LA BELLE CAPTIVE (1983)

Un agent secret taciturne et une séduisante inconnue qui pourrait bien être un vampire sont les héros du huitième film d’Alain Robbe-Grillet…

LA BELLE CAPTIVE

 

1983 – FRANCE

 

Réalisé par Alain Robbe-Grillet

 

Avec Daniel Mesguich, Gabrielle Lazure, Cyrielle Claire, Daniel Emilfork, François Chaumette, Roland Dubillard, Arielle Dombasle, Gilles Arbona, Jean-Claude Leguay

 

THEMA MORT I VAMPIRES

Alain Robbe-Grillet est un écrivain et un cinéaste dont l’œuvre s’est pleinement épanouie dans une période marquée par la libération sexuelle et une certaine révolution culturelle. Au sommet de sa carrière de réalisateur, à travers des œuvres au parfum volontairement vénéneux telles que L’Éden et après ou Glissements progressifs du plaisir, il osait tout sans que quiconque ne le freine dans son élan. Mais comment conserver une telle liberté à l’aune des années 80, marquées par un net retour du conservatisme ? Robbe-Grillet décide de s’adapter à ce nouvel état d’esprit en imprégnant plus ouvertement son univers d’une imagerie fantastique et en dotant son érotisme d’une patine « chic » dans l’air du temps, sans pour autant perdre de vue son goût pour le surréalisme et les « cadavres exquis ». Et pour rester fidèle à ses propres racines, il s’appuie sur un roman qu’il écrivit en 1975 et dont les illustrations étaient signées René Magritte : La Belle captive. Tourné majoritairement dans une villa de Saint-Cloud, son huitième long-métrage se réapproprie donc logiquement les tableaux du célèbre peintre belge. « Magritte a peint cinq ou six toiles sous le titre La Belle captive. Avec l’autorisation de sa veuve, j’ai imaginé une septième variante, où l’on retrouve les éléments essentiels de l’original », explique Robbe-Grillet, avant d’ajouter : « Derrière le monde visible, il y en a un autre, qui ressemble exactement au nôtre mais qui est faux. Et tous nos actes ont leur double dans ce monde-là. » (1)

Avec un regard un peu perdu, un jeu proche de celui des acteurs du cinéma muet expressionniste et une voix flottante, Daniel Mesguich entre dans la peau de Walter Raim, un agent secret au service d’une mystérieuse « organisation ». Sa supérieure hiérarchique, Sara Zeitgeist (Cyrielle Claire), lui confie une mission importante : remettre en main propre un message à un sénateur et observer sa réaction lorsqu’il ouvrira l’enveloppe. Mais le soir-même, Walter rencontre une jeune femme mystérieuse dans une boîte de nuit et se laisse séduire par elle. La belle, campée par une Gabrielle Lazure en début de carrière (qu’on verra la même année dans Le Prix du danger), s’éclipse mais réapparaît plus tard, étendue au milieu de la route, ensanglantée et menottée. En la découvrant dans cet état, Walter l’embarque dans sa voiture et se met en quête de secours. La première villa qu’il trouve est emplie d’hommes élégants au comportement étrange, parmi lesquels se trouve un médecin qui accepte d’examiner l’inconnue. Restée seule dans une chambre avec Walter, elle se jette dans ses bras et disparaît au petit matin. Notre agent se rend alors compte qu’il porte une blessure au cou, que sa conquête d’un soir s’appelle Marie-Ange Van de Reeves et qu’elle est directement liée à l’homme à qui il était chargé de remettre un message…

Obsessions

Si on la compare avec celle des films précédents d’Alain Robbe-Grillet, la narration de La Belle captive est relativement linaire et limpide, du moins pendant les vingt premières minutes du métrage. Mais le naturel revient au galop et la mécanique commence à se gripper volontairement, brouillant comme à l’accoutumée les repères temporels et spatiaux. Nous sommes alors comme Walter, complètement perdus, errant sans cesse dans les mêmes lieux, en quête de réponses qui se déroberont. Cultivant l’atemporalité, le film dresse avec Sara, la cheffe de l’organisation, un portrait iconique qui semble échappé du cinéma d’espionnage des sixties. Tout de cuir vêtu, chevauchant une Harley-Davidson en roulant « pour de faux » sur une route reconstituée en studio, ce personnage n’a rien de réaliste. Pas plus que ce bal qui ne joue que des tangos et du swing d’un autre âge, ou notre héros détective arborant un feutre mou et un imperméable hérités des films noirs des années 40. Féru de bizarreries, Robbe-Grillet dote ce protagoniste de monologues intérieurs prononcés en voix off par un autre acteur (Michel Auclair) n’a pas du tout le même timbre que lui. Et tandis qu’il devient de plus en plus difficile de départager la réalité du fantasme mais aussi les morts des vivants, le cinéaste égrène des images récurrentes insaisissables comme le verre brisé, les chaussures féminines ensanglantées ou ce cadre devant la mer qui se réfère directement à Magritte. Au détour du casting, on croise Daniel Emilfork en inspecteur de police exagérément mielleux et Arielle Dombasle en patiente hystérique d’une bien étrange clinique. Pas de doute, Robbe-Grillet n’a rien perdu de son goût pour les expérimentations obsessionnelles et fétichistes.

 

(1) Extrait d’un entretien avec Frédéric Taddeï présent dans les bonus du DVD édité chez Carlotta Films

 

© Gilles Penso

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LA TOUR DU DIABLE (1972)

Un groupe de scientifiques part explorer une petite île rocheuse abritant un phare qui fut le théâtre d’un drame sanglant…

TOWER OF EVIL

 

1972 – GB

 

Réalisé par Jim O’Connolly

 

Avec Bryant Haliday, Jill Haworth, Mark Edwards, Jack Watson, Anna Palk, Derek Fowlds, Dennis Price, Anthony Valentine, Gary Hamilton, George Coulouris

 

THEMA TUEURS I FREAKS

De Jim O’Connolly, nous connaissons surtout La Vallée de Gwangi, mémorable western fantastique où les cowboys d’un cirque ambulant affrontaient un redoutable allosaure dans un canyon peuplé de bêtes préhistoriques. Mais son style de mise en scène n’était pas simple à identifier, tant il fut bridé par les recommandations perfectionnistes du superviseur des effets spéciaux Ray Harryhausen, co-réalisateur officieux qui ne lui laissa en réalité que peu de liberté d’action. Signataire par ailleurs de plusieurs polars et du thriller horrifique Le Cercle de sang avec Joan Crawford, Connolly se lance au début des années 70 dans La Tour du diable, même si le projet ne lui est pas destiné au départ. L’idée vient du producteur britannique Richard Gordon, qui s’associe à son confrère américain Joe Salomon avec en tête l’envie de tourner un film d’horreur en Angleterre. L’histoire que leur propose le scénariste George Baxt (Le Cirque des horreurs, Le Spectre du chat, Brule sorcière brûle !) les intéresse, mais ils déchantent en découvrant le script final, pas assez effrayant à leur goût. Après avoir envisagé Sidney Hayers à la mise en scène, ils se rapprochent finalement de Jim O’Connolly sous les conseils du producteur Herman Cohen (qui vient justement de travailler avec lui sur Le Cercle de sang). Connolly accepte à condition de réécrire le scénario jusqu’à ce qu’il convienne à tout le monde. Le feu vert est finalement lancé en automne 1971 et l’équipe s’installe dans les studios Shepperton pour un mois de tournage.

