GHOST IN THE CELL (2026)

Un fantôme s’immisce dans une prison indonésienne et massacre de manière spectaculaire tous ceux qui sont frappés de pensées négatives…

GHOST IN THE CELL

 

2026 – INDONÉSIE / CORÉE DU SUD

 

Réalisé par Joko Anwar

 

Avec Abimana Aryasatya, Almanzo Konoralma, Aming Sugandhi, Arswendy Bening Swara, Bront Palarae, Dimas Danang Suryonegoro, Dewa Dayana, Endy Arfian

 

THEMA FANTÔMES

Biberonné aux films de kung-fu et au cinéma d’horreur, le cinéaste indonésien Joko Anwar fait ses débuts comme journaliste avant d’écrire son premier scénario pour Arisan de Nia Dinata, puis passe lui-même derrière la caméra à l’occasion de la comédie Joni’s Promise. Il touche ensuite à tous les genres, mais c’est l’horreur qui va lui permettre d’acquérir une renommée internationale avec des titres comme Satan’s Slave, Impetigore, Grave Torture ou The SIede at Thorn High. Son univers mêle volontiers le fantastique, le gore et la critique sociale, les codes du genre lui permettant souvent d’explorer les peurs collectives et les tensions sociales. Il poursuit logiquement cette voie avec Ghost in the Cell, dont le titre ressemble à un gag cinéphilique (même si cette fable horrifique n’a strictement rien à voir avec Ghost in the Shell). Réalisateur, scénariste, producteur exécutif et monteur du film, Anwar fait construire pour les besoins de son long-métrage un décor de prison complet, inspiré d’un véritable site carcéral, en l’occurrence Sukamiskin, situé à Java-Ouest. Efficace, il parvient à boucler son film en 25 demi-journées, s’appuyant souvent sur des prises uniques pour gagner du temps et conserver la spontanéité de ses acteurs. Quant au montage, il est expédié en quatre jour seulement ! Un véritable exploit, fruit d’une frénésie créative qu’on ressent parfaitement à l’écran.

Le film s’ouvre sur le journaliste Dimas, qui travaille tard dans la nuit pour finir son dernier article consacré à une exploitation minière illégale à Bornéo, où plusieurs ouvriers ont trouvé la mort dans des circonstances mystérieuses. Furieux à l’idée des répercussions que pourrait provoquer ce texte accusateur, son rédacteur en chef le rejette en bloc et lui demande de revoir sa copie en l’adoucissant. Resté seul dans son bureau, le patron du journal est soudain attaqué par une entité maléfique qui le massacre. Et c’est ce pauvre Dimas qui est accusé du meurtre. Aussitôt emmené dans la prison de Labuhan Angsana, à Jakarta, il découvre les problèmes quotidiens auxquels sont confrontés les détenus, notamment l’oppression violente que leur font subir les responsables de la prison et les affrontements entre bandes. Mais les choses prennent une tournure beaucoup plus affolante lorsque les prisonniers sont retrouvés morts les uns après les autres, dans des circonstances épouvantables. Le coupable semble être un spectre qui s’attaque à ceux dont l’aura est la plus négative. Mais comment rester positif dans l’environnement hostile d’une prison ?

« Où iras-tu après la mort si tu n’as pas de religion ? »

Sur un concept délirant qui n’est pas sans évoquer le Prison de Renny Harlin, Ghost in the Cell multiplie les séquences gore volontairement excessives au cours desquelles les corps sont contorsionnés, écrasés, déchirés, transpercés, hachés menus ou ébouillantés pour se transformer en natures mortes macabres et sanguinolentes dignes de la série Hannibal. Pour contrebalancer ce jeu de massacre, l’humour absurde transparaît partout dans le film. Les nombreux combats qui se déclenchent entre les détenus sont donc à la fois brutaux, virtuoses et cartoonesques, ponctués de gags outranciers, comme lorsque les belligérants s’interrompent en pleine bagarre pour danser ou prier, afin d’éviter que leur aura négative ne les condamne à une mort atroce. Derrière cette folie ambiante, Joko Anwar tient à régler ses comptes avec la société indonésienne, dont il dénonce à la fois les dérives religieuses et la corruption envahissante. D’où des répliques volontiers satiriques, comme ce détenu qui lance à son voisin de cellule « Où iras-tu après la mort si tu n’as pas de religion ? », ou ce maton qui constate amèrement : « Cinq gardiens intègres sur 50 ? C’est 10%, comme dans tout le pays ! » Sans chercher à s’ériger en donneur de leçons ni oublier l’objectif purement récréatif de son film, le réalisateur dresse tout de même un portrait bien peu reluisant de l’Indonésie, où l’écart entre les riches et les pauvres se creuse de manière vertigineuse et où ce n’est pas forcément l’attitude la plus méritante qui est récompensée. Un constat qu’on pourrait facilement élargir à la planète toute entière, hélas.

 

© Gilles Penso

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THE DOG STARS (2026)

En 2035, dans un monde où la grande majorité de la population a succombé à une grippe fatale, une poignée d’humains tente de survivre…

THE DOG STARS

 

2026 – USA

 

Réalisé par Ridley Scott

 

Avec Jacob Elordi, Josh Brolin, Margaret Qualley, Guy Pearce, Allison Janney, Benedict Wong, Ewen Bremmer, James Craze, Sam Spruell, Sai Bennett

 

THEMA FUTUR

Capable d’enchaîner Blade Runner avec Legend, Black Rain avec Thelma et Louise ou Gladiator avec Hannibal, Ridley Scott est du genre éclectique, c’est le moins qu’on puisse dire. En 2025, alors qu’il s’apprête à se lancer dans un biopic des Bee Gees, une mésentente avec la production l’incite à tourner les talons pour chercher un autre projet. En découvrant sur son bureau le premier jet du scénario de The Dog Stars, écrit par Mark L. Smith et Christopher Wilkinson d’après le roman de Peter Heller, il décide aussitôt d’en faire son prochain film. « À la page 10, j’étais happé », raconte-t-il. « À la page 13, je priais pour qu’ils gardent le cap. Arrivé à la fin, j’étais conquis parce que cela apportait un autre point de vue sur la fin du monde. » (1) Scott étant généralement partisan des défis, on peut s’étonner de le voir s’engouffrer sur le terrain déjà surexploité et très codifié du récit post-apocalyptique. Mais le réalisateur d’Alien souhaite de toute évidence apporter sa pierre à l’édifice en s’appuyant sur un contexte géopolitique bien réel. « En réalité, il y aura, selon moi, surtout un dépeuplement progressif », explique-t-il. « Nous sommes désormais huit milliards d’individus, et nous n’avons pas besoin d’être huit milliards, n’est-ce pas ? Ou alors nous devons changer complètement notre façon de faire, à commencer par notre approche du réchauffement climatique. » (2) Bien qu’il s’appuie sur un livre publié en 2012, The Dog Stars trouve un écho particulier dans les souvenirs encore vifs de la pandémie de Covid.

