GHOST IN THE CELL (2026)

Un fantôme s’immisce dans une prison indonésienne et massacre de manière spectaculaire tous ceux qui sont frappés de pensées négatives…

GHOST IN THE CELL

 

2026 – INDONÉSIE / CORÉE DU SUD

 

Réalisé par Joko Anwar

 

Avec Abimana Aryasatya, Almanzo Konoralma, Aming Sugandhi, Arswendy Bening Swara, Bront Palarae, Dimas Danang Suryonegoro, Dewa Dayana, Endy Arfian

 

THEMA FANTÔMES

Biberonné aux films de kung-fu et au cinéma d’horreur, le cinéaste indonésien Joko Anwar fait ses débuts comme journaliste avant d’écrire son premier scénario pour Arisan de Nia Dinata, puis passe lui-même derrière la caméra à l’occasion de la comédie Joni’s Promise. Il touche ensuite à tous les genres, mais c’est l’horreur qui va lui permettre d’acquérir une renommée internationale avec des titres comme Satan’s Slave, Impetigore, Grave Torture ou The SIede at Thorn High. Son univers mêle volontiers le fantastique, le gore et la critique sociale, les codes du genre lui permettant souvent d’explorer les peurs collectives et les tensions sociales. Il poursuit logiquement cette voie avec Ghost in the Cell, dont le titre ressemble à un gag cinéphilique (même si cette fable horrifique n’a strictement rien à voir avec Ghost in the Shell). Réalisateur, scénariste, producteur exécutif et monteur du film, Anwar fait construire pour les besoins de son long-métrage un décor de prison complet, inspiré d’un véritable site carcéral, en l’occurrence Sukamiskin, situé à Java-Ouest. Efficace, il parvient à boucler son film en 25 demi-journées, s’appuyant souvent sur des prises uniques pour gagner du temps et conserver la spontanéité de ses acteurs. Quant au montage, il est expédié en quatre jour seulement ! Un véritable exploit, fruit d’une frénésie créative qu’on ressent parfaitement à l’écran.

Le film s’ouvre sur le journaliste Dimas, qui travaille tard dans la nuit pour finir son dernier article consacré à une exploitation minière illégale à Bornéo, où plusieurs ouvriers ont trouvé la mort dans des circonstances mystérieuses. Furieux à l’idée des répercussions que pourrait provoquer ce texte accusateur, son rédacteur en chef le rejette en bloc et lui demande de revoir sa copie en l’adoucissant. Resté seul dans son bureau, le patron du journal est soudain attaqué par une entité maléfique qui le massacre. Et c’est ce pauvre Dimas qui est accusé du meurtre. Aussitôt emmené dans la prison de Labuhan Angsana, à Jakarta, il découvre les problèmes quotidiens auxquels sont confrontés les détenus, notamment l’oppression violente que leur font subir les responsables de la prison et les affrontements entre bandes. Mais les choses prennent une tournure beaucoup plus affolante lorsque les prisonniers sont retrouvés morts les uns après les autres, dans des circonstances épouvantables. Le coupable semble être un spectre qui s’attaque à ceux dont l’aura est la plus négative. Mais comment rester positif dans l’environnement hostile d’une prison ?

« Où iras-tu après la mort si tu n’as pas de religion ? »

Sur un concept délirant qui n’est pas sans évoquer le Prison de Renny Harlin, Ghost in the Cell multiplie les séquences gore volontairement excessives au cours desquelles les corps sont contorsionnés, écrasés, déchirés, transpercés, hachés menus ou ébouillantés pour se transformer en natures mortes macabres et sanguinolentes dignes de la série Hannibal. Pour contrebalancer ce jeu de massacre, l’humour absurde transparaît partout dans le film. Les nombreux combats qui se déclenchent entre les détenus sont donc à la fois brutaux, virtuoses et cartoonesques, ponctués de gags outranciers, comme lorsque les belligérants s’interrompent en pleine bagarre pour danser ou prier, afin d’éviter que leur aura négative ne les condamne à une mort atroce. Derrière cette folie ambiante, Joko Anwar tient à régler ses comptes avec la société indonésienne, dont il dénonce à la fois les dérives religieuses et la corruption envahissante. D’où des répliques volontiers satiriques, comme ce détenu qui lance à son voisin de cellule « Où iras-tu après la mort si tu n’as pas de religion ? », ou ce maton qui constate amèrement : « Cinq gardiens intègres sur 50 ? C’est 10%, comme dans tout le pays ! » Sans chercher à s’ériger en donneur de leçons ni oublier l’objectif purement récréatif de son film, le réalisateur dresse tout de même un portrait bien peu reluisant de l’Indonésie, où l’écart entre les riches et les pauvres se creuse de manière vertigineuse et où ce n’est pas forcément l’attitude la plus méritante qui est récompensée. Un constat qu’on pourrait facilement élargir à la planète toute entière, hélas.

 

© Gilles Penso

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ADIEU PATRICK STEWART

Il fut le plus charismatique des capitaines spatiaux, le plus shakespearien des super-héros. Sa voix, son visage, son regard ont marqué la culture populaire à tout jamais…

PUBLIÉ LE 30 OCTOBRE 2026

Avec sa voix grave, son port altier et son autorité naturelle, Patrick Stewart a imposé sa silhouette singulière au panthéon de la science-fiction et du fantastique, devenant l’un des visages les plus reconnaissables de la culture populaire contemporaine. C’est à bord de l’USS Enterprise que l’acteur britannique entre véritablement dans la légende. Dès 1987, sous les traits du capitaine Jean-Luc Picard dans Star Trek : La Nouvelle Génération, il incarne un commandant humaniste, privilégiant la diplomatie à la force et la réflexion à l’action. Son modèle de leadership traversera les décennies, jusqu’à la série Star Trek : Picard, ultime voyage d’un personnage devenu indissociable de son interprète. Patrick Stewart ajouta à ce rôle majeur une autre incarnation entrée à tout jamais dans la culture populaire : celle du professeur Charles Xavier, mentor des X-Men. Fidèle au personnage imaginé par Stan Lee et Jack Kirby dans les sixties, Stewart lui prête une profondeur inestimable. Face à Ian McKellen, son rival magnétique dans le rôle de Magneto, il offre à la saga Marvel ses plus belles joutes philosophiques. Au fantastique et à la science-fiction, cet irrésistible comédien shakespearien aura apporté d’autres figures marquantes, comme le seigneur Leondegrance d’Excalibur, le maître de guerre Gurney Halleck de Dune, le docteur Armstrong de Lifeforce ou le capitaine Achab du téléfilm Moby Dick. Anobli par la reine Elizabeth II en 2010, fervent défenseur des grandes causes humanistes, toujours prêt à défendre les droits humains, les victimes de violences conjugales, les réfugiés, les anciens combattants et la protection animale, l’immense Patrick Stewart nous a quittés le mercredi 28 octobre 2026, à l’âge de 86 ans.