C’est dans une atmosphère brumeuse et moite que commence La Tour du diable. Une nuit, un petit bateau accoste sur la minuscule île de Snape, nimbée d’une inquiétante réputation. Deux marins – un père et son fils – y débarquent pour découvrir trois cadavres mutilés. La seule survivante du massacre, Penny, est cachée dans un placard en état de choc. En les voyant s’approcher, elle panique et poignarde à mort le plus âgé des deux hommes. Ramenée sur la côte, la jeune fille est examinée par les médecins mais ne prononce pas un mot, toujours traumatisée. Grâce à des séances d’hypnose, elle finit par se remémorer son arrivée sur l’île avec trois amis, jusqu’au drame. Mais rien n’explique encore dans quelle circonstance ses compagnons ont été tués. En prenant connaissance de cette affaire, des scientifiques décident de se rendre eux-mêmes sur l’île de Snape. L’épée qui a été retrouvée dans le corps d’une des victimes est en effet en or massif et semble être l’une des nombreuses pièces d’un trésor phénicien caché quelque part au milieu des rochers. Car ce lieu isolé et sinistre fut jadis le siège d’un culte voué à Baal, une divinité maléfique et avide de sacrifices. A vrai dire, la petite équipe est autant intéressée par les vertus archéologiques du lieu que par les richesses qui semblent s’y amonceler. Mais dès leur arrivée sur place, les choses dégénèrent…

Le démon dans l’île

Étant donné que la quasi-totalité du film est tournée en studio, à l’exception de quelques inserts filmés réellement en extérieurs, La Tour du diable baigne dans une sorte d’irréalité troublante. Ces faux rochers et ces toiles peintes assument partiellement cette artificialité qui devient quasiment une signature visuelle, assumée dès le générique qui défile sur une vue aérienne du phare noyé dans le brouillard – de toute évidence une maquette. En rupture avec cet environnement presque théâtral, Jim O’Connolly opte pour une mise en scène dynamique et nerveuse qui s’oppose volontairement au classicisme des films d’épouvante britanniques à l’ancienne, alors que les monstres classiques de la Hammer vivent justement leurs derniers soubresauts. Ne rechignant ni devant la nudité, ni devant la violence graphique, La Tour du diable exhibe des scènes de sexe, des seins nus, des cadavres dégoulinants et des scènes de meurtres gratinées. Certains historiens du cinéma n’hésitent d’ailleurs pas à positionner le film comme l’un des précurseurs de la vogue du slasher, au même titre que La Baie sanglante de Mario Bava. Pour pimenter l’intrigue, le scénario s’amuse à multiplier les tensions entre les protagonistes – jalousies, histoires de coucheries et de tromperies, dissimulations et secrets – avant que les choses tournent vraiment au vinaigre… le tout jusqu’à un double twist final très réussi. Après sa première exploitation, La Tour du diable ressort en 1980 sous le titre Beyond the Fog, pour tirer parti du succès du Fog de John Carpenter.

 

© Gilles Penso

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SUPERGIRL (2026)

Dans la foulée du Superman de James Gunn, la cousine de l’homme d’acier prend son envol pour une aventure pas vraiment convaincante…

SUPERGIRL

 

2026 – USA

 

Réalisé par Craig Gillespie

 

Avec Milly Alcock, David Corenswet, Eve Ridley, Matthias Schoenaerts, Diarmaid Murtagh, Ferdinand Kingsley, Jason Momoa, Emily Piggford, Bruce Lennox

 

THEMA SUPER-HÉROS I SAGA DC COMICS

Il aura fallu du temps et pas mal de revirements de situation pour que la cousine de Superman ait droit à son propre long-métrage, plus de quarante ans après le Supergirl kitsch de Jeannot Szwarc avec Helen Slater. Les 14 films du DC Extended Universe (de Man of Steel à Aquaman 2) s’étant distingués par des résultats très irréguliers au box-office, James Gunn et Peter Safran décident de faire table rase sur l’univers DC pour tout recommencer. La Supergirl qui apparaissait dans The Flash, interprétée par Sasha Calle, n’aura donc pas droit à ses propres aventures solo, malgré le contrat signé par l’actrice qui optionnait plusieurs films hypothétiques. Tandis que David Corenswet s’apprête à reprendre la cape de Superman laissée vacante par Henry Cavill, Gunn annonce qu’il va adapter le comics Supergirl : Woman of Tomorrow de Tom King et Bilquis Evely, où la cousine de l’homme d’acier apparait beaucoup moins solaire que dans les itérations précédentes. Le scénario est confié à l’actrice Ana Nogueira et la mise en scène à Craig Gillepsie (Fright Night, Cruella). Reste à trouver l’actrice qui entrera dans la combinaison rouge et bleue. Après un long processus de casting, c’est Milly Alcock qui s’impose dans le rôle de Kara, devançant de nombreuses prétendantes. Celle qui fut la jeune princesse Rhaenys de House of the Dragon séduit Gunn justement parce qu’elle entre en rupture avec l’image gentillette qu’on associe traditionnellement à la super-héroïne. Après être apparue dans le Superman de 2025, la voilà donc qui vole de ses propres ailes dans le second long-métrage du nouveau DC Universe.