Après avoir envisagé de retravailler avec Paul Mescall, qui tenait la vedette de Gladiator 2, Scott doit changer son fusil d’épaule – l’acteur étant pris par le biopic des Beatles réalisé par Sam Mendes – et choisit finalement Jacob Elordi (le monstre dans le Frankenstein de Guillermo del Toro) qu’il qualifie de « Gregory Peck sous stéroïdes. » L’athlétique comédien entre dans la peau de Hig, un ancien mécanicien qui vit dans le Colorado avec son chien Jasper et son ami Bangley (Josh Brolin), un ex-marine devenu survivaliste. Tous trois ont élu domicile dans un petit aérodrome, après qu’une pandémie de grippe dévastatrice ait décimé une grande partie de la population. Régulièrement, Hig pilote son petit avion à hélices jusqu’à Denver, désormais dépeuplée, pour s’approvisionner en carburant et en nourriture. Il ravitaille également une petite communauté évangélique voisine, au grand dam de Bangley qui préfère de loin la prudence aux actes humanitaires, perché la plupart du temps sur son poste d’observation, un fusil à lunettes à la main. Une radicale divergence dans les comportements et les points de vue oppose donc les deux hommes, mais c’est ce qui semble cimenter leur complémentarité. Rien ne semble plus différent que ce rêveur idéaliste, qui sillonne le ciel avec son chien et dort à la belle étoile, et ce bougon matérialiste, qui se méfie de tout en abattant le moindre intrus sans sommation. Si Bangley s’est adapté sans mal à ce nouveau monde (« le rêve américain », selon lui), Hig vise autre chose. Et c’est ce qui va finir par faire basculer leur routine…

Après la pandémie

Ridley Scott ne nous révèle son monde post-apocalyptique que progressivement. Il y a d’abord ce petit hangar pour avions déserté, puis cette grande ville à l’abandon, ces chiens errants, ces hélicoptères crashés dans la rue, ces voitures renversées, et finalement ces bâtiments en ruine autour desquels la végétation reprend peu à peu ses droits. L’anticipation n’est volontairement pas ostentatoire (après tout, l’intrigue ne se situe que dix ans dans le futur) et Scott y greffe une imagerie de western qui n’est pas sans évoquer The Postman de Kevin Costner. D’où certains passages étonnants, comme la cavalcade de bisons qui chargent de part et d’autre du coucou de Hig posé en pleine forêt. À contre-courant d’un Mad Max ou de Je suis une légende (avec lequel il semble au départ présenter plusieurs points communs), The Dog Stars privilégie les moments paisibles et bucoliques, porté par une bande originale légère d’Harry Gregson-Williams. Mais la violence reste sous-jacente, et lorsqu’elle éclate le temps de quelques séquences d’action nerveuses, nous comprenons aisément que la sauvagerie s’est emparée des hommes et que les instincts primitifs se sont propagés chez la majorité des survivants. Dans ce monde, finalement, c’est la confiance qui semble être devenue l’une des denrées les plus rares. The Dog Stars tire parti d’une poignée d’acteurs très convaincants et du sens de la mise en scène ample qui n’a jamais fait défaut à Ridley Scott (les panoramas captés en Italie sont somptueux, les séquences aériennes grisantes). Mais le film reste désespérément sage et n’apporte surtout rien de très neuf au genre. Voilà ce qui explique sans doute ses résultats très médiocres au box-office et son accueil glacial par la critique. La bouffée d’air frais qu’il nous offre et le signal d’alerte qu’il tire face à une société volontiers encline à l’autodestruction méritaient pourtant un peu plus de considération. Sans doute le film sera-t-il plus tard réévalué à la hausse.

 

(1) Extrait d’une interview publiée dans Vanity Fair en août 2026

 

© Gilles Penso

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BURIAL OF THE RATS (1995)

L’écrivain Bram Stoker est capturé par une secte de femmes en bikini qui punissent les hommes et vivent au milieu des rats !

BURIAL OF THE RATS

 

1995 – USA / RUSSIE

 

Réalisé par Dan Golden

 

Avec Adrienne Barbeau, Maria Ford, Kevin Alber, Olga Kabo, Eduard Plaxin, Leonid Timtsunik, Maya Menglet, Yekaterina Batanova, Aleksandr Pyatkov, Nikolai Penkov

 

THEMA MAMMIFÈRES

Prolifique producteur de séries B ou Z partagés entre les films de monstres cheap et les bandes érotico-fantastiques (Komodo vs Cobra, The Mangler Reborn, Supergator, Tarzeena, Bikini Frankenstein, Sharktopus, L’Attaque de la pom-pom girl géante), Dan Golden a souvent collaboré avec Roger Corman, pour qui il tourne au milieu des années 1990 cet improbable Burial of the Rats très vaguement inspiré d’un roman de Bram Stoker portant le même titre. Le film est tourné en Russie, à l’automne 1993. Seul visage connu du casting, Adrienne Barbeau (Fog, New York 1997, Creepshow), accepte de participer à ce tournage pour pouvoir visiter le pays des tsars, mais elle déchante vite. Une tentative de coup d’état frappe en effet Moscou au mois d’octobre, provoquant l’instauration de la loi martiale et une grosse inquiétude pour toute l’équipe du film. À peine cette crise se termine-t-elle que la température locale baisse subitement, transformant le plateau en chambre froide. Autant dire que toutes les actrices en bikini qui égaient le film s’en mordent les doigts, emmitouflées dans de grands manteaux entre chaque prise pour éviter de grelotter en claquant des dents. Après ce tournage épique, Dan Golden rentre aux États-Unis et se rend compte qu’il lui manque quelques scènes de bikini supplémentaires. Il sollicite donc quelques amies actrices peu pudiques – notamment Linnea Quigley, Nikki Fritz, Marie Laurin et sa femme Melinda Wesley – pour une poignée de prises de vues additionnelles.

