Archives des Films - Page 222 sur 375

LA NUIT DES SANGSUES (1986)

Des limaces extra-terrestres se logent dans le cerveau des humains et les transforment en zombies dégoulinants !

NIGHT OF THE CREEPS

1986 – USA

Réalisé par Fred Dekker

Avec Jason Lively, Steve Marshall, Jill Whitlow, Tom Atkins, Wally Taylor, Bruce Solomon, Vic Polizos, Allan Kayser

Irréductible fan de films d’épouvante et de science-fiction, Fred Dekker est le co-auteur du réjouissant House réalisé par Steve Miner. Pour son premier long-métrage en tant que réalisateur et scénariste, il semble s’être efforcé de mixer toutes ses influences et toutes ses références La Nuit des Sangsues est donc un pot-pourri typique des premières œuvres de cinéphiles, maladroit dans sa construction mais sincère dans ses intentions. Le prologue nous transporte en 1959, aux alentours de l’université américaine de Lover’s Lane. Là, un vaisseau spatial débarque une créature extra-terrestre particulièrement agressive qui s’en prend aussitôt à un couple de terriens. Vingt-sept ans plus tard, nous faisons connaissance avec de jeunes protagonistes un tant soit peu stupides, notamment Chris, un étudiant en première année qui, s’il veut avoir une chance de séduire la belle Cynthia, doit accepter de participer à d’absurdes épreuves de bizutage. L’une d’entre elles consiste à dérober un cadavre à la morgue.

Avec l’aide de son ami JC, Chris tombe sur le corps cryogénisé d’un homme habité par une forme de vie extra-terrestre parasitaire. Accidentellement libérés, les monstres envahissent rapidement le campus voisin. Comme le titre l’indique assez bien, il s’agit d’espèces de limaces voraces qui jaillissent dans la bouche des humains et se logent dans leur cerveau où elles pondent des œufs. Les malheureux ainsi contaminés se transforment en zombies jusqu’au moment où les œufs éclosent et que les parasites fassent éclater la tête porteuse pour se lancer à la conquête de nouvelles victimes…

Clins d’œil en série

Fred Dekker est un fantasticophile pur et dur, à tel point que tous les personnages de son film portent le nom de cinéastes spécialisés dans le genre : Romero, Hooper, Cronenberg, Carpenter, Cameron, Landis, Raimi, Miner, Cunningham, Dante, De Palma… Jusqu’au journal local qui se nomme le « Corman Clarion ». Ces facéties évoquent celles de Hurlements, d’autant que Dekker utilise Dick Miller, acteur fétiche de Joe Dante, pour lui faire interpréter un armurier, rôle qu’il tenait déjà dans Terminator. Sans parler de cet extrait de Plan 9 From Outer Space qui passe à la télé en arrière-plan. Ce jeu référentiel prend une tonalité franchement parodique au cours d’un rêve de l’inspecteur Cameron, qui reproduit fidèlement le découpage d’une scène célèbre des Dents de la mer. Dommage que Dekker n’ait pas joué la carte du clin d’œil en permanence en dotant son film d’une véritable lecture au second degré. Car il n’ose visiblement pas aborder sous un ton ouvertement comique son histoire de zombies gorgés de sangsues extra-terrestres, comme s’il se sentait trop respectueux du genre pour vouloir s’en moquer. Ainsi, chaque écart humoristique est-il immédiatement rattrapé par un retour immédiat au sérieux. Résultat : le film a toutes les allures d’une série B de SF plutôt distrayante, agrémentée de surcroît d’effets spéciaux efficaces et surprenants (exception faite des grotesques extra-terrestres grimaçants du prologue), mais il ne resta guère vivace dans les mémoires. Cela dit, il est tout à fait possible que James Gunn se soit laissé inspirer par cette Nuit des sangsues pour concocter son délirant Horribilis.

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YESTERDAY (2019)

Après un accident, un chanteur sans succès se réveille dans un monde où les Beatles n’ont jamais existé…

YESTERDAY

2019 – GB

Réalisé par Danny Boyle

Avec Himesh Patel, Lily James, Ed Sheeran, Joel Fry, Kate McKinnon, Lamorne Morris, Sophia Di Martino, Elise Chappell, Harry Michell, Alexander Arnold

THEMA MONDES PARALLÈLES ET MONDES VIRTUELS

C’est le scénariste Jack Barth qui est à l’origine de Yesterday. Après avoir passé de longues années à essayer d’intéresser Hollywood à ses histoires, il part d’un constat désenchanté selon lequel s’il se retrouvait dans un monde où Star Wars n’existait pas, il serait incapable de vendre le concept créé par George Lucas. Il imagine alors un chanteur sans succès qui se réveille un jour dans un univers parallèle sans Beatles et tente de s’approprier leurs chansons pour connaître le triomphe. Écrit en 2012, ce script a un petit air de déjà-vu. On pense notamment au film Jean-Philippe de Laurent Tuel, où un fan absolu de Johnny Hallyday bascule dans une réalité où son idole n’existe pas, mais aussi et surtout à la bande-dessinée « Yesterday » de David Blot et Jérémie Royer. Cette histoire tournant autour de l’usurpation d’une œuvre artistique serait-elle donc elle-même le fruit d’un plagiat ? Difficile de répondre à cette question. Toujours est-il que le scénariste Richard Curtis (Quatre mariages et un enterrement, Love Actually) se laisse séduire par le pitch de Jack Barth et décide de réécrire le scénario en adoucissant sa tonalité sombre pour accroître son potentiel de comédie romantique.