Quand le film commence, nous découvrons Kara en pleine gueule de bois, tandis qu’une chanson cool occupe la bande son. Mais l’irrévérence qu’annonce cette entrée en matière nous paraît bien trop calculée pour être honnête. Après ses coups de folie inattendus sur Les Gardiens de la galaxie, The Suicide Squad et Superman, James Gunn, l’ex-trublion de Troma qui écrivit Tromeo & Juliet et réalisa le délirant Horribilis, a une image à respecter. Même s’il n’est pas le réalisateur de Supergirl, il tient à tenir la ligne directrice artistique qu’on attend de lui. Or tout semble se passer ici comme s’il ne savait plus trop comment gérer son trop-plein de liberté, à la manière d’un enfant turbulent auquel on n’aurait soudain plus fixé aucune limite. A l’époque où il œuvrait pour Marvel, son travail sous contrainte avait accouché d’un formidable exercice d’équilibre entre l’humour déjanté et l’aventure épique. Ici, en roue libre, il part dans tous les sens, bien conscient que Craig Gillepsie sera un bon exécutant appliquant bien sagement tous les caprices de son producteur star. Place donc à une Supergirl alcoolique, ordurière, insolente, clochardisée, recluse avec son chien dans un vaisseau spatial/caravane pouilleux. Cette protagoniste à la dérive rompt certes avec l’idée que l’on se fait habituellement de la gentille Kara, mais elle semble uniquement conçue pour se satisfaire de cette disruption, sans offrir aux spectateurs le moindre terrain d’identification ou d’empathie.

Sauvez le chien !

Et que dire du scénario ? Pour faire court, disons que Kara vit recluse avec son chien Krypto, errant de planète en planète, ignorant les appels répétés de son cousin Kal-El et se saoulant à mort pour fêter ses 23 ans. Un jour, Ruthye (Eve Ridley), une jeune fille rescapée d’un massacre, cherche à se venger du brigand qui a assassiné ses parents. Kara refuse de s’impliquer, jusqu’à ce que le méchant en question, Krem (Matthias Schoenaerts), tire une flèche empoisonnée sur Krypto. Notre Supergirl hirsute et soiffarde se lance alors dans la bataille, parce qu’il faut bien sûr sauver ce chien – dont les pitreries « trop mignonnes » alimentent généreusement la première partie du film. Honnêtement, il est rare de s’intéresser si peu à ce qui se passe sur un écran, notre implication étant inversement proportionnelle à la quantité d’effets numériques et pyrotechniques qui saturent les séquences d’action et de combats. Et même si la « résurrection » de l’univers DC essaie manifestement de renouveler l’imagerie imposée par Zack Snyder, la mise en scène s’appuie toujours sur les effets de mise en scène popularisés par 300, avec force alternance de vitesse réelle et d’ultra-ralenti au moment du climax. Jason Momoa, lui, passe d’un monde DC à l’autre, oubliant le trident d’Aquaman pour devenir le chasseur Lobo. Plongé dans une direction artistique qui semble hésiter entre l’esthétique de Star Wars et celle de Mad Max, Supergirl nous offre une ménagerie d’extra-terrestres bizarres, des voyages spatiaux, des barbares aux véhicules customisés, des jeunes prisonnières promise à un harem, mais cette accumulation masque bien mal la vacuité des enjeux dramatiques du film. Le public ayant boudé cette variante brouillonne, va-t-il falloir encore rebooter une énième fois les adaptations de DC ? Osons une suggestion un peu folle : et si les producteurs et les scénaristes essayaient plutôt de développer des idées originales et des concepts nouveaux, pour voir ?

 

© Gilles Penso

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LES ARAIGNÉES INFERNALES (1968)

Le catcheur-justicier Blue Demon affronte une race d’extra-terrestres arachnoïdes qui veulent se nourrir du cerveau des humains !

ARAÑAS INFERNALES

 

1968 – MEXIQUE

 

Réalisé par Federico Curiel

 

Avec Alejandro Moreno, Blanca Sanchez, Martha Elena Cervantes, Ramon Bugarini, Sergio Vires, Jessica Munguia, Fernando Oses, Nathanael Leon, René Barrera

 

THEMA SUPER-HÉROS I ARAIGNÉES I EXTRA-TERRESTRES I SAGA BLUE DEMON

Après deux aventures confiées au réalisateur Chano Urueta, Blue Demon : El Demonio Azul et Blue Demon contre le pouvoir satanique, le catcheur au masque bleu s’en remet à un autre spécialiste du cinéma fantastique mexicain : Federico Curiel. Lorsqu’il s’attaque aux Araignées infernales, troisième film consacré aux exploits du « démon bleu », Curiel a déjà trente-cinq longs-métrages derrière lui, dont plusieurs dédiés au lutteur Santo. Autant dire que notre homme connaît la musique et sait composer avec des moyens souvent anémiques pour tenter de construire des atmosphères d’épouvante stylisées. Ici, l’argument est typique de la science-fiction naïve des années 50 (même si nous sommes déjà en 1968), et l’on peut s’étonner du gap culturel qui sépare alors le Mexique des autres cinématographies occidentales. Alors que la même année 2001 l’odyssée de l’espace, La Nuit des morts-vivants, Rosemary’s Baby ou La Planète des singes révolutionnent les codes du cinéma fantastique et les modernisent définitivement, Federico Curiel et son héros masqué restent solidement campés dans une imagerie rétro qui, avec le recul, peut sembler totalement anachronique. Plusieurs images d’atterrissages des soucoupes volantes du film sont d’ailleurs empruntées à un film de SF de la décennie précédente, en l’occurrence Teenagers From Outer Space de Tom Graeff, tandis que des extraits de la bande originale de L’Étrange créature du lac noir s’invitent dans le montage.

Une musique expérimentale bizarre envahit le générique de début, tandis qu’une voix off pleine d’emphase nous met dans l’ambiance. « L’ère spatiale amène l’humanité à découvrir les étonnants mystères de l’espace », dit-elle. « Planètes insondables et immenses, comètes et galaxies inconnues, habitées par d’étranges créatures physiquement horribles et animées de terribles intentions. » Aussitôt, nous apprenons que les habitants de la galaxie Aracnea cherchent désespérément une source de nourriture pour sauver la vie de leur reine. Après une longue quête, leur choix se porte sur la Terre, où les cerveaux humains promettent de pouvoir devenir de véritables délices pour ces araignées extraterrestres. Alors que les aliens débarquent chez nous, Blue Demon vient de finir un combat de catch et prend la route avec son ami José. En découvrant soudain un cadavre carbonisé dans une voiture, victime du rayon mortel des arachnides, notre lutteur surdoué se frotte le menton avant d’annoncer les résultats de son analyse : « C’est un cas de déséquilibre entre la matière et les neutrons. » Comprenne qui peut. Pour passer inaperçus, les extra-terrestres cachent leur vaisseau spatial dans une maison abandonnée, ce qui se révèle très pratique en termes de mise en scène. Pas besoin de décor : il suffit de filmer les acteurs dans le noir. Déguisés en humains pour pouvoir kidnapper des Terriens et les livrer aux appétits de leur souveraine, nos hommes-araignées se heurtent bien sûr à Blue Demon, qui va tout mettre en œuvre pour s’opposer à leurs plans…

« J’ai besoin d’un cerveau humain ! »