Burial of the Rats commence comme une variante des films gothiques de la Hammer, avec un fiacre qui traverse des bois sinistres, un cocher inquiet et une menace qui frappe les occupants aristocratiques du vénérable véhicule, en l’occurrence le futur écrivain Bram Stoker (Kevin Alber) et son père (Eduard Plaxin). Deux silhouettes encapuchonnées s’emparent soudain de Bram et le transportent jusque dans leur repaire. Et là, rien ne va plus. Car le film de Dan Golden affirme alors ouvertement son statut de nanar kitsch parfaitement décomplexé. Le futur auteur de Dracula se retrouve en effet au beau milieu d’une secte de femmes en bikini qui abhorrent les hommes, vivent au milieu de rats et sont menées d’une poigne de fer par une souveraine (Adrienne Barbeau) qui joue de la flûte tandis que des danseuses aux seins nus s’agitent devant son trône ! Lorsque les rats ne sont pas obéissants, ils sont décapités avec une guillotine miniature ou jetés contre les murs ! Le reste du temps, ils aident ces guerrières farouches à assouvir leur vengeance contre les mâles…

Lord of the Strings

Au menu de ce film parfaitement improbable, Dan Golden mixe des ingrédients bizarres issus à la fois du cinéma d’exploitation et du film de cape et d’épée, en un patchwork qui laisse perplexe. Nous avons donc droit à beaucoup de nudité, des combats d’épée, des scènes de torture dans un donjon de chasseurs de sorcières ou encore des rituels d’initiation à base d’absorption de sang… Lorsque les rongeurs s’attaquent à leurs proies humaines, ils les dévorent en un clin d’œil. Quelques secondes après avoir montré des acteurs qui miment la frayeur, la caméra s’attarde ainsi sur des squelettes recouverts de rats. Ambitieuses à défaut d’être convaincantes, plusieurs séquences d’affrontements opposent les furies en string aux soldats de cette pseudo-France du 19ème siècle, tour à tour dans une maison close, dans un souterrain médiéval ou dans le repaire des « femmes-rats ». Jamais le scénario ne prend du reste la peine d’expliquer d’où vient cette secte bizarre pseudo-féministe, quel est le passé de leur reine et pourquoi les rats les accompagnent partout. Dans le rôle de Stoker, Kevin Alber est parfaitement insipide et n’encourage guère l’empathie. Maria Ford, qui exhibait déjà sa sculpturale silhouette dans Deathstalker 4, joue ici la blonde rebelle qui est prête à quitter ses « sœurs » pour convoler auprès du bel écrivain. Quant à Adrienne Barbeau, elle cabotine sans retenue, nous donnant le sentiment de s’amuser sans croire une seule seconde à cette vaste mascarade. Par ses excès, son manque de finesse et son érotisme déviant, Burial of the Rats rappelle une autre adaptation outrancière de Bram Stoker, l’inénarrable Repaire du ver blanc de Ken Russell. Quelques années plus tard, Golden poursuivra dans la voie de la polissonnerie fantaisiste en réalisant pour Charles Band Hidden Beauties et Timegate.

© Gilles Penso

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MODELS VS. WEREWOLVES (2026)

Cinq jeunes femmes, mi-mannequins mi-influenceuses, passent un week-end dans une forêt où rôde une meute de loups-garous…

MODELS VS. WEREWOLVES

 

2026 – USA

 

Réalisé par Danny Draven

 

Avec Bella Mraz, Rebecca Stoughton, Sophie Swiszcz, Alexa Reddy, Dee Wallace, Tate Doppler, Hannah Houston, Sarah Moliski, Michael J. Sielaff

 

THEMA LOUPS-GAROUS I SAGA CHARLES BAND

C’est au producteur Charles Band que Danny Draven doit son premier long-métrage, Horrorvision. Depuis, cet homme à tout faire a tourné une bonne demi-douzaine de films pour la compagnie Full Moon, aux titres aussi éloquents que Hell Asylum, Cryptz, Deathbed, Dark Walker, Reel Evil, Weedjies ou Bad CGI Gator. Dans le même esprit, le voilà à la tête de Models vs. Werewolves, qui a l’avantage d’exposer son concept dès son titre : des mannequins contre des loups-garous. Tourné à Los Angeles et à Atlanta, ce micro-budget semi-parodique présente l’originalité d’avoir d’abord été exploité sur ReelShort, une plateforme spécialisée dans les fictions courtes pour smartphones. Pensée pour les usages mobiles, cette première version adopte le format vertical et la narration épisodique caractéristiques des microdrames, avant d’être déclinée sous une forme 16/9ème traditionnelle d’environ 74 minutes destinée au marché traditionnel de la VOD et aux supports physiques. Cette double exploitation témoigne de la volonté de Charles Band d’explorer de nouveaux débouchés pour le cinéma indépendant, en ajustant ses productions aux évolutions des pratiques des spectateurs. Ce pionnier de la distribution VHS, qui avait su s’adapter à l’arrivée du DVD, du Blu-Ray et des plateformes de streaming, continue donc infatigablement à nourrir les appétits des amateurs de séries B d’horreur et de science-fiction, avec une énergie et une constance qui forcent le respect.

Qui sont donc les « models » que nous annonce le titre du film ? Il s’agit de cinq jolies jeunes femmes, à la fois mannequins et influenceuses, qui décident de partir s’isoler dans une maison au milieu des bois, réservée sur Airbnb, pour un week-end de détente sans contraintes ni garçons. Eileen (Rebecca Stoughton), la plus « mystique » du groupe, les a convaincues de venir connecter leur énergie avec la nature, à l’occasion d’une pleine lune exceptionnelle qui n’a lieu que tous les 500 ans. Elle est accompagnée par l’ingénue Nelly (Alexa Reddy), la dure à cuire Haley (Sarah Moliski), la délurée Nikki (Hannah Hueston) et la sportive Tina (Sophie Swiszcz). Les cinq amies gloussent, sautillent, poussent des cris hystériques, passent leur temps à faire des selfies et à vérifier leur maquillage, s’inquiètent du Wifi pour pouvoir poster des vidéos sur les réseaux sociaux, bref obéissent à tous les clichés d’usage – avec, fort heureusement, une bonne dose d’autodérision. Sur place, elles sont accueillies par une hôtesse vénérable et sympathique, Judith, incarnée par Dee Wallace en personne. Les amateurs du cinéma de genre des années 80 la connaissent bien, puisqu’elle fut l’héroïne de E.T., de Cujo et surtout de Hurlements (le mètre-étalon des films de lycanthropes). Alors que la nuit tombe, Nikki fait entrer en douce un de ses petits-amis et Tina part faire du jogging. C’est le moment que choisissent les loups-garous pour surgir du bois…

