FEMALIEN : COSMIC CRUSH (2020)

Des extra-terrestres partent en mission pour étudier les effets d’une forme de vie tentaculaire qui réveille la libido de ceux qui l’approchent…

FEMALIEN : COSMIC CRUSH

 

2020 – USA

 

Réalisé par Lindsey Schmitz

 

Avec Kira Noir, Jillian Janson, Lilly Fairfield, Paris White, Tyler Borresch, Rachel Grubb, Lexy Marie, Denise Milfort, Luke A. Schmitz, Megg Bel

 

THEMA EXTRA-TERRESTRES I SAGA FEMALIEN I CHARLES BAND

Au milieu des années 90, le producteur Charles Band tente de surfer sur la vogue des films érotiques qui cartonnent dans les vidéoclubs, tout en conservant son attachement à l’horreur et à la science-fiction. Ainsi naît le label éphémère « Surrender Cinema », destiné à alimenter les rayonnages de séries B dont les postulats fantastiques sont des prétextes pour déshabiller ses actrices girondes et les exhiber dans toutes les positions possibles et imaginables. Femalien, l’un des premiers opus de cette collection, connaît un modeste succès en 1996, suffisant en tout cas pour motiver la mise en chantier d’une suite deux ans plus tard. Cette petite « saga » à base d’extra-terrestres voluptueuses et dénudées aurait pu s’arrêter là. Mais à l’aube des années 2020, Band décide de revisiter plusieurs de ses anciens films sous des formes nouvelles en créant la série « Deadly Ten ». Ainsi, après les petits monstres Weedjies ! (qui déclinent l’imagerie de Ghoulies) et la sorcière sanglante de Necropolis : Legion (remake libre du premier Necropolis), la franchise Femalien renaît de ses cendres avec Femalien : Cosmic Crush, dont la mise en scène est confiée à Lindsey Schmitz. Familier des productions Full Moon, celui-ci fut assistant caméraman sur Evil Bong High-5, Killjoy’s Psycho Circus, Evil Bong 666, Puppet Master : Axis Termination, Evil Bong 777 et Weedjies !.

Les premières minutes du film nous permettent d’apprécier que les ambitions artistiques ont bien évolué depuis les deux premiers Femalien, malgré un budget toujours aussi famélique. Nous faisons d’abord connaissance avec un équipage spatial constitué du professeur Quenthosz (Denise Milfort), de la pilote Pim (Paris White) et d’un jeune couple d’étudiants à la sexualité débridée (Jillian Janson et Tyler Borresch). Notre quatuor atterrit sur une planète inconnue et y découvre un temple antique dans lequel sévit une créature tentaculaire ancienne, le Thanarian Pleasure Pod (variante olé olé du Cthulhu de Lovecraft en quelque sorte). Dès qu’elle frôle un des appendices de la bête, la scientifique se met dans tous ses états, se déshabille et se laisse posséder. Ce méga-parasite, qui draine peu à peu l’essence vitale de ses victimes consentantes, pénètre ensuite dans le vaisseau et s’en prend à Pim. De l’autre côté de l’univers, le Haut Conseil du peuple Alterian, des entités extra-terrestres spécialisées dans les voyages stellaires et capable de se téléporter d’un endroit à l’autre, envoie deux de ses « collectrices » enquêter sur cette étrange affaire : Maxy Prime (Kira Noir) et Gab-E J’nx (Lilly Fairfield). Parviendront-elles à faire cesser les agissements de la créature ou succomberont-elles à son étreinte ?

Les tentacules t’acculent

Certes, les maquettes sollicitées pour montrer les vaisseaux spatiaux, les décors miniatures censés représenter les planètes et les images de synthèse spatiales manquent singulièrement de réalisme, mais la touche « rétro pop » qu’ils apportent au film reste très appréciable. Tout comme les maquillages spéciaux de Ryan Schaddelee (superviseur des effets de I Am Not a Serial Killer). Celui-ci soigne son travail du mieux qu’il peut, concoctant le fameux monstre tentaculaire qui affole les sens de tout le casting mais aussi le look félin de Gab-E J’nx (dont le joli minois s’affuble d’yeux luisants, d’oreilles pointues et de dents acérées) et celui – plutôt impressionnant – de l’homme-pieuvre Hugh Mungous. Le casting – quasi-exclusivement féminin à l’exception du fadasse Tyler Borresch – ne démérite pas, s’efforçant de jouer avec le plus de conviction possible. Le scénario lui-même se tient bien mieux que dans les Femalien précédents, qui se contentaient d’un récit filiforme pour enchaîner un maximum de scènes de sexe. Ici, on sent une tentative de raconter quelque chose d’un peu plus consistant, même si l’objectif final reste toujours le même : déshabiller toutes les actrices pour les montrer faire des galipettes. Le film existe d’ailleurs dans deux versions : le montage « sage » de 82 minutes, qui amorce les scènes de sexe et de déshabillage sans aller jusqu’au bout, et le « director’s cut » de 99 minutes qui se montre forcément moins frileux.

 

© Gilles Penso

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CONJURING : L’HEURE DU JUGEMENT (2025)

Annoncé comme la dernière enquête des époux Warren, ce quatrième volet laisse entrevoir la possibilité d’une évolution de la franchise…

CONJURING LAST RITES

 

2025 – USA

 

Réalisé par Michael Chaves

 

Avec Vera Farmiga, Patrick Wilson, Mia Tomlinson, Ben Hardy, Elliot Cowan, Beau Gadsdon, John Brotherton, Steve Coulter, Madison Lawlor, Orion Smith, Kate Fahy

 