La reine des araignées, qui ressemble à une grosse bête en carton-pâte aux yeux luisants, provoque chez les spectateurs beaucoup plus de rire que de peur, d’autant qu’elle s’exprime avec une voix de vieille sorcière pour réclamer de la nourriture. « J’ai besoin d’un cerveau humain ! » l’entendent gémir ses deux sbires envoyés chez les humains, Molok et Protik, ainsi que la cheffe des opérations Arianek. La plupart du temps, on ne voit d’ailleurs de cette dirigeante velue que deux gros yeux lumineux et flous dans les ténèbres. Il ne s’agirait pas non plus de forcer sur le budget effets spéciaux. Un seul détail semble pouvoir distinguer les envahisseurs des habitants de la Terre : un tatouage en forme d’arachnide derrière l’oreille. Cela dit, leur accoutrement (des grandes capes à la Dracula ornées d’une toile d’araignée) ne joue pas franchement la carte de la discrétion. Blue Demon, lui, n’en finit pas de débattre avec l’inspecteur de police chargé de l’affaire, lâchant régulièrement des phrases sentencieuses telles que « nous faisons face à une menace effrayante » ou « nous sommes devant un mystère insoluble ». Le reste du temps, il se bat sur le ring. Les choses se corsent avec l’arrivée du prince Arak, un grand moustachu qui se fait passer pour un lutteur nommé Okran. Le climax du film est donc un combat de catch contre ce colosse qui, en cours de match, voit l’une de ses mains se couvrir de poils et prendre la forme d’une grosse araignée velue ! Il faut le voir pour le croire. Sitôt la menace arachnoïde vaincue, notre justicier ressurgira dans Blue Demon contre les cerveaux infernaux pour affronter un savant fou et des femmes zombies.

 

© Gilles Penso

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SPIDER-MAN BRAND NEW DAY (2026)

L’homme-araignée doit faire face à une nouvelle menace qui semble impossible à vaincre et à son ADN arachnéen qui commence à se rebiffer…

SPIDER-MAN BRAND NEW DAY

 

2026 – USA

 

Réalisé par Destin Daniel Cretton

 

Avec Tom Holland, Zendaya, Sadie Sink, Jacob Batalon, Jon Bernthal, Tramell Tillman, Michael Mando, Mark Ruffalo, Zarra Kaahn, Billy Clements, Marvin Jones III

 

THEMA SUPER-HÉROS I SAGA SPIDER-MAN I MARVEL I MCU

Officiellement évoqué dès l’été 2019, avant même la sortie de Spider-Man No Way Home, Brand New Day a bien failli ne jamais voir le jour, à cause d’une rupture spectaculaire entre Sony et Disney autour des droits du personnage. Pendant quelques semaines, chacun campe sur ses positions et Sony annonce vouloir poursuivre l’aventure sans Kevin Feige ni Marvel Studios. Face au tollé des fans, les deux camps reviennent finalement à la table des négociations et concluent un nouvel accord. Pour autant, rien n’est réellement acté. Après le triomphe de No Way Home, Tom Holland lui-même souffle le chaud et le froid. L’acteur considère que la trilogie qu’il interprète forme un ensemble cohérent et confie à plusieurs reprises qu’il préférerait quitter le costume plutôt que de jouer Spider-Man jusqu’à la trentaine. Il évoque même l’idée de laisser Peter Parker passer le relais à Miles Morales. Kevin Feige et la productrice Amy Pascal, eux, assurent qu’une nouvelle histoire est en préparation, mais sans jamais masquer les difficultés à lui trouver une véritable raison d’exister. Ces hésitations vont durer près de trois ans. Une première ébauche est lancée avant d’être stoppée net par la grève des scénaristes en 2023. À la reprise, le projet repart quasiment de zéro. Cette fois, Holland participe très en amont aux discussions et se met d’accord avec les scénaristes pour ramener le super-héros sur la terre ferme. Autrement dit : adieu les multiverses et les menaces cosmiques. Jon Watts, réalisateur de la trilogie précédente, finit par jeter l’éponge, cédant la place à Destin Daniel Cretton (Shang-Chi et la légende des dix anneaux).

C’est donc sur un terrain très instable que se construit Brand New Day – dont le titre se réfère à un arc narratif développé dans les comics en 2008 -, le film se réécrivant presque jusqu’à la veille du tournage. Et pour être honnête, ça se sent. L’intrigue démarre dans la foulée des événements racontés dans No Way Home. À la suite du sortilège lancé par le Dr Strange, le monde a donc totalement oublié l’existence de Peter Parker. Quatre ans plus tard, toujours endeuillé par la mort de sa chère tante May, Parker protège New York dans l’anonymat sous les traits de Spider-Man et collabore étroitement avec les forces de police pour lutter contre le crime. Alors qu’il enquête sur une nouvelle menace redoutable que rien ne semble pouvoir arrêter, notre justicier masqué découvre que ses super-pouvoirs subissent une évolution surprenante qui finissent par altérer son comportement. Comme si ça ne suffisait pas, Spidey va se heurter au Punisher, à Hulk, à une poignée de super-vilains « classiques » (ce qui permet au film de reconstituer quelques couvertures mythiques de Amazing Fantasy, Amazing Spider-Man et Spectacular Spider-Man, pour le plaisir des fans de la première heure) et devoir gérer le fait que ni son ami Ned, ni sa bien-aimée MJ ne se souviennent de lui.

 

Dans sa toile il attend d'attraper les brigands…

Conséquence inévitable de ses nombreuses réécritures, des vents contraires ayant présidé à sa mise en chantier, de la volonté des auteurs de centrer l’histoire sur les tourments de Parker et des contraintes nécessitées par le besoin d’inscrire ce film dans le Marvel Cinematic Universe (dont il est le 38ème épisode), le scénario de Spider-Man Brand New Day part dans tous les sens. Sa structure narrative étrange, anti-climatique, enchaîne donc les scènes intimistes et les passages spectaculaires sans réel sens de la dynamique. Indépendamment, plusieurs passages fonctionnent plutôt bien, notamment les parenthèses émotionnelles incarnées par Tom Holland et Zendaya (dont l’alchimie dans la vraie vie transparaît pleinement à l’écran), mais l’ensemble donne le sentiment d’un trop-plein d’idées mal géré. Et même si de belles trouvailles de mise en scène jalonnent le film – comme lorsque la caméra colle à Spider-Man pendant ses séances de voltige, prolongeant habilement les expérimentations immersives de Sam Raimi et de Marc Webb -, la plupart des séquences de combats ressemblent à des animatiques développées par les équipes de prévisualisation et simplement « passées au propre ». Les images clés sont bien visibles, conçues comme autant de passages destinés à enrichir la bande-annonce. Spider-Man se fend même d’un « cool ! » lorsque les ninjas de La Main foncent sur lui en ultra-ralenti dans une pose très graphique, comme s’il était fan lui-même de ses propres aventures. Même constat du côté des « vedettes invitées ». Retrouver le vrai Hulk et cette bonne vieille trogne hargneuse de Jon Bernthal en Punisher fait toujours plaisir, mais que dire des apparitions embarrassantes de Florence Pugh ? On l’aura compris, voilà un nouvel opus prisonnier de ses propres contraintes, et donc incapable de développer un souffle et une personnalité dignes de ce nom. Qu’il semble lointain le temps où Sam Raimi défrichait en toute liberté un terrain cinématographique encore vierge !

