AVATAR : DE FEU ET DE CENDRES (2025)

La famille de Jake Sully fait face à une nouvelle menace : une tribu barbare qui risque de faire basculer le destin des habitants de Pandora…

AVATAR : FIRE AND ASH

 

2025 – USA

 

Réalisé par James Cameron

 

Avec Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Kate Winslet, Jack Champion, Britain Dalton, Trinity Jo-Li Bliss, Oona Chaplin

 

THEMA EXTRA-TERRESTRE I SAGA AVATAR

La saga Avatar est un objet protéiforme dont James Cameron a pris soin de concevoir l’entièreté en se laissant toujours la possibilité d’interrompre le récit à mi-parcours en cas d’insuccès. Car malgré les apparences, le père d’Aliens et d’Abyss est loin d’être un artiste fou et obsessionnel. Si l’univers de Pandora le fascine au plus haut point et si la tentation d’en explorer toutes les facettes l’anime ardemment, il sait aussi qu’une telle franchise coûte trop cher pour se soumettre à ses seules envies. Son projet se décline donc en trois phases possibles : un seul film si le premier Avatar est un échec, une trilogie si le second ne remplit pas suffisamment les objectifs financiers, et une pentalogie dans le meilleur des cas. Or les triomphes des deux premiers volets lui auront permis de mener à bien son rêve et d’offrir à cette planète-monde inventée de toutes pièces un écrin titanesque à la hauteur de sa vision. Avatar se déclinera donc sous forme de cinq longs-métrages repoussant toutes les limites artistiques et techniques connues. A priori, ce troisième opus semble vouloir poursuivre une sorte de quête des quatre éléments – après la terre et l’eau, voici le feu. Mais comme toujours chez Cameron, les choses sont plus complexes qu’elles n’y paraissent. De fait, le sous-titre De feu et de cendres est à double sens. Il évoque d’abord les ravages incandescents provoqués par la nouvelle tribu mise en scène dans le film, mais fonctionne aussi sur un plan symbolique. « Si vous considérez le feu comme la haine, la colère et la violence, alors les cendres en sont les conséquences », explique Cameron. « Et quelles sont les conséquences ? Le chagrin et la perte. Et qu’est-ce que cela provoque ? Plus de violence, plus de colère et plus de haine. C’est un cercle vicieux. Voilà le raisonnement. » (1)

En réalité, Avatar : La voie de l’eau et Avatar : De feu et de cendres s’appréhendent comme les deux facettes d’une seule aventure épique, dans la mesure où une grande partie des enjeux laissés en suspens dans le film précédent trouvent ici leur résolution, ou du moins leur développement. Certains pourraient craindre un effet de déjà vu, mais cela reviendrait à dire que Terminator 2 ressemble trop à Terminator. Non content de reprendre exactement les personnages de La voie de l’eau là où nous les avions laissés, De feu et de cendres réorganise leurs arcs émotionnels respectifs de manière inattendue et prend une ampleur vertigineuse. Les séquences d’action monumentales abondent donc et parviennent encore à surprendre et à surpasser tout ce que nous avions déjà vu dans les chapitres précédents. Les hostilités sont lancées très tôt avec l’attaque de la somptueuse caravane volante des marchands du vent (sublime vision de pure fantasy) par les Mangkwan, un clan de damnés retournés à la barbarie et prêts à sacrifier toutes les vies pour satisfaire leurs besoins primaires. Ce premier morceau de bravoure d’une sauvagerie et d’une intensité époustouflantes réoriente soudain le récit et influe sur le destin de la famille de Jake Sully. Dès lors, l’intrigue n’en finit plus de rebondir et les nœuds dramatiques se redéfinissent, laissant souvent imaginer le pire pour nos protagonistes, devenus gibiers d’une traque impitoyable dans une nature hostile.

Le règne du feu

Entre deux scènes mouvementées (et le film n’en manque pas, c’est le moins qu’on puisse dire !), Avatar : De feu et de cendres n’hésite pas à explorer les penchants les plus sombres de ses personnages. Ici, la cellule familiale est plus que jamais menacée, d’autant que les dangers viennent aussi de l’intérieur. Trouver sa place, garder l’équilibre, survivre à tout prix sont autant de sujets de tension qui peuvent conduire vers des pensées et des prises de position d’une noirceur déconcertante. Le scénario co-écrit par Cameron, Rick Jaffa et Amanda Silver brise ainsi volontairement tout manichéisme trop tranché, non seulement du côté des héros mais aussi chez leurs ennemis. Les Mangkwan nous prouvent ainsi qu’il existe aussi des Na’vis maléfiques, brutaux, déconnectés de la nature, dominés par la redoutable Varang (Oona Chaplin), sans conteste l’une des figures les plus mémorables de ce troisième volet. Le colonel Quaritch, lui, se révèle plus ambigu que jamais, partagé entre son impitoyable quête militaro-colonialiste et ses sentiments paternels refoulés. Même la faune est à double tranchant, comme nous le prouvent notamment ces monstrueux céphalopodes aux allures de pieuvres géantes carnassières. L’épopée Avatar achève ainsi son premier cycle avec flamboyance, cet opus refermant de nombreuses portes tout en laissant la voie ouverte vers les deux autres épisodes dont Cameron a d’ores et déjà lancé les préparatifs. Avatar : De feu et de cendres est dédié à la mémoire du producteur John Landau, fidèle collaborateur du réalisateur, décédé en juillet 2024.

 

(1) Extrait d’une interview publiée dans Entertainment Weekly en août 2024.

