le français Philippe Leroy-Beaulieu et l’italienne Gaia Germani), plusieurs personnages singuliers ponctuent le film de leur insolite présence, notamment Mirko Valentin sous la défroque d’un assistant disgracieux et ricanant et surtout un tout jeune Donald Sutherland dans un double rôle étonnant : un sergent pleutre et incompétent ainsi qu’une vieille femme excentrique aux allures de sorcière ! Le film bénéficie d’extraordinaires décors naturels à l’indéniable photogénie, notamment le château de Bracciano (qui accueillit également les tournages de Maciste en enfer et Chair pour Frankenstein) et le jardin de Bomarzo, hérissé de gigantesques statues aux allures d’animaux fantasques et de démons grimaçants.

Visions gothiques

Ces lieux sont magnifiés par les éclairages du chef opérateur Aldo Tonti, qui œuvra sous la direction de grands maestros tels que Rosselini, Visconti ou Fellini. L’ombre du gibet de théâtre qui se projette sinistrement sur les murs du château, l’ancienne bien-aimée du comte pétrifiée dans un lit abandonné aux toiles d’araignées, la silhouette monstrueuse de Hans massacrant un malheureux à coups de faux font partie des visions d’épouvante marquante ponctuant régulièrement ce long-métrage étonnant. Certes, la quête minutieuse d’une atmosphère horrifique cède largement le pas à la rigueur du scénario, comme souvent dans le cas des films gothiques produits en Italie dans les années 60, mais Le Château des morts-vivants s’en tire avec les honneurs, malgré une paternité difficile à déterminer précisément. Au générique, la réalisation est en effet signée Herbert Wise et Warren Kiefer (pseudonymes respectifs de Luciano Ricci et Lorenzo Sabatini), mais il semblerait que le scénariste Michael Reeves (futur réalisateur de La Créature invisible et du Grand inquisiteur) soit venu prêter main-forte au duo pour peaufiner cette œuvrette finalement très recommandable.

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LES TUEURS DE LA LUNE DE MIEL (1969)

Ce « slasher » atypique détourne les codes du film documentaire pour conter la croisade bien réelle d’un couple d’assassins sanguinaires…

THE HONEYMOON KILLERS

1969 – USA

Réalisé par Leonard Kastle

Avec Shirley Stoler, Tony Lo Bianco, Mary Jane Higby, Doris Roberts, Kip McArdle, Marilyn Chris

THEMA TUEURS

Inspiré de l’histoire vraie de Martha Beck et Ray Fernandez, un couple se rencontra par l’intermédiaire d’un courrier de « cœurs solitaires » et qui se rendit responsables de la mort violente de trois femmes et d’une petite fille, ce film rompt avec tous les principes connus du psycho-killer, lesquels furent édictés neuf ans plus tôt par le magistral Psychose d’Alfred Hitchcock. Avec son image noir et blanc très brute, ses cadrages un peu tremblotants, son éclairage entièrement naturel (même en intérieur où les sources de lumière ont tendance à surexposer la pellicule), ses mises au point parfois approximatives, Les Tueurs de la lune de miel a des atours de film documentaire, un caractère pris sur le vif qui renforce son atmosphère plus que malsaine, et qui rend les scènes de violence verbales ou physiques presque insoutenables. Le texte du prologue joue d’ailleurs la carte de la véracité, précisant notamment que « les faits monstrueux décrits ici sont basés sur des reportages et des comptes rendus d’audience ».

Le malaise est d’autant plus grand pour le spectateur qu’il ne peut s’identifier à aucun des personnages du drame, car pas un seul n’inspire la sympathie ou ne suscite l’attachement. Les comédiens y sont pour beaucoup. Très convaincants, ils apportent au film une crédibilité précieuse, et enrichissent leurs personnages de complexité et d’ambiguïtés. Ainsi, il nous est difficile de savoir si Ray, avec ses allures de gigolo latino sur le retour qui n’hésite pas à esquisser quelques pas de rumba pour séduire Martha, s’est vraiment amouraché de cette femme boulimique, possessive, jalouse, autoritaire et presque obèse. Ses intentions nous échappent quelque peu tout au long du film. Mais il est indiscutable que cette histoire vraie d’horreur est aussi une histoire d’amour, glauque, sordide, très noire, certes, mais une histoire d’amour tout de même, qui s’affirme ouvertement comme telle au moment d’un dénouement étrangement émouvant.