THEMA DIABLE ET DÉMONS I FANTÔMES I SAGA CONJURING

Quatrième incursion dans l’univers bâti autour d’Ed et Lorraine Warren et neuvième opus de la saga Conjuring, Conjuring : l’heure du jugement affiche clairement une volonté de clore un cycle, tout en laissant entrevoir d’autres possibles prolongements. Dans une industrie où les franchises d’horreur finissent souvent par s’étouffer sous leurs propres artifices, l’annonce d’une « dernière enquête » pour le couple vedette ne pouvait qu’attiser la curiosité. Dès l’ouverture, le récit met en avant une idée centrale : l’usure des Warren, qui ne sont plus seulement des enquêteurs confrontés aux forces occultes mais aussi un couple vieilli, entouré de leur fille Judy et de son fiancé Tony. Cet angle familial change la dynamique habituelle. Là où les épisodes précédents plaçaient le duo au cœur du dispositif, L’Heure du jugement fait entrer Judy dans la lumière. Longtemps réduite à une silhouette périphérique, la jeune femme devient ici un personnage moteur. Ce choix scénaristique permet d’aborder la thématique de passation, comme si la saga testait sa capacité à survivre sans ses figures tutélaires. Le script s’inspire de ce que les journaux américains des années 1980 appelèrent « la hantise des Smurl ». Pendant plus d’une décennie, une famille de Pennsylvanie affirma avoir été harcelée par une entité démoniaque. L’affaire attira les prêtres, les psychologues et les démonologues de tous poils.

Conjuring : l’heure du jugement reprend ces éléments réels mais les reconfigure pour en faire une ultime épreuve familiale. Le surnaturel est donc traité à la fois comme une menace extérieure et comme un révélateur de fragilités intimes. C’est là l’un des paris les plus intéressants de ce quatrième opus, qui tente de conjuguer la mécanique du film de possession avec un drame domestique. Sur le plan esthétique, Michael Chaves reste fidèle aux codes qui ont fait le succès de la saga en continuant – comme il le fit dans l’épisode précédent – d’emboîter les pas de James Wan. Mais c’est moins dans les effets de terreur « classiques » ou attendus – les figures fantomatiques et grimaçantes qui surgissent çà et là pour faire sursauter les spectateurs – qu’il fait mouche que lorsqu’il laisse le hors-champ faire son travail. Quand la fille Warren (Mia Tomlinson), seule dans une cabine d’essayage tapissée de miroirs, se perd dans un labyrinthe de reflets et se retrouve piégée dans une sorte de cauchemar mental (une séquence qui semble payer son tribut à Mario Bava et Dario Argento), ou quand le père Gordon (Steve Coulter) perd pied dans un décor pourtant ordinaire qui semble suinter de menaces diaboliques impalpables, Michael Chaves marque des points parce qu’il titille les peurs primaires sans en faire des tonnes. Même chose dans cette scène de décorticage d’un enregistrement vidéo qui, certes, dure beaucoup trop longtemps, mais sait éveiller nos sens en évoquant les investigations du Blow Out de Brian de Palma. Ce sont ces moments suspendus qui rappellent la force originelle du premier Conjuring.

Transition générationnelle

Le casting, lui, confirme sa solidité. Patrick Wilson et Vera Farmiga incarnent encore une fois un couple crédible et solide, sans perdre une once de leur charisme. Wilson impose une présence plus fragile, marquée par les années et par un cœur malade, tandis que Farmiga poursuit son travail d’identification avec la véritable Lorraine Warren, jusque dans les détails vestimentaires. Face à eux, Mia Tomlinson apporte un mélange de fraîcheur et de gravité qui donne au personnage de Judy une dimension nouvelle, bien éloignée du rôle secondaire qu’elle tenait auparavant (sous les traits des actrices Sterling Jerins dans Conjuring et Conjuring 2 et Grace McKenna dans Annabelle : la maison du mal). À ses côtés, le petit-ami campé par Ben Hardy complète efficacement le duo, même si son personnage reste plus fonctionnel. La vraie question posée par L’Heure du Jugement est celle de l’avenir. Le film est présenté comme la conclusion des aventures des Warren, mais il prépare aussi, en filigrane, une possible continuité. On peut y voir une tentative de prolonger la franchise sans trahir son ADN, en opérant une transition générationnelle. Il s’agit donc moins de fermer la porte que de tester la résistance de l’univers à de nouveaux visages.

 

© Benjamin Braddock

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GOOBERS (1997)

Engagé pour participer à une émission pour enfants, un jeune garçon découvre que les petits monstres qui en tiennent la vedette sont réels…

MYSTERY MONSTERS / GOOBERS !

 

1997 – USA

 

Réalisé par Charles Band

 

Avec Ashley Tesoro, Tim Redwine, Daniel Hartley, Michael Dennis, Caroline Ambrose, Sam Zeller, J.W. Perra, Tom Thomson, Eileen Wesson, Alli McGuire

 

THEMA PETITS MONSTRES I SAGA CHARLES BAND

En 1993, Charles Band lance le label Moonbeam pour élargir le champ des films qu’il produit à des spectateurs plus jeunes. Ainsi naissent quelques petits contes sympathiques comme Prehysteria, Le Château du petit dragon, Jack et le haricot magique, La Boutique fantastique ou L’Île magique. Quelques années plus tard, après la fin d’un accord juteux avec Paramount qui assurait la distribution de ces titres en vidéo, l’infatigable producteur crée un autre label, Pulse Pounders, qui s’applique à d’autres longs-métrages conçus pour un public familial. Les plus attentifs remarqueront que Pulse Pounders est déjà le titre d’un film à sketches produit en 1988 et jamais achevé, mais il n’y a aucun lien avec la nouvelle collection. En réutilisant ce titre, Band s’adonne simplement à l’une de ses activités préférées : le recyclage. Pour inaugurer ce label, place à Mystery Monsters, un film de monstres inoffensif qui sort une première fois en 1997 dans un format de 53 minutes. Band le réexploitera plus tard dans sa version intégrale de 80 minutes et lui donnera une seconde jeunesse avec un titre flambant neuf : Goobers. Ce nouveau nom ne veut pas dire grand-chose mais semble surtout exister pour évoquer les Gremlins, les Ghoulies et même les Goonies.