Le projet démarre officiellement lorsque le versatile réalisateur Danny Boyle (Trainspotting, 28 jours plus tard, Slumdog Millionaire) se lance dans l’aventure. Le film reçoit la bénédiction de Paul McCartney, Ringo Starr, Yoko Ono et Olivia Harrison, mais un tel adoubement n’est pas gratuit. Un tiers du budget de Yesterday sera ainsi consacré à l’obtention des droits d’utilisation des chansons des Beatles. Quant à leur interprétation, elle est assurée par le comédien Himesh Patel qui chante lui-même et s’accompagne à la guitare et au piano. La véritable révélation du film, c’est lui. Patel incarne Jack Malick, qui travaille dans l’entrepôt d’un supermarché du Suffolk en espérant pouvoir percer un jour dans la musique. Mais malgré l’opiniâtreté de son amie d’enfance et manager Ellie (Lily James), ce jeune chanteur peine à sortir de l’anonymat et ne remplit même pas les minuscules chapiteaux des modestes festivals que l’on met à sa disposition. Prêt à abandonner ses rêves pour de bon, il rentre un soir chez lui à vélo. A cet instant précis, un phénomène inexpliqué frappe toute la planète : l’électricité est coupée partout pendant un bref instant. Plongé dans les ténèbres, Jack est heurté par un bus. A son réveil, il constate avec stupeur qu’il a basculé dans une réalité alternative. Le voilà plongé dans un univers où les Beatles n’ont jamais existé. Désormais seul à connaître les chansons des superstars de Liverpool, il les joue au public en laissant croire qu’il en est l’auteur…

Un garçon dans le vent

Loin d’être un simple gimmick, l’univers des Beatles envahit une grande partie de Yesterday, dont Daniel Pemberton signe la bande originale en jetant un pont entre les chansons réinterprétées par Patel et l’atmosphère musicale du film. L’hommage est subtil mais omniprésent, comme lorsque l’inexorable crescendo orchestral de « A Day in the Life » précède l’accident qui déclenche tout. Les guitares de Paul McCartney et George Harrison, les trompettes de « Penny Lane », les claviers de « Strawberry Fields Forever » s’invitent discrètement, sans ostentation, pour accompagner pas à pas l’ascension de cet usurpateur rapidement dépassé par les événements. Mais c’est surtout lorsque Jack essaie de faire découvrir pour la première fois à son entourage les classiques des quatre garçons dans le vent qu’il convient de ne pas trahir l’essence des œuvres originales. Son interprétation sera-t-elle à la hauteur ? Constat amer sur l’industrie du disque et plus généralement sur un monde où le marketing corporatiste a largement pris le pas sur l’instinct artistique, Yesterday permet à Ed Sheeran d’incarner une caricature de lui-même (il conseille vivement à Jack de remplacer le titre « Hey Jude » par « Hey Dude », plus dans l’air du temps selon lui) et ponctue sa narration de gags savoureux (dont celui, récurrent, où Jack cherche des noms sur Google pour savoir s’ils existent dans ce monde parallèle). Entre éclats de rire et moments d’émotion intenses, Yesterday nous questionne sur l’inspiration, la mémoire, la quête d’identité et le devoir de transmission. Cette dernière thématique envahit le dernier acte du métrage, culminant au cours d’une séquence touchante et inattendue laissant rêveur sur les caprices du destin.

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VAMPIRE, VOUS AVEZ DIT VAMPIRE ? II (1988)

Dans cette séquelle, Charley Brewster et Peter Vincent affrontent de nouvelles créatures assoiffées de sang

FRIGHT NIGHT II

1988 – USA

Réalisé par Tommy Lee Wallace

Avec William Ragsdale, Roddy McDowall, Traci Lin, Julie Carmen, Jon Gries, Russell Clark, Brian Thompson, Ernie Sabella, Merritt Butrick, Matt Landers

THEMA VAMPIRES I SAGA VAMPIRE, VOUS AVEZ DIT VAMPIRE ?

Avec Vampire, vous avez dit vampire ?, son premier film en tant que réalisateur, Tom Holland avait fait très fort, remportant un immense succès mondial et générant un véritable culte auprès du jeune public. En toute logique, il se vit proposer la réalisation d’une séquelle. Mais le scénariste/réalisateur était alors au travail sur Jeu d’enfant, point de départ d’un nouveau culte et premier jalon de la juteuse franchise Chucky. Pour le remplacer, Tommy Lee Wallace semblait le choix idéal. Collaborateur de John Carpenter sur Dark Star, Assaut, Halloween, Fog et Jack Burton, il prouva son savoir-faire de réalisateur avec l’audacieux Halloween III. Si William Ragsdale et Roddy McDowall sont de retour dans les rôles respectifs de Charley Brewster et Peter Vincent, Amanda Bearse et Stephen Geoffreys (Amy et Ed) sont occupés ailleurs et déclinent la proposition. C’est aussi le cas de Chris Sarandon, sollicité par le tournage de Jeu d’enfant sous la direction de Tom Holland. Un vampire féminin le remplacera donc, sous les traits avenants de Julie Carmen qui fit ses débuts avec John Cassavetes dans Gloria. Peu intéressée au départ par ce rôle qui lui semble être une simple imitation de la présentatrice Elvira, la comédienne se ravise en lisant une nouvelle mouture du scénario, visiblement plus à son goût.