 

© Gilles Penso

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LA SECTE (1991)

Pour son troisième long-métrage, Michele Soavi confronte une jeune enseignante aux exactions d’un groupe d’adorateurs de Satan…

LA SETTA

 

1991 – ITALIE

 

Réalisé par Michele Soavi

 

Avec Kelly Curtis, Herbert Lom, Mariangela Giordano, Michel Adatte, Carla Cassola, Angelika Maria Boeck, Giovanni Lombardo Radice, Niels Gullov, Tomas Arana

 

THEMA DIABLE ET DÉMONS

Satisfaits de leur collaboration sur Le Sanctuaire, les producteurs Mario et Vittorio Gori décident de refaire équipe avec Dario Argento pour accompagner le troisième long-métrage de Michele Soavi, La Secte. Le jeune réalisateur milanais, révélé par Bloody Bird, combine à cette occasion des éléments tirés de deux scénarios qu’il avait écrits (dont l’un avec la complicité de Gianni Romoli) et qui n’avaient pas abouti : l’un nommé Le Puits, l’autre Catacombes. Dario Argento lui-même met la main à la pâte en écrivant le prologue de La Secte, qui se déroule dans les années 70. Deux membres clés de l’équipe artistique se joignent à l’aventure : le créateur des effets spéciaux Sergio Stivaletti (déjà à l’œuvre sur Le Sanctuaire) et le compositeur Pino Donaggio (qui vient alors de collaborer avec Argento sur Deux yeux maléfiques). Pour le rôle féminin principal, Soavi jette son dévolu sur Kelly Curtis, qu’on a alors aperçu dans quelques épisodes de Equalizer, Kojak ou Rick Hunter. Même si elle est la sœur de Jamie Lee Curtis (révélée dans Halloween) et la fille de Janet Leigh (la tête d’affiche de Psychose), la comédienne avoue n’avoir aucune affinité particulière avec les films d’horreur. Mais elle accepte de jouer le jeu, séduite par le travail artistique de Soavi sur Bloody Bird et par les expérimentations horrifo-poétiques d’Argento sur Suspiria. En lisant le scénario de La Secte, elle l’appréhende d’ailleurs avant tout comme une sorte d’Alice au pays des merveilles déviant.

En 1970, dans le sud de la Californie, un groupe de hippies et leurs enfants sont abordés dans un campement situé dans le désert par un voyageur solitaire. Ils l’accueillent chaleureusement et lui offrent un repas. Mais à la tombée de la nuit, l’inconnu les tue tous les uns après les autres avec l’aide de plusieurs complices, en invoquant Lucifer pendant ces meurtres manifestement ritualisés. Vingt ans plus tard, nous voilà à Francfort, où un père de famille tranquille poursuit une jeune femme dans les rues de la ville avant de l’assassiner chez elle. Interpellé par la police, il affirme avoir été contraint de commettre ce crime, puis sort une arme et se suicide. Tous ces événements bizarres et pour le moins inquiétants précèdent l’entrée en scène de notre protagoniste, Miriam Kreisl (Kelly Curtis), une enseignante pour jeunes enfants. Celle-ci manque de renverser avec sa voiture un homme qui erre au beau milieu de la route, Moebius Kelly (Herbert Lom). Ignorant qu’il s’agit du membre actif d’une secte sataniste, elle l’invite à séjourner chez elle. Sans le savoir, elle vient de faire entrer le loup dans la bergerie et s’apprête à voir sa vie basculer dans l’horreur…

Le diable au corps

D’un bout à l’autre de La Secte, Soavi cultive l’étrangeté et le malaise sans que nous sachions exactement quel mal se trame : le scarabée dans le nez, le liquide bleu dans les canalisations, le « linceul diabolique », le camionneur transformé en tueur, le cadavre qui se ranime dans la salle d’opération, le surgissement d’un grand échassier au bec gigantesque… Tout nous inquiète, même si la menace reste longtemps impalpable. En jouant sur le rythme et les transitions inattendues en cours de montage, le cinéaste joue la surprise en se laissant volontiers influencer par ses maîtres à penser. Le goût d’Argento pour les prises de vues insolites est ainsi convoqué (très gros plan d’un œil dans lequel est versé un collyre rouge, caméra qui se promène à l’intérieur de canalisations, vues subjectives d’un lapin dans une maison, plongées et contre-plongées extrêmes) tandis que la poésie macabre d’un Luicio Fulci surgit parfois à l’écran (le sang qui se mélange au lait versé sur le sol, des vers soudain très envahissants). Fidèle à ses habitudes, Sergio Stivaletti conçoit des créatures volontiers surréalistes, tout en s’adonnant à des effets gore extrêmes lors du rituel final, quelque part à mi-chemin entre Hellraiser et Massacre à la tronçonneuse 2. Pino Donaggio, de son côté, abandonne les envolées mélancoliques qui font habituellement sa signature au profit d’une partition électronique très proche des travaux de Claudio Simonetti. Malgré l’atmosphère anxiogène dont il nimbe son film, Soavi ne peut s’empêcher de multiplier les clins d’œil à l’attention des connaisseurs. L’une des premières victimes s’appelle ainsi Marion Crane (comme l’héroïne de Psychose), son assassin se nomme Martin Romero (en hommage au réalisateur de Zombie), les satanistes citent Shub-Niggurath (référence à l’œuvre de H.P. Lovecraft). Quant au final, il nous renvoie directement à Rosemary’s Baby.