 

© Gilles Penso

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LE MORT QUI MARCHE (1936)

Boris Karloff incarne un condamné à mort injustement accusé qui est miraculeusement ressuscité par un scientifique exalté…

THE WALKING DEAD

 

1936 – USA

 

Réalisé par Michael Curtiz

 

Avec Boris Karloff, Ricardo Cortez, Edmund Gwenn, Marguerite Churchill, Warren Hull, Barton MacLane, Joe King

 

THEMA ZOMBIES

Après Le Fantôme vivant, Boris Karloff joue un nouveau mort-vivant, mais cette fois-ci ce n’est plus un savant fou féru d’égyptologie. Il s’agit d’un homme injustement exécuté, revenu d’entre les morts pour réclamer justice. Loin du film de zombies traditionnel que son titre semble annoncer aujourd’hui (The Walking Dead en V.O., sept décennies avant le comic book et la série qui populariseront l’expression), ce long métrage signé Michael Curtiz mêle le drame judiciaire, le film de gangsters et le conte surnaturel en un cocktail étonnant. Le film s’ouvre sur une Amérique rongée par la corruption. John Elman (Karloff), ancien détenu tout juste libéré, tente de se réinsérer mais se retrouve piégé par une bande d’avocats véreux. Ces derniers assassinent le juge Shaw – celui-là même qui avait condamné Elman des années plus tôt – et font porter le chapeau à leur bouc émissaire idéal. Arrêté, jugé et condamné à mort, Elman est électrocuté avant que n’apparaisse la preuve de son innocence. Trop tard : la justice des hommes a déjà frappé. C’est là qu’intervient le docteur Evan Beaumont (Edmund Gwenn), scientifique humaniste obsédé par la frontière entre vie et mort. À peine la sentence exécutée, il récupère le corps du condamné et le ramène à la vie dans une séquence d’expérimentation qui n’est pas sans rappeler celle du laboratoire de Frankenstein, avec son lot d’arcs électriques, de générateurs crépitants et d’instruments improbables.

Toutefois, contrairement au docteur Frankenstein, Beaumont n’est pas mû par la démesure ou l’orgueil : il cherche, sincèrement, à comprendre. Et c’est cette bienveillance scientifique, rare à l’époque dans le cinéma d’épouvante, qui donne au film son ton singulier. Lorsque John Elman rouvre les yeux, ce n’est plus tout à fait un homme. Sa mémoire est fragmentée, son regard hanté. Peu à peu, il retrouve ceux qui l’ont trahi, les reconnaissant sans mots, comme guidé par une intuition surnaturelle. Les conspirateurs tombent les uns après les autres, non sous la violence brute, mais comme frappés par leur propre peur. Karloff, sans maquillage extravagant, fait de son visage blafard une surface d’expression saisissante. Son regard fixe, son pas mécanique et sa mèche de cheveux blanchie suffisent à incarner la mort en marche. Dans ces moments, The Walking Dead rejoint la grande tradition expressionniste venue d’Allemagne, dont Curtiz, lui-même émigré d’Europe centrale, connaissait bien les codes.

« Laissez les morts à leur créateur »

Le futur réalisateur de Casablanca injecte dans son récit un sens du cadre et de la lumière déjà virtuose. Les ombres de la prison se projettent sur les murs, les barreaux découpent les visages et la mise en scène préfigure les futurs contrastes visuels du film noir. Une scène particulièrement marquante montre Karloff jouant du piano, son visage partiellement flouté par la lumière, tandis que les coupables assistent, pétrifiés, à une sorte de jugement silencieux. Cette dimension quasi biblique culmine dans les dernières minutes, lorsque Beaumont, penché sur Elman agonisant pour lui demander ce qu’il a vu « de l’autre côté », reçoit pour toute réponse : « Laissez les morts à leur créateur. Le Seigneur notre Dieu est un Dieu jaloux. » Le Mort qui marche fonctionne donc aussi comme une parabole morale, celle d’un homme que la science ramène parmi les vivants pour achever ce que la justice terrestre a manqué. Si le scénario reste schématique et que la narration s’étire parfois dans des dialogues convenus, Curtiz parvient, en à peine soixante-dix minutes, à créer une atmosphère de malaise fascinante. Quant à Karloff, toujours d’une humanité bouleversante, il renverse le mythe du revenant en y insufflant la dimension d’un martyr.

 

© Gilles Penso

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EXCALIBUR KID (1999)

Un adolescent se retrouve projeté en plein moyen-âge par une sorcière maléfique et devient malgré lui le nouveau roi d’Angleterre…

EXCALIBUR KID

 

1999 – USA

 

Réalisé par James Head

 

Avec Jason McSkimming, François Klanfer, Mac Fyfe, Francesca Scorsone, Natalie Ester, Serban Celea, Theodor Danetti, George Duta, Camelia Maxim

 

THEMA VOYAGES DANS LE TEMPS I SORCELLERIE ET MAGIE I SAGA CHARLES BAND

Pour pouvoir alimenter régulièrement les bacs vidéo avec des produits calibrés pour toute la famille, sous le label Moonbeam, le producteur Charles Band et ses auteurs finissent par manquer d’inspiration et n’hésitent pas à recycler des idées qu’ils ont déjà exploitées. Avec Excalibur Kid, le scénariste Antony Anderson reprend donc à peu près la même trame que celle de Medieval Park (dont il est également l’auteur) ainsi que le principe d’un jeune héros contemporain confronté à Merlin l’enchanteur et au roi Arthur (déjà vu dans La Légende de Johnny Mysto). On ne compte plus, du reste, le nombre de protagonistes des productions Band qui se retrouvent propulsés en plein moyen-âge, de Future Cop à Josh Kirby en passant par Contes macabres : la reine du château, Dungeon of Desire, Mysterious Museum et bien d’autres. L’une des raisons majeures de ce choix, au-delà des rebondissements intéressants qu’il permet, est la localisation des tournages sur les sites de Castel Flms, en Roumanie, riches en patrimoine médiéval. Autant dire qu’avec Excalibur Kid, nous sommes donc en terrain connu. Le réalisateur James Head, en revanche, est un nouveau venu chez Band. Après avoir été assistant caméra sur une vingtaine de films (dont Étroite surveillance de John Badham) puis réalisateur de séries TV et de téléfilms, le voilà qui entre dans la danse en suivant sagement les codes visuels du catalogue Moonbeam.