Dans le script de Vampire, vous avez dit vampire ? II, co-écrit par Tim Metcalfe, Miguel Tejada-Flores et Tommy Lee Wallace, Julie Carmen incarne donc Regine, une troublante buveuse de sang qui n’est autre que la sœur de Jerry Dandrige, le vampire qui semait la terreur dans le film précédent. Cette inquiétante créature emménage dans le même immeuble que Peter Vincent, accompagnée d’une étrange cour : Louie le loup-garou (Jon Gries, reprenant plus ou moins le rôle que tenait Stephen Geoffreys dans le premier film), Belle le vampire androgyne (joué par le chorégraphe Russell Clark) et Bozworth le colosse mangeur d’insectes (le massif Brian Thompson, qui se frottait à Sylvester Stallone dans Cobra). Le vénérable présentateur de l’émission « Fright Night » voit d’un mauvais œil ce nouveau voisinage et comprend bien vite qu’il a affaire à des créatures de la nuit. Il tente de prévenir son jeune ami Charley, mais celui-ci a tourné la page sur les événements des trois dernières années. Après avoir suivi une longue thérapie, et avec le soutien de sa nouvelle petite amie Alex (Traci Lin), il est désormais persuadé que les vampires n’existent pas et qu’il a été victime d’hallucinations. Bien sûr, la suite des événements va bientôt le convaincre du contraire.

Si ce n’est toi, c’est donc ta sœur

Si la patine « années 80 » fait toujours son petit effet et si Tommy Lee Wallace a du métier, il faut avouer que cette séquelle manque singulièrement de spontanéité. A force de vouloir réitérer mécaniquement le succès de son prédécesseur, Fright Night II transforme ses personnages en caricatures superficielles. Charley (auquel nous nous étions tant identifiés dans le premier film) se comporte désormais avec des réactions bizarres à peine justifiées par le scénario, la blonde Alex écarquille ses jolis yeux sans la moindre conviction et ce bon vieux Peter Vincent se contente principalement de s’autoparodier. Du côté des vampires, ce n’est guère mieux. Régine troque le charme ténébreux et ambigu de Chris Sarandon contre une bestialité sulfureuse trop vite affirmée (quelques minutes après avoir rencontré Peter Vincent, elle lui avoue sans raison qu’elle est la sœur de Jerry Dandridge et qu’elle va séduire Charley). Quant à ses compagnons, ils rivalisent de crétinerie (entre le lycanthrope surexcité, le vampire sur rollers et le gorille insectivore, nous sommes servis !). La comparaison avec l’opus de Tom Holland joue donc cruellement en défaveur de cette suite. Mais si l’on accepte d’appréhender avec indulgence et légèreté ce second Fright Night, on sera sensible à son charme rétro et sa désinvolture. Les amateurs d’effets gore à l’ancienne seront aussi aux anges, Bart J. Mixon (le téléfilm Ça) et Greg Cannom (Génération perdue) concoctant quelques séquences bien gratinées lors de l’affrontement final, avec en prime une chauve-souris vampire animée en stop-motion par Justin Kohn. Un troisième épisode fut un temps envisagé, mais les résultats décevants de Vampire, vous avez dit vampire ? II au box-office annulèrent ce projet.

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L’OASIS DES TEMPÊTES (1957)

Quatre explorateurs découvrent une terre inconnue sur laquelle les animaux n’ont pas évolué depuis la préhistoire

THE LAND UNKNOWN

1957 – USA

Réalisé par Virgil Vogel

Avec Jock Mahoney, Shawn Smith, Phil Harvey, Henry Brandon, Douglas Kennedy, William Reynolds, Phil Harvey

THEMA EXOTISME FANTASTIQUE I DINOSAURES

En 1947, des explorateurs trouvèrent au beau milieu de l’Antarctique une inexplicable source d’eau chaude. Cette étrange découverte inspira à William Robson un roman de science-fiction, lequel se transforma en 1957 en film produit par Universal et réalisé par Virgil Vogel (Le Peuple de l’enfer), lequel remplaça au pied levé Jack Arnold suite à une révision à la baisse du budget global (il fut même un temps question que Cary Grant tienne la vedette du film !). Après un prologue très académique, sous forme d’une conférence militaire destinée à présenter les protagonistes, le scénario isole ses quatre héros dans un hélicoptère et dès lors l’action ne ralentit pas. Nous faisons ainsi connaissance avec le commandant Hal Roberts (l’ancien cascadeur Jock Mahoney), la journaliste Maggie Hattaway (Shawn Smith), le lieutenant Jack Carmen (William Reynolds) et le docteur Carl Hunter (Henry Brandon). Mandatés par les autorités pour explorer cette fameuse source d’eau chaude, tous les quatre descendent dans un gouffre immense à bord de leur appareil.

L’inexorable descente, au sein d’un brouillard anormalement épais, nous offre une séquence de tension croissante d’une redoutable efficacité. L’hélicoptère finit par entrer en collision avec un ptérodactyle et la petite équipe, au moment de l’atterrissage, découvre un site tropical polaire dans lequel la faune et la flore préhistoriques semblent avoir survécu grâce à la chaleur et l’humidité. Le spectateur se retrouve ainsi en présence d’un de ces mondes perdus chers à la littérature (depuis Conan Doyle) et au cinéma (depuis Harry O’Hoyt). Immobilisés au sol, à plusieurs centaines de mètres au-dessous du niveau de la mer, nos quatre chercheurs doivent lutter contre divers sauriens géants, se frottent à des plantes carnivores et rencontrent le naufragé d’une précédente expédition, ancien docteur que plusieurs années de vie solitaire et primitive ont rendu peu sociable.