Les belles et les bêtes

Models vs. Werewolves fait partie de cette génération de petits films de genre ayant décidé de tirer profit de l’intelligence artificielle pour se payer des effets spéciaux ambitieux à faible coût. Sur le principe, la démarche peut faire sens. Une production Full Moon classique n’aurait en effet jamais pu se payer une horde de loups-garous aussi spectaculaires. Le problème, c’est que les limitations de l’IA low cost sautent aux yeux et donnent lieu à quelques aberrations. Si le résultat obtenu est souvent dynamique, il est la plupart du temps déconnecté de la réalité physique. La scène d’attaque de l’intro, par exemple, est assez incompréhensible du point de vue de sa chorégraphie et de sa mise en scène. Les loups apparaissent et disparaissent dans le montage et les champs/contre-champs sèment la confusion. Même constat pour les effets gore, qui s’avèrent pourtant particulièrement excessifs (têtes arrachées, étripages, sang qui jaillit en geysers, yeux qui s’extirpent des orbites). Danny Draven sollicite certes du latex et des effets pratiques, mais l’ensemble est mixé dans l’IA pour un rendu final très brouillon, noyé dans des pixels flous. Comme s’il leur fallait passer aux aveux, le réalisateur et ses scénaristes glissent dans le film une réplique au cours de laquelle Judith confesse que les photos de sa maison ont été modifiées avec l’IA pour paraître plus attrayantes sur le site web de Airbnb ! Il faut tout de même avouer que Models vs. Werewolves reste un spectacle généreux et diablement réjouissant, cultivant une esthétique héritée des années 80 (des nuits bleutées embrumées et éclairées par des spots puissants), de l’autoréférence décomplexée (les héroïnes visionnent Future Cop) et un humour décalé potache, à peu près le même que celui qui égayait Bad CGI Gator. Avec au passage quelques gags volontairement idiots, comme cette jeune femme qui commence à se transformer en lycanthrope et s’empare d’une pince à épiler pour retirer les poils qui poussent sur son visage !

 

© Gilles Penso

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LE FANTÔME DE L’OPÉRA (2026)

Dans cette relecture modernisée du fameux roman de Gaston Leroux, la fille de Vincent Cassel et Monica Belluci tombe sous le charme du fantôme…

LE FANTÔME DE L’OPÉRA

 

2026 – FRANCE

 

Réalisé par Alexandre Castagnetti

 

Avec Deva Cassel, Romain Duris, Julien de Saint Jean, Laïka Blanc-Francard, Dorothée Gilbert, Guillaume Diop, Axel Auriant, Florence Banks, Migrent Mirtchev

 

THEMA SUPER-VILAINS I FANTÔMES

Encore une adaptation du Fantôme de l’Opéra ? Le cinéma n’en compte-t-il pas déjà suffisamment, depuis l’inoubliable version de 1925 qui, avouons-le, n’a jamais été égalée ? Mais les voies du box-office sont impénétrables, c’est bien connu. Après le succès du diptyque Les Trois Mousquetaires et du Comte de Monte Cristo, les grands classiques de la littérature populaire semblent être devenus la nouvelle manne des producteurs français. Spécialisé jusqu’alors dans la comédie, le réalisateur Alexandre Castagnetti s’engouffre à son tour dans cette brèche pour tenter de moderniser le célèbre roman de Gaston Leroux. Mais pour ce fils de chanteur d’opéra, la démarche semble plus personnelle qu’on aurait pu l’imaginer. « J’ai grandi dans le monde de l’opéra et des grandes histoires scéniques », raconte-t-il. « Enfant, je voulais déjà faire un film qui adapte Le Fantôme de l’Opéra pour rendre hommage à mon père. J’y ai souvent repensé depuis. J’en rêvais, mais c’était impossible. Et puis les producteurs m’ont appelé pour cette proposition miraculeuse : avoir l’opportunité de faire un film musical avec de la danse, du mystère, de l’érotisme et du fantastique. » (1) Contrairement aux adaptations classiques habituelle, son Fantôme de l’Opéra ne se déroule pas dans le Paris de la Belle Époque, mais dans un cadre contemporain. Le récit s’intéresse à Anastasia (Deva Cassel), une jeune danseuse franco-roumaine qui réussit à intégrer le prestigieux Opéra de Paris. Alors qu’elle répète l’Orpheus, un opéra maudit qui fut découvert par hasard dans les sous-sols du prestigieux bâtiment, elle tombe amoureuse d’un mystérieux pianiste qui pourrait bien être un fantôme…

Pétri manifestement de bonnes intentions, ce Fantôme de l’Opéra cru 2026 est un film hélas un peu bancal qui alterne quelques rares moments de fulgurances virtuoses avec beaucoup de maladresses. La scène d’introduction, par exemple, censée se dérouler en plein 19ème siècle, cultive une esthétique chic grandiloquente qui donne presque l’impression que c’est Luc Besson qui tient la caméra. Plus tard, les choses s’arrangent avec l’entrée en scène du personnage principal, incarné par la très touchante et très juste Deva Cassel, qui parvient ici à échapper à l’ombre de ses prestigieux parents (Monica Bellucci et Vincent Cassel) pour exprimer sa propre personnalité. Mais ensuite, le film continue d’accumuler les lourdeurs, via un jeu d’acteurs souvent approximatif, une écriture sans finesse et une mise en scène très modérément inspirée. Dommage, tout de même, qu’Alexandre Castagnetti ne propose pas plus d’idées audacieuses pour donner corps à son fantôme, incarné sans éclat par un Julien De Saint Jean désespérément fade. Le réalisateur semble hésiter, sans parvenir à nimber cet être du mystère et du charme atemporel qu’il est supposé posséder. Il y a bien quelques jeux intéressants de miroirs et de reflets invisibles, mais ces astuces visuelles restent des cas très isolés.