Zack (Jason McSkimming), un ado du vingtième siècle passionné d’escrime, voit sa vie chamboulée le jour où ses parents annoncent un déménagement qui l’obligera à changer d’école. Furieux, il s’enfuit dans les bois voisins, rêvant d’un âge héroïque où la chevalerie dictait sa loi. Ce qu’il ignore, c’est qu’une sorcière médiévale, Morgause (Francesca Scorsone), l’observe en secret grâce à ses pouvoirs de voyance. Près d’un lac, Zack découvre une mystérieuse flûte de pan puis une étrange bâtisse semblant sortie d’un autre temps. Sans s’en rendre compte, il vient de se retrouver propulsé au cœur du moyen âge. Là, il tombe sur Excalibur, qu’il arrache du rocher avec une déconcertante facilité, devenant malgré lui le nouveau roi d’Angleterre. Mais ce couronnement express n’est qu’un piège : Morgause a tout orchestré pour s’emparer du pouvoir. Zack va devoir s’allier au magicien Merlin (François Klanfer) et au jeune Arthur (Mac Fyfe) pour leur restituer Excalibur et remettre ce dernier sur le trône qui lui revient. Une mission qui sera loin d’être simple…

Les petits chevaliers de la table ronde

Honnêtement, il n’est pas facile d’entrer dans la peau de ce personnage principal qui est censé avoir quinze ans (alors que son interprète en a vingt) et qui ne s’étonne absolument pas d’avoir subitement remonté le temps plusieurs siècles en arrière. Car une fois qu’il débarque dans l’Angleterre médiévale, Zack accepte tout naturellement cette situation incongrue et se laisse porter par les événements. La sorcière Maeve n’est pas beaucoup plus crédible, Francesca Scorsone étant clairement trop jeune (22 ans au moment du tournage) pour entrer dans la peau de cette praticienne aguerrie de la magie noire. Arthur, lui, nous est décrit comme un grand gaillard un peu idiot et maladroit. Quant à Merlin, c’est un type grincheux et nerveux qui se transforme tour à tour en cheval, en souris ou en chien et véhicule la plupart des gags mous du film. A vrai dire, le moment comique le plus réussi n’est pas lié à lui mais à la sorcière, qui a toutes les peines du monde à expliquer ses instructions à deux gardes stupides qu’elle a envoutés. Quelques combats d’épée et une poignée d’effets visuels amusants à défaut d’être très performants (une tête de dragon qui veut s’échapper d’un grimoire, une cape d’invisibilité, un combat de boules d’énergies) s’efforcent de dynamiser ce long-métrage anecdotique qui s’oublie rapidement après son visionnage… comme la plupart des autres opus du catalogue Moonbeam.

 

© Gilles Penso

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ALPHA (2025)

Alors qu’une étrange épidémie se répand dans les hôpitaux, une mère célibataire essaie de gérer les angoisses de sa fille adolescente et les crises de son frère toxicomane…

ALPHA

 

2025 – FRANCE / BELGIQUE

 

Réalisé par Julia Ducournau

 

Avec Melissa Boros, Golshifteh Farahani, Tahar Rahim, Emma Mackey, Finnegan Oldfield, Louai El Amrousy, Marc Riso, Jean-Charles Clichet, François Rollin

 

THEMA MUTATIONS

Julia Ducournau avait frappé très fort dès ses premiers pas derrière la caméra. Grave, récit initiatique sur fond de cannibalisme, avait secoué le public tout en révélant la personnalité atypique d’une réalisatrice alors prometteuse. Mais dès son second opus, Titane, quelque chose commençait à clocher. Difficile de savoir si ce film bizarre, s’amusant avec les codes les plus outranciers du cinéma de genre (l’horreur graphique, le porno chic) avant de bifurquer vers le drame social et psychologique, était le fruit d’une démarche sincère ou un jeu d’esbroufe déguisé en film d’auteur provocateur. Sans doute trop confiante – difficile de ne pas l’être après une Palme d’Or à Cannes -, Ducournau remet le couvert avec un troisième long-métrage pétri manifestement de belles intentions mais terriblement maladroit, pour ne pas dire embarrassant. C’est d’autant plus dommage que le mal-être et le malaise racontés dans Alpha semblent vouloir prolonger ceux que dépeignaient Grave et Titane, et même les premiers courts-métrages de la cinéaste, preuve d’une indiscutable cohérence et d’un discours homogène sans doute nourri d’éléments autobiographiques – ou du moins de peurs profondément intimes. Mais Alpha peine à convaincre, et son visionnage finit par se muer en épreuve rébarbative.

L’intrigue se déroule manifestement dans les années 80, au sein d’une petite ville portuaire du Havre, même si les repères spatiaux et temporels semblent volontairement laissés dans le flou. Une femme médecin (Golshifteh Farahani) travaille dans un service hospitalier fermé suite à une surcharge de malades, tous atteints d’un même virus qui altère progressivement leur corps. Lorsqu’elle rentre chez elle, il lui faut encore gérer une vie familiale pas simple. Sa fille Alpha (Melissa Boros), 13 ans, est saisie de crises d’angoisse et ostracisée par ses camarades de classe qui la croient atteinte d’une maladie contagieuse. Lorsque l’adolescente décide de se faire tatouer la lettre A sur son bras, sa mère panique. L’aiguille était-elle propre ? Ne risque-t-elle pas d’avoir attrapé le virus qui circule en ce moment partout ? Les choses se compliquent encore lorsque l’oncle d’Alpha (Tahar Rahim), un toxicomane sérieusement marqué par la maladie, vient s’installer chez elles…

Tout ça pour quoi ?