Les monstres des temps perdus

Les décors du film, merveilleusement irréels, ressemblent à une série de gravures du début du siècle. Œuvre de Fred Knoth, les dinosaures s’avèrent plus ou moins convaincants selon la technique utilisée. L’intervention des lézards véritables, hérités de Tumak fils de la jungle, est franchement impressionnante. Le plésiosaure mécanique qui glisse sur le lac, réminiscence de King Kong, fait lui aussi son petit effet, sauf lorsque les gros plans révèlent ses traits quelque peu grossiers. Mais c’est le choix d’un acteur se dandinant dans un costume caoutchouteux de tyrannosaure qui constitue la plus grosse erreur artistique du film, d’autant que sa tête, actionnée par des pompes hydrauliques, est aussi peu réaliste que celle d’une marionnette de fête foraine. Fort heureusement, les irréprochables trucages optiques du talentueux Clifford Stinne (Tarantula, L’Homme qui rétrécit, La Cité pétrifiée) permettent d’hallucinantes combinaisons d’acteurs, de dinosaures, de maquettes et de peintures dans des plans somptueux. Comme en outre la mise en scène nerveuse de Vogel tire au mieux partir d’un huis-clos naturel oppressant, L’Oasis des tempêtes s’inscrit comme une vraie petite réussite du genre, sertie dans un très beau Cinemascope noir et blanc.

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GÉNÉRATION PERDUE (1987)

Une bande de mauvais garçon rôde chaque soir dans une petite ville de Californie. Leur particularité ? Ce sont des vampires !

THE LOST BOYS

1987 – USA

Réalisé par Joel Schumacher

Avec Jason Patric, Corey Haim, Kiefer Sutherland, Dianne Wiest, Barnard Hughes, Corey Feldman

THEMA VAMPIRES

Nouveaux venus dans le monde du cinéma, Janice Fischer et James Jeremias écrivent à quatre mains le scénario de The Lost Boys qu’ils imaginent comme une sorte d’hommage à « Peter Pan ». Les « garçons perdus » du titre se réfèrent en effet à ceux imaginés par James Barrie avec qui ils partagent la même particularité : ils ne vieillissent pas. Le scénario est pensé sur mesure pour le réalisateur Richard Donner, d’où de nombreuses allusions aux Goonies avec des personnages principaux entre 12 et 14 ans. La compagnie de production indépendante PSO se lance dans l’aventure, bientôt épaulée par le studio Warner. Mais le projet met du temps à se concrétiser et Richard Donner finit par décliner la proposition pour partir tourner L’Arme fatale, ce dont nul ne se plaindra. Joel Schumacher, qui vient de diriger St Elmo’s Fire, prend la relève à une condition : élever l’âge des protagonistes. A ses yeux, une histoire de vampires n’a d’intérêt que si elle comporte un caractère sexuel. Ses personnages principaux auront donc entre 18 et 20 ans, et le scénariste Jeffrey Boam (Dead Zone, L’Aventure intérieure et justement L’Arme fatale) est sollicité pour revoir le scénario dans cette optique. Tourné en trois semaines, principalement à Santa Cruz (qu’on pourrait traduire par « croix sacré », ce qui ne manque pas d’ironie pour un film de vampires), Génération perdue offre un rôle clé à Kiefer Sutherland, que Schumacher a découvert dans Comme un chien enragé de James Foley. Charge à lui d’incarner le chef des « garçons perdus » avec une économie de dialogues qu’il compensera par une présence physique magnétique.

Après son divorce, Lucy Emerson (Dianne Wiest) quitte Phoenix avec ses deux fils Sam (Corey Haim) et Michael (Jason Patric) pour s’installer chez leur grand-père excentrique (Barnard Hughes) dans la paisible cité balnéaire de Santa Clara. D’emblée, les lieux dégagent une atmosphère insolite, avec cette fête foraine installée sur la plage, ces punks qui errent à chaque coin de rue, ces innombrables affichettes de personnes disparues… En assistant à quelques spectaculaires séquences d’attaques nocturnes où des citoyens sont littéralement arrachés du sol par des créatures venues du ciel, le spectateur a un coup d’avance sur les protagonistes : il découvre que Santa Clara n’est pas seulement un lieu étrange, c’est un endroit dangereux. Chaque soir, une bande de voyous indésirables menée par David (Kiefer Sutherland) vient perturber les honnêtes gens. En se laissant séduire par Star (Jami Gertz), une fille qui traîne avec ce petit groupe, Michael se joint à eux. Mais devenir l’un des leurs, c’est accepter de tromper la mort (d’où cette étonnante séquence sur un pont suspendu au-dessus du vide) et devenir soi-même une créature de la nuit. Lorsque son jeune frère découvre que le reflet de Michael devient transparent dans un miroir, la panique le saisit. « Tu es un vampire ? Attend que maman apprenne ça ! » crie-t-il, tandis que son aîné peine à contrôler sa capacité à défier la gravité. Génération perdue oscille ainsi en permanence entre un humour impertinent pas très éloigné de l’univers de Joe Dante et une vision romantique du mythe du vampirisme. Grâce au charisme de ses comédiens et aux effets de style de Joel Schumacher, cette alchimie risquée fonctionne à plein régime et le charme opère…