Tardives flamboyances

Romain Duris lui-même met du temps à entrer dans son personnage de metteur en scène exalté. En surjeu et en décalage au début du film, il trouve enfin sa pleine mesure dans une scène tardive où, tyrannique, il brutalise sa danseuse vedette pour tenter d’obtenir d’elle ce qu’il a en tête. Tout semble se jouer dans ce moment fort où notre homme se mue soudain en émule du despotique professeur de batterie qu’incarnait J.K. Simmons dans Whiplash, pour révéler soudain une autre facette que ce visage affable et souriant qu’il laissait voir jusqu’alors. Mais le véritable moment de grâce explose lors du dernier tiers du film, qui concrétise sur grand écran le fameux opéra maudit, sur une musique pleine d’emphase de Dan Levy. Ce grand moment baroque, où la beauté et l’effroi s’entremêlent, tutoie presque les grands moments du cinéma de Dario Argento – qui se cassa lui-même les dents sur le mythe avec sa version de triste mémoire. Cette séquence flamboyante arrive toutefois trop tard, tant le reste du film peine à trouver son équilibre. Mais c’est aussi là que réside peut-être l’un des charmes du long-métrage de Castagnetti. Ses imperfections et ses hésitations le rendent presque touchant. Écartelé entre plusieurs styles sans jamais parvenir à les réconcilier tout à fait, ce Fantôme de l’Opéra évite le lissage aseptisé de la version de Joel Schumacher pour tenter quelque chose de plus singulier. Et puis, dans les toutes dernières secondes, une discrète pointe d’émotion vient refermer le film, en écho au message du générique dans lequel le réalisateur dédie son œuvre à son propre père.

 

(1) Extrait d’une interview publiée sur Cinecitta News en octobre 2026

 

© Gilles Penso

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HELL HOUSE LLC LINEAGE (2025)

Ce cinquième opus abandonne la technique du found footage et tente de relier entre elles toutes les intrigues précédentes…

HELL HOUSE LLC LINEAGE

 

2025 – USA

 

Réalisé par Stephen Cognetti

 

Avec Elizabeth Vermilyea, Searra Sawka, Mike Sutton, Joe Bandelli, Cayla Berejikian, Victoria Andrunik, Gideon Berger, Bridget Rose Perrotta

 

THEMA FANTÔMES I CLOWNS I SAGA HELL HOUSE

Dans la foulée des trois premiers Hell House, qui constituaient un récit complet bouclé sur lui-même, Stephen Cognetti envisage d’élaborer une nouvelle trilogie centrée sur un autre lieu que l’hôtel Abaddon, en l’occurrence le manoir Carmichael. Hell House LLC Origins : The Carmichael Manor est donc censé être le premier volet d’un triptyque. Mais pendant l’écriture de sa suite, Hell House LLC Lineage, Cognetti décide de changer son fusil d’épaule. Ce cinquième opus sera finalement le dernier de la saga. Il s’agira donc de refermer toutes les portes narratives et de relier l’ensemble des événements racontés dans les films précédents. Et pour éviter tout sentiment de redite, Cognetti prend le parti d’abandonner ce qui constituait l’essence même de cette franchise, autrement dit la technique du « found footage » (un montage de fausses images vidéo amateur et de pseudo-documentaires), au profit d’une mise en scène de fiction plus traditionnelle. « Il m’a fallu environ six à huit mois, voire presque un an, avant que le scénario ne soit finalisé », explique-t-il. « J’ai commencé à l’écrire juste après Origins et j’étais très satisfait de l’avancement du projet. J’avais hâte de le tourner et d’essayer autre chose que le found footage. En tant que scénariste et réalisateur, j’aime la nouveauté et je déteste la répétition. Je me suis dit que la meilleure façon de préserver l’originalité de Hell House était d’essayer de faire peur aux gens d’une nouvelle manière. Voilà pourquoi j’ai choisi que m’éloigner du found footage. » (1)

Le personnage central de ce cinquième épisode est l’ancienne animatrice de télévision Vanessa Shepherd (Elizabeth Vermilyea) qui était déjà l’héroïne de Hell House LLC 3. Plusieurs années après avoir frôlé la mort, elle reste hantée par des visions et des cauchemars récurrents liés aux événements traumatisants qu’elle a vécus. Installée dans la ville d’Abaddon, elle semble prisonnière d’une emprise inexplicable qui la rattache à ce lieu maudit. Lorsque des morts mystérieuses commencent à frapper son entourage, elle comprend peu à peu que son passé est intimement lié à l’hôtel Abaddon, au sinistre manoir Carmichael et à une série de meurtres inexpliqués qui ensanglantent la région depuis des décennies. Déterminée à comprendre ce qui lui est arrivé et à briser le cycle de la terreur, Vanessa entreprend d’enquêter sur ces événements avec l’aide d’Alicia Cavalini (Searra Sawka), une journaliste tenace en quête de vérité. Ensemble, elles vont se plonger dans les secrets les plus sombres de la ville et remonter la piste d’un mal dont l’influence semble s’étendre bien au-delà de ce qu’elles imaginaient…

Les liens du sang

Le passage du médium « found footage » à une narration plus classique permet à Cognetti de varier les plaisirs, en soignant tout particulièrement sa photographie et ses ambiances sonores. On découvre ainsi que son savoir-faire dépasse l’exercice de la caméra subjective accidentée et s’ouvre vers une esthétique plus sophistiquée. Ce choix artistique crée chez les spectateurs familiers avec la franchise un certain trouble, dans la mesure où ils revoient des scènes, des lieux et des situations qu’ils connaissaient déjà, mais mises en scène cette fois-ci sous un autre angle, avec un autre regard. Cette démarche finit même par susciter une interrogation plus large liée à ce qu’est la réalité elle-même, ou du moins son simulacre. Les fausses images captées au caméscope sont-elles plus réalistes que celles cadrées et découpées selon un langage filmique plus conventionnel ? Du point de vue du récit lui-même, la nouveauté vient de l’inversion des figures. Ici, ce ne sont plus les protagonistes qui entrent dans des lieux hantés, mais les spectres masqués, les démons, les clowns sanglants et les balles rouges qui viennent contaminer le monde réel. Ce ne sont donc plus les lieux qui sont hantés, mais les gens eux-mêmes, via un principe de « contamination surnaturelle » qui nous rappelle la saga Ju-On. De son côté, le Lineage du titre évoque un enchevêtrement de connections entre différentes personnes liées au drame survenu en 1989 (la mort de Margaret Carmichael heurtée par une camionnette). Tous ceux qui périrent dans l’hôtel Abandon ou dans le manoir Carmichael semblent s’y rattacher d’une manière ou d’une autre. Cognetti fait ici preuve d’une belle inventivité le poussant à relier toutes les péripéties des quatre films précédents en un tout cohérent. S’agit-il pour autant de l’ultime opus de la franchise ? Sa fin très ouverte laisse en tout cas entrevoir plusieurs possibilités de nouvelles suites…

 

(1) Extrait d’une interview publiée sur ScriptMag en août 2025

 

© Gilles Penso

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THE GOOD BOY (2025)

Un jeune voyou est séquestré par une famille « bien comme il faut » qui décide de le ramener dans le droit chemin par tous les moyens…