Julia Ducournau convoque très tôt une imagerie fantastique dans son film. Les malades atteints de l’étrange mal voient leur peau se craqueler et prendre la teinte du marbre, voire du bronze, bref se déshumaniser progressivement, tandis que leur bouche exhale de la fumée, symbole manifeste de leur souffle de vie qui s’échappe peu à peu. Bien sûr, il n’est pas difficile d’y voir la métaphore de l’épidémie du sida, d’autant que le scénario insiste lourdement sur le fait que ce virus circule dans les veines, se transmet par le sang, touche la communauté homosexuelle… Le « A » tatoué, par lequel le drame s’amorce, serait-il donc à la fois l’initiale de l’héroïne et celle du mot AIDS ? Dans le même état d’esprit, Alpha se transforme littéralement en film catastrophe lorsqu’il faut traduire les moments de panique de la jeune protagoniste. Le monde extérieur semble soudain pris dans une tempête monstrueuse, le plafond de sa chambre se rapproche inexorablement en menaçant de l’écraser. Quant au final, il prend quasiment une tournure apocalyptique où tout n’est bientôt plus que poussière. Mais cette esthétisation de la détresse et de la maladie ne masque pas le problème majeur du film : son incapacité à raconter quelque chose de solide, à nous intéresser à ses personnages et à définir des enjeux dramatiques clairs. Voilà pourquoi, malgré l’indiscutable implication de ses comédiens (la métamorphose physique de Tahar Rahim, incroyablement amaigri, fait froid dans le dos), Alpha nous laisse perplexes et sérieusement dubitatifs.

 

© Gilles Penso

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PREDATOR BADLANDS (2025)

Oubliez la « gueule de porte-bonheur » qu’affrontait Arnold Schwarzenegger : le Predator est désormais un alien gentil en quête de reconnaissance…

PREDATOR BADLANDS

 

2025 – USA

 

Réalisé par Dan Trachtenberg

 

Avec Elle Fanning, Dimitrius Schuster-Kolomatangi, Ravi Narayan, Michael Homik, Stefan Grube, Reuben de Jong, Cameron Brown, Alison Wright, Matt et Ross Duffer

 

THEMA EXTRA-TERRESTRES I SAGA PREDATOR

Vis-à-vis de ce Predator Badlands, nous étions plutôt confiants. Son réalisateur ayant décliné le mythe sous un jour original dans Prey, puis l’ayant fort agréablement transcendé dans le film d’animation Predator : Killer of Killers, cette énième itération s’avérait prometteuse. Premier mauvais signe : pas moins de six scénaristes se mettent au travail sur Predator Badlands : Dan Trachtenberg et Patrick Aison, déjà à l’œuvre sur Prey, mais aussi Brian Duffield, Bryan Fuller, Patrick Somerville et Ben Schwartz. Un tel surnombre n’est généralement pas de bon augure. Avec cette armée de co-auteurs à son service, Disney chercherait-il à s’assurer que le « produit final » coche scrupuleusement toutes les cases d’une franchise multi-supports, déclinable en licences et censée séduire les fans de toutes les générations ? Trachtenberg se veut pourtant rassurant, n’hésitant pas à citer les sources les plus prestigieuses pour révéler au grand public et à la presse les influences de Predator Badland, de Conan le barbare à Mad Max 2 en passant par les films de Terrence Malick, les westerns de Clint Eastwood ou les œuvres épiques de Frank Frazetta. Mais bien malin sera celui qui en trouvera la moindre trace dans ce film invraisemblable.

Ici, les Predators ont une planète natale, des familles et des petits noms. L’espèce à laquelle ils appartiennent s’appelle Yautja et notre héros est Dek, un jeune chasseur qui cherche à obtenir l’approbation de son père, lequel l’a toujours considéré comme le maillon faible du clan. Pour prouver sa valeur, Dek s’envole vers la planète Genna où sévit le Kalisk, un prédateur apparemment invincible qu’il s’est juré de chasser et de tuer. Et voilà le titre qui s’affiche plein écran, après vingt minutes d’introduction : Predator : Badlands. Les « terres désolées » qu’on nous promet pourraient piquer notre curiosité, mais il faut bien avouer que ce long prégénérique n’a déjà rien de très engageant. Sur Genna, Dek fait face à une infinité de dangers qui proviennent non seulement de la flore (particulièrement vivace et agressive) mais aussi d’une faune bizarre faite de ptérodactyles/dragons, d’anguilles/chenilles, de quadrupèdes cuirassés ou d’amibes géantes tous plus voraces les uns que les autres. Au milieu de ces périls répétés, notre Predator fait équipe à contrecœur avec Thia, un androïde endommagé envoyé sur cette planète pour capturer le Kalisk…

Sérieusement ?

Il est difficile de croire que personne, chez Disney, n’ait jugé bon de lever le doigt au milieu des nombreuses réunions de préparation et de préproduction pour oser dire : « désolé les gars mais cette idée de scénario est un peu stupide, non ? » Qui a pu donc valider en haut lieu l’histoire d’un gentil Predator devenant l’équipier d’une androïde amputée, bavarde et joviale, puis faisant ami-ami avec un petit primate mignon et rigolo ? Les cadres du studio ont-ils vraiment pensé que le public adhèrerait à cette relecture façon Dora l’exploratrice ? Le fait même d’intégrer dans l’intrigue la compagnie Wayland Yutani, échappée de la saga Alien, dit bien la volonté de caresser les fans dans le sens du poil en cherchant à établir une sorte de « Cinematic Universe » marvellien entremêlant des franchises réunies désormais sous la bannière de la maison de Mickey. En panne d’idée, Predator Badlands emprunte d’ailleurs à Aliens son climax qu’il reproduit quasiment à la lettre pour le dernier acte. Et nous avons droit, bien sûr, à une scène post-générique s’ouvrant vers un nouvel épisode. Le scénario évacue volontairement tout personnage humain, et l’on en vient à se demander s’il y en a aussi en coulisses, tant cette histoire absurde, ces séquences d’action aléatoires et cet univers de SF patchwork ressemblent à s’y méprendre au fruit du travail d’une intelligence artificielle un peu paresseuse qui se serait contentée de mixer des influences diverses pour tenter d’obtenir un résultat divertissant. En bien piteux état, la franchise risque d’avoir beaucoup de mal à se relever…

 