L'air du temps

Avec le recul, la mise en scène du futur réalisateur de L’Expérience interdite et Chute libre nous surprend par son modernisme. Certes, certains maniérismes résolument « eighties » sont sans doute trop excessifs, mais par bien des aspects le cinéaste prouve qu’il est en avance sur son temps, ne serait-ce que par son sens du montage et de l’adéquation entre l’image et la musique. Nous sommes alors en plein essor du vidéoclip, dont les codes sont ici repris et détournés avec panache. Ce jeu d’équilibre permanent entre l’élégance et l’exubérance est une véritable marque de fabrique de Schumacher, qui n’hésite jamais à repousser les limites stylistiques pour capter l’air du temps. Le thème même de Génération perdue le place au confluent de deux univers : d’un côté le gothisme hérité des histoires de vampires classiques (d’où ce décor de boîte de nuit baroque en ruines, cette lande baignée d’épaisses nappes de brumes), de l’autre une réinvention ultramoderne du mythe qui positionne le film comme un témoignage fidèle des modes et du style de vie des années 80. Ses vampires sont donc de jeunes adultes habillés comme des punks qui se déplacent en motos pétaradantes. Dans sa dernière partie, Génération perdue cède aux passages obligatoires du genre horrifique en laissant Greg Cannom et Ve Neill concocter des effets de maquillages impressionnants (sans jamais oublier de conserver le caractère « sexy » des vampires, mot d’ordre du réalisateur). Certes, l’assaut final dans la maison du grand-père va sans doute trop loin, se muant en une sorte de version sanglante et explosive de Maman j’ai raté l’avion. Mais l’énergie que dégage ce film et sa vision romantico-ténébreuse des vampires ont fait mouche, lui garantissant un très gros succès critique et public au moment de sa sortie.

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SIMONE (2002)

Fatigué par les sautes d’humeur de ses actrices, un réalisateur incarné par Al Pacino donne naissance à une comédienne virtuelle ultra-réaliste

SIMONE

2002 – USA

Réalisé par Andrew Niccol

Avec Al Pacino, Rachel Roberts, Benjamin Salisbury, Winona Ryder, Darnell Williams, Jim Rash, Ron Perkins, Jay Mohr

THEMA CINÉMA ET TÉLÉVISION I ROBOTS ET INTELLIGENCE ARTIFICIELLE

Passionné par les univers virtuels, les faux-semblants et les dérives technologiques, comme le prouvent les scénarios qu’il a écrits pour The Truman Show et Bienvenue à Gattaca, Andrew Niccol a décidé d’attaquer le sujet de front avec Simone. Son héros est Victor Taransky, interprété par Al Pacino, un réalisateur hollywoodien renommé qui se heurte quotidiennement aux sautes d’humeur de ses comédiennes, notamment celles de Nicola Anders (Winona Ryder). Après la rencontre d’un savant un peu fou qui lui confie un logiciel révolutionnaire avant de passer l’arme à gauche, Victor décide de franchir un pas décisif : créer de toutes pièces une actrice virtuelle et faire d’elle une star. Il la baptise Simone (contraction de « simulation one ») et le résultat dépasse toutes ses espérances, l’incitant à dire : « il est plus facile de tromper des centaines de personnes qu’une seule ». Comme tout apprenti sorcier qui se respecte, ce Pygmalion d’un nouveau genre perd ainsi le contrôle de sa Galatée numérique, qui déclare avec une inquiétante lucidité : « je suis la mort de la réalité… »

En 2002, ce film tombait à pic, car les acteurs en 3D commençaient à montrer le bout de leur nez avec une insistance croissante, à travers des œuvres telles que Final Fantasy ou Shrek. Le sujet, il faut l’avouer, est passionnant. Il avait d’ailleurs déjà été traité dès 1986 par Jérôme Diamant-Berger dans L’Unique, mais de fort maladroite manière. On attendait donc beaucoup de Simone, et la première partie du film est des plus prometteuses. Al Pacino cabotine juste ce qu’il faut, et le choix de Rachel Roberts dans le rôle de Simone relève du génie, car non seulement elle semble effectivement trop belle pour être vraie, mais en plus elle est inconnue du grand public. Son nom n’apparaît d’ailleurs pas au générique de début, comme pour entretenir le mystère, une technique héritée du Frankenstein de 1931. Le prénom du personnage principal, Victor, n’a d’ailleurs pas été choisi au hasard.

La mort de la réalité

Poussant encore plus loin l’ambiguïté, le service de presse du film utilisa à l’époque le pseudonyme d’Anna Green et laissa planer le doute quant à l’utilisation d’une véritable actrice virtuelle. L’emploi d’un avatar numérique fut d’ailleurs sérieusement envisagé en cours de pré-production, et cette option fut moins écartée pour des raisons techniques que politiques. La très puissante Guilde des Acteurs s’y opposa en effet fermement, craignant que cet état de fait ne se généralise jusqu’à mettre en péril le statut des comédiens en chair et en os. La même année, le Spider-Man de Sam Raimi prouvait pourtant la cohabitation sans heurts entre acteurs réels et digitaux. Simone partait donc avec de nombreux atouts en poche. Hélas, au bout d’une grosse demi-heure, le scénario de Niccol fixe ses propres limites, et l’intrigue commence un peu à patiner, plaçant artificiellement des obstacles dans les pattes du protagoniste pour mieux les balayer au moment du dénouement. Ni franche comédie, ni réelle satire du cinéma et des médias, Simone manque un peu ses objectifs à force de trop chercher son style. Dommage, car les intentions étaient plus que louables. Dans un registre voisin, le Looker de Michael Crichton était finalement bien plus efficace.