GOOD BOY / HEEL

2025 – POLOGNE / GB

Réalisé par Jan Komasa

Avec Stephen Graham, Andrea Riseborough, Anson Boon, Kit Rakusen, Monika Frajczyk, Savannah Steyn, Mila Jankowska, Callum Booth-Ford, Noah Valentine

THEMA TUEURS

La genèse de Good Boy (qui a été rebaptisé Heel aux Etats-Unis pour éviter la confusion avec le film homonyme de Ben Leonberg) remonte à la rencontre entre le producteur Jerzy Skolimowski et le réalisateur Jan Komasa, alors que ce dernier assurait la promotion de Corpus Christi, en 2019. Skolimowski lui soumet un scénario de thriller qui n’a alors que peu de choses en commun avec le film final. Écrit en polonais, il raconte l’histoire d’un hooligan dans les rues de Varsovie. Séduit par le projet, Komasa accepte de le reprendre, mais sa transposition en anglais et son déplacement dans le Yorkshire britannique vont profondément en modifier la tonalité. Pour le cinéaste, il s’agit d’une première expérience de réalisation en langue anglaise, avec l’ambition de toucher un public international. Ce changement de décor s’accompagne d’un adoucissement relatif du récit. Dans la version originale, Tommy se livrait pendant la première moitié du film à des actes d’une brutalité extrême. « En Pologne, nous avons une plus grande tolérance à la violence dans notre cinéma », explique Komasa. « Tommy était épouvantable pendant quarante minutes : il faisait des trucs complètement dingues et s’en prenait aux gens dans la rue. C’était insupportable, mais j’adorais ça! » (1) Réduite à un montage de cinq minutes dans le film définitif, cette introduction donne néanmoins le ton sans se réfréner sur la cruauté et sur la nature sauvage et incontrôlable de son protagoniste.

Notre protagoniste est donc Tommy (Anson Boon), 19 ans, un jeune délinquant toxicomane qui cultive la provocation et la violence, dont il filme les débordements pour les diffuser sur les réseaux sociaux. Un soir, après avoir enchaîné alcool, drogues et comportements agressifs en boîte de nuit, il se retrouve séparé de ses amis et disparaît, enlevé par un mystérieux inconnu. À son réveil, il découvre qu’il est enchaîné comme un animal au sous-sol d’une demeure isolée du Yorkshire. Ses ravisseurs, Chris (Stephen Graham) et Kathryn (Andrea Riseborough), forment un couple aussi respectable en apparence qu’inquiétant. Leur objectif : rééduquer Tommy afin de pouvoir le réintégrer dans la société. Malgré ses hurlements et ses tentatives de rébellion, ses geôliers affichent un calme imperturbable, nous laissant imaginer que cette expérience n’est pas la première du genre. Leur fils, Jonathan (Kit Rakusen), un garçon au comportement étrangement impassible, semble lui aussi prisonnier de cet univers familial opaque. C’est alors que Rina (Monika Frajczyk), une jeune Macédonienne venue répondre à une annonce pour un poste de femme de ménage, découvre Tommy enchaîné dans la cave et devient malgré elle le témoin de cette invraisemblable entreprise de dressage humain…

L'humain reconditionné

Le tour de force du film consiste à nous attacher à des personnages qui n’ont rien pour susciter l’empathie: Tommy est un sale gosse violent et autodestructeur qui ne respecte rien ni personne, Chris cache sous ses airs affables l’âme autoritaire d’un homme au bord de la psychopathie, son épouse est prostrée et à moitié folle, leur fils tellement souriant et euphorique qu’il en devient glaçant. Seule Rina attire un peu notre sympathie, même si le scénario ne nous confie pas beaucoup d’éléments à son sujet. Le passé et les secrets des personnages restent d’ailleurs partiellement enfouis, éveillant la curiosité et sollicitant l’imagination des spectateurs. Ce refus d’un manichéisme trop marqué n’était pas un choix simple de la part de Jan Komasa. Le public aurait tout aussi bien pu se désintéresser du sort des personnages. Après tout, ce voyou n’a-t-il pas ce qu’il mérite ? Cette « famille modèle » n’aurait-elle pas sa place dans un hôpital psychiatrique ? Mais les rapports de forces finissent par changer, les failles affleurent de chaque côté, notamment chez Tommy qui, peu à peu, s’assagit, sans que nous ne sachions pleinement s’il s’agit de simulation et de manipulation, d’un syndrome de Stockholm finissant par l’attacher à ses geôliers, ou d’un véritable abaissement de ses barrières. Cet enfermement radical aurait-il finalement les vertus thérapeutiques espérées ? Ou est-ce le contraire qui est en train de se produire ? L’exercice de style est fascinant, le suspense souvent à son comble, les acteurs formidables et le dénouement à la fois savoureux et saisissant.

(1) Extrait d’une interview publiée sur Dazed en mars 2026

© Gilles Penso

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RECLUSE (2026)

Venue au chevet de son père artiste peintre, une technicienne qui travaille dans le cinéma fait face à d’étranges phénomènes…

RECLUSE

2026 – USA

Réalisé par Henry Chaisson

Avec Sasha Frolova, Kimball Farley, Toby Poser, Mia Vallet, Xander Berkeley, Thomas Cancellara, Gillian Cooper, Christine Nyland, Aidan Peluso, James M. Reilly

THEMA FANTÔMES

Scénariste du film d’horreur Affamés et de plusieurs épisodes de Servant, produits respectivement par Guillermo Del Toro et M. Night Shyamalan, Henry Chaisson décide de passer à la mise en scène en 2026, après avoir fait ses armes sur plusieurs courts-métrages. Son crédo reste l’épouvante atmosphérique et le fantastique minimaliste, maîtres mots de Recluse dont il signe à la fois l’écriture et la réalisation mais aussi la bande originale. « J’adore les films d’horreur qui jouent sur le son, car c’est un peu ambigu et on n’est pas tout à fait sûr de ce qu’on entend », explique-t-il. « Avec la maison d’un artiste comme décor principal, il était possible de créer une couche sonore ambiguë laissant entendre aux spectateurs que quelque chose de vraiment grave s’était déroulé sur place dans le passé. C’est évidemment une expérience plus intéressante si le film est vu dans une salle de cinéma, de préférence avec un son Surround. » (1) Pour écrire le script de Recluse, Chaisson s’inspire de ses propres souvenirs d’enfance, lorsqu’il s’amusait à chasser les fantômes chez ses grands-parents avec un magnétophone. « Une fois, j’ai enregistré une voix bizarre et je ne sais toujours pas si c’était un voisin ou un cousin qui me faisait une blague, ou si c’était autre chose », raconte-t-il. « Ça m’a longtemps hanté. » (2) Pour la patine visuelle du film, le réalisateur se laisse influencer par les peintures d’Edward Hopper et Andrew Wyeth, ainsi que par tout un pan du cinéma gothique anglo-saxon.