 

© Gilles Penso

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FANTÔME UTILE (2025)

Pour ne pas qu’on les oublie, plusieurs défunts se transforment en fantômes et hantent les appareils électroménagers des vivants…

PEE CHAI DAI KA

 

2025 – THAILANDE / FRANCE / SINGAPOUR / ALLEMAGNE

 

Réalisé par Ratchapoom Boonbunchachoke

 

Avec Danika Hoorne, Wisarut Himmarat, Apasiri Nitibhon, Wanlop Rungkumjad, Wisarut Homhuan, Gandhi Wasuvitchayagit, Ornanong Thaisriwrong

 

THEMA FANTÔMES I OBJETS VIVANTS

Un homme fait l’amour avec un aspirateur, possédé par l’esprit de sa femme décédée… Tel est le postulat de Fantôme utile. Nous n’avons pourtant affaire ni à une comédie burlesque, ni à un nanar parodique, mais à une œuvre inclassable qui mélange les genres de manière totalement imprévisible. Pour son premier long-métrage, le cinéaste Ratchapoom Boonbunchachoke s’autorise tout, brasse de nombreux thèmes et parvient à obtenir de nombreux soutiens venus des quatre coins du monde. En 2021, Fantôme utile est ainsi sélectionné au programme Open Doors du Festival de Locarno, où il remporte le Grand Prix ainsi qu’une aide à la production de 35 000 francs suisses. L’année suivante, il rejoint le line-up de la compagnie de production singapourienne Momo Film Co. Quelques mois plus tard, c’est la société française Haut Les Mains qui entre dans la danse comme coproductrice du film. Des apports budgétaires supplémentaires obtenus au Festival international du film de Rotterdam et via le World Cinema Fund de la Berlinale permettent de finaliser le montage financier de ce projet hors-norme. Sans doute les nombreux participants à la production de Fantôme utile furent-ils séduits par la richesse des sujets que Boonbunchachoke aborde, ainsi que par son intrigue à tiroirs imbriquant les unes dans les autres plusieurs histoires indépendantes qui finissent toutes par s’interpénétrer.

Le premier protagoniste qu’on nous présente est un jeune homme réveillé en pleine nuit par un bruit de toux qui semble provenir de son aspirateur. Le réparateur qu’il appelle le lendemain matin effectue un rapide diagnostic et arrive à une conclusion surprenante : l’appareil est en parfait état mais visiblement hanté par un fantôme. Il y a d’ailleurs d’étranges récits liés à l’usine où il a été fabriqué. Le scénario opère alors un flash-back pour nous raconter l’histoire de Suman, l’héritière de l’usine de son défunt mari, tourmentée par l’esprit vengeur de Tok, un employé mort dans les locaux de l’entreprise après avoir toussé du sang pendant des heures. Reprochant à l’usine d’avoir précipité sa mort, l’ancien ouvrier joue les poltergeists et perturbe le travail de ses ex-collègues en possédant toutes les machines électriques à sa portée. Alors que Suman est obligée de fermer les portes de la compagnie, nous nous intéressons à March, le plus jeune de ses fils. Celui-ci pleure la perte récente de sa femme Nat, emportée par une maladie respiratoire. Celle-ci prend soudain possession d’un aspirateur et le séduit sous cette forme. C’est avec un regard consterné que sa famille constate que le jeune veuf a désormais des relations sexuelles avec un appareil électroménager ! 

Les objets du désir

Le récit foisonnant de Fantôme utile ne cesse de nous surprendre, autant par ses bifurcations imprévisibles que par ses constantes ruptures de ton. Comédie, drame, satire sociale, pamphlet politique et même cinéma d’horreur s’entremêlent au sein d’un récit au rythme souvent lent, parfois contemplatif. L’une des idées les plus originales du scénario consiste à ne jamais remettre en question l’existence des fantômes : leur présence est tenue pour acquise par les vivants, qui cohabitent naturellement avec eux. Pour sa mise en scène, Boonbunchachoke opte pour un format presque carré aux bords arrondis, proche de celui de A Ghost Story, et ponctue les séquences oniriques d’effets de pellicule qui semblent se décrocher. Loin d’être de simples choix esthétiques, ces partis pris ancrent volontairement le film dans le passé. Car Fantôme utile est avant tout une réflexion sur la peur de l’oubli. Dès l’ouverture, un bas-relief historique promis à la destruction au profit d’un projet immobilier donne le ton. L‘aspirateur, invention destinée à faire disparaître la poussière, devient par conséquent la métaphore de l’effacement des traces du passé. « Les fantômes sont là pour deux raisons », explique un moine bouddhiste venu exorciser l’usine hantée. « Soit parce qu’ils se souviennent, soit parce que quelqu’un se souvient d’eux. » En faisant écho à plusieurs traumatismes de l’histoire thaïlandaise, notamment le massacre de l’université Thammasat en 1976 et la répression des manifestations de 2010, tout en alertant sur diverses dérives environnementales, Fantôme utile est décidément plus complexe qu’il n’y paraît, plaçant le devoir de mémoire au cœur de tous ses enjeux narratifs.

 

© Gilles Penso

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MASSACRE AU CAMP D’ÉTÉ (1983)

Dans ce slasher estival motivé par le succès de Vendredi 13 et de ses suites, un tueur sans pitié ensanglante un camp de vacances…

SLEEPAWAY CAMP

 

1983 – USA

 

Réalisé par Robert Hiltzik

 

Avec Felissa Rose, Jonathan Tiersten, Karen Fields, Christopher Collet, Mike Kellin, Katherine Kamhi, Paul DeAngelo, Thomas E. Van Dell, Loris Diran, John E. Dunn

 

THEMA TUEURS

Robert Hiltzik est un cas assez à part dans l’histoire du cinéma d’horreur. Malgré le succès inattendu de son premier long-métrage Massacre au camp d’été, qui coûte 335 000 dollars et en rapporte 11 millions dès sa première exploitation, cet auteur et réalisateur diplômé de la prestigieuse New York University disparaîtra de la circulation juste après la sortie du film en 1983. Notre homme quitte en effet l’industrie cinématographique pour se réorienter vers une carrière d’avocat spécialisé dans l’immobilier à New York. Ce n’est qu’au début des années 2000, sans doute titillé par une fibre nostalgique, qu’il se résout à repasser une seconde et dernière fois derrière la caméra à l’occasion de Blood Camp, une suite tardive de son premier coup d’éclat… qui n’aura pas du tout le même impact et sombrera vite dans l’oubli. L’idée de Massacre au camp d’été lui trotte dans la tête au cours des années 70, avant que le slasher ne devienne un genre à part entière. C’est dans ses propres souvenirs d’enfance, passés au camp de vacances Algonquin, dans l’État de New York, qu’il puise son inspiration. Mais il faut attendre le succès de Vendredi 13 pour que son projet soit jugé financièrement viable. Hiltzik réunit alors lui-même les fonds nécessaires à la production du film, en faisant appel à ses proches, à sa famille et à son réseau de connaissances.