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MODELS VS. WEREWOLVES (2026)

Cinq jeunes femmes, mi-mannequins mi-influenceuses, passent un week-end dans une forêt où rôde une meute de loups-garous…

MODELS VS. WEREWOLVES

 

2026 – USA

 

Réalisé par Danny Draven

 

Avec Bella Mraz, Rebecca Stoughton, Sophie Swiszcz, Alexa Reddy, Dee Wallace, Tate Doppler, Hannah Houston, Sarah Moliski, Michael J. Sielaff

 

THEMA LOUPS-GAROUS I SAGA CHARLES BAND

C’est au producteur Charles Band que Danny Draven doit son premier long-métrage, Horrorvision. Depuis, cet homme à tout faire a tourné une bonne demi-douzaine de films pour la compagnie Full Moon, aux titres aussi éloquents que Hell Asylum, Cryptz, Deathbed, Dark Walker, Reel Evil, Weedjies ou Bad CGI Gator. Dans le même esprit, le voilà à la tête de Models vs. Werewolves, qui a l’avantage d’exposer son concept dès son titre : des mannequins contre des loups-garous. Tourné à Los Angeles et à Atlanta, ce micro-budget semi-parodique présente l’originalité d’avoir d’abord été exploité sur ReelShort, une plateforme spécialisée dans les fictions courtes pour smartphones. Pensée pour les usages mobiles, cette première version adopte le format vertical et la narration épisodique caractéristiques des microdrames, avant d’être déclinée sous une forme 16/9ème traditionnelle d’environ 74 minutes destinée au marché traditionnel de la VOD et aux supports physiques. Cette double exploitation témoigne de la volonté de Charles Band d’explorer de nouveaux débouchés pour le cinéma indépendant, en ajustant ses productions aux évolutions des pratiques des spectateurs. Ce pionnier de la distribution VHS, qui avait su s’adapter à l’arrivée du DVD, du Blu-Ray et des plateformes de streaming, continue donc infatigablement à nourrir les appétits des amateurs de séries B d’horreur et de science-fiction, avec une énergie et une constance qui forcent le respect.

Qui sont donc les « models » que nous annonce le titre du film ? Il s’agit de cinq jolies jeunes femmes, à la fois mannequins et influenceuses, qui décident de partir s’isoler dans une maison au milieu des bois, réservée sur Airbnb, pour un week-end de détente sans contraintes ni garçons. Eileen (Rebecca Stoughton), la plus « mystique » du groupe, les a convaincues de venir connecter leur énergie avec la nature, à l’occasion d’une pleine lune exceptionnelle qui n’a lieu que tous les 500 ans. Elle est accompagnée par l’ingénue Nelly (Alexa Reddy), la dure à cuire Haley (Sarah Moliski), la délurée Nikki (Hannah Hueston) et la sportive Tina (Sophie Swiszcz). Les cinq amies gloussent, sautillent, poussent des cris hystériques, passent leur temps à faire des selfies et à vérifier leur maquillage, s’inquiètent du Wifi pour pouvoir poster des vidéos sur les réseaux sociaux, bref obéissent à tous les clichés d’usage – avec, fort heureusement, une bonne dose d’autodérision. Sur place, elles sont accueillies par une hôtesse vénérable et sympathique, Judith, incarnée par Dee Wallace en personne. Les amateurs du cinéma de genre des années 80 la connaissent bien, puisqu’elle fut l’héroïne de E.T., de Cujo et surtout de Hurlements (le mètre-étalon des films de lycanthropes). Alors que la nuit tombe, Nikki fait entrer en douce un de ses petits-amis et Tina part faire du jogging. C’est le moment que choisissent les loups-garous pour surgir du bois…

Les belles et les bêtes

Models vs. Werewolves fait partie de cette génération de petits films de genre ayant décidé de tirer profit de l’intelligence artificielle pour se payer des effets spéciaux ambitieux à faible coût. Sur le principe, la démarche peut faire sens. Une production Full Moon classique n’aurait en effet jamais pu se payer une horde de loups-garous aussi spectaculaires. Le problème, c’est que les limitations de l’IA low cost sautent aux yeux et donnent lieu à quelques aberrations. Si le résultat obtenu est souvent dynamique, il est la plupart du temps déconnecté de la réalité physique. La scène d’attaque de l’intro, par exemple, est assez incompréhensible du point de vue de sa chorégraphie et de sa mise en scène. Les loups apparaissent et disparaissent dans le montage et les champs/contre-champs sèment la confusion. Même constat pour les effets gore, qui s’avèrent pourtant particulièrement excessifs (têtes arrachées, étripages, sang qui jaillit en geysers, yeux qui s’extirpent des orbites). Danny Draven sollicite certes du latex et des effets pratiques, mais l’ensemble est mixé dans l’IA pour un rendu final très brouillon, noyé dans des pixels flous. Comme s’il leur fallait passer aux aveux, le réalisateur et ses scénaristes glissent dans le film une réplique au cours de laquelle Judith confesse que les photos de sa maison ont été modifiées avec l’IA pour paraître plus attrayantes sur le site web de Airbnb ! Il faut tout de même avouer que Models vs. Werewolves reste un spectacle généreux et diablement réjouissant, cultivant une esthétique héritée des années 80 (des nuits bleutées embrumées et éclairées par des spots puissants), de l’autoréférence décomplexée (les héroïnes visionnent Future Cop) et un humour décalé potache, à peu près le même que celui qui égayait Bad CGI Gator. Avec au passage quelques gags volontairement idiots, comme cette jeune femme qui commence à se transformer en lycanthrope et s’empare d’une pince à épiler pour retirer les poils qui poussent sur son visage !