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SUSPIRIA (2018)

Dans cette relecture surprenante du classique de Dario Argento, la danse devient un rituel diabolique

SUSPIRIA

2018 – ITALIE / USA

Réalisé par Luca Guadagnino

Avec Dakota Johnson, Tilda Swinton, Mia Goth, Angela Winkler, Ingrid Caven, Elena Fokina, Sylvie Testud, Renée Soutendijk, Christine Leboutte, Malgosia Bela

THEMA SORCELLERIE ET MAGIE I SAGA LES TROIS MÈRES

Pour Luca Guadagnino, le Suspiria de Dario Argento est un des films italiens les plus importants de tous les temps, une œuvre aussi majeure que le 8 1/2 de Fellini. Désireux de lui rendre hommage, il pense à un remake dès 2007, date de la création de sa compagnie de production First Sun. Conscient que son propre nom ne suffirait pas à rassurer d’éventuels investisseurs, il propose le projet à David Gordon Green, alors auréolé du succès de sa comédie policière Délire express avec Seth Rogen. Mais le financement tarde à se trouver, et Gordon Green part finalement tourner Votre majesté avec Natalie Portman et James Franco. Entre-temps, Guadagnino attire l’attention avec A Bigger Splash, une version italienne de La Piscine, et parvient enfin à concrétiser son Suspiria. Ironiquement, David Gordon Green réalisera la même année une autre relecture d’un classique de l’horreur des années 70 : Halloween. Le cinéaste italien et son scénariste David Kajganich décident de situer l’action du Suspiria de 2018 dans le Berlin de 1977, année de la réalisation du film original d’Argento. Si la trame reste la même, son traitement prend une tournure très différente et le récit se déploie dans des ramifications inattendues, d’où une durée de deux heures et demie de métrage – soit une heure de plus que le premier Suspiria. Tilda Swinton et Dakota Johnson, les deux actrices principales de A Bigger Splash, tiennent la vedette, tandis que la bande originale est confiée à Tom Yorke, chanteur du groupe Radiohead.

Divisé en actes qui s’inscrivent à l’écran comme autant de chapitres d’une tragédie classique, le scénario inscrit étroitement ses péripéties dans un contexte historique réel, notamment le détournement du vol de la Lufthansa par quatre terroristes se réclamant du front populaire de libération de la Palestine et le climat de paranoïa qui se répand dans l’Allemagne de 1977. C’est dans ce cadre réel, rappelé régulièrement par les graffitis inscrits sur un mur en face de l’école de danse Markos, que se déroule Suspiria. La jeune danseuse américaine Susie Bannion (Dakota Johnson), fuyant un passé tourmenté et une étouffante famille Amish, déménage à Berlin pour intégrer cette prestigieuse compagnie de danse, dirigée par une poignée de femmes mûres au comportement souvent insolite. Figure emblématique de l’école Markos, Madame Blanc (Tilda Swinton) mène les cours avec autorité et permet à Susie de progresser très vite. La jeune fille se lie d’amitié avec l’une des autres danseuses, Sara (Mia Goth), qui commence à émettre des doutes sur la directrice de l’institut après une série de meurtres brutaux. A ce récit vient se greffer en parallèle celui d’un vieux psychiatre (qu’incarne aussi Tilda Swinton sous une épaisse couche de maquillage !) enquêtant sur les dessous de l’école et blessé par la disparition de sa femme Anke (qui apparaît furtivement sous les traits de Jessica Harper, l’héroïne du Suspiria original). Lorsque Sara explique au vieil homme que cette école est une famille, il rétorque sans sourciller : « L’amour et la manipulation partagent souvent le même toit et couchent souvent ensemble ».

Danse avec les fous

Il faut reconnaître à Luca Guadagnino le mérite d’éviter de copier/coller le film original, ou pire de tenter de le moderniser en se calant sur les canons édulcorés du cinéma d’horreur pour adolescents des années 2010. Sa vision est radicale, âpre, sans concession, à l’image de ce premier meurtre qui ne cherche jamais à rivaliser avec la fulgurance horrifico-poétique de Dario Argento pour susciter des frissons plus viscéraux. D’où une chorégraphie terrifiante où la victime se contorsionne horriblement dans une salle de danse jusqu’à ce que son corps déformé ne soit plus que douleur. Très à son aise dans la construction d’un climat d’angoisse croissant et dans la conception de scènes de cauchemars surréalistes dignes d’un Luis Buñuel qui aurait tourné en 4K couleurs, Guadagnino veut visiblement retrouver la folle liberté créatrice dont bénéficiait Argento quarante ans plus tôt. Mais cette quête d’émancipation n’est pas sans revers. Les effets de style un peu outranciers du réalisateur frôlent bien souvent le maniérisme agaçant, jusqu’à un climax en forme d’orgie érotico-musico-gore sans queue ni tête qui ressemble presque à une version du final des Sorcières de Zugarramurdi qui aurait évacué tout trait d’humour. L’un des défauts majeurs de ce Suspiria est finalement d’avoir voulu intellectualiser une œuvre que Dario Argento n’a jamais voulu cérébrale mais au contraire primaire et sensitive. Trop conscient de la portée artistique et conceptuelle de sa vision, Guadagnino semble avoir oublié l’essence de son modèle, un conte de fées horrifique qui tirait toute sa force d’une approche purement instinctive.

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LA CITÉ PÉTRIFIÉE (1957)

En heurtant la Terre, une météorite entre en contact avec l’eau et provoque la croissance accélérée de minéraux gigantesques partout dans le monde

THE MONOLITH MONSTERS

1957 – USA

Réalisé par John F. Sherwood

Avec Grant Williams, Lola Albright, Les Tremayne, Trevor Bardette, Phil Harvey, William Flaherty, Harry Jackson

THEMA CATASTROPHE

Film catastrophe relativement atypique, La Cité Pétrifiée commence dans le cosmos, où une météorite se dirige prestement vers notre planète. La voix off du narrateur y va alors de son petit discours emphatique : « Depuis des temps immémoriaux, la Terre est bombardée par des objets venus de l’espace. Des morceaux épars de l’univers traversent notre atmosphère en une invasion incessante. Et voici la météorite, cette étoile filante sur laquelle sont nés tant de vœux terrestres ! » Son crash dans la petite ville américaine de San Angelo (qui emprunte un stock-shot au Météore de la Nuit de Jack Arnold) est le prélude à un drame hors du commun. Car la météorite, en heurtant la Terre, s’est éparpillée sous forme de nombreux fragments noirs. Or le contact de l’eau provoque chez ces étranges minéraux une croissance accélérée, et les conséquences désastreuses ne tardent pas à se manifester : alentour, l’environnement se détruit et les humains se retrouvent pétrifiés.