© Gilles Penso

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LES DÉMONS DE LA NUIT (1977)

En revenant dans la maison où elle vécut avec son défunt époux, une femme nouvellement mariée est victime de terribles hallucinations…

SHOCK

 

1977 – ITALIE

 

Réalisé par Mario Bava et Lamberto Bava

 

Avec Daria Nicolodi, David Colin Jr, John Steiner, Ivan Rassimov, Lamberto Bava, Paul Costello, Nicola Salerno

 

THEMA FANTÔMES I ENFANTS

Shock (rebaptisé Beyond the Door II pour sa sortie américaine, laissant abusivement imaginer qu’il s’agit de la suite du Démon aux tripes) est la dernière œuvre cinématographique de Mario Bava, patriarche du fantastique italien et pionnier du giallo. Ce film est donc le testament d’un cinéaste en fin de parcours, usé par les déconvenues industrielles et les trahisons de producteurs. Après les échecs commerciaux de Chiens enragés et Lisa et le diable – remonté sans son consentement pour devenir La Maison de l’exorcisme -, Bava retrouve ici un budget restreint, une équipe réduite et une liberté paradoxalement plus grande. Le scénario de Shock naît d’une idée de Dardano Sacchetti et Francesco Barbieri, inspirée d’un roman de Hillary Waugh. Abandonné une première fois au début des années 1970, le projet ressuscite grâce à Lamberto Bava, fils du cinéaste, qui en réécrit les fondations avec Alessandro Parenzo. Leur ambition est de conjuguer le surnaturel classique à une approche plus psychologique. Le tournage, mené en cinq semaines dans la villa de l’acteur Enrico Maria Salerno, se déroule dans une atmosphère artisanale où le père et le fils collaborent étroitement. Si Lamberto dirige certaines séquences, il laisse la mise en scène principale à son père. En choisissant un cadre contemporain et une tonalité plus réaliste, Bava s’éloigne des flamboyances de ses chefs-d’œuvre gothiques. Ce parti pris annonce le virage du fantastique italien à la fin des années 1970. Shock n’est donc pas un simple baroud d’honneur mais une œuvre de transition, celle d’un maître qui passe le relais à la génération suivante.

Dora Baldini (Daria Nicolodi), récemment sortie d’un hôpital psychiatrique, s’installe avec son nouveau mari Bruno (John Steiner), pilote de ligne, et son fils Marco (David Colin Jr.) dans une maison moderne isolée, construite sur les vestiges de son passé. Car Dora y a autrefois vécu avec son premier mari, Carlo, toxicomane suicidé dans des circonstances troubles. Dès les premières nuits, la quiétude du foyer se fissure : des bruits étranges, des objets qui bougent, des hallucinations… Dora sent la présence du mort hanter les lieux. Plus inquiétant encore, le jeune Marco adopte un comportement instable, comme si une force invisible s’emparait de lui. Les phénomènes se multiplient jusqu’à brouiller la frontière entre la possession et la folie. Dora croit revoir le visage de Carlo dans les reflets, entend sa voix murmurer à travers les murs et perçoit dans le regard de son fils la menace d’une vengeance posthume. Bruno, rationnel et distant, attribue ces visions à la fragilité mentale de son épouse et l’abrutit de calmants. Mais le doute persiste : la maison est-elle hantée ou Dora sombre-t-elle à nouveau dans la démence ?

Hantise ou folie ?

Bava entretient cette ambiguïté avec une rigueur d’orfèvre. Chaque séquence se mue en jeu de miroirs où la réalité se déforme. Dans l’une des scènes les plus mémorables du film, l’enfant court vers sa mère avant de se transformer fugacement en cadavre putréfié – une illusion réalisée sans trucages visuels mais avec une précision diabolique. Ailleurs, un couteau flotte dans l’air avant d’être révélé comme tenu par Dora elle-même. Ce va-et-vient constant entre le surnaturel et le psychique inscrit Shock dans la lignée des œuvres paranoïaques de Roman Polanski (Répulsion, Rosemary’s Baby, Le Locataire) où l’horreur naît de la contamination du réel. Si Shock déroute, c’est parce qu’il refuse les codes attendus du film d’horreur italien. Bava opte pour une palette terne, presque clinique. Ce dépouillement visuel semble vouloir traduire une évolution stylistique assumée. Car ici, le fantastique surgit des fractures intérieures de ses personnages, et la maison devient une excroissance de la psyché malade de Dora. Daria Nicolodi livre ici une performance bouleversante, mêlant la fragilité et l’hystérie contenue. Son visage hanté, filmé en gros plans oppressants, concentre toute la douleur du film. À ses côtés, John Steiner campe un mari glacial, témoin impuissant du naufrage familial, tandis que le jeune David Colin Jr. donne au motif de « l’enfant démoniaque » une intensité troublante. Ainsi s’achève le parcours du maestro Bava.

 

© Gilles Penso

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VOODOO ACADEMY (2000)

Derrière ses apparences respectables et prestigieuses, une école catholique pour garçons cache de bien étranges activités…

VOODOO ACADEMY

 

2000 – USA

 

Réalisé par David DeCoteau

 

Avec Debra Mayer, Riley Smith, Chad Burris, Kevin Calisher, Huntley Ritter, Ben Indra, Drew Fuller, Travis Sher, Rhett Wilkins

 

THEMA SORCELLERIE ET MAGIE I SAGA CHARLES BAND

Voodoo Academy est l’un des films les plus ouvertement homo-érotiques de David DeCoteau, qui n’a jamais caché ses penchants en ce domaine, même si la plupart de ses – très nombreux – longs-métrages se contentent de tourner timidement autour du sujet sans l’aborder frontalement. Le prologue donne immédiatement le ton, sans détour. Un jeune homme s’y dévêt et commence à se caresser langoureusement le torse. Puis un jeune prêtre intervient, l’attache, lui verse de l’huile sur le corps et commence à le frictionner. Nous voilà prévenus ! Le générique enchaîne ensuite les gros plans successifs de sept beaux gosses ténébreux qui regardent droit dans la caméra, engoncés dans leur joli costume propret de premiers de la classe, le cheveu bien peigné et les yeux perçants. Car à l’exception de Debra Mayer, habituée des productions Full Moon (Blood Dolls, Prison of the Dead, Stitches, Hell Asylum, Cryptz, La Maison du docteur Moreau, Decadent Evil), le casting du film est exclusivement masculin. Et les jeunes acteurs ont de toute évidence été sélectionnés en priorité pour leur apparence, leur anatomie et leur physionomie. DeCoteau a souvent affirmé que Voodoo Academy était « son bébé », autrement dit son film le plus personnel conçu sous l’égide de Full Moon. On comprend pourquoi.