Tommy (Tim Redwine), 12 ans, vient de rejoindre le casting de l’émission pour enfants très populaire « Cap’n Mike’s Goobers Show », dans laquelle l’animateur Mike (Michael Dennis) partage la vedette avec trois créatures rigolotes baptisées les Goobers : le snob Squidgy, le glouton Blop et la grotesque Esmerelda. Tommy est impatient de découvrir comment l’équipe des effets spéciaux fait fonctionner les monstres. Mais Mike est catégorique, précisant qu’il y a trois règles à respecter s’il veut rester sur cette émission : ne jamais poser de question sur les Goobers, ne jamais les toucher et ne jamais approcher le vestiaire de Mike. Tommy accepte à contrecœur et doit aussi subir les humeurs de Jimmy (Daniel Hartley), un autre garçon qui participe au show et qui se prend pour une superstar. Heureusement que son autre partenaire, Susie (Ashley Tesoro), est plus sympathique. Poussé par sa curiosité, il découvre qu’il n’y a pas d’effets spéciaux dans l’émission. Les Goobers sont réels et la propriétaire originale de ces petits monstres, une redoutable souveraine venue d’un monde parallèle, débarque pour récupérer ses biens et se venger du capitaine Mike qui les lui a volés.

Puppet Show

Plutôt bien joué, mené sur un rythme relativement trépidant, Goobers collecte quelques saynètes savoureuses (Tommy qui essaie de se confier à son père, lequel est totalement obnubilé par sa collection de cartes de baseball) et dresse en filigrane une petite satire amusante du monde des programmes télévisés pour la jeunesse et des enfants stars. Les personnages de la reine Mara (la séduisante Caroline Ambrose) et de son serviteur Groon (l’impressionnant Sam Zeller) véhiculent eux-mêmes leur lot de gags, le second s’efforçant d’expliquer à la première les us et coutumes des humains en utilisant un langage primitif. « J’aime le terme producteur exécutif » finit par dire Mara en se présentant sous l’identité d’une riche investisseuse. « Ils produisent et ils exécutent ! » Sa manière de signer un contrat vaut aussi le détour. « Par ce sang royal, le sang du serpent, j’appose ici ma signature et mon serment » dit-elle d’un ton solennel. « Que je sois brûlée et déchirée si jamais je venais à rompre ce serment, jusqu’au dernier jour et jusqu’à ce que la dernière étoile se soit éteinte. » Le gros point faible du film – et c’est tout de même rédhibitoire -, ce sont ses monstres vedettes. Car ces marionnettes au design évasif animées par l’équipe de Mark Rappaport ressemblent à des petits jouets en plastique vaguement agités devant la caméra. Squidgy est certes un peu plus mobile, puisque les gros plans utilisent un acteur derrière un masque. Mais on ne peut pas dire que ces « Goobers » soient très expressifs, ni particulièrement attrayants. Ils ne réapparaîtront d’ailleurs dans aucun autre film produit par Charles Band, pourtant habituellement enclin à faire fructifier ses concepts.

 

© Gilles Penso

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BRING ON THE DAMNED (2024)

Produit par Troma, ce film à sketches délirant met en scène des exorcistes, des serial killers, des Martiens et des enquêtrices habillés en tigres !

BRING ON THE DAMNED

 

2024 – USA

 

Réalisé par Brandon Bassham

 

Avec Sydney Hirsch, Zac Amico, Ian Fidance, Johnny Ferri, Marcus Bishop-Wright, Alan Ceppos, SaraKate Coyne, Giuseppe De Caro, Dominick Denaro, Patrick Foy

 

THEMA DIABLE ET DÉMONS I TUEURS I EXTRA-TERRESTRES

Originaire de la scène comique newyorkaise, Brandon Bassham se fait remarquer grâce à deux films d’horreur décalés réalisés avec des budgets ridicules, Feartown U.S.A. et The Slashering. En 2015, la compagnie Troma, spécialisée dans ce genre de production foutraque, acquiert les droits de distribution de ces longs-métrages bricolés avec les moyens du bord, marquant le début d’une collaboration étroite entre Bassham et les créateurs du Toxic Avenger. Notre homme co-écrit ainsi avec Lloyd Kaufman Shakespeare’s Shitstorm et se lance quelques années plus tard dans un film à sketches plus ambitieux : Bring on the Damned. Son idée consiste au départ à solliciter plusieurs scénaristes et réalisateurs pour chapeauter l’ensemble. Mais face aux scripts qu’on lui soumet (tous très proches les uns des autres), il change son fusil d’épaule. C’est lui qui prendra en charge l’ensemble du projet en adoptant pour chaque segment un style radicalement différent, tant dans les sujets que dans la mise en forme. En attendant de pouvoir réunir le financement nécessaire (20 000 dollars, donc vraiment pas grand-chose), il tourne les sketches au fur et à mesure, sur une période qui s’étend entre 2022 et 2025. Et c’est bien sûr Troma qui assure la coproduction et la distribution, Lloyd Kaufman se fendant même d’une apparition éclair dans le film.

Dans « Blasphem », le premier chapitre, une psychiatre (Steph Shober) est chargée d’examiner le cas d’une jeune femme (Amanda Flowers) souffrant de violents troubles du comportement. Selon l’église, qui la croit habitée par le démon, il faut l’exorciser. Détournant les codes du « found footage », ce faux reportage (avec image vidéo abimée et caméra portée) est plus drôle qu’effrayant, malgré les hurlements hystériques à répétition qui saturent la bande son, les gros plans grimaçants de la possédée et les morts sanglantes. Parmi celles-ci, on note un morceau d’anthologie : un curé qui s’arrache le visage devant les caméras ! Quelques éléments improbables alimentent également cette entrée en matière prometteuse, comme l’exorciste qui utilise un poing américain et une batte de base-ball ornés tous deux d’un crucifix pour chasser le démon. Le second chapitre, « Obsession », se tient beaucoup moins. Filmée en noir et blanc, dans une ambiance rétro qu’accentue une musique légère à l’accordéon, cette relecture loufoque de Jules et Jim raconte l’amitié naissante entre deux hommes ayant assassiné leur femme respective. Maladroit, hésitant entre le slapstick et l’horreur (avec une allusion au visage de chair de Massacre à la tronçonneuse), c’est sans conteste le plus faible des sketches de Bring on the Damned.