Grant Williams, héros la même année du chef d’œuvre L’Homme qui rétrécit, incarne Dave Miller, un géologue bien décidé à résoudre le problème avec l’aide de son vieux mentor le professeur Flanders (Trevor Bardette) et sous l’œil bienveillant de sa petite amie institutrice Cathy (Lola Albright). L’enquête prend les allures d’un compte à rebours lorsqu’une petite fille, survivante d’une des catastrophes, est hospitalisée dans un état grave. Son corps se pétrifie peu à peu, et d’ici quelques heures, elle sera réduite à l’état de statue. Bientôt, une théorie émerge des recherches du petit groupe de scientifiques : ce minéral extra-terrestre semble absorber le silicium, annihilant la flexibilité de la peau humaine. Tandis que Miller et Flanders s’arrachent les cheveux pour lutter contre la menace minérale, les autorités préparent l’évacuation de San Angelo…

Visions d’apocalypse

Si le réalisateur John Sherwood (La Revanche de la Créature) assure le service minimum côté mise en scène, le superviseur des effets visuels Clifford Stinne (Tarantula, L’Homme qui rétrécit, L’Oasis des Tempêtes) effectue là un travail remarquable, combinant avec génie les maquettes, les caches et les peintures sur verre pour nous offrir des visions dantesques dignes des couvertures des vieux pulps de science-fiction. Ainsi, la vision surréaliste de ces minéraux hauts comme des gratte-ciels surgissant dans les montagnes et s’effondrant sur les fermes voisines avec fracas a quelque chose de très impressionnant. En ce sens, le climax de La Cité Pétrifiée joue volontiers la carte de la démesure : un barrage y est détruit à coups d’explosifs, et des tonnes d’eau salée viennent s’abattre sur les monolithes pour les terrasser. Le film vaut donc principalement le détour pour ces séquences titanesques, parce que le scénario (pourtant co-signé par Jack Arnold), les dialogues et les petites touches d’humour y sont un tantinet éléphantesques. Assez curieusement, les studios Universal distribuèrent ces Monolith Monsters en double programmation avec L’Esclave des Amazones de Curt Siodmak, les deux longs-métrages n’ayant pourtant pas grand-chose en commun.

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L’ANTRE DE LA FOLIE (1995)

Sous haute influence de H.P. Lovecraft, John Carpenter construit l’un des cauchemars les plus mémorables de sa filmographie

IN THE MOUTH OF MADNESS

1995 – USA

Réalisé par John Carpenter

Avec Sam Neill, Jürgen Prochnow, Julie Carmen, Charlton Heston, Frences Bay, Wilhelm von Homburg

THEMA DIABLE ET DÉMONS I SAGA JOHN CARPENTER

Après des Aventures d’un homme invisible très sympathiques mais un peu anonymes, John Carpenter décide de retrouver son univers de prédilection et nous livre l’une des pièces maîtresses de sa filmographie, qu’il qualifiera plus tard de troisième volet de la « trilogie de l’Apocalypse » après The Thing et Prince des Ténèbres. Pourtant, le réalisateur mit du temps à accepter de tourner ce scénario de Michael de Luca (qui à l’époque avait écrit La Fin de Freddy et plusieurs épisodes des Cauchemars de Freddy). Le film fut donc proposé à Tony Randel (Ticks) puis à Mary Lambert (Simetierre). Mais le projet ne se concrétisa que lorsque Carpenter se ravisa et décida de porter ce récit à l’écran en 1992, sans doute suite à l’accueil mitigé que reçut sa relecture grand public du thème de l’homme invisible. Muni d’un budget très raisonnable de 8 millions de dollars (environ cinq fois moins que pour son film précédent), Carpenter s’installe avec son équipe dans l’Ontario. Les moyens limités à sa disposition stimulent sa créativité, et le casting de premier ordre dont il bénéficie lui permet de bâtir des personnages forts et mémorables.

Deux ans après Jurassic Park, Sam Neill incarne John Trent, un détective pour une compagnie d’assurance qui se retrouve dans un institut psychiatrique. Alors que cet homme jadis extrêmement cartésien semble avoir perdu la raison, il raconte son histoire au docteur Wrenn (David Warner). Tout commence avec Sutter Cane (Jürgen Prochnow), l’écrivain le plus populaire du siècle, une sorte de Stephen King qui s’est imposé comme un phénomène de société à travers ses romans d’épouvante. Grâce à quelques best sellers, il a engendré une foule de lecteurs fanatiques et hystériques. Son dernier roman, annoncé comme l’œuvre définitive en matière de terreur, s’intitule « L’Antre de la folie ». Alors que les heureux éditeurs de la maison Arcane s’apprêtent à lancer le livre, l’auteur disparaît sans laisser de trace. Jackson Harglow (Charlton Heston), grand patron d’Arcane, charge alors John Trent de le retrouver. Accompagné par Linda Styles (Julie Carmen), éditrice attitrée de Cane, Trent se retrouve à Hobb’s End, une petite ville qui n’est mentionnée sur aucune carte. A partir de là, l’enquête vire progressivement au cauchemar…