Le jeune Christopher (Riley Smith, vu dans Alien Arsenal) vient de s’inscrire au prestigieux Carmichael Bible College, dirigé par Mme Bouvier (Debra Mayer), une femme avenante dont le défunt époux était un scientifique étudiant la poudre permettant de ramener les zombies à la vie. Cette information, lâchée furtivement au détour d’une conversation, va s’avérer décisive. L’établissement est précédé d’une excellente réputation et n’accepte qu’une demi-douzaine d’étudiants à la fois. Christopher fait ainsi la connaissance de ses cinq camarades et assiste avec eux à son premier cours. « Ici, vous allez apprendre une nouvelle manière de vivre et de penser », leur promet leur enseignant, le charismatique révérend Carmichael (Chad Burris). Dans le cadre de son enseignement, ce dernier utilise un confessionnal d’un tout nouveau genre, connecté à une technologie électromagnétique d’avant-garde supposée éliminer tous les péchés et toutes les idées impures. L’ambiance dans l’école finit par devenir très étrange. Après plusieurs disparitions inexpliquées, Christopher mène l’enquête et découvre que Mme Bouvier et le révérend Carmichael nourrissent des intentions bien peu catholiques à l’égard des jeunes hommes de leur école…

Boys Band

Les acteurs sont plutôt convaincants, mais le film se résume principalement à de longues scènes de dialogues en plan fixe, ce qui finit par émousser naturellement l’intérêt des spectateurs. On s’amuse alors à énumérer le nombre de fois où DeCoteau érotise ses protagonistes : ils pratiquent le sport torse-nu, s’exhibent en débardeur moulant, prennent leur bain en admirant leurs torses respectifs, se caressent longuement en dormant, se déshabillent dans le confessionnal et s’auto-excitent sous les ordres du révérend… Le fin mot de l’histoire ? La transformation des étudiants en poupées vaudou par la sataniste Madame Bouvier, via un rituel démoniaque. Non seulement l’idée est incongrue mais le rendu visuel (la tête des acteurs incrustée sur le corps des petites figurines) est involontairement risible. Le producteur Charles Band peut ainsi s’adonner lui-même à son propre fétichisme, celui des petits monstres et des poupées. Pour autant, il ne semble pas pleinement assumer ce film, qui ne s’accompagne pas du logo habituel de la compagnie Full Moon. Voodoo Academy aura d’ailleurs beaucoup de mal à se vendre, la plupart des vidéoclubs répugnant à exploiter une œuvre aussi ouvertement gay. Ce n’est qu’au moment de sa distribution conjointe dans une version tronquée (en VHS) et dans son montage intégral (disponible en DVD sur le marché international) que le film connaîtra enfin un modeste succès, incitant DeCoteau à en réaliser une suite en 2012.

 

© Gilles Penso

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DEATHSTALKER 3 (1988)

Rien ne va plus dans ce troisième épisode mal fichu qui ravira les amateurs de nanars mais exaspèrera les fans d’heroic-fantasy…

DEATHSTALKER AND THE WARRIORS FROM HELL

1988 – USA / MEXIQUE

Réalisé par Alfonso Corona

Avec John Allen Nelson, Carla Herd, Terri Treas, Thom Christopher, Aaron Hernan, Roger Cudney, Agustin Salvat, Claudia Inchaurregui, Mario Ivan Martinez

THEMA HEROIC FANTASY I SAGA DEATHSTALKER

Deathstalker 2 se révélait supérieur à son modèle sur bien des points, mais avec Deathstalker 3, c’est hélas la dégringolade à tous les niveaux. Le budget semble encore avoir été raboté, au point que Roger Corman – non crédité au générique – recycle tout ce qu’il peut dans ses productions précédentes pour essayer de muscler un peu le résultat final. La musique du générique de début est donc la même que celle des Mercenaires de l’espace (une très belle composition de James Horner qui avait déjà servi pour Space Raiders et Sorceress), des plans entiers sont empruntés au Corbeau, à L’Halluciné et à Deathstalker 2 pour enrichir les séquences de châteaux, mais rien n’y fait : Deathstalker 3 est un film extrêmement cheap qui, contrairement aux deux opus précédents, est tourné au Mexique et non en Argentine. L’acteur principal a encore changé de visage, se conformant de moins en moins au physique du barbare musclé façon Arnold Schwarzenegger que vantent de manière mensongère les très beaux posters de Boris Vallejo. Après le sculptural Rick Hill et le dynamique John Terlesky, place à John Allen Nelson, un acteur à l’indiscutable capital sympathie (vu notamment dans Les Clowns tueurs venus d’alleurs) mais qui nous semble bien trop frêle pour endosser le rôle du redoutable Deathstalker.