Disco inferno

Brandon Bassham se rattrape avec « Perversion », qui s’attache à une jeune femme introvertie incapable de connaître un orgasme… sauf si elle commet de sanglants homicides. Voici donc notre serial killeuse (Sydney Hirsch) qui écume la boîte disco du coin pour y cueillir ses victimes. Ce segment – le plus long des cinq – s’agrémente de plusieurs idées de mise en scène inventives, comme un quadruple split screen coloré qui montre en parallèle le destin funeste de quatre victimes masculines de la tueuse. Johnny Ferri, qui joue un émule de John Travolta dans ce sketch, apparaît également dans le suivant, « Nihilism », qui prend quant à lui les atours d’un film noir des années 40 (même si les tenues et les accessoires ne rendent guère justice à la reconstitution d’époque). Tous les clichés d’usage sont de mise (détective privé, gangsters, voix off désabusée, femmes fatales), si ce n’est que nous sommes dans un monde parallèle où les Martiens (des nuages flottants et luminescents) se sont intégrés à la population. D’où quelques moments « autres » qui ne sont pas sans évoquer les univers de David Lynch. Mais c’est dans le dernier chapitre, « Sadism », que le délire bat totalement son plein. Au sein de ce mixage improbable entre Seven et un dessin animé de Hanna et Barbera, nous découvrons que trois chanteuses déguisées en tigres, « Tara and the Tiger Babes », assistées d’un sosie du Fred de Scooby-Doo, sont spécialisées dans les affaires de crimes sexuels violents et tentent d’arrêter un assassin connu sous le surnom de « boucher des fesses » ! Voilà qui clôt en beauté cette anthologie certes inégale, Sans doute trop longue et ouvertement fauchée, mais bourrée d’idées folles et d’inventivité.

 

© Gilles Penso

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OPÉRATION DIABOLIQUE (1966)

Un homme d’âge mûr, à la vie comblée mais sans saveur, accepte la proposition d’une société secrète qui lui propose de tout effacer et de recommencer…

SECONDS

 

1966 – USA

 

Réalisé par John Frankenheimer

 

Avec Rock Hudson, Salome Jens, John Randolph, Will Geer, Jeff Corey, Richard Anderson, Murray Hamilton, Karl Swenson

 

THEMA MÉDECINE EN FOLIE

Dans les méandres du cinéma américain des années 60, certains films résistent aux catégories et reviennent hanter les spectateurs longtemps après leur sortie. Opération diabolique appartient à cette famille rare d’œuvres inclassables et dérangeantes. Ce drame de science-fiction psychologique, passé relativement inaperçu lors de sa sortie, s’est lentement imposé comme une pièce maîtresse du cinéma paranoïaque post-maccarthyste, où le corps, l’identité et l’illusion de la liberté deviennent des terrains de manipulation absolue. Le récit suit Arthur Hamilton (Rock Hudson), un homme d’âge mûr, bien installé dans une existence morne et insatisfaisante malgré une réussite sociale apparente. Un jour, il reçoit un appel mystérieux d’un vieil ami qu’il croyait mort. Celui-ci lui propose une seconde vie qui s’annonce comme un renouveau complet. Intrigué, Arthur accepte de le suivre et entre dans l’engrenage d’une organisation secrète qui, moyennant la signature d’un contrat sans retour, propose à ses clients de simuler leur mort, de changer de visage et d’identité grâce à la chirurgie, puis de renaître ailleurs sous une autre forme. Arthur devient alors Tony Wilson, jeune artiste séduisant vivant dans une maison californienne de rêve. Une renaissance ? Plutôt une descente aux enfers…

John Frankenheimer, dont la filmographie regorge de thrillers politiques mâtinés de science-fiction (Un crime dans la tête, Sept jours en mai), poursuit ici son exploration de l’aliénation contemporaine en s’attaquant frontalement au mythe américain de la réinvention. À l’instar d’un épisode hypertrophié de La Quatrième dimension, le film déploie son ambiance oppressante avec une virtuosité glaçante. La caméra du chef opérateur James Wong Howe transforme chaque plan en un piège visuel. Objectifs déformants, plongées vertigineuses, images tremblées ou embarquées sur le corps des personnages, tout contribue à faire vaciller les repères, comme si la réalité se disloquait au fil des minutes. Mais Opération diabolique est bien plus qu’un exercice de style paranoïaque. C’est aussi une œuvre profondément métaphysique qui questionne le prix de nos désirs. Qui sommes-nous vraiment, une fois libérés des contraintes sociales et familiales ? Peut-on recommencer sa vie en supprimant son passé ? Le protagoniste campé par Rock Hudson s’apprête à passer d’une prison existentielle à une autre, plus belle mais tout aussi rigide. Malgré la jeunesse retrouvée et les plaisirs soudain accessibles, le vide subsiste. La nouvelle vie qu’on lui vend n’est qu’un décor de cinéma, un fantasme sans âme.

Seconde (mal)chance

C’est d’ailleurs là l’ironie cruelle que dépeint film : ce rêve américain de la seconde chance, tant vanté, s’effondre dès lors qu’il est consommé. Dans une séquence hallucinatoire – une bacchanale où le vin coule à flots tandis que les corps s’entrechoquent dans une cuve géante – le film verse dans le cauchemar dionysiaque, révélant les pulsions enfouies que le système tente de canaliser sous des atours séduisants. Mais même cet abandon hédoniste ne parvient pas à combler le manque. L’identité de Tony Wilson se craquelle, les failles d’Arthur Hamilton remontent à la surface. Et c’est précisément en trahissant le pacte – autrement dit en avouant à des proches son ancienne vie – qu’il condamne son « nouveau moi » à l’échec. Nous ne sommes pas loin des cauchemars kafkaïens, où les personnages se retrouvent piégés dans des structures opaques, dominées par des règles qu’ils ne comprennent pas. À travers Opération diabolique, Frankenheimer capte aussi les tensions souterraines d’une Amérique en pleine mutation, marquée par la guerre du Viêt Nam, les mouvements civiques et les désillusions de l’ère post-Eisenhower. À sa sortie, le film est un échec commercial. Sans doute trop étrange, trop pessimiste et trop en avance sur son temps. Aujourd’hui, il est redécouvert comme un chef-d’œuvre incontournable, une œuvre charnière entre la science-fiction introspective des années 60 et les cauchemars psychologiques des années 70.