L’entame du film nous fait bien comprendre que, malgré quelques maladresses de mise en scène, Massacre au camp d’été sera un film brutal et sans concession. L’accident qui ouvre le film – un bateau à moteur fonce vers un homme et ses deux enfants qui batifolent dans l’eau en ne laissant qu’un seul survivant – sera le trauma initial sur lequel va se bâtir le reste de l’intrigue. Huit ans plus tard, Angela (Felissa Rose), 13 ans, seule rescapée du drame, vit désormais avec sa tante excentrique et son cousin Ricky (Jonathan Tiersten). Très introvertie, mal dans sa peau, elle est envoyée avec Ricky au camp de vacances Arawak, où elle a beaucoup de mal à se lier avec les autres. Les brimades et les humiliations ne tardent pas. Un premier accident, qui laisse le cuisinier du camp entre la vie et la mort, fait basculer la situation de manière dramatique. Mel (Mike Kellin), le propriétaire des lieux, préfère rester discret pour éviter toute mauvaise publicité. Mais la suite prend une tournure beaucoup plus inquiétante, puisque plusieurs meurtres violents ensanglantent soudain les campeurs. Or les victimes ne semblent pas avoir été choisies au hasard : elles ont toutes causé du tort à Angela…

Les jolies colonies de vacances

La première force de Massacre au camp d’été est son ancrage dans un contexte réaliste. Les blagues idiotes entre gamins, les jeux, les disputes et les bagarres sentent le vécu. Certes, quelques longueurs auraient sans doute pu être évitées, notamment cette partie de base-ball qui ralentit un peu inutilement l’action. Mais ces tranches de vie sur le camp captées de manière naturaliste ont le mérite de renforcer la crédibilité du cadre du film. D’autant que, pour une fois, le casting est principalement composé d’acteurs adolescents et non d’adultes qui essaient de nous faire croire qu’ils ont quinze ans. À ce titre, la prestation de la débutante Felissa Rose est particulièrement intense, notamment lorsqu’on découvre le fin mot de l’histoire à la faveur d’une chute franchement choquante. Robert Hiltzik n’y va pas avec le dos de la cuiller, osant transgresser quelques tabous, mettre en scène un adulte malsain attiré par les gamins ou de très jeunes enfants exposés beaucoup trop tôt à une sexualité frontale. Les effets spéciaux de maquillage eux-mêmes, concoctés par le maestro Ed French (Cauchemars à Daytona Beach, C.H.U.D., Breeders), trouvent le parfait équilibre entre le réalisme clinique et le Grand-Guignol excessif. Les corps brûlent, se boursouflent, se découpent ou se déchirent sans la moindre retenue. Bref, Massacre au camp d’été se détache très agréablement du lot des innombrables slashers initiés dans la mouvance de Vendredi 13. Le public l’accueillera avec enthousiasme, motivant la mise en chantier de quatre suites entre 1988 et 2008.

 

© Gilles Penso

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L’ODYSSÉE (1997)

Cette ambitieuse adaptation du texte d’Homère, conçue pour les petits écrans américains, se pare d’un casting prestigieux et d’effets spéciaux haut de gamme…

THE ODYSSEY

 

1997 – USA

 

Réalisé par Andrei Konchalovsky

 

Avec Armand Assante, Greta Scacchi, Isabella Rossellini, Bernadette Peters, Eric Roberts, Irene Papas, Jeroen Krabbé, Geraldine Chaplin, Christopher Lee, Vanessa Williams

 

THEMA MYTHOLOGIE

Au milieu des années 1990, les chaînes américaines cherchent à produire des événements télévisés capables de rivaliser avec le cinéma. Hallmark Entertainment se spécialise ainsi dans les adaptations ambitieuses de classiques littéraires et bibliques et lance le projet de L’Odyssée avec un budget estimé à 40 millions de dollars, considérable pour une production télévisée de l’époque. American Zoetrope, la compagnie de Francis Ford Coppola, entre dans la danse en tant que coproducteur et confie à Nicholas Meyer (Star Trek 2, C’était demain, Le Jour d’après) le développement du show. L’objectif est clair : offrir une retranscription spectaculaire mais relativement fidèle au texte d’Homère, destinée au prime time américain. Le choix du réalisateur se porte sur Andreï Konchalovsky. Ancien collaborateur d’Andreï Tarkovski en Russie, il s’est imposé à Hollywood avec des films tels que Maria’s Lover, Runaway Train ou Tango & Cash. Jugé candidat idéal pour donner une dimension épique à l’œuvre littéraire originale sans sacrifier l’émotion ni les personnages, Konchalovsky participe lui-même à l’écriture de l’adaptation avec Chris Solimine, privilégiant une narration linéaire et un ton accessible au grand public. Tournée principalement à Malte et en Turquie, L’Odyssée est d’abord diffusée en deux soirées, les 18 et 19 mai 1997, sur le réseau NBC, avant d’être plus largement exploitée sous forme d’un long téléfilm de trois heures.

Le déploiement de moyens est assez impressionnant et la mise en scène affiche son dynamisme dès l’entame, où un accouchement imminent se vit dans une frénésie que le spectateur doit attraper en cours de route. Armand Assante, découvert par beaucoup de spectateurs sous les traits d’un Indien dans Prophecy : le monstre, et qu’on a revu entre autres dans 1492 : Christophe Colomb, Hoffa, Judge Dredd et Striptease, entre dans la peau d’Ulysse, appelé sous les drapeaux par le roi Agamemnon pour participer à la guerre de Troie après la naissance de son fils Télémaque, au grand désarroi de son épouse Pénélope, incarnée par Greta Scacchi (Troubles, Présumé innocent, The Player). Craignant de ne pas revenir, Ulysse exhorte son épouse à se remarier lorsque Télémaque aura atteint l’âge adulte, afin qu’Ithaque dispose d’un roi digne de ce nom pour lui enseigner ses responsabilités. Après la guerre de Troie, dont Ulysse parvient à précipiter l’issue suite à la mort d’Achille grâce à la ruse du fameux cheval géant, notre héros a la mauvaise idée de défier Poséidon, le dieu des océans. Ce dernier, un brin susceptible, va désormais tout mettre en œuvre pour l’empêcher de rentrer chez lui, semant d’embûches spectaculaires son voyage en mer et celui de ses fidèles marins.