 

© Gilles Penso

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SANGUINE (2026)

Une interne en médecine découvre qu’une étrange maladie touche les jeunes travailleurs surmenés, altérant à la fois leur esprit et leur corps…

SANGUINE

2026 – FRANCE

Réalisé par Marion Le Coroller

Avec Mara Taquin, Karin Viard, Kim Higelin, Sami Outalbali, Clément Bresson, Sonia Faidi, Benjamin Mendes, Stefan Crepon, Niko Ravel, Joël Cudennec, Lancelot Courciéras

THEMA MUTATIONS

Avant de faire du cinéma, Marion Le Coroller travaillait dans la finance. Mais après plusieurs années sous pression constante, elle fait un violent burn-out et finit cette première partie de carrière dans un état lamentable. Meurtrie dans sa tête mais aussi dans son corps, elle décide de tirer profit de cette expérience malheureuse pour la raconter dans un film. Pas question pour autant d’adapter ce sujet sous forme d’un drame social réaliste. Fan de cinéma de genre en général et de « body horror » en particulier, la réalisatrice choisit le biais du fantastique et du gore pour transfigurer à l’écran les profondes altérations psychologiques et physiques que subissent les employés soumis à un rythme éreintant et des contraintes impossibles. Ainsi naît Sanguine, que Marion Le Coroller choisit de situer dans le milieu hospitalier. « J’ai fait des stages dans des services d’urgence où j’ai suivi des médecins sur plusieurs semaines pour voir vraiment comment ils travaillaient et les injonctions auxquels ils étaient confrontés, notamment devoir faire du chiffre et voir le maximum de patients dans une journée », raconte-t-elle. « Dans notre monde contemporain en général, il faut être ultra performant, tout faire tout de suite, et ce n’est jamais assez. Cela pousse les gens, qui ont le sentiment d’être des pions interchangeables dans des endroits qui manquent de sens, à devenir complètement malades. » (1) À la fois intime et universel, politiquement engagé et excessif jusqu’à l’outrance, Sanguine est tourné pendant 38 jours avec un budget raisonnable de cinq millions d’euros.

Margot (Mara Taquin), jeune stagiaire ambitieuse, intègre l’un des services d’urgences les plus compétitifs du pays. Sous la direction d’un médecin-chef tyrannique (Karin Viard), qui transforme l’hôpital en véritable chaîne de production, elle découvre un environnement où la pression, l’épuisement et la compétition font partie du quotidien. Pour se faire une place, Margot doit constamment repousser ses limites et lutter contre le doute qui l’habite. Mais bientôt, plusieurs patients de son âge arrivent aux urgences avec d’étranges symptômes : des veines rouges qui se multiplient sur leur corps, des cernes profonds, une fatigue extrême, des éruptions cutanées spectaculaires, du gigantisme…  Lorsque Margot commence à présenter les mêmes symptômes et à transpirer littéralement du sang, elle comprend qu’il ne s’agit pas d’une simple épidémie. Un mystérieux virus semble infecter les corps soumis au surmenage. Et dans cet hôpital où personne ne s’arrête jamais, chacun pourrait être contaminé… ou déjà porteur.

Le travail, c'est la santé ?

Un tel postulat évoque forcément Grave et The Substance, mais Sanguine nous emmène clairement ailleurs, parce que son discours n’est pas le même. Il n’est pas ici question des diktats de la beauté ou de l’intégration sociale, mais de pressions professionnelles qui incitent la jeune génération à accepter l’inacceptable, quitte à pousser les limites dans leurs ultimes retranchements. Il y a donc certes un discours social dans Sanguine, mais vu à travers le prisme de l’humour (le prologue dans le fast food est un petit morceau d’anthologie) et surtout de la distanciation que permet le fantastique. Même le décor de l’hôpital ne cherche pas le réalisme absolu. Marion Le Coroller laisse l’approche pseudo-documentaire à la série Hippocrate pour bâtir de son côté un univers légèrement décalé, mis en image avec soin par le directeur de la photographie Guillaume Schiffman. C’est dans ce contexte que l’horreur corporelle la plus extrême peut se déployer. Nous voici une fois de plus face à cette génération de réalisatrices décomplexées qui ne se contentent pas de prolonger les expérimentations de David Cronenberg (même si on pense fatalement à Rage et Chromosome 3) mais proposent leur propre vision, sans hésiter à exhiber le corps féminin autrement que sous l’angle érotique. De ce point de vue, Sanguine va jusqu’au bout de son concept, laissant libre cours aux hallucinants effets spéciaux de maquillage de Pierre-Olivier Persin (déjà en très grande forme dans The Substance). Pour illustrer cette réflexion spectaculaire sur le mal-être au travail, Mara Taquin donne pleinement de sa personne, tandis que Karin Viard se révèle parfaite dans le registre de la froideur autoritaire et cynique. Voilà donc un premier long-métrage savoureux et très prometteur.

(1) Extrait d’une interview publiée sur Cineuropa.fr en mai 2026

© Gilles Penso

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COYOTE VS. ACME (2026)

Lassé de voir tous ses gadgets lui exploser à la figure ou le précipiter dans le vide, Will Coyote décide de traîner en justice la compagnie qui les commercialise…

COYOTE VS. ACME

2026 – USA

Réalisé par Dave Green

Avec Will Forte, Lana Condor, John Cena, Tone Bell, Martha Kelly, Luis Guzman, P.J. Byrne, John Early, Nancy Lineman Charles, Kenneth Choi, Ernie Vigil

THEMA MONDES VIRTUELS ET PARALLÈLES

Tout commence sous forme d’une blague. En 1990, le magazine The New Yorker publie un texte de Ian Frazier imaginant les déboires judiciaires de Wil Coyote face à la société Acme, responsable de toutes les inventions qui explosent, se retournent contre lui ou échouent au pire moment. Près de trente ans plus tard, Warner Bros. décide d’en faire un film. Le développement de Coyote vs. Acme débute en 2018. James Gunn participe à l’histoire, Samy Burch signe le scénario et Dave Green prend en charge la réalisation. Le principe consiste à mélanger prises de vues réelles et animation pour raconter cette histoire de procès surréaliste. Le tournage a lieu au Nouveau-Mexique au printemps 2022, pour un budget estimé à 70 millions de dollars. Mais une fois le film terminé, rien ne va plus. En novembre 2023, Warner Bros. annonce qu’il ne sortira pas. Le studio entend inscrire environ 30 millions de dollars en déduction fiscale, dans le cadre d’une stratégie de réduction des coûts qui avait déjà conduit à l’abandon de Batgirl et de Scoob! Holiday Haunt. Cette décision provoque une vive réaction à Hollywood, d’autant que Coyote vs. Acme a alors déjà été montré à un public test enthousiaste. Face à la polémique, Warner finit par autoriser les producteurs à chercher un autre distributeur. Amazon, Apple et Netflix examinent le film, sans conclure d’accord. Pendant plus d’un an, ce long-métrage achevé reste donc invisible. Jusqu’en mars 2025 où le distributeur indépendant Ketchup Entertainment acquiert les droits pour environ 50 millions de dollars. S’il n’aura pas droit à une exploitation salles en France, contrairement aux États-Unis,  Coyote vs. Acme sort tout de même des limbes pour pouvoir – enfin ! – rencontrer son public.