 

© Gilles Penso

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HYSTERICAL (1982)

Dans cette parodie bancale et mal-fichue, le fantôme d’un gardien de phare surgit cent ans après sa mort pour transformer ceux qu’il croise en zombies…

HYSTERICAL

 

1982 – USA

 

Réalisé par Chris Bearde

 

Avec Richard Kiel, Bill Hudson, Mark Hudson, Brett Hudson, Cindy Pickett, Julie Newmar, Robert Donner, Murray Hamilton, Clint Walker, Franklyn Ajaye, Bud Cort

 

THEMA FANTÔMES I ZOMBIES

Au début des années 1980, alors que le cinéma parodique bat son plein dans le sillage du succès de Y a-t-il un pilote dans l’avion ?, trois frères musiciens et comédiens – Mark, Brett et Bill Hudson, alias les Hudson Brothers – décident de se lancer dans leur propre pastiche cinématographique. Originaires de Portland et stars d’une série télé pour enfants dans les années 70 (The Hudson Brothers Razzle Dazzle Show), ils mêlent depuis toujours humour burlesque, pop culture et autodérision. Le trio veut désormais parodier le cinéma d’horreur gothique dans un long métrage où fantômes, zombies et savants fous se télescoperaient sur un tempo infernal. Pour mettre en scène ce joyeux chaos, ils font appel à Chris Bearde, scénariste de renom ayant œuvré sur Rowan & Martin’s Laugh-In et co-créé The Gong Show. Bearde, habitué au rythme frénétique des émissions de variétés et au nonsense télévisuel, partage leurs goûts. Mais le passage du petit au grand écran ne se fait pas sans heurt. Malgré un casting de seconds rôles solides – Richard Kiel (L’Espion qui m’aimait), Julie Newmar (Batman), Charlie Callas (Peter et Elliot) -, le film passe relativement inaperçu à sa sortie en 1983, éclipsé par les comédies plus structurées de l’époque (comme Y’a-t-il enfin un pilote dans l’avion ?, sorti la même année). Il devient pourtant culte auprès des amateurs de nanars assumés et de comédie slapstick déjantée, culte alimenté par la relative difficulté pour pouvoir revisionner cette pellicule tombée aux oubliettes.

Le 31 octobre 1882, à Cape Hellview, dans l’Oregon, le capitaine Howdy (Richard Kiel), gardien de phare adultère, succombe en même temps que son épouse et que sa maîtresse Venetia (Julie Newmar) après une crise de jalousie spectaculaire aux répercussions catastrophiques. Un siècle plus tard, à New York, Frederic Lansing (Bill Hudson), auréolé par le succès de son livre polisson Bouche à bouche, rêve d’une reconnaissance littéraire plus prestigieuse. Pour s’isoler et chercher l’inspiration, l’écrivain décide de faire ses bagages et de partir dans l’Oregon où il prend comme nom de plume Casper Brown. Sur place, il fait la rencontre de la charmante Kate (Cindy Pickett) et s’installe dans le phare maudit. Mais les vieilles légendes s’apprêtent à refaire leur apparition. Stimulé par la présence du bel écrivain, le fantôme de Venetia décide de se servir de lui comme hôte pour l’esprit de son défunt amant. Le spectre de Howdy réapparaît bientôt et commence à tuer les habitants de la bourgade, qui se muent aussitôt en zombies blafards. Deux scientifiques maladroits (Mark et Brett Hudson) sont alors appelés à la rescousse pour aider à résoudre cette affaire.

Fantômes en fête

L’intention d’Hysterical est louable et la volonté de bien faire transparaît derrière ce scénario abracadabrant, mais aucun gag ne fait vraiment mouche. Poussifs, mal amenés, tellement insistants que tout effet comique s’évapore aussitôt, ils nous embarrassent plus qu’ils ne nous amusent. Les voix off censément humoristiques (qui traduisent les pensées des personnages) tombent elles aussi à plat, à cause d’un tempo mal géré et d’une écriture franchement pataude. Les traducteurs français en rajoutent, à grands coups de jeux de mots approximatifs et de contrepèteries : « Quelle braguette magique a réveillé la belle au phare dormant ? », ou encore « Je suis le speaker qui ne se laisse pas brouiller l’écoute ! ». En roue libre, les adaptateurs prennent même des initiatives bizarres, comme le remplacement de la phrase récurrente que répètent tous les zombies du film (« what difference does it make ? », autrement dit « qu’est-ce que ça peut bien faire ? ») par un incompréhensible « à la limite, je t’emmerde ». Les nombreux clins d’œil cinéphiliques du film sont insérés « au forceps » dans le récit, du chauffeur de taxi punk hystérique échappé de Taxi Driver au capitaine qui émerge des eaux aux accents d’une musique imitant celle des Dents de la mer (avec même la convocation de Murray Hamilton dans le rôle du maire de la bourgade), en passant par deux émules d’Indiana Jones qui rivalisent de bêtises et de maladresses, Dracula qui sort de son tombeau et se transforme en chauve-souris, l’écrivain qui se prend pour le Jack Nicholson de Shining ou la séance de possession façon L’Exorciste. Tout ça ne vole pas très haut, malgré quelques idées audacieuses (la grande séquence de comédie musicale dans la fête foraine qui annonce le Thriller de Michael Jackson avec quelques mois d’avance), ce qui explique l’oubli dans lequel est tombé cet anecdotique Hysterical.

 

© Gilles Penso

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C’EST ARRIVÉ PRÈS DE CHEZ VOUS (1992)

Benoît Poelvoorde incarne un tueur en série insatiable dans ce faux reportage horriblement drôle… ou drôlement horrible, au choix.