20 000 lieues sur les mers

Au fil de cette odyssée éprouvante, Ulysse multiplie les rencontres, ce qui permet à la production d’égrener bon nombre de guest-stars : la séduisante Athena (Isabella Rossellini), le facétieux Eole (Michael J. Collard), le virevoltant Hermès (Frederick Stuart), l’ensorceleuse Circé (Bernadette Peters), le devin aveugle Tiresias (Christopher Lee) ou encore l’envoûtante Calypso (Vanessa Williams). Et puis, bien sûr, il y a les monstres. Les talents conjugués du Jim Henson’s Creature Shop (pour les créations animatroniques) et de la compagnie Framestore (pour les images de synthèse) permettent de donner corps à un bestiaire conforme à l’imagerie traditionnelle de la mythologie gréco-romaine. Nous avons ainsi droit à un serpent de mer géant qui dévore le prêtre Laocoon, aux trois têtes garnies de dents acérées du dragon Scylla, au vorace Charybde (un gouffre aquatique aux allures de mâchoires géantes qui n’est pas sans évoquer le Sarlacc du Retour du Jedi) et bien sûr au cyclope Polyphème. Ce dernier est incarné par un acteur équipé d’un masque mécanisé et interagit avec les humains grâce à de très habiles perspectives forcées, comme à l’époque du Ulysse de Mario Camerini. Les effets numériques servent aussi à dessiner le visage de Poséidon dans les vagues déchaînées. Bref, tout y est ou presque, à l’exception de l’épisode des sirènes, sans doute supprimé du scénario dans la mesure où le rôle des tentatrices est déjà assuré par Circé et Calypso. L’Odyssée de Konchalovsky n’est certes pas exempte de défauts, notamment la théâtralisation artificielle de certaines scènes (comme le sacrifice de la mère d’Ulysse) et l’ajout d’une voix off parfaitement inutile. Mais cette adaptation reste de très haute tenue et semble avoir pavé la voie de la version titanesque conçue trois décennies plus tard par Christopher Nolan. Lors de la 49e cérémonie des Emmy Awards, elle remportera le prix de la meilleure réalisation.

 

© Gilles Penso

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SCARY MOVIE (2026)

Les frères Wayans sont de retour pour ce sixième opus tardif dont les gags poussifs nous navrent plus qu’ils ne nous amusent…

SCARY MOVIE

 

2026 – USA

 

Réalisé par Michael Tiddes

 

Avec Marlon Wayans, Shawn Wayans, Anna Faris, Regina Hall, Teyana Taylor, Kenan Thompson, Dave Sheridan, Lochlyn Munro, Carmen Electra, Kim Wayans

 

THEMA TUEURS I SAGA SCARY MOVIE

Longtemps absents de la saga qu’ils avaient créée, les frères Wayans reprennent finalement les commandes de la saga Scary Movie pour ce sixième opus que personne n’attendait particulièrement. Leur histoire avec la franchise s’était pourtant achevée dans la controverse. Après le succès de Scary Movie 2, Marlon, Shawn et Keenen Ivory Wayans avaient proposé une idée pour un troisième volet, en parallèle du développement de Fausses blondes infiltrées. Si Miramax s’était montré intéressé, les négociations avaient rapidement achoppé sur la question des salaires, poussant le trio à quitter le projet. Leur concept aurait néanmoins servi de base à Scary Movie 3, réalisé sans leur participation. Vingt ans plus tard, la réconciliation est enfin actée et Scary Movie « tout court » (sans doute pour sacrifier à la mode des séquelles de films d’horreur qui suppriment le numéro de leurs titres, comme Halloween, Scream ou Souviens-toi l’été dernier) est lancé. Ce retour des frères Wayans s’explique au moins par deux évènements : la disparition de Bob et Harvey Weinstein de l’équation, ainsi que les encouragements de leur père Howell Wayans avant son décès en 2023. Soutenu par le nouveau dirigeant de Miramax, Jonathan Glickman, le film bénéficie d’un budget de 30 millions de dollars et entend renouer avec l’esprit irrévérencieux des deux premiers opus. Michael Tiddes, qui se voit confier la réalisation, avait déjà collaboré avec Marlon Wyans à l’occasion de Cinquante nuances de black et Naked.

« On a encore fait n’importe quoi » annonce fièrement la phrase d’accroche qui orne l’affiche du film. Pour une fois, le slogan n’est pas mensonger. Mais ce n’est pas une bonne nouvelle : concocter une comédie réussie consiste justement à ne pas faire n’importe quoi et demande au contraire une rigueur et une précision d’écriture qui semblent complètement passer au-dessus de la tête des Wayans. On ne s’étonne donc guère de la lamentable médiocrité du résultat. Pendant le prologue, l’adolescente Mardi Campbell (Savannah Lee Nassif) regarde Horror Movie, un film inspiré des événements qui se déroulent dans Scary Movie, et se retrouve soudain agressée par Ghostface. Sara (Olivia Rose Keegan), sa demi-sœur aînée toxicomane, et son petit-ami Jack (Cameron Scott Roberts), que tout désigne comme le coupable, décident de mener l’enquête. Ils s’en vont donc rencontrer les « personnages legacy », ceux qui sont là depuis les premiers films de la saga, autrement dit l’ex-policier stupide Doofy (Dave Sheridan), Cindy Campbell (Anna Faris), qui est devenue recluse paranoïaque, et Brenda (Regina Hall), qui se fait désormais appeler « Ma ». L’accro au cannabis Shorty (Marlon Wayans) et l’homosexuel refoulé Ray (Shawn Wayans) sont aussi de la fête, pour une intrigue sans queue ni tête qui enchaîne les gags ratés et les références appuyées face à des spectateurs qui finissent par bailler à s’en décrocher la mâchoire…

Parodies artificielles

Le scénario passe bien sûr la saga Scream à la moulinette, mais aussi un maximum de succès des dix dernières années, ce qui condamne fatalement le film à se démoder à la vitesse grand V. Tout y passe donc, de la série Mercredi aux derniers opus en date de Destination finale et Halloween en passant par Terrifier 3, Sinners, Get Out, K-Pop Demon Hunters, Smile, Michael, Longlegs, The Substance, Candyman, Évanouis, Megan, Ballerina, Nosferatu… Conçus comme des sketches autonomes, ces pastiches d’intègrent au forceps dans une intrigue qui, du reste, n’a aucun sens. Les Wayans prennent surtout un malin plaisir à briser le quatrième mur pour multiplier les private jokes sur Scary Movie 4 et 5, sur leur propre carrière et sur leurs guests stars, bref à se regarder béatement le nombril. Dans une démarche qui se veut manifestement impertinente, les dialogues sont plus graveleux que jamais et les blagues osent se moquer du racisme, de l’homosexualité et de la transsexualité. Mais en guise d’humour transgressif, il nous semble plutôt assister aux coups de coude d’un oncle lourdaud et gênant à la fin d’un repas un peu trop arrosé. Cela dit, avouons que la déception reste relative, dans la mesure où les Scary Movie précédents ne nous avaient pas particulièrement habitués à de la parodie de haut vol. Nous constatons simplement – sans beaucoup de surprise – que ce revival tardif se contente de laisser stagner un humour qui nous semblait déjà dépassé au début des années 2000.

 

© Gilles Penso

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