Les histoires d’amour finissent mal…

En attendant que cette fin ne vienne libérer le spectateur, le film baigne dans une angoisse sourde qui croît lentement et qui fait basculer d’un coup le fait divers dans l’horreur crue très réaliste et donc difficilement supportable. C’est notamment vrai au cours des séquences de meurtres dont l’atrocité est accentuée par le fait qu’ils sont filmés par une caméra neutre ne s’impliquant volontairement pas dans l’action. Au titre des réserves, on peut regretter un usage un peu maladroit des extraits musicaux de Gustav Mahler. Judicieusement pathétiques mais quelque peu grandiloquents, ils ne s’accordent pas toujours avec la sobriété visuelle du film, d’autant qu’ils ne durent souvent que quelques secondes, s’éteignant alors qu’ils commençaient à peine leurs complaintes déchirantes. Ces maladresses étonnent d’autant plus de la part d’un réalisateur qui fut d’abord compositeur, et dont Les Tueurs de la lune de miel constitua une expérience unique, puisqu’il fut son premier et unique film. Cette œuvre d’exception fut interdite dans de nombreux pays au moment de sa sortie, notamment en Australie où elle resta invisible pendant une bonne quinzaine d’années.

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LES DÉCIMALES DU FUTUR (1973)

Un film de science-fiction inclassable et psychédélique dans lequel une technologie futuriste est sollicitée pour créer un nouveau messie…

THE FINAL PROGRAMME

1973 – GB

Réalisé par Robert Fuest

Avec Jon Finch, Jenny Runacre, Hugh Griffith, Patrick Magee, Sterling Hayden, Harry Andrews, Julie Ege, Graham Crowden

THEMA MÉDECINE EN FOLIE I FUTUR

Robert Fuest restera dans les mémoires comme l’homme qui réalisa L’Abominable docteur Phibes et sa séquelle. Mais juste après les exploits du grandiloquent super-vilain incarné par Vincent Price, Fuest décida de mettre son exubérance au service d’un autre film fou, empruntant cette fois-ci les voies d’une science-fiction atypique. D’où cet inclassable Les Décimales du futur, inspiré d’un roman de Michael Morcook, sur lequel Fuest assura également le rôle de directeur artistique. Lorsque le récit commence, l’éminent biophysicien Alexandre Cornélius vient de mourir en Laponie, où il vivait depuis neuf ans. Ses recherches en cinétique avancée ayant été laissées en plan, le monde tourne désormais ses yeux vers Jerry (John Finch), son fils aîné, lauréat du prix Nobel. Ce dernier, un dandy oisif et dilettante, commence par traîner sa silhouette dégingandée chez un ami major excentrique (Sterling Hayden) dans le but de récupérer un jet, puis se renseigne sur l’achat éventuel d’une certaine quantité de napalm.

Nous voici donc dans un univers absurde proche de l’atmosphère décalée de Chapeau melon et bottes de cuir, impression renforcée par les décors proprement hallucinants qui s’étalent tout au long du film : salle de jeu en forme de flipper géant, grand hall de la maison Cornélius équipé d’un échiquier mural, restaurant au milieu duquel trône un ring dédié aux combats de catch dans la boue… La mode vestimentaire, quant à elle, n’a rien à envier à celle d’Orange mécanique, les deux films se déroulant dans le même type de futur indéterminé. Ici, les personnages s’affrontent avec des pistolets-seringues translucides, tandis que certains prophètes annoncent une fin du monde imminente. Un cynisme permanent s’exhale notamment via les dialogues, comme lorsqu’une infirmière explique à notre héros : « il est plus facile de diriger un hôpital quand tous les patients dorment », ce à quoi Cornélius rétorque : « ça serait aussi la meilleure façon de diriger le monde. »