C’EST ARRIVÉ PRÈS DE CHEZ VOUS

 

1992 – BELGIQUE

 

Réalisé par Rémy Belvaux, André Bonzel et Benoît Poelvoorde

 

Avec Benoît Poelvoorde , Jacqueline Poelvoorde Pappaert, Nelly Pappaert, Hector Pappaert, Jenny Drye, Malou Madou, Willy Vanderbroeck, Rachel Deman

 

THEMA TUEURS

Il y a des films dont la brutalité ne réside pas tant dans la violence qu’ils exposent que dans le miroir qu’ils tendent au spectateur. C’est arrivé près de chez vous appartient à cette catégorie rare. Ce faux documentaire belge, tourné à l’arrache au début des années 90, prend la forme d’une chronique banale… si ce n’est que son protagoniste est un tueur en série jovial, volubile et incroyablement dérangeant. Ce qui aurait pu n’être qu’un exercice potache se transforme en un manifeste satirique sur notre rapport à l’image, au spectacle, et à la violence comme objet de divertissement. Le projet naît dans un contexte universitaire. Rémy Belvaux, étudiant à l’INSAS à Bruxelles, décide avec ses complices André Bonzel et Benoît Poelvoorde de bricoler un long-métrage pour contourner l’échec d’un projet scolaire plus classique. Ensemble, ils imaginent une parodie de documentaire dans l’esprit de l’émission télé Strip-Tease, connue pour filmer avec un réalisme cru des anonymes souvent ridiculisés par le montage. À la place de ces figures ordinaires, ils installent un personnage de fiction : Ben, un assassin à la fois loquace, cultivé, sympathique… et profondément monstrueux.

Tourné en noir et blanc, caméra à l’épaule, avec des moyens dérisoires et des proches dans les seconds rôles, le film fait preuve d’une audace impressionnante. Poelvoorde, dans le rôle de Ben, livre une prestation vertigineuse de naturel et de cynisme. Dès la première séquence (un meurtre filmé sans fard dans un train, suivi d’un commentaire pseudo-pédagogique sur l’art de lester un cadavre), le ton est donné : C’est arrivé près de chez vous refuse toute distance de sécurité. Sous des airs de comédie grinçante, le film piège le spectateur. Car plus on avance, plus l’horreur se déploie. Le rire devient inconfortable, l’humour s’efface au profit d’un malaise croissant. On découvre peu à peu la vraie nature de Ben : raciste, misogyne, misanthrope, prêt à tuer un enfant pour une gourmette ou une vieille femme pour un billet. Et surtout, on assiste à l’érosion progressive de la neutralité de l’équipe qui le filme, jusqu’à sa participation active à ses crimes. Le film devient ainsi une réflexion acide sur la complicité des médias face à la violence, et sur cette tentation perverse de se laisser fasciner par ce qu’on devrait condamner.

Un secret presque inavouable

Certains moments sont entrés dans la culture populaire – le poème sur les pigeons, le cocktail « Petit Gregory » – mais ne suffisent pas à dissimuler la noirceur absolue du propos. Quand le film bascule dans une scène de viol collectif d’un réalisme glaçant, toute possibilité d’humour s’effondre. Et c’est précisément là que réside la force du film, dans sa capacité à faire coexister une drôlerie féroce et un désespoir sans fard. En coulisses, le film relève presque du miracle. Autoproduit, tourné sans autorisation officielle, monté avec les moyens du bord, il est d’abord présenté sous une forme raccourcie aux professeurs de l’INSAS qui le jugent trop inégal. Mais une fois retravaillé et allongé, il atterrit en 1992 à la Semaine de la Critique du Festival de Cannes. Le choc est immédiat. Le film repart avec plusieurs prix, dont celui de la Critique internationale. Poelvoorde devient une révélation du cinéma belge, propulsé du statut d’amateur à celui de superstar. L’accueil public est à l’unisson. Malgré son radicalisme, le film trouve son public et devient un objet de culte, transmis de génération en génération comme un secret presque inavouable. Si le film est signé collectivement, les tensions au sein du trio fondateur s’aggravent malheureusement après la sortie. Belvaux, instigateur du projet, souffre de voir ses apports dilués. Il quitte le monde du cinéma pour celui de la publicité, où il connaît une certaine reconnaissance… jusqu’à son suicide en 2006. Le film, quant à lui, continue d’exister comme un cri du cœur à la fois dérangeant, irrévérencieux et profondément lucide.

 

© Gilles Penso

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FEMALIEN 2 (1998)

Deux extra-terrestres débarquent sur Terre à la recherche de leur collègue Kara et multiplient les expériences grivoises pour la retrouver…

FEMALIEN 2

 

1998 – USA

 

Réalisé par Cybil Richards

 

Avec Bethany Lorraine, Josh Edwards, Damien Wells, Amy Lindsay, Summer Knight, Steven Albrecht, Robbye Bentley, Steve Curtis, Samantha Flat, Venesa Talor

 

THEMA EXTRA-TERRESTRES I SAGA FEMALIEN I CHARLES BAND

Femalien ne plaçait pas ses ambitions très haut : alimenter les bacs des vidéoclubs en proposant au public peu regardant des séquences érotiques soft s’enchaînant au fil d’une intrigue de science-fiction filiforme. L’affaire s’avéra rentable, générant suffisamment de bénéfices pour motiver la mise en chantier d’une suite. Les producteurs Pat Siciliano et Charles Band relancent donc la machine en s’octroyant même un budget, un planning de tournage et un nombre d’acteurs revus à la hausse. Si Venesa Talor, héroïne du Femalien, original, accepte de rejoindre l’aventure, c’est uniquement sous forme d’une petite apparition finale, en restant cette fois-ci habillée. Les autres séquences la mettant en scène sont donc des flash-backs issus du premier film. Le rôle féminin principal échoit à Bethany Lorraine, qui accepte la suggestion de son agent de s’aventurer sur le terrain érotique, après des années de mannequinat ainsi qu’un téléfilm avec David Schwimmer. L’expérience lui laissera un souvenir mitigé (pas tant à cause de la nudité que des scènes de sexe), au point de marquer un point final à sa carrière d’actrice. La comédienne Jacqueline Lovell, présente dans le premier Femalien et grande habituée des productions Charles Band, aurait dû elle aussi figurer dans cette suite, mais elle préfère finalement décliner pour accepter d’autres propositions aux budgets plus importants.