Au cours d’une petite fête médiévale reconstituée avec les moyens du bord, nous découvrons ce nouveau Deathstalker, occupé à affronter quelques amis à la lutte, ainsi que son complice le sorcier Nicias (Aaron Hernan), qui gagne quelques sous en jouant les devins. Soudain, une mystérieuse femme encapuchonnée (Carla Herd) vient à la rencontre du magicien. Il s’agit de la princesse Carissa, qui transporte une pierre enchantée et espère que Nicias possède la seconde. Réunies, elles pourront en effet permettre de découvrir la cité magique d’Arandor et de donner à son peuple accès à ses innombrables richesses. Or la pierre manquante se trouve à Southland, entre les mains du maléfique sorcier Troxartes (Thom Christopher). Ce dernier envoie ses hommes sur les traces de Carissa, que Deathstalker va s’efforcer de protéger tout en se préparant à partir à l’assaut du château de Troxartes…

Pathetic-Fantasy

Dès les premières minutes, on sent bien que quelque chose cloche. La médiocre bande originale pour synthétiseurs qui fait office de remplissage sonore, les combats mous et extrêmement mal chorégraphiés, les scènes d’action postsynchronisées n’importe comment (avec de jolis « gling gling » pour les bruits d’épée), tout ça ne présage rien de bon. Et effectivement, la suite du film confirme nos craintes. Tout est mal fichu et approximatif dans ce Deathstalker 3 aussi transparent que ses personnages. En guise de grand sorcier, nous avons droit à un vieil homme barbu dont le pouvoir le plus grand semble être de tourner sur lui-même à toute vitesse et de disparaître dans une explosion digne de X-Or ou Spectreman. Le méchant, lui, ne nous effraie pas beaucoup avec son look d’expert-comptable et ses ricanements excessifs. Restent les éléments féminins. Si Carla Herd reste très effacée dans un double-rôle visiblement inspiré par les deux personnages que jouait Monique Gabrielle dans Deathstalker 2, Claudia Inchaurregui campe une intéressante sauvageonne experte du tir à l’arc. Le meilleur rôle revient cependant à Teri Treas qui, dans la peau de la maîtresse de Troxartes, nous offre les scènes les plus savoureuses (notamment ses crises de jalousie face à l’arrivée de la future femme de son amant et les séances de torture qu’elle promet au héros retenu captif dans un donjon). À part ça et quelques éléments surnaturels improbables – le vil sorcier qui invoque des spectres volants et une armée de morts-vivants -, il n’y a rien de bien mémorable dans ce Deathstalker 3, qui fut un temps exploité en France sous le titre de Wilfried le chasseur.

 

© Gilles Penso

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THE ST. FRANCISVILLE EXPERIMENT (2000)

Dans ce faux documentaire motivé par le succès du Projet Blair Witch, quatre jeunes gens mènent l’enquête dans une maison hantée de Louisiane…

THE ST. FRANCISVILLE EXPERIMENT

 

2000 – USA

 

Réalisé par Ted Nicolaou

 

Avec Paul Salamoff, Troy Taylor, P.J. Palmer, Madison Charap, Ryan Larson, Tim Baldini, Ava Jones, Katherine Smith, Sarah Clifford

 

THEMA FANTÔMES I SAGA CHARLES BAND

Pas besoin d’être un grand clerc pour comprendre que le succès invraisemblable du Projet Blair Witch (10 000 dollars de budget, 248 millions de dollars au box-office mondial) motiva la mise en chantier de The St. Franciscville Experiment. Si le producteur Charles Band n’est pas très familier avec les codes du « found footage », il s’en remet à l’expertise de Paul Salamoff, qui vient d’écrire pour lui l’histoire du sympathique Les Morts haïssent les vivants. Salamoff décide alors de sortir le grand jeu en plongeant quatre jeunes acteurs dans une « vraie » maison hantée et de tourner cette expérience comme un authentique documentaire. C’est du moins de cette manière qu’il présente le projet au spécialiste du surnaturel Troy Taylor, engagé comme consultant et expert. La première partie du tournage, qui se déroule entre le 15 et le 18 septembre 1999 dans une maison de Louisiane à la sinistre réputation, respecte l’idée d’un reportage pris sur le vif, avec des comédiens ne sachant pas du tout à quoi s’attendre. Si ce n’est que le réalisateur Ted Nicolaou, habitué des productions Charles Band, veille tout de même au grain. Mais à mi-parcours, le film change de mains, passant des compagnies Tana 9 et Full Moon à Kushner-Locke, puis à Trimark et à LionsGate. Déçus par les rushes qu’ils voient, les acquéreurs successifs de The St. Francisville Experiment décident de tourner des rushes additionnels, d’ajouter quelques effets spéciaux basiques et deux ou trois rebondissements. Peine perdue : le film reste aussi monotone qu’un encéphalogramme plat.

Le scénario nous apprend que la maison de St Franciscville fut le théâtre d’horribles exactions perpétrées par l’esclavagiste qui occupait les lieux au 18ème siècle. Un garçon y aurait été retrouvé enchaîné dans la cuisine, le visage à moitié déchiqueté et recouvert de plaies infectées, aux côtés d’une femme enfermée dans une cage tellement étroite que ses os s’en trouvèrent irrémédiablement déformés. Voilà pour la mise en place du contexte, macabre à souhait. Les quatre jeunes gens qui se portent volontaires pour partir enquêter sur place sont le cameraman Paul James, l’étudiante en histoire Ryan Larson, l’étudiant en cinéma Tim Baldini et la médium Madison Charap. Tous sont chapeautés par le producteur Paul J. Salamoff, et chacun joue donc son propre rôle dans ce « fauxcumentaire » qui s’annonce comme une sorte de mixage entre Le Projet Blair Witch et La Maison du diable. Nous avons d’abord droit à une série d’interviews d’« experts » : une voyante, une prêtresse vaudou ou encore le descendant d’une famille qui vécut sur place. Passé ce prologue, le quatuor commence son investigation…

Paranormal Inactivity

À partir de là, autant l’avouer sans détour : nous nous ennuyons ferme et réprimons un nombre incalculable de bâillements. Car il ne se passe strictement rien qui soit susceptible d’attiser notre intérêt. Les protagonistes déambulent dans cette maison somme toute très ordinaire et échangent des banalités, s’efforçant de créer de la tension à partir de rien. « Oh mon Dieu, qu’est-ce que c’est que ça ? » dit l’un d’eux en ouvrant un placard vide. « Cette pièce est très étrange » lance un autre en pénétrant dans une chambre à coucher quelconque. Tout le reste est à l’avenant. Au bout de 40 minutes, une chaise bouge. Quinze minutes plus tard, une planche de Ouija tremblote. A 1h10, une bougie s’éteint. Voilà pour le gros des phénomènes paranormaux. Les nouveaux producteurs rajoutent certes quelques artifices dans l’espoir de pimenter la sauce (un chat, un cafard, un fantôme), mais rien ne parvient réellement à nous sortir de notre torpeur. Le seul véritable point positif du film est l’authenticité des jeunes acteurs, qui semblent très spontanés et dont les réactions sonnent souvent juste. Mais sans enjeux à défendre, sans histoire à raconter, la spontanéité finit par tourner à vide. Et 75 minutes de métrage peuvent donner le sentiment d’en durer trois fois plus.