« L’être humain parfait »

A vrai dire, l’intrigue des Décimales du futur s’avère rapidement confuse, tout le monde courant après un microfilm qui appartenait au père Cornélius. Pour qui n’est pas familier avec le roman initial, l’ensemble manque sérieusement de clarté et de cohérence. Et tout s’achève face au gigantesque ordinateur DUEL, alimenté par les cerveaux les plus brillants d’Europe. Cette machine possède ainsi la somme de toutes les connaissances humaines. Le but de l’opération est de la mettre à contribution pour créer un être humain parfait, hermaphrodite, auto-fertilisant, auto-régénérateur et immortel. En ces temps troublés, un tel être serait accueilli comme rien moins que le nouveau messie. Et pour lui donner naissance, il suffit de placer dans un grand incubateur solaire un homme et une femme triés sur le volet. Or le choix s’est porté sur Jerry Cornélius et la sémillante Miss Bruner (Jenny Runacre). Film OVNI échappant aux classifications, Les Décimales du futur s’apprécie surtout comme un témoignage du cinéma british le plus déjanté qu’aient pu engendrer les seventies psychédéliques. Au détour du casting, on retrouve avec plaisir cette bonne trogne de Patrick Magee, dans son rôle favori de vieil excentrique misanthrope.

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LES QUATRE CRÂNES DE JONATHAN DRAKE (1959)

Une malédiction ancestrale, des décapitations, des crânes flottants, des têtes réduites et un Indien à la bouche cousue hantent ce film déroutant…

THE FOUR SKULLS OF JONATHAN DRAKE

1959 – USA

Réalisé par Edward L. Cahn

Avec Edward Franz, Valerie French, Grant Richards, Henry Daniell, Paul Wexler, Paul Cavanagh, Lumsden Hare

THEMA SORCELLERIE ET MAGIE

Incroyablement prolifique dans les années cinquante et soixante, Edward L. Cahn s’est principalement illustré dans le western et la science-fiction à petit budget. Quelques nanars d’anthologie parsèment sa filmographie, notamment The She Creature avec sa femme-poisson à la morphologie improbable, ou Invasion extraterrestre et ses mémorables extra-terrestres à tête de choux. Mais de temps en temps – hasard heureux ou inspiration soudaine ? – Cahn sort miraculeusement du lot, en particulier avec La Fusée de l’épouvante, souvent considéré comme l’une des sources d’inspiration principales d’Alien, Invisible Invaders, qui semble annoncer La Nuit des morts-vivants avec presque dix ans d’avance, ou encore ces Quatre crânes de Jonathan Drake qui savent distiller une épouvante très originale. Le Jonathan Drake du titre, incarné par Eduard Franz, est un professeur d’université spécialisé dans les sciences occultes. Mandé d’urgence au chevet de son frère Kenneth (Paul Cavanagh), il arrive trop tard, découvrant avec stupeur que celui-ci a succombé à une mort violente et que sa tête, décapitée, a disparu. Les conclusions d’un tel drame sont sans appel : une malédiction ancestrale plane de toute évidence sur la famille Drake et Jonathan est le prochain sur la liste des victimes…

Très prenant, construit autour d’une ambiance qui évoque les classiques d’Universal, Les Quatre crânes de Jonathan Drake met en scène un monstre au physique inoubliable : Zutaï (Paul Wexler), un Indien à la bouche cousue qui hante le film de son inquiétante présence et orne son poster avec beaucoup de panache. Côté horreur, Cahn n’y va pas avec le dos de la cuiller, montrant des décapitations en gros plans mais aussi les détails du processus de fabrication d’une tête réduite (la peau arrachée et recousue puis plongée dans un bain bouillonnant) à l’aide d’effets spéciaux basiques mais extrêmement efficaces. Le surréalisme a aussi droit de cité, notamment lorsque Jonathan Drake voit apparaître des crânes volants qui se dirigent vers lui en grimaçant.