Le film commence en 1992, dans un monde où les personnages de dessins animés cohabitent avec les humains. Le docteur Lorre, un scientifique toon employé chez Acme Corporation, transmet en secret un message à un contact inconnu avant d’être capturé et emprisonné dans un trou portable. Trente ans plus tard, Will Coyote, lassé de ne jamais parvenir à attraper Bip-Bip, découvre à la télévision une publicité pour Avery, Jones & Maltese, un cabinet d’avocats d’Albuquerque spécialisé dans les affaires de dommages corporels liées à la violence dans les dessins animés impliquant des produits Acme. Le Coyote part alors à la rencontre l’associé principal, Kevin Avery (Will Forte), dans l’espoir de poursuivre Acme en justice pour les différents appareils défectueux qui lui portent préjudice. Alors que Paige (Lana Condor), la nièce de Kevin et stagiaire au cabinet, est impatiente de traîner Acme devant les tribunaux, Kevin préfère conclure un accord à l’amiable pour éviter un procès risqué. Mais le toon opiniâtre rejette l’accord proposé par l’avocat d’Acme, Buddy Crane (John Cena), ce qui conduit inévitablement à un procès manifestement perdu d’avance…

Qui veut la peau de Will Coyote ?

D’autant plus drôle qu’il est parfaitement invraisemblable, le concept du film nous renvoie bien sûr à Qui veut la peau de Roger Rabbit ? qui, lui aussi, nous plongeait dans une enquête mêlant toons et humains dans un univers parallèle possédant sa propre cohérence. Si les gags de Coyote vs. Acme fonctionnent si bien, c’est parce qu’ils parviennent presque miraculeusement à retrouver l’esprit et le timing des folies d’un Chuck Jones. On apprécie d’ailleurs la direction artistique qui redonne aux toons leur look 2D original, tout en les intégrant parfaitement dans les prises de vues réelles. Un choix esthétique d’autant plus appréciables que les Looney Tunes contemporains ont trop tendance à vouloir les muer en personnages 3D et à perdre en cours de route la simplicité du trait qui les caractérise. Là où le film surprend le plus, c’est par l’émotion qu’il génère. Car le Coyote et Bip-Bip se révèlent très attachés l’un à l’autre, meilleurs ennemis qui semblent ne trouver une raison d’être qu’en se courant inlassablement après. Ce qui induit certes des séquences d’action et de poursuite effrénées, mais aussi des ruptures de rythme au cours desquelles le film n’hésite pas à prendre son temps. Sans chercher à jouer la carte méta et la mise en abîme, Coyote vs. Acme nous interroge sur notre joie simple de voir ces personnages jouer au chat et à la souris et sur le cynisme d’une corporation qui les exploite jusqu’à l’os pour servir la cause commerciale. Difficile de ne pas voir chez la corporation Acme le miroir déformant de la Warner. On comprend mieux pourquoi le studio, face à ce résultat impertinent, à contre-courant total de ce qu’on pourrait attendre d’une exploitation « confortable » des Looney Tunes (façon Space Jam), a décidé d’enterrer le film six pieds sous terre. Voir ce film hybride, étrange et nostalgique revenir d’entre les morts et jaillir sur les écrans – fussent-ils petits dans la plupart des territoires – est d’autant plus réjouissant.

© Gilles Penso

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PINOCCHIO DÉCHAÎNÉ (2026)

La marionnette fabriquée par Gepetto a changé de ton : désormais, elle se met en quête de chair humaine pour se transformer en vrai garçon…

PINOCCHIO UNSTRUNG

 

2026 – USA / GB

 

Réalisé par Rhys Frake-Waterfield

 

Avec Jude Evan Lloyd, Richard Brake, Robert Englund, Cameron Bell, Jessica Balmer, Karolina Knight, Mya Brown, Peter DeSouza-Feighoney, Jack Art Gray

 

THEMA JOUETS

Le « Twisted Childhood Universe » (entendez “L’univers de l’enfance pervertie”) continue à se développer en s’employant méticuleusement à transformer les icônes de nos jeunes années en monstres assoiffées de sang. Après les deux Winnie the Pooh : Blood and Honey, Le Cauchemar de Peter Pan et Bambi : la vengeance, place donc à Pinocchio déchaîné. À vrai dire, ce n’est pas la première fois que le sympathique pantin en bois imaginé par Carlo Collodi se mue en personnage de film d’horreur, puisque La Revanche de Pinocchio de Kevin Tenney est déjà passé par là en 1996. Mais Rhys Frake-Waterfield (réalisateur des variantes déviantes de Winnie l’ourson mais aussi de Killing Tree, Firenado et Sky Monster) entend aller beaucoup plus loin en poussant à fond tous les curseurs des jets d’hémoglobine. Pour donner corps à sa vision écarlate des aventures de la marionnette vivante, le scénariste/réalisateur s’allie quelques guest stars habituées au genre, notamment Richard Brake, l’un des acteurs fétiches de Rob Zombie (Halloween 2, 31, 3 From Hell, The Munsters), dans le rôle de Gepetto, et Robert Englund (Freddy Krueger en personne) pour prêter sa voix au criquet. Et pour s’amuser à croiser les personnages de cet univers partagé, façon Marvel Cinematic Universe, il sollicite DeSouza-Feighoney et Christopher Chambers qui reprennent furtivement les rôles de Michael Darling et Christopher Robin qu’ils tenaient respectivement dans Le Cauchemar de Peter Pan et Winnie the Pooh : Blood and Honey 2.