Le retour des « Grands Anciens »

In the Mouth of Madness s’inspire ouvertement de l’univers de H.P. Lovecraft, son titre évocant à la fois la ville Innsmouth et le roman « The Mountains of Madness ». Bien des fois, Carpenter parvient à provoquer des moments de terreur pure avec une remarquable économie de moyens, en particulier au cours du trajet nocturne qui mène Sam Neill et Julie Carmen jusqu’à Hobb’s End (nom emprunté à la station de métro des Monstres de l’espace, l’un des films culte du cinéaste). Près de quinze ans après Fog, le réalisateur de La Nuit des masques et de New York 1997 prouve qu’il n’a rien perdu de son savoir-faire et de sa personnalité. Un retour aux sources s’imposait de toute évidence après son écart du côté des superproductions hollywoodiennes. Des répliques savoureuses ponctuent L’Antre de la folie, comme « la réalité n’est plus ce qu’elle était » ou « je pense donc vous êtes ». Tout le film repose sur la détermination du protagoniste, attaché dur comme fer au cartésianisme et à la réalité concrète, mais finalement incapable de la distinguer de l’irréel. En ce sens, il est le vecteur d’identification idéal des spectateurs. Si les habitants de Hobb’s End finissent par se comporter comme des zombies classiques et si le « mur aux monstres », stade ultime de la métamorphose, n’atteint jamais les folies visuelles de The Thing (autre œuvre paranoïaque sous haute influence lovecraftienne), les abominations décrites dans L’Antre de la folie savent susciter le frisson et un malaise durable, en grande partie grâce aux artistes surdoués de l’atelier de maquillages spéciaux KNB. Quant au dénouement, il s’achemine tout bonnement vers la fin du monde et l’arrivée sur Terre des « Grands Anciens » ! Échec cuisant au box-office, L’Antre de la folie gagnera peu à peu ses galons de film culte jusqu’à se hisser au rang des œuvres les plus aimées de son réalisateur.

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L’HOMME H (1958)

Des essais nucléaires effectués dans le Pacifique transforment des marins en créatures radioactives mutantes

BIJO TO EKITAI NINGEN / THE H-MAN

1958 – JAPON

Réalisé par Inoshiro Honda

Avec Yumi Shirakawa, Kenji Sahara, Akihiko Hirata, Koreya Senda, Makoto Sato, Yoshifumi Tajima, Eitaro Ozawa, Yoshio Tsuchiya

THEMA MUTATIONS I BLOBS

L’Homme H est un film de science-fiction marqué par les retombées de la bombe atomique, exercice dans lequel Inoshiro Honda est passé maître depuis son mythique Godzilla. Mais ici, contrairement aux traditionnels kaiju eigas (« films de monstres japonais »), le récit est principalement conté sous l’angle d’une enquête policière empruntant beaucoup de son inspiration au film noir américain des années 40. L’intrigue démarre alors qu’un trafiquant de drogue recherché par les services de polices se volatilise littéralement, ne laissant derrière lui que ses vêtements éparpillés au sol. Tominaga (Akihiko Hirata), l’inspecteur chargé de l’affaire, se rapproche de Chikako Arai (Yumi Shirakawa), une séduisante chanteuse de night-club avec laquelle le disparu était fiancé, mais celle-ci s’avère incapable de l’aiguiller dans ses investigations. Alors que la police de Tokyo commence sérieusement à piétiner, le docteur Masada (Kenji Sahara), un jeune scientifique, propose une théorie pour le moins inattendue. Selon lui, des essais nucléaires effectués dans le Pacifique ont transformé l’équipage d’un chalutier en créatures radioactives mutantes aux allures de blobs rampants, ce que semble confirmer le témoignage de marins traumatisés cloués sur un lit d’hôpital. Ces monstres liquides avides d’énergie semblent s’être propagés en ville par les égouts, et la contamination des êtres humains ne fait à priori que commencer. La suite des événements va hélas confirmer cette incroyable théorie…

Une fois de plus, Inoshiro Honda s’appuie sur les effets spéciaux très performants d’Eiji Tsuburaya, lequel visualise les méfaits des « hommes-H » en trois étapes distinctes : les reptations gluantes des blobs sur les murs et les plafonds, la dissolution du corps des infortunés humains dont ils croisent le chemin (des images très graphiques qui annoncent le climax des Aventuriers de l’arche perdue), et l’apparition spectrale des contaminés sous forme de silhouettes humanoïdes et translucides. Tsuburaya nous gratifie également de splendides maquettes – l’une de ses grandes spécialités – lors du flash-back mettant en scène le bateau fantôme, et pour le final au cours duquel le port de Tokyo est encerclé par de gigantesques flammes.

Les blobs atomiques

A l’issue de cet apocalyptique dénouement, une voix off pleine d’emphase résume haut et fort le message antinucléaire cher à Honda : « si la race humaine doit disparaître de la surface d’une terre recouverte des cendres de la bombe A, il est possible que le nouveau maître de notre planète soit précisément l’Homme H. ». Jonglant habilement entre les codes du polar, du film catastrophe, du film d’horreur et du film de science-fiction, L’Homme H, malgré quelques pertes de rythme régulières pendant la partie policière du récit, est non seulement un divertissement très réussi mais aussi l’une des variantes les plus inventives sur le thème du blob (Danger planétaire sortait sur les écrans la même année), collectant au passage quelques scènes d’épouvante très efficaces, notamment la course poursuite dans les égouts qui n’est pas sans évoquer celle de Des Monstres attaquent la ville.

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