Un conte macabre à redécouvrir

Plus l’intrigue se développe, plus il devient évident que le sinistre Zutaï n’est qu’un subalterne, le grand méchant de l’histoire étant un mort-vivant dont l’anatomie singulière combine la tête d’un homme blanc, celle du professeur Emil Zurich (Henry Daniel), greffée sur le corps d’un Indien. Survivants d’un massacre survenu dans la jungle sud-américaine quelque deux cents ans plus tôt, Zurich et Zutaï ont dans leur ligne de mire la famille Drake, dont le lointain ancêtre fut responsable de la mort de leur peuple. D’où cette série de meurtres rituels qui semble ne devoir finir qu’avec le pauvre Jonathan. Les Quatre crânes de Jonathan Drake aurait pu devenir un classique du genre, mais le statisme de sa mise en scène joue beaucoup en sa défaveur. La scène de la poursuite dans les bois, notamment, dénote d’une absence de dynamisme assez confondante. Tombé dans un semi-oubli, ce conte macabre mérite sans conteste d’être exhumé et redécouvert.

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UFO SWEDEN (2022)

Un petit groupe de chasseurs d’OVNIS part à la recherche de l’un des leurs, disparu depuis plusieurs années…

UFO SWEDEN

2022 – SUÈDE

Réalisé par Victor Danell

Avec Inez Dahl Torhaug, Jesper Barkselius, Eva Melander, Sara Shirpkey, Oscar Töringe, Håkan Ehn, Isabelle Kyed, Niklas Kvarnbo Jöhnsson, Mathias Lithner

THEMA EXTRA-TERRESTRES I MONDES VIRTUELS ET MONDES PARALLÈLES I VOYAGES DANS LE TEMPS

Le collectif suédois « Crazy Pictures » avait frappé très fort en 2018 avec The Unthinkable, un film catastrophe particulièrement audacieux qui fit grand bruit non seulement dans leur pays natal mais aussi un peu partout dans le monde. Gonflée à bloc, la petite équipe se lance quelques années plus tard dans une nouvelle aventure ambitieuse. Comme toujours, les cinq joyeux drilles, amis depuis le lycée et praticiens du court-métrage de longue date, font à peu près tout ensemble : la production, l’écriture, la réalisation, la photographie, les effets spéciaux, le sound design, le montage. « Nous nous considérons comme un groupe de rock qui joue en direct », explique le producteur Alvin Pettersson. « Nous faisons tout de manière collective, et nous changeons parfois d’instrument. » (1) Ainsi, même si Victor Danell est généralement crédité à la réalisation, tout le monde met la main à la pâte. Avec un budget très raisonnable (équivalent à environ 3,4 millions d’euros), les voilà cette fois-ci à la tête d’UFO Sweden, que l’on pourrait décrire un peu rapidement comme un croisement entre les X-Files et Stranger Things. Certes, l’époque à laquelle se situe l’action (les années 90) et les tonalités électroniques de la bande originale accentuent les similitudes avec ces deux séries emblématiques, au-delà des thèmes traités dans le scénario. Mais UFO Sweden possède indubitablement sa propre personnalité et un style unique.

Depuis que son père Uno (Oscar Töringe), obsédé par les OVNIS, a disparu un soir sans laisser de trace, Denise (Inez Dahl Torhaug) voyage de famille d’accueil en famille d’accueil, poursuivant les recherches scientifiques de celui qu’elle admirait malgré ses excentricités. Désormais adolescente, elle continue donc d’étudier les phénomènes climatiques étranges et les anomalies météorologiques. Un soir, une voiture qui semble tomber du ciel s’écrase dans la grange d’un fermier terrorisé. Or ce véhicule est exactement le même que celui que conduisait Uno le soir de sa disparition. Même couleur, même modèle, même année… et même cassette dans l’autoradio ! Envers et contre tous, Denise mène sa propre enquête et finit par solliciter une petite association de chercheurs qui ont bien connu son père et tentent d’étudier le phénomène des OVNIS de la manière la plus objective possible. Leur nom : UFO Sweden.