Après la mort tragique de ses parents dans un accident de voiture, James (Cameron Bell), 14 ans, est envoyé vivre chez son grand-père Geppetto (Richard Brake). Traumatisé et solitaire, il se lie d’amitié avec un garçon qui succombe à un cancer en phase terminale. James est donc une nouvelle fois confronté à la perte d’un être cher. Déterminé à ne plus voir son petit-fils souffrir, Geppetto se promet de fabriquer un ami qui ne l’abandonnera jamais. Un an plus tard, réveillé en pleine nuit par d’étranges bruits provenant du sous-sol, James découvre la surprenante création de son grand-père : Pinocchio, une marionnette en bois douée de conscience, dont le nez s’allonge chaque fois qu’elle ment (et à qui Jude Evan Lloyd prête sa voix). Conçu pour devenir le compagnon de James, Pinocchio noue rapidement avec lui une relation fraternelle. Fasciné par les humains, il rêve bientôt de devenir un véritable petit garçon. Alors que James est à l’école, Pinocchio explore le sous-sol et découvre une créature de bois défigurée qui se présente comme sa « Mère en Bois » (Emma Tate). Celle-ci lui révèle qu’il ne sera jamais considéré comme un égal de James tant qu’il restera une marionnette. Pour devenir humain, il devra se procurer des organes et de la peau prélevés sur des spécimens vivants.

Gueule de bois

L’un des partis pris artistiques majeurs adoptés par Rhys Frake-Waterfield est l’emploi d’un maximum d’effets spéciaux pratiques. Pinocchio est donc une marionnette animatronique, comme l’inquiétante « Mère en Bois » et le sinistre criquet, le tout sous la supervision du vétéran Todd Masters (Necronomicon, Horribilis, Child’s Play). Le cinéaste insiste sur ce point, concevant même un générique de fin entièrement dédié aux coulisses du tournage. Le ton est d’ailleurs donné dès le générique de début, conçu de manière artisanale avec des marionnettes découpées et filmées en ombres chinoises. La même philosophie est adaptée aux effets gore, qui éclaboussent régulièrement l’écran avec un sens de la démesure qui n’est pas sans rappeler les débordements de la saga Terrifier. Certaines séquences, comme celle de la salle de sport (digne de Destination finale), de l’hôpital, du cabinet de dentiste ou de la piscine, poussent le délire horrifique assez loin. Ces effets spéciaux excessifs constituent l’intérêt principal du film, car le scénario assure le service minimum malgré une intéressante tendance à briser tout le manichéisme inhérent au conte original. Ainsi, au-delà du pantin mué en tueur en série et au criquet agissant comme une mauvaise conscience déviante, le personnage de Gepetto se révèle être le vrai super-vilain du film, une sorte de docteur Frankenstein psychopathe tellement obsédé par la vie après la mort qu’il perd toute notion de bien et de mal. Dans le rôle, Richard Brake est parfait, même si les ambitions narratives du film auraient gagné à dépasser le simple exercice de style sanglant et provocateur. Dommage, parce que Rhys Frake-Waterfield n’est pas passé loin d’un véritable petit classique de l’horreur.

 

© Gilles Penso

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RESIDENT EVIL (2026)

Avec ce second reboot de la franchise, Zach Cregger propose une approche atmosphérique retranscrivant l’expérience immersive de jeu à l’écran…

RESIDENT EVIL

 

2026 – USA

 

Réalisé par Zach Cregger

 

Avec Austin Abrams, Zach Cherry, Kali Reis, Paul Walter Hauser, Will Merrick, Karel Dobry, Islae Mc Rae

 

THEMA ZOMBIES I SAGA RESIDENT EVIL

Avec Barbare et Évanouis, la carrière de Zach Cregger a commencé sur les chapeaux de roue, même s’il avait déjà 41 ans lors de la sortie du premier en 2022, ce qui explique un certain classicisme où écriture, mise en scène et direction d’acteurs vont de pair. Après ces deux succès critiques et publics et l’Oscar du meilleur second rôle pour Amy Madigan à la clé, Cregger se voit dès lors courtisé par les studios et signe avec Playstation Studio et Capcom pour un nouveau reboot de la franchise Resident Evil, après un Resident Evil : Bienvenue à Raccoon City aux allures de pétard mouillé, sorti en 2021et aussitôt oublié. Le scénariste-réalisateur clame haut et fort sa passion pour le jeu d’origine, et s’est déjà attiré les foudres de certains fans en optant pour une histoire originale plutôt que l’adaptation d’un épisode vidéoludique existant. Le film introduit ainsi d’emblée son protagoniste (voire son « joueur ») : un quidam, Bryan (Austin Abrams vu dans Évanouis et Euphoria), coursier de son état, acceptant une nouvelle course/quête : braver la tempête de neige qui s’abat sur la région pour livrer un colis aussi urgent que sensible à l’hôpital de Raccon City. Les chose déraillent vite après qu’il ait renversé une femme sur une route sinueuse de forêt. Le comportement de cette dernière s’avère aussi erratique que menaçant malgré ses blessures mortelles. Bryan va donc passer la pire nuit de sa vie, affrontant des créatures mutantes et mettant tout en œuvre pour honorer la livraison de son colis. Conscience, quand tu nous tiens !

La narration emprunte ouvertement une approche vidéoludique, et Resident Evil donne même l’impression de regarder une partie en « live » (une occupation déjà populaire sur Youtube ou la plateforme Twitch). Cregger colle ainsi au point de vue unique de Bryan, mais se refuse toutefois à l’esbroufe du plan-séquence, une idée déjà menée à bien par 1917 et Hardcore Henry. S’autorisant donc des options de montage, la caméra ne lâche jamais le personnage principal, ce qui s’avère particulièrement efficace lors de l’approche d’une gloumoute, le spectateur disposant des mêmes informations limitées que Bryan. Le réalisateur a digéré la mécanique et la grammaire visuelle du jeu vidéo et en émule certains principes, notamment l’utilisation d’objets pour progresser ou la recherche répétée de clés pour ouvrir des cadenas. Lors de saillies méta pas très subtiles, Bryan remarque même qu’il y a des cadenas partout et se félicite d’avoir appris à viser dans les jeux vidéo. La progression rappelle ainsi parfois un escape game. Plus caustique, Cregger s’amuse aussi de la logique parfois relative des jeux lorsque le héros/joueur ouvre le frigidaire à la recherche de munitions ! Autre clin d’œil aux gamers lorsque Bryan monte en voiture à mi-parcours avec des PNJ (« Personnage Non Jouable », terme désormais intégré au vocabulaire courant de la Gen Z), à la manière d’une cinématique pendant le chargement du prochain niveau du jeu. Cregger parvient également à retranscrire la temporalité particulière des jeux, l’action semblant se dérouler en temps réel bien que plus de douze heures s’écoulent effectivement à l’écran au cours des 100 minutes de projection, un tour de passe-passe narratif déjà opéré par Sam Mendès dans 1917.