Quand le film commence, nous assistons à une crise de couple entre Lester (Damien Wells) et Terry (Amy Lindsey), qui ne s’entendent bien qu’au lit. Elle le trouve immature parce qu’obsédé par les Ovnis, alors qu’elle gagne sa vie sérieusement comme photographe de presse. Mais soudain, les appareils de Lester lui signalent l’arrivée de visiteurs d’une autre planète. C’est à contrecœur, et totalement incrédule, que Terry accepte de le suivre dans sa quête. Or un couple d’extra-terrestres vient bien d’arriver sur Terre. Blonds et naïfs, il s’agit des collecteurs 4899 (Bethany Lorraine) et 5032 (Josh Edwards), qui finissent par répondre aux noms de Xeda et Trion. Leur mission : retrouver leur camarade disparue, Kara (Venesa Talor). Ils découvrent dans un premier temps que les humains se sentent obligés de recouvrir leurs corps de vêtements. « Sans doute pour éviter de penser au sexe tout le temps et de ne plus être productifs », finissent-ils par supposer. En communiquant avec Dak, un cristal qui parle, nos collecteurs apprennent que Kara s’est vivement intéressée au comportement sexuel des humains. Pendant qu’ils suivent sa trace d’un lieu à l’autre, Lester et Terry, ainsi qu’un mystérieux homme en noir, les pourchassent.

L’odyssée de l’extase

Dans Femalien 2, tout le monde couche avec tout le monde : Lester avec Terry, la serveuse d’un café avec son petit-ami, un couple dans le salon de massage, Xeda et un inconnu dans un lagon virtuel, deux catcheuses dans un ring, et bien sûr nos deux extra-terrestres… avec en prime plusieurs séances de strip-tease pour faire bonne mesure. Si toutes ces grivoiseries s’intercalent à un rythme régulier dans le métrage, elles tentent de le faire de manière un peu moins artificielle que dans le premier film, vaguement justifiées par le fil ténu de cette intrigue certes très répétitive mais raisonnablement distrayante. Entre deux parties de jambes en l’air, les acteurs jouent les scènes de comédie du mieux qu’ils peuvent (ce que démontre le sympathique bêtisier qui alimente le générique de fin), Femalien 2 ayant le bon goût d’injecter un peu d’humour dans son scénario squelettique. Les amateurs du « Charles Band Cinematic Universe » apprécieront au passage le crossover avec Virtual Encounters dans la séquence où nos extra-terrestres se retrouvent dans un centre spécialisé dans la réalité virtuelle et s’immergent dans des scènes torrides artificielles. Deux décennies plus tard, Band ravivera cette petite franchise avec Femalien : Cosmic Crush.

 

© Gilles Penso

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NECROPOLIS : LEGION (2019)

Une romancière s’installe dans la maison qu’habitait une sorcière assoiffée de sang et se laisse peu à peu posséder par son esprit…

NECROPOLIS : LEGION

 

2019 – USA

 

Réalisé par Chris Alexander

 

Avec Augie Duke, Ali Chappell, Lynn Lowry, Joseph Lopez, Zoe Georgaras, Stephanie Delorme, Alexis Korotash, Goldie Rocket, Steve Kasan, Adam Buller

 

THEMA SORCELLERIE ET MAGIE I SAGA CHARLES BAND

S’il est auréolé d’une petite aura de film d’horreur culte, le Necropolis de Bruce Hickey n’a pourtant rien de foncièrement mémorable. Cette histoire de sorcière du 17ème siècle, réincarnée en motarde punk des années 80, est certes amusante, mais la facture extrêmement mal-fichue du film et son scénario erratique jouent sérieusement en sa défaveur. Seul élément marquant : ces passages délirants au cours desquels la super-vilaine incarnée par LeeAnne Baker exhibe trois paires de seins que viennent téter des petits démons assoiffés ! Difficile donc de comprendre ce qui a pu pousser le producteur Charles Band à en initier un remake. Necropolis : Legion s’inscrit en fait dans une démarche de « réinvention » de plusieurs films produits par Band dans les années 80/90, sous le label « Deadly Ten ». Et pour donner une seconde jeunesse au film de Bruce Hickey, c’est le réalisateur Chris Alexander qui est sollicité. Ancien journaliste pour Fangoria, Alexander possède un style bien à lui, beaucoup plus proche de l’épouvante poético-érotique européenne (Jess Franco, Jean Rollin, Harry Kümel, Andrzej Zulawski) que des séries B rigolardes auxquelles Band est habitué. En s’attaquant à cette nouvelle version de Necropolis, Alexander impose donc une patte très personnelle, même s’il collabore avec le scénariste Brockton McKinney, auteur régulier pour les productions Full Moon (Evil Bong 666, Evil Bong 777, Weedjies !).

Le prologue nous présente Eva (Ali Chappell), une sorcière vampire satanique dont les rituels nocturnes sont interrompus lorsque son époux (Joseph Lopez), le révérend du village, surgit, un crucifix et un missel à la main, et la tue d’un coup de poignard dans le cœur. Quelques siècles plus tard, l’écrivaine Lisa Tanzette (Augie Duke) décide d’emménager provisoirement dans la ferme où la sinistre Eva a vécu afin d’écrire un livre sur l’histoire de ce lieu supposé hanté. Alors qu’elle participe à une séance de dédicaces dans la librairie locale, signant son dernier ouvrage Beyond Darkness, une femme paniquée (Lynn Lowry) la met en garde : elle doit absolument quitter la ville si elle souhaite garder son âme intacte. Lisa n’en fait rien, bien sûr, et prend ses quartiers dans la région. Mais dès la première nuit, elle est troublée par des rêves perturbants. Le lendemain, elle se coupe le pied avec des éclats de verre et son sang commence à se répandre sur le plancher, irriguant la terre sous la cabane où elle s’est installée. Le mal s’apprête dès lors à se réveiller…