 

© Gilles Penso

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FREAKY FRIDAY 2 (2025)

Jamie Lee Curtis et Lindsay Lohan sont à nouveau victimes d’une inversion de corps, mais cette fois-ci les choses se compliquent sérieusement…

FREAKIER FRIDAY

 

2025 – USA

 

Réalisé par Nisha Ganatra

 

Avec Jamie Lee Curtis, Lindsay Lohan, Julia Butters, Sophia Hammons, Mark Harmon, Manny Jacinto, Maitrey Ramakrishnan, Christina Vidal, Haley Hudson

 

THEMA SORCELLERIE ET MAGIE I SAGA FREAKY FRIDAY

Pour Jamie Lee Curtis, l’expérience du tournage de Freaky Friday en 2003 est un souvenir heureux. Cette comédie délirante, remake d’Un vendredi dingue, dingue, dingue avec Jodie Foster, lui-même tiré du roman de Mary Rodgers, fut un gigantesque hit à l’époque. Alors pourquoi ne pas remettre le couvert ? C’est la vénérable actrice elle-même qui convainc à la fois Disney et son ex-partenaire Lindsay Lohan de se lancer dans l’aventure. Les stars respectives de Halloween et de Lolita malgré moi ayant désormais l’âge de jouer l’une les grands-mères, l’autre les mères, le scénario doit bien sûr en tenir compte. Pour s’assurer que le film soit écrit d’un point de vue féminin et évite au maximum les stéréotypes – Freaky Friday fut jadis accusé par quelques esprits chagrins de véhiculer une image caricaturale de la communauté asiatique – Disney confie les rênes du projet à la réalisatrice Nisha Ganatra. Signataire de plusieurs comédies romantiques et d’un grand nombre d’épisodes de séries TV, cette dernière a toujours milité pour la représentativité de toutes les communautés et de toutes les minorités à l’écran. Pour autant – et fort heureusement -, Freaky Friday 2 n’a rien du pamphlet politiquement correct et conserve d’un bout à l’autre la légèreté qu’induit son sujet sans jamais jouer la carte du militantisme.

Vingt-deux ans après les événements racontés dans Freaky Friday, Anna Coleman (Lindsay Lohan), désormais adulte, travaille comme productrice musicale et élève seule sa fille adolescente Harper (Julia Butters), avec l’aide de sa mère Tess (Jamie Lee Curtis). À l’école, Harper est constamment exaspérée par sa nouvelle camarade de classe londonienne, Lily Reyes (Sophia Hammons), en raison de son snobisme excessif. Après que toutes deux aient provoqué un incident en cours de chimie, Anna est convoquée dans le bureau du directeur. Lorsqu’elle rencontre Eric (Manny Jacinto), le père veuf de Lily, les deux tombent amoureux et se fiancent six mois plus tard. Mais les futures demi-sœurs regardent cette situation d’un très mauvais œil. Harper craint que sa mère ne les déménage à Londres, tandis que Lily tient absolument à y retourner afin de pouvoir fréquenter une école de mode. La situation bascule le soir de l’enterrement de vie de jeune fille d’Anna. Une prétendue voyante, Madame Jen (Vanessa Bayer), lit les lignes de la main de Anna et Tess, puis de Harper et Lily, et leur prédit un avenir tourmenté. Aussitôt, toutes les quatre ressentent un étrange tremblement de terre. Le lendemain matin, elles découvrent avec effroi qu’elles ont échangé leurs corps : Anna avec Harper, et Tess avec Lily.

Double inversion

Comme il s’agit d’une suite, les scénaristes ont jugé bon d’en donner deux fois plus aux spectateurs. Mais en l’occurrence, la multiplication des enjeux devient un handicap. Car la force du premier film reposait sur la simplicité de son concept et sur l’infinité de quiproquos qui pouvaient en découler. En complexifiant les choses, Freaky Friday 2 réduit paradoxalement son potentiel comique plutôt que de l’amplifier. La confusion s’installe même au point que le spectateur se surprend à se demander à plusieurs reprises : « qui est devenu qui, déjà ? ». Si la recette continue de fonctionner, c’est moins grâce aux péripéties (déjà vues pour la plupart, ou du moins attendues) que par le biais des quatre actrices principales, toutes excellentes dans leurs doubles registres respectifs. Voir Jamie Lee Curtis continuer à se moquer de son âge (notamment dans la scène de la pharmacie) a quelque chose de toujours réjouissant. Au passage, visiblement bercée par le cinéma de John Hugues, la réalisatrice se fend de clins d’œil à La Folle journée de Ferris Bueller (la virée en voiture) et à Breakfast Club (les élèves en retenue). Comme dans le premier Freaky Friday, tout converge vers une répétition de mariage et un concert qui sont censés se dérouler simultanément. Évidemment, rien ne se passera comme prévu, jusqu’à un final prenant une teinte initiatique, où chacune aura appris à comprendre et à apprécier l’autre. L’effet de surprise n’a donc plus vraiment cours… et pourtant le miracle opère encore. Les rires sont francs, la corde sensible est titillée, preuve que la formule marche toujours aussi bien, surtout lorsqu’elle est portée par un casting aussi impeccable.

 

© Gilles Penso

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