La vérité est-elle ailleurs ?

Vendu comme une comédie, UFO Sweden révèle une tessiture plus complexe, abordant frontalement son sujet sans jamais le tourner en dérision, et laissant les spectateurs s’interroger jusqu’au bout sur la possibilité ou non d’une explication extra-terrestre derrière les mystères qu’égrène le scénario. Il y a certes de l’humour dans le film, mais jamais au détriment de cette poignée d’hurluberlus que les comparses de « Crazy Pictures » filment avec une certaine tendresse. L’équipe de « UFO Sweden » s’inspire d’ailleurs d’un véritable groupe de chercheurs suédois qui passent leur temps libre à étudier le phénomène des objets volants non identifiés. « J’ai passé ma vie à chercher une réponse, et maintenant j’ai peur de la trouver », confie ainsi Lennart (Jesper Barkselius), le chef du petit groupe, alors que leur investigation s’apprête à prendre une tournure décisive. Cette quête de l’OVNI, c’est avant tout celle du père chez la jeune héroïne, en manque de cette figure paternelle extravagante dont elle retrouve quelques facettes éparses auprès des membres de l’association. Mais son obsession n’est-elle pas en train d’altérer son jugement et son sens des valeurs ? Ne risque-t-elle pas de mettre tout son entourage en danger pour prouver qu’elle a raison ? Le scénario prend plusieurs risques intéressants, notamment celui de rendre son personnage principal antipathique pour mieux décrire ses failles. Dommage que de nombreuses incohérences altèrent la crédibilité de l’intrigue, notamment au cours d’un dernier acte qui en fait sans doute trop. Mais voilà au moins une œuvre qui sait sortir des sentiers battus pour affirmer une singularité franchement rafraichissante.

(1) Propos extraits d’une interview parue dans « Nordisk Film & TV Fond »

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LE CROQUE-MITAINE (2023)

Librement adapté d’une nouvelle de Stephen King, cette énième variation sur le monstre du placard s’en prend aux enfants dont les parents ne s’occupent pas…

THE BOOGEYMAN

2023 – USA

Réalisé par Rob Savage

Avec Sophie Thatcher, Chris Messina,Vivien Lyra Blair, David Dastmalchian, Marin Ireland, Maddie Nichols, Lisa Gay Hamilton

THEMA DIABLE ET DÉMONS I FANTÔMES I SAGA STEPHEN KING

Le Croque-Mitaine entend prendre le spectateur à la gorge dès les premières images : dans une chambre d’enfant à la lumière tamisée, un gros plan sur un jeune enfant en pleurs dans son lit, visiblement en proie à des terreurs nocturnes. La caméra balaye la chambre à priori vide en un mouvement circulaire révélant la porte ouverte du placard. Deux yeux apparaissent dans le noir abyssal ; la caméra continue son travelling et une fois le bambin à nouveau hors-champs, une ombre furtive traverse l’image en direction du lit, accompagnée de grognements monstrueux. Les pleurs cessent subitement. Écran noir… La mort d’un enfant devrait nous donner des sueurs dans le dos (revoyez Simetierre de Mary Lambert ou Ne vous retournez pas de Nicholas Roeg) mais en l’absence totale de contextualisation et avec un réalisateur bien moins subtil qu’il ne l’imagine, la scène tombe à plat pour quiconque a vu plus d’un film d’horreur sorti au cours des quinze dernières années. Si depuis l’avènement des services de streaming on déplore que de nombreux films soient privés de sortie en salles au profit d’une diffusion télévisée (voire sur téléphone pour les hérétiques), c’est l’inverse qui est arrivé à ce Croque-Mitaine, destiné initialement à sortir sur Disney+ avant que des projection-tests ne fassent prendre conscience aux producteurs du potentiel de leur produit. Cette information mise en avant dans le dossier de presse est à priori destinée à rassurer le spectateur, mais devient un cas d’étude édifiant sur les différentes façons d’envisager cinéma et production télévisuelles.