Ma sorcière bien nénés

Il y a fort à parier que les spectateurs familiers des productions Charles Band furent déstabilisés par ce faux remake très éloigné des canons habituels des productions Full Moon. Pas d’humour burlesque à l’horizon, pas de petits monstres… Même le Necropolis original semble bien loin. La relecture du film de Bruce Hickey n’est de toute évidence qu’un prétexte pour permettre à Chris Alexander de faire valoir sa propre sensibilité. Certes, le film nous offre une image insolite qui n’aurait pas dépareillé dans Evil Bong ou Piranha Women : des tétons en forme de mâchoires acérées qui permettent à la sorcière de se repaître du sang de ses victimes. Mais Alexander aborde cette bizarrerie anatomique sans second degré ni gaudriole. Même approche pour cette étonnante séquence de résurrection de la sorcière, née du sang mélangé avec la terre. La main qui surgit du sol et le cœur palpitant qui se reconstitue en accéléré offrent au film une belle touche surréaliste, tandis que les pleines lunes qui percent l’obscurité, le vieux cimetière décrépit et les messes noires sataniques surgissant dans de brefs flash-backs assument l’influence du cinéma gothique européen des années 70. Malgré ses moyens très limités, Necropolis : Legion développe ainsi une ambiance envoûtante, presque hypnotique, que vient renforcer une très belle musique co-composée par Richard Band et par Alexander lui-même.

 

© Gilles Penso

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JU-ON : THE GRUDGE (2002)

Même s’il fut précédé par deux longs-métrages à petit budget, ce film est le premier qui popularisa à l’échelle internationale l’univers de The Grudge…

JU-ON

 

2002 – JAPON

 

Réalisé par Takashi Shimizu

 

Avec Megumi Okina, Misaki Itô, Misa Uehara, Yui Ichikawa, Kanji Tsuda, Kayoko Shibata, Yukako Kukuri, Shuri Matsuda, Yôji Tanaka, Yoshiyuki Morishita

 

THEMA FANTÔMES I SAGA THE GRUDGE

Si Ju-On : The Curse et Ju-On : The Curse 2 avaient connu un bel impact au Japon, ils restaient encore relativement confidentiels dans le reste du monde. Mais avec ce troisième volet, Takashi Shimizu bénéficie d’une sortie en salles internationale qui lui permet de faire découvrir l’univers de The Grudge au plus grand nombre. Avec à sa disposition un budget plus important, le réalisateur peut troquer l’image vidéo en 4/3 contre un tournage en 35 mm au format 1.85. Même s’il s’agit d’une suite des opus précédents, Ju-On : The Grudge peut s’apprécier à la manière d’un film autonome, et c’est d’ailleurs sous cette forme qu’il fut principalement découvert. Mais ceux qui sont familiers avec les deux premiers films y trouveront des indices le positionnant à la fois comme une séquelle (l’épilogue de The Curse 2 trouve ici un écho direct) et un remake, avec le même motif de l’enseignant s’inquiétant de l’absence prolongé de son élève et lui rendant visite à domicile. Fidèle à la narration fragmentée de The Curse et The Curse 2, Ju-On : The Grudge se divise en six segments centrés chacun sur un protagoniste distinct. Ce qui les lie, c’est bien sûr l’intervention des fantômes influant tragiquement sur leur destin.

Le premier personnage du film est Rika (Megumi Okina), qui travaille en tant que volontaire dans un centre d’aide sociale. Malgré son manque d’expérience, elle est chargée de retrouver la trace d’une personne qui ne donne pas signe de vie. En se rendant dans la maison dont on lui a communiqué l’adresse, elle découvre des débris éparpillés partout et Madame Sachie (Chikako Isomura), une vieille dame dans un très mauvais état. Alors qu’elle nettoie les lieux, Rika perçoit des bruits de grattements et un miaulement derrière un placard condamné. À l’intérieur, elle trouve un chat noir… et un enfant. Dès lors, le scénario se subdivise en plusieurs récits interconnectés pour nous faire découvrir d’autres facettes de la malédiction, à travers le regard des personnages qui en sont frappés. Ce ne sont donc pas à proprement parler des flash-backs ou des flash-forwards (même si nous effectuons des allers-retours dans le temps) mais plutôt les pièces d’un puzzle s’assemblant peu à peu pour couvrir toute l’étendue du drame. Car la malédiction se propage comme les tentacules d’une pieuvre ou comme un virus, frappant un à un tous ceux qui entrent en contact avec le lieu funeste.

Les tentacules de la malédiction

La peur passe d’abord par le non-dit : des bruits de pas qui courent, des empreintes de main sur un mur, un reflet furtif dans un miroir, des cheveux noirs qui flottent, ces miaulements récurrents et cette fameuse voix grinçante devenue l’une des signatures sonores de la franchise. La plupart des horreurs se déroulent d’ailleurs hors-champ. Tandis que les hurlements se perdent dans les ténèbres et que les yeux s’écarquillent en gros plan, Takashi Shimizu évite de céder à la tentation des jump-scares faciles. Dans Ju-On : The Grudge, ce sont surtout les jeux de caméra (notamment ces fameux travellings circulaires autour des visages en gros plan) et le travail minutieux de la bande son qui contribuent à créer un climat anxiogène, même lorsqu’il ne se passe apparemment rien. En multipliant davantage les lieux que dans les deux premiers Ju-On, ce troisième volet renforce l’idée selon laquelle ce n’est pas la maison qui est hantée, mais ceux qui l’on côtoyée et qui se retrouvent dès lors poursuivis par les spectres vengeurs. Ce concept peut donc se décliner à loisirs, d’où la longévité de la franchise The Grudge, qui prendra une dimension encore plus importante deux ans plus tard avec le remake américain que Shimizu dirigera sous l’égide de Sam Raimi.

 

© Gilles Penso

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