Résident en ville

Sur la forme, Resident Evil a tout pour satisfaire les gamers et les non-initiés, grâce en partie au travail sur les cadres et la lumière de Dariusz Wolski (The Crown, la trilogie Pirates des Caraïbes de Gore Verbinski, Sweeney Todd, Prometheus parmi tant d’autres) qui parvient à faire ressentir le froid et l’humidité de la campagne enneigée lors des scènes nocturnes de la première partie. Sur le fond, on pouvait craindre que le cahier des charges inhérent à toute franchise vienne entraver le talent de Zach Cregger. Celui-ci a déclaré que si le film s’est monté si vite, c’est parce qu’il s’est contenté d’utiliser un scénario existant pour l’adapter à l’univers de la saga. Ceci explique ainsi que l’on retrouve les ruptures tonales de Barbare et Évanouis, pour le meilleur – avec humour et frissons se juxtaposant harmonieusement – et le moins bon – le dénouement versant à nouveau dans des débordements graphiques pas forcément du meilleur goût, et détonnant avec l’atmosphère instaurée jusque-là. Dans sa première partie, Resident Evil fait la part belle à une horreur gothique, avec cette vieille ferme ou le tunnel encombré de voitures accidentées. Les basses synthétiques évoquent John Carpenter, une référence appuyée par une menace canine et la neige qui renvoient à The Thing. La seconde partie lorgne ensuite du côté de New York 1997, l’aventure se déplaçant en milieu urbain hostile et la survie de Bryan étant soumise à un compte-à-rebours vital pour accomplir sa mission, comme un émule de Snake Plissken qui serait interprété par Simon Pegg – auquel le jeu d’acteur de Austin Abrams fait penser. L’origine biologique des monstres est également révélée et le film retombe alors (lourdement ?) sur le plancher des vaches, pour embrayer dans son dernier acte sur un remake gore de Piège de cristal. Ce glissement stylistique plombait déjà les jeux originaux, les manoirs lugubres finissant toujours par céder la place aux complexes scientifiques stériles de la Umbrella Coporation. Pourtant, cette rupture n’est pas forcément du fait des producteurs puisque Cregger y a eu recours dans ses deux premiers films, prenant le risque de perdre en route une partie des spectateurs. Il réussit néanmoins ici à aller jusqu’au bout de ses expérimentations sur le point de vue subjectif et unique. Barbare avait en effet recours à un montage parallèle avec le petit ami de l’héroïne, tandis qu’Évanouis multipliait les personnages et donc les points de vue. Ici, Bryan est à l’écran du premier au dernier plan et le spectateur est parfaitement identifié au personnage, tel un joueur et son avatar. Au-delà de la réussite conceptuelle, le résultat s’avère en revanche vain sur le plan thématique, Resident Evil ne racontant rien au-delà de l’expérience immersive offerte. Spielberg, suivant la même approche, avait accouché d’une Guerre des mondes aussi riche sur le fond que sur la forme. Faut-il d’ailleurs voir un aveu de la vacuité de l’entreprise dans les répliques de Bryan, constituées à 90% de variations fleuries autour de « putain », « merde », « bordel » ? Souhaitons que Cregger revienne à ses propres marottes et ne restera pas prisonnier de la franchise, le talent déployé au fil de ses trois premiers films en faisant un cinéaste prometteur que l’on aimerait voir développer une œuvre personnelle.

 

 © Jérôme Muslewski

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LEVITICUS (2026)

Dans une petite communauté de chrétiens évangéliques, un « guérisseur » pratique des rites de conversion aux conséquences terrifiantes…

LEVITICUS

 

2026 – AUSTRALIE

 

Réalisé par Adrian Chiarella

 

Avec Joe Bird, Stacy Clausen, Tyallah Bullock, Ewen Leslie, Mia Wasikowska, Jeremy Blewitt, Davida McKenzie, Julia Grace, Hyu Motoki, Edwina Wren

 

THEMA DIABLE ET DÉMONS

Adrian Chiarella est tombé dans la potion magique du cinéma d’horreur quand il était tout petit. Ses souvenirs émus des descentes secrètes au rez-de-chaussée de chez ses parents, en pleine nuit, pour regarder des films comme Les Griffes de la nuit ou Halloween, sont encore vivaces. Plus tard, il comprendra que les monstres, les créatures infernales et les démons symbolisent la plupart du temps des traumatismes bien réels et semblent conçus pour pouvoir les exorciser. Après quelques courts-métrages et une poignée d’épisodes de séries TV, Chiarella décide d’attaquer son premier long en s’appuyant sur son vécu personnel pour concocter ce qu’il définit comme « un film d’horreur sociale queer ». Ses influences ont depuis évolué, se nourrissant de quelques classiques contemporains tels que It Follows ou The Witch. Le titre de son film, Leviticus, se réfère au Lévitique, l’un des livres de la Bible souvent cité par les conservateurs religieux comme preuve de l’interdiction divine de l’homosexualité. En quête d’authenticité et de réalisme, Chiarella pousse ses recherches assez loin, s’inspirant notamment de témoignages réels liés aux thérapies de conversions pratiquées dans différentes cultures à travers le monde pour s’efforcer de ramener « dans le droit chemin » les brebis égarées. Son scénario fait mouche, lui permettant d’obtenir un financement dans le cadre de la programmation 2024-2025 de Screen Australia et d’être coproduit par deux compagnies australiennes : Causeway Films et Samira Productions.