Si en termes de cadrage et découpage, le réalisateur Rob Savage s’applique à faire du cinéma dès qu’il s’agit de susciter la peur, il ne semble pas savoir quoi faire de ses personnages le reste du temps. Alors il recycle les lieux communs du genre, comme ce personnage principal d’adolescente atypique détestée par les filles les plus populaires de son lycée, un portrait peint au pochoir lors d’une séquence cliché voyant la jeune fille arriver au lycée, écouteurs sur les oreilles et marchant seule, vêtue de noir, au milieu des élèves aux tenues colorées, une musique pop/rock en guise de couverture sonore achevant d’illustrer son aliénation dans ce monde décidément trop « conventionnel ». Au rayon des grosses ficelles déjà bien usées chez James Wan (Conjuring et tous ses dérivés, Mama ou encore Smile), les scénaristes ont également recours à l’enquête secondaire sur les traces des précédentes victimes du croque-mitaine, avec l’inévitable moment où l’héroïne prend conscience de la nature de la menace qui pèse sur sa famille et accourt chez elle pour les mettre en garde. Trop tard bien sûr puisque, aussi vrai que le téléphone sonne toujours lorsqu’on est dans son bain, les monstres et les esprits frappent toujours lorsque le héros s’en allé percer ses secrets à la bibliothèque ou dans la vieille maison abandonnée à l’autre bout de la ville. L’écriture et le rythme du Croque-Mitaine peinent à cacher le cahier des charges typique des productions destinées aux plateformes de streaming : une entrée en matière directe digne d’un film pornographique moderne (l’évolution stylistique et thématique de ce « genre » entretient de nombreuses points communs avec le Fantastique), scènes chocs disséminées métronomiquement pour vous dissuader d’appuyer sur le bouton STOP de votre télécommande (ou de votre ordinateur ou… de votre téléphone !!), le tout assaisonné de personnages et situations empruntant les sentiers battus afin de prendre tous les raccourcis dramatiques possibles pour faciliter l’attention et la compréhension immédiate des enjeux pour le spectateur, généralement moins attentif à l’action dans son salon que dans une salle obscure.

« Don’t believe the hype! »

Le Croque-Mitaine est tiré d’une nouvelle de Stephen King parue dans les années 70, écrite à la première personne avec unité de lieu, de temps et d’action, voyant le protagoniste raconter ses mésaventures fantastiques à son thérapeute. En guise de caution artistique, une anecdote du dossier de presse a été reprise dans de nombreuses critiques : Stephen King en personne a déclaré que le film lui avait « collé une sacrée trouille » et « rivalisait avec Shining ». Des commentaires qui interrogent sur la bonne foi de l’auteur à la vision du film mais les bonimenteurs de 20th Century Studios en rajoutent : le montage aurait ainsi dû être revu suite aux projections test, pour ajouter du mou après chaque apparition du monstre, car le public criait tellement qu’il n’entendait plus les dialogues qui suivaient. Et le buzz a fonctionné un temps sur les réseaux sociaux. Preuve que la critique, la vraie, a aujourd’hui fort à faire pour se faire entendre alors que, plus que jamais, les équipes commerciales et de relation publique ont la main mise sur les réseaux sociaux pour étaler leur auto-promo, relayée par l’équivalent critique des influenceurs. Mais point besoin de tirer sur l’ambulance puisqu’il semblerait que Le Croque-mitaine ne casse finalement pas autant la baraque au box-office que prévu. Gageons toutefois que le thème reviendra très prochainement hanter les placards sur écran, petit ou grand !