Joan (Sasha Frolova), ingénieure du son solitaire et mal à l’aise dans le monde qui l’entoure, apprend que son père, Lawrence Wyatt (Xander Berkeley), un célèbre artiste fasciné par l’occultisme, a été grièvement brûlé dans un incendie. Alors qu’il lutte entre la vie et la mort, elle retourne dans le manoir familial, en Nouvelle-Angleterre, qu’elle a quitté depuis longtemps. Accueillie par Lydia (Toby Poser), la gouvernante de son père, et Emily (Mia Vallet), une infirmière dévouée, Joan retrouve une demeure envahie par les œuvres inquiétantes de Lawrence et chargée d’un passé qu’elle n’a jamais réussi à éclaircir. Depuis son arrivée, d’étranges phénomènes troublent ses perceptions. Des voix résonnent dans les pièces désertes, des sons semblent surgir de nulle part et son père évoque entre deux râles une présence mystérieuse au sein de la maison. Joan y reconnaît peut-être l’écho de sa mère, disparue lorsqu’elle était enfant. En explorant les lieux à l’aide de son matériel d’enregistrement, elle tente de capter les traces d’une présence invisible. De vieilles cassettes lui révèlent peu à peu les raisons du départ de sa mère, qui semblait elle-même percevoir quelque chose de profondément inquiétant dans cette demeure…

Voix d'outre-tombe

Sur la forme, il n’y a rien à dire. Les acteurs sont très investis, la photo est somptueuse, la bande son extrêmement travaillée, bref Henry Chaisson parvient sans mal à construire un climat d’épouvante réussi, avec son lot de frissons insidieux, d’ombres furtives, de bruits, de voix et d’apparitions soudaines. Les statues effrayantes qui se dressent dans les arrière-plans ne semblent demander qu’à s’animer dès que les personnages ont le dos tourné, ce qui contribue grandement à l’atmosphère anxiogène, tout comme le masque blafard que porte le peintre pour dissimuler son visage calciné. Ces deux éléments picturaux ont d’ailleurs été conçus et sculptés par l’acteur Xander Berkeley lui-même. Le problème, c’est qu’il nous semble avoir déjà vu tout ça ailleurs. Alors certes, le dernier tiers parvient à nous prendre par surprise en multipliant les révélations et les rebondissements. Mais le film ne raconte rien de foncièrement mémorable, se contentant la plupart du temps de son ambiance et de ses circonvolutions scénaristiques finales. Autre souci, et pas des moindres : le métier d’ingénieure du son de l’héroïne et sa propension à tout enregistrer et tout écouter ne nous mène finalement nulle part. On aurait imaginé des indices collectés dans ces enregistrements – façon Blow Out – afin de faire avancer les investigations, des révélations et des surprises nées de ces captations audio. Or cet élément aurait tout aussi pu être supprimé de l’intrigue sans changer son déroulement. C’est plus que dommage.

(1) et (2) Extraits d’une interview parue dans Dread Central en juin 2026

© Gilles Penso

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HOT SPOT (2026)

Dans un monde futuriste gangréné par la crise énergétique, les humains sont connectés à une I.A. qui régit leurs vies…

HOT SPOT

2026 – POLOGNE / NORVÈGE / GRÈCE

Réalisé par Agnieszka Smoczynska

Avec Andrzej Konopka, Noomi Rapace, Reina Kirishma, George Aurimas Cris, Filippa Kaye, Niki Sereti, Ektor Liatsos, Rasmi Tsopela, Eleni Tzangka

THEMA FUTUR

Non, ce Hot Spot n’est pas le remake de l’excellent polar homonyme réalisé par Dennis Hopper en 1990. Il s’agit d’un thriller futuriste né après une longue maturation, auquel la réalisatrice polonaise Agnieszka Smoczyńska a consacré plusieurs années de sa vie en s’appuyant sur un scénario de Robert Bolesto, son collaborateur sur The Lure. Le projet est né au début des années 2020, bien avant que ChatGPT ne popularise l’intelligence artificielle. Pourtant, l’IA toute-puissante qui occupe le cœur du récit nous semble aujourd’hui singulièrement prémonitoire. À l’origine du film se trouve une réflexion de Bolesto sur la désinformation et l’effacement progressif des frontières entre réalité et fiction. Lorsque Smoczyńska découvre son histoire de cyber-sorcière vivant dans un camp de réfugiés, elle décide aussitôt d’en tirer un film. Hot Spot est conçu pour faire converger les grandes inquiétudes contemporaines – surveillance, guerres, crise climatique et emprise technologique – dans un univers où la sorcellerie et les algorithmes deviennent indissociables. Pour donner corps à ce monde désenchanté, la réalisatrice choisit Athènes comme décor naturel. Les vestiges de la crise économique, les bâtiments abandonnés et les infrastructures fatiguées lui offrent le cadre idéal du futur délabré qu’elle a en tête. Cette vision radicale s’accompagne d’un défi humain particulier : les rôles principaux sont tenus par des interprètes polonais, suédois, japonais et grecs, parlant quatre langues différentes. Le thème de l’incommunicabilité se propage donc même dans les coulisses du film.

Dans un futur proche, l’humanité est entièrement soumise à « La Tête », une intelligence artificielle consciente qui régit chaque aspect de l’existence. Tous les citoyens sont connectés à elle grâce à un nano-bio-organisme implanté dans leur corps, qu’ils doivent entretenir quotidiennement en consommant un « jelly bean ». Cette connexion leur permet de communiquer par la pensée, comme si chacun avait en permanence des voix dans la tête. Mais quiconque refuse de se soumettre à ce système est condamné à être éliminé. Les corps sont ensuite recyclés en eau et en énergie. Un jour, sur le site d’un aéroport désaffecté transformé en camp de réfugiés, une femme est sauvagement assassinée selon un rituel macabre. Les autorités chargées de l’immigration signalent le crime à « La Tête », qui confie l’enquête au détective privé Jan 623 (Andrzej Konopka). Le camp abrite les Néoâmes, des réfugiés qui refusent de se connecter par conviction religieuse. Parmi eux, Rana (Noomi Rapace) attire rapidement les soupçons de Jan. Énigmatique, elle semble posséder des pouvoirs surnaturels qui pourraient menacer l’ordre numérique établi.