Après la mort de son père, Naim Reid (Joe Bird), un adolescent timide, s’installe avec sa mère Arlene (Mia Wasikowska, l’héroïne du Alice au pays des merveilles de Tim Burton) dans une petite ville de l’État de Victoria, dominée par une communauté de fervents chrétiens évangéliques. En quête de repères, Naim se rapproche de Ryan Whelan (Stacy Clausen), un garçon de son âge. Une relation secrète naît entre eux, mais leur histoire est rapidement menacée lorsqu’ils découvrent que Ryan entretient également une relation avec Hunter (Jeremy Blewitt), le fils du pasteur. Blessé et jaloux, Naim révèle leur liaison aux parents de Hunter, déclenchant une réaction radicale. Convaincus que les garçons doivent être « soignés » de leurs désirs homosexuels, les parents de Hunter font appel à un guérisseur. Au cours d’une éprouvante séance d’exorcisme, Ryan et Hunter sont soumis à un rituel censé les purifier. Mais alors que leurs corps sont secoués de convulsions et que leurs cris de douleur résonnent dans la pièce, quelque chose semble se libérer. Dès lors, Naim est témoin de phénomènes inquiétants. Ryan parle en effet à une présence invisible, comme s’il n’était plus seul. Une présence qui va se révéler démoniaque et destructrice…

Le droit chemin

Le concept qui sous-tend le scénario de Leviticus se révèle à la fois original et déstabilisant. Ici, les « exorcisés » ne sont pas possédés par un démon intérieur mais se laissent tromper par une entité redoutable qui adopte les traits de l’être qu’ils aiment le plus. « Il prend toujours l’apparence de la personne qui nous fait de l’effet » s’exclame ainsi l’un des personnages du film ayant lui-même été témoin de l’inquiétant rituel. Une insidieuse paranoïa se développe ainsi au fil du récit. Car face à ce monstre insaisissable, chacun est désarmé. Comment faire confiance à celui ou celle qu’on apprécie le plus ? Comment savoir si l’on croise l’être aimé ou son avatar maléfique ? Le désir se mue alors en danger. « C’est exactement ce qu’ils cherchaient, qu’on ait peur l’un de l’autre », résume Ryan face à un Naim terrorisé. Même le repli sur soi-même devient risqué, puisque l’alter-ego démoniaque surgi lorsqu’on est isolé. Le seul moyen de se protéger semble alors être de se mêler à la foule, au prix du renoncement à toute intimité et à tout jardin secret. Pour tirer de ses comédiens la prestation la plus réaliste et la plus crédible possible, Adrian Chiarella précède le tournage de deux semaines de répétition en petit comité, puis laisse une grande place à l’improvisation face à la caméra. Résultat : un drame horrifique à fleur de peau qui brocarde l’intolérance religieuse avec une redoutable efficacité.

 

© Gilles Penso

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FLUSH (2025)

Menacé par des trafiquants de drogue, un homme se retrouve la tête coincée dans les toilettes d’un bar sordide et lutte pour sa survie !

FLUSH

 

2025 – FRANCE / UK

 

Réalisé par Gregory Morin

 

Avec Jonathan Lambert, Elodie Navarre, Elliot Jenicot, Remy Adriaens, Christophe Bier, Vincent Bekaert, Lena Kovski

 

THEMA TUEURS

Gregory Morin n’est pas un inconnu. Ses courts-métrages ont retenu l’attention d’un public exigeant dans plusieurs festivals, de Sitges à Tokyo et ont tous été diffusés sur les chaînes hertziennes. Paris by Night of the Living Dead, le dernier, comme son titre l’indique, était un survival façon jeu vidéo où un jeune couple se retrouve acculé dans la capitale infectée de zombies. Il y a donc de quoi être enthousiaste et confiant à l’idée d’aller découvrir le premier long-métrage du réalisateur, même si le sujet laisse pantois. En effet, l’action se déroule dans le décor unique de toilettes à la turque, et le héros, pensant doubler un dealer, s’y retrouve la tête coincée dans la cuvette ! Ce pitch improbable évoque les courts-métrages trashs de Stéphane Ambiel ou ceux des débuts de son mentor John Waters, et on se prépare à voir un film conceptuel et grand guignolesque, tout plutôt qu’une comédie dramatique qui tient en haleine. Pourtant, ce qui va se jouer à l’écran est bien au-delà de toute attente. « C’est un film autoproduit à 100%, d’abord avec des amis autour de moi, et par extension, par la suite, avec des amis d’amis », raconte Gregory Morin. « On a compris que personne ne nous attendait et on a décidé de se lancer seuls avec la volonté de ne pas céder à la facilité, et de s’attacher à faire un bon film malgré les restrictions budgétaires. Ce qui revenait à soigner la cinématographie, la photo, la direction d’acteurs et disposer d’un scénario abouti et d’un super son. On a donc décidé de se lancer dans un film concept et de commencer par trouver une idée de scénario en huis-clos qui marche bien en général dans les films d’horreur et qui ne coûte pas cher : un seul décor, et une action centrée sur un personnage principal.» (1)

David Neiss, scénariste attitré du réalisateur, a fait ses classes comme auteur chez Ubisoft (Rayman, Splinter Cell, XIII, Ghost Recon), et sur le petit écran, notamment sur des séries d’animation (Chasseurs de Dragons, Mission invisible etc.), des épisodes de séries ou des téléfilms. Il signe ici une histoire à suspense exaltante parfaitement écrite et construite, qui tient en haleine le spectateur tout au long du métrage. Les personnages se dévoilent au fur et à mesure et suscitent un intérêt constant sans pour autant plonger « tête baissée » (sans jeu de mots) dans un grotesque ou une caricature attendue. En effet, Luc et son ex-compagne Val forment un couple pathétique mais qui nous implique dans ce concours de circonstances qui va étrangement et momentanément les rapprocher pour le pire. Si le comique de situation est omniprésent, il n’efface jamais la dimension dramatique du récit. Au contraire, le personnage de Luc suscite notre empathie, et sa sincérité finit même par nous émouvoir au premier degré.