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JACK ET LE HARICOT MAGIQUE (1994)

Une relecture modernisée et semi-parodique du célèbre conte britannique produite par le prolifique Charles Band…

BEANSTALK

1994 – USA

Réalisé par Réalisateur

Avec J.D. Daniels, Margot Kidder, Amy Stock-Poynton, Patrick Renna, Stuart Pankin, Cathy McAuley, Richard Moll, Richard Paul, David Naughton

THEMA CONTES I NAINS ET GÉANTS I VÉGÉTAUX I SAGA CHARLES BAND

Dès sa création en 1993, le label Moonbeam (dirigé par Charles Band et distribué directement en vidéo par Paramount) s’est révélé prolifique, offrant coup sur coup aux jeunes spectateurs Prehysteria, Le Château du petit dragon, Prehysteria 2 et Remote (une imitation de Maman j’ai raté l’avion ne présentant aucun élément fantastique, contrairement aux autres films de la collection). Début 94, de nouveaux projets se bousculent au portillon, notamment une modernisation du conte classique « Jack et le haricot magique » écrite et réalisée par Michael Davies (auteur des deux premiers Prehysteria). Quelques visages connus apparaissent au détour du casting du film, notamment David Naughton (Le Loup-garou de Londres), Margot Kidder (Superman), Stuart Pankin (Arachnophobie) ou Richard Moll (House). Si tout commence par la formule consacrée « Il était une fois », les images suivantes s’inscrivent dans un contexte très éloigné d’un conte de fées. Nous sommes dans le laboratoire mobile de chercheurs du vingtième siècle. Passionnée par les Ovnis, le monstre du Loch Ness et l’abominable homme des neiges (entre autres), la cryptozoologue Kate Winston (Kidder) découvre sur un site de fouilles des haricots d’une taille très inhabituelle.

Nous faisons alors la connaissance du héros de l’histoire, Jack Taylor (J.D. Daniels), un gamin facétieux qui ne perd jamais son énergie et son enthousiasme malgré une situation familiale préoccupante : sa mère célibataire (Amy Stock-Poynton) n’arrive plus à joindre les deux bouts et le patibulaire Richard Leech (Moll) la harcèle régulièrement pour ses traites impayées. Alors qu’ils sont sur le point de perdre leur maison, Jack croise le camion du professeur Winston duquel tombe une caisse pleine de haricots géants. Le soir-même, un arbre gigantesque pousse subitement dans son jardin et semble monter jusqu’au ciel. Bien sûr, Jack décide de grimper le long de cette « tige de haricot » démesurée pour voir ce qui se trouve tout en haut. Sa curiosité ne sera pas déçue…

Le dessus du panier

L’humour du film repose principalement sur sa manière de détourner les clichés. La brute qui martyrise le jeune Jack, par exemple, est un garçon érudit qui cite Shakespeare et la mythologie grecque, tandis que les clins d’œil cinéphiliques prennent une tournure inattendue (la comparaison des cicatrices des Dents de la mer, le fameux « Do I feel lucky ? » de L’Inspecteur Harry). Le village des géants lui-même n’a rien de médiéval mais semble plutôt s’être arrêté quelque part au début des années soixante, comme si ce monde et celui des humains n’avaient pas évolué à la même vitesse. Chez les géants (dont le visage difforme et caricatural est l’œuvre du maquilleur Michael S. Deak), il y a même des équivalents de Richard Nixon et Elvis Presley ! On voit bien que les moyens sont limités et que les trucages (supervisés par David Allen) sont conçus avec les moyens du bord. Ils tiennent pourtant la route, s’appuyant souvent sur les bons vieux effets de perspectives forcées et de décors surdimensionnés hérités de Darby O’Gill. Certes, nous sommes loin du chef d’œuvre et les gesticulations hystériques de Margot Kidder, qui en fait des tonnes jusqu’à l’épuisement, finissent par se révéler embarrassantes. Mais Jack et le haricot magique fait clairement partie du dessus du panier des productions Moonbeam.

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