Le droit à la déconnexion

« La Tête » étant à la fois décrite comme un dieu et une sorte d’émule du Big Brother de 1984, le sujet de notre dépendance à l’IA prend ici une dimension particulièrement inquiétante. Les individus, eux, ne sont plus que les pions d’un système qu’ils ne maîtrisent plus. D’autant que s’ils se déconnectent de « La Tête » (entendez « la matrice »), ils risquent leur vie. Comme pour entrer en rupture avec cette digitalisation du monde, la mise en scène d’Agnieszka Smoczynska évoque une bestialité enfouie au plus profond de certains humains. Notre protagoniste, notamment, possède des attributs physiques de fauve, tandis que la bande son l’accompagne de ronronnements et de rugissements. Une scène de forêt nocturne le mue même furtivement en félin, tandis que son épouse prend les traits d’un cervidé. Sans concession, Hot Spot s’autorise des écarts très brutaux, comme ces têtes qui explosent façon Scanners, cette victime horriblement mutilée (dont la tête arrachée a été attachée à la place du sexe), ces larves géantes qui dévorent les cadavres gloutonnement, ou encore ce visage dévoré en gros plan lors du climax. Toutes ces idées originales ne nous mènent hélas nulle part, d’autant que la véritable nature de Jan nous échappe totalement. Ses looks improbables (combinaison en cuir, kilt, mulet blond, boucles d’oreille, vernis à ongles) lui ôtent toute crédibilité et ses transformations progressives en fauve demeurent incompréhensibles.On ne peut pas reprocher à Smoczynska son manque d’ambitions artistiques, mais l’univers singulier qu’elle bâtit dans Hot Spot est finalement trop abscons et trop hermétique pour pleinement nous convaincre.

© Gilles Penso

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WICKED LAKE (2008)

Quatre jeunes femmes partent en week-end dans une cabane près d’un lac où des hommes lubriques les agressent, jusqu’à ce que la menace s’inverse…

WICKED LAKE

2008 – USA

Réalisé par Zach Passero

Avec Carlene Baker, Eryn Joslyn, Eve Mauro, Robin Sydney, Michael Esparza, J.D. Brown, Will Keenan, Tim Thomerson, Angela Bettis, Marc Senter, Luke Y. Thompson

THEMA SORCELLERIE ET MAGIE I CANNIBALES

Wicked Lake ayant été sélectionné dans plusieurs festivals internationaux et s’étant vu doter d’une belle édition en DVD et en Blu-Ray, nous étions légitimement prêts à découvrir une œuvre intéressante et singulière. Rien ne nous préparait donc à l’impensable désastre artistique que représente cette série Z bâclée avec un budget quasi-inexistant par le réalisateur Zach Passero, surtout connu pour ses activités de monteur sur des films aussi variés que The Woman, Ghoul, Tales of Halloween ou L’Homme qui a tué Hitler et puis le Bigfoot. Le premier plan du film annonce la couleur. Ilene, une jeune femme incarnée par Robin Sydney, habituée des productions Charles Band (les sagas Evil Bong, et Gingerdead Man), y pose entièrement nue pour les besoins d’un cours de dessin. Tandis que la caméra s’attarde plus que de raison sur chaque détail de son anatomie, l’un des élèves, Caleb (Marc Senter), habillé comme Prince et agité de tremblements compulsifs, s’active sur sa planche à dessin en imaginant que la jeune femme se caresse langoureusement en lui adressant des messages salaces. Puis il la suit à la sortie du cours, la démarche claudicante, le phrasé saccadé, la raccompagne chez elle, la supplie pour toucher l’un de ses seins et s’enfuit en courant quand il constate qu’elle partage son appartement avec trois girondes colocataires.

Lorsque nous nous retrouvons en présence de la famille de Caleb, des rednecks dégénérés et hystériques, nous comprenons définitivement que la finesse ne sera pas de mise et que Wicked Lake sera un film sans queue ni tête. La séquence suivante, d’une gratuité qui laisse rêveur, montre Ilene et ses trois amies Jill (Eve Mauro), Helen (Eryn Joslyn) et Mary (Carlee Baker), se complaire dans une grande orgie conçue manifestement pour titiller la libido du public masculin et l’inciter à regarder la suite. Car n’importe quel spectateur normalement constitué pourrait être tenté de lâcher l’affaire. C’est d’un œil très distrait que nous suivons ensuite les quatre jeunes femmes s’embarquer pour un road trip qui les mènera dans une maison au bord d’un lac. Au programme : un week-end de nudisme et de détente. Mais la famille de Caleb les a suivies et entend bien se livrer à quelques viols, tortures et assassinats sur les ingénues. Pour compliquer les choses, un duo de ploucs échappés de la station-service du coin décide de se mêler à la fête. Comme si ça ne suffisait pas, deux flics sont également sur les traces de nos protagonistes…

Les sorcières cannibales

Le film semble donc vouloir prendre la forme d’une variante de I Spit on Your Grave qui multiplierait par quatre le nombre des victimes. Mais le scénario nous apprend qu’à minuit, les jeunes femmes révèleront leur vraie nature et pourront retourner la situation. Ce sont en effet de redoutables créatures soudain dotées d’immortalité et d’un appétit anthropophage insatiable. S’agit-il de sorcières, comme le suggèrent les dialogues (« nous ne voyageons pas sur des balais, nous préférons les voitures »), de cannibales ou de vampires ? Nous ne le saurons jamais vraiment, et après tout qu’importe. À ce stade, l’amateur de gore a droit à quelques excès amusants et à une poignée de séquences outrancières (les furies qui aspirent le cerveau d’une de leur victime avec une paille ou qui font cuire la tête coupée d’un autre dans un four à micro-ondes, le malheureux Caleb qui se retrouve cloué contre la porte et n’en finit plus d’agoniser) mais c’est bien maigre pour justifier ne serait-ce que l’existence d’un tel nanar. Extrêmement mal joué (les femmes multiplient les éclats de rire forcés, les hommes grognent comme des bêtes lubriques), filmé n’importe comment, monté en dépit du bon sens, Wicked Lake traîne en longueur et ne va nulle part. En guest-stars, nous apercevons Tim Thomerson, lui aussi familier des films de Charles Band (Zone Troopers, Dollman, Future Cop) et Angela Bettis (May, Carrie), sans que leur présence n’apporte la moindre plus-value à ce film calamiteux.

© Gilles Penso

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