Flush Dance

« On avait déjà adopté, avec David, ce mélange d’horreur et d’humour il y a quelques années dans un court-métrage antérieur : Dernier cri avec Joe Prestia et Pierre Bellemare », explique Grégory Morin. « C’est un ton que l’on aimait beaucoup mais qui est un peu compliqué et avec lequel il faut faire attention si on veut bien l’employer. Mais lorsqu’il fonctionne, il porte vraiment ses fruits. Comme on est fans tous les deux de films d’horreur, on avait comme référence Le Loup-garou de Londres. C’est le genre de film où l’équilibre est vraiment intéressant. » (2) Jonathan Lambert interprète le rôle principal avec comme partenaire « de crime » Elodie Navarre dont le jeu vient rajouter du burlesque à une situation des plus cocasses. L’entrée en scène de deux acolytes, Elliot Jenicot dans le rôle de Sam et Remy Adriaens dans le rôle de Dindon, va donner à l’action une tournure dangereusement irrémédiable qui va évoluer vers une ultra violence tarantinoesque. A noter le travail sur les effets spéciaux de maquillage, réalisés de mains de maîtres par deux des grands talents contemporains des SFX en direct : Jacques-Olivier Molon et David Scherer. Pour finir, la bande originale et l’ambiance sonore de Mike Theis et Luc Rougy permettent d’harmoniser et de rendre crédible l’entièreté de ce petit chef-d’œuvre qui, en évitant tout effet poussif, propulse le cinéaste français dans la cour des grands.

 

(1) et (2) Extraits d’une interview réalisée par Quélou Parente en septembre 2025 pour L’Écran fantastique

 

@Quélou Parente

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THE ODYSSEY (2026)

La compagnie The Asylum ne pouvait pas rester indifférente face au blockbuster de Christopher Nolan. Voici donc Ulysse version discount…

THE ODYSSEY

 

2026 – USA

 

Réalisé par Marcel Walz

 

Avec Myriam Kingery, Morgan Flanagan, Patrick M. Byrnes, Dominic Keating, Llana Barron, Jordan Iverach, Tony Wood, Ashton Rogers, Angelo Kern

 

THEMA MYTHOLOGIE

Ayant depuis longtemps érigé le plagiat en modèle économique, les fantassins de la société de production The Asylum continuent tranquillement à piller tous les blockbusters qui sortent sur les grands écrans en proposant leurs propres versions au rabais. Lorsque L’Odyssée de Christopher Nolan se prépare à débarquer avec perte et fracas, la compagnie de David Michael Latt s’active donc pour pouvoir préparer sa propre aventure mythologique avec pour objectif une sortie le 3 juillet 2026, soit deux semaines avant la superproduction de Nolan. Cette relecture cheap d’Homère est confiée à Marcel Walz, un habitué de l’exercice. Après avoir signé une quinzaine de films d’horreur à tout petit budget dans son Allemagne natale, il s’était attaqué au remake de Blood Feast en 2016. Installé dès lors à Hollywood, le voilà mué en poulain de The Asylum, pour qui il réalise plusieurs mockbusters tels que Jurassic Reborn, Ice-Pocalypse, The Anacondas, Shark Thrash ou sa propre version des Maîtres de l’univers. The Odyssey est donc taillé sur mesure pour lui. Tourné à Martinsburg, en Virginie-Occidentale, le film met en scène un Ulysse bâti comme un catcheur (Myriam Kingery) qui, avec ses allures de Philippe Etchebest barbu, a bien du mal à nous convaincre. À ses côtés, Morgan Flanagan (Les Maîtres de l’univers) campe Pénélope, Patrick M. Byrnes (Undercover : Caught on Tape) est le jeune Télémaque et Llana Barron (Death Streamer) incarne une Athéna éthérée qui, à l’instar du génie d’Aladin, propose à notre héros d’exaucer trois de ses vœux.

Même si elle capitalise consciemment sur la confusion des spectateurs, cette démarche de « contrefaçon » n’est pas choquante en soi, dans la mesure où The Asylum trouvera toujours un moyen de contourner la loi, arguant que le texte d’Homère est dans le domaine public et appartient donc à tout le monde. De fait, rien ne ressemble moins au film de Christopher Nolan que celui de Marcel Walz. Ce qui prête plus au débat, c’est le recours quasi-systématique à l’intelligence artificielle générative pour les nombreux effets visuels de The Odyssey. Nous franchissons donc un cap où les petites productions ne cherchent plus à rivaliser avec les grandes via des images de synthèse médiocres mais avec de l’IA. Certes, le résultat peut donner le sentiment d’un plus grand foisonnement visuel (les foules de combattants, les navires par centaines, Troie ravagée par les flammes, les rives d’Ithaque) et les monstres ont un panache qui aurait sans doute été impossible d’obtenir autrement dans le cadre d’une telle micro-production. Mais la paresse d’un tel procédé technique ne force aucune admiration, d’autant que n’importe qui, avec son ordinateur ou son téléphone, est désormais capable de faire exactement la même chose. Les trucages ratés des films précédents d’Asylum avaient au moins le mérite de solliciter des artistes spécialisés, même si leur talent était fatalement entravé par des budgets dérisoires. Ici, de simples prompts semblent faire l’affaire.

Ithaque en toc

The Asylum avait déjà ouvert cette voix douteuse le mois précédent avec New Toy Story, une imitation sans âme ni charme de la saga de Pixar, qui laissait déjà l’IA faire le plus gros du travail. Même logique ici. Il suffit d’ailleurs de jeter un coup d’œil au générique de fin : aucun superviseur d’effets visuel, aucun graphiste, aucun nom associé aux postes de la modélisation, du compositing ou de l’animation. Neuf personnes sont simplement créditées sous l’appellation « visual effects artists ». Entendez « prompteurs ». Alors certes, Polyphème est raisonnablement impressionnant (calquant une partie de sa morphologie sur celle du cyclope du 7ème voyage de Sinbad), les monstres Charybde (un poisson géant lovecraftien affublé de tentacules, d’une gueule pleine de crocs acérés et d’yeux multiples) et Scylla (une gigantesque hydre à sept têtes) font leur petit effet et même les sirènes (enchanteresses créatures révélant soudain des traits monstrueux) savent nous égayer. Mais nous ne sommes pas dupes, et le décalage entre cette IA miraculeuse et les prises de vues réelles devient abyssal. Si les plans larges exhibent des nuées de navire traversant les flots avec des centaines d’homme à bord, les séquences filmées « pour de vrai » ne nous montrent que trois membres d’équipage, serrés dans ce qui ressemble à une minuscule barque ! Même constat à Ithaque. Les panoramas de l’immense palais d’Ulysse tranchent avec ces séquences ultra-minimalistes où nous ne voyons que Pénélope, Télémaque et un seul prétendant. Où sont les domestiques, les villageois, les centaines de soupirants ? En se parant d’une « production value » artificielle, The Odyssey ne parvient finalement qu’à renforcer son caractère cheap et à dévoiler l’anémie de son budget.

 

© Gilles Penso

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