LAISSEZ BRONZER LES CADAVRES (2017)

Après Amer et L’Étrange couleur des larmes de ton corps, Hélène Cattet et Bruno Forzani s’éloignent de l’influence du giallo pour diriger un polar surréaliste…

LAISSEZ BRONZER LES CADAVRES

 

2017 – FRANCE / BELGIQUE

 

Réalisé par Hélène Cattet et Bruno Forzani

 

Avec Elina Löwensohn, Stéphane Ferrara, Bernie Bonvoisin, Michelangelo Marchese, Marc Barbé, Marine Sainsily, Hervé Sogne, Pierre Nisse, Aline Stevens

 

THEMA TUEURS

Jusqu’alors sous influence du giallo italien des années 70, Hélène Cattet et Bruno Forzani changent de registre pour leur troisième long-métrage en adaptant un roman de Jean-Patrick Manchette et Jean-Pierre Bastid. « Nous avons commencé à écrire ce film avant Amer », raconte Hélène Cattet. « Mais ce n’est que six ans plus tard que nous nous sommes mis à l’écriture du scénario. Pour notre premier film, nous ne voulions pas faire une adaptation mais plutôt un scénario original. Après L’Étrange couleur des larmes de ton corps, nous nous sommes dits qu’il serait intéressant de nous pencher plus sérieusement sur cette histoire. » (1) Laissez bronzer les cadavres met tout de même un certain temps à se concrétiser, moins pour des raisons cinématographiques que personnelles. « Il nous a fallu quatre ans pour faire ce film, parce qu’entre-temps notre fille est née, ce qui a forcément bouleversé notre niveau de travail », explique Bruno Forzani. « Ensuite, trouver le décor idéal n’était pas simple. Ce n’est qu’au bout d’un an et demi que nous avons trouvé ce lieu. Le casting lui-même s’est aussi étalé sur une année. » (2) Lorsqu’ils sont fin prêts, toujours épaulés par leur fidèle producteur François Cognard, Cattet et Forzani se lancent enfin dans ce western moderne aux teintes fantastico-érotiques qui, volontairement, échappe un peu à toutes les étiquettes.

En s’appuyant sur un matériau littéraire préexistant, les deux réalisateurs tentent de se réinventer, soucieux d’éviter les redites qui mèneraient fatalement à une sorte d’impasse artistique. Le texte original appartenant à deux autres auteurs qu’eux, ils s’y investissent différemment, sans pour autant réfréner leur passion cinéphilique ardente. En sortant de leur zone de confort, ils abordent un récit à priori éloigné de leur univers. Nous voici en effet face à une bande de gangsters qui vient de voler 250 kilos d’or et trouve refuge dans un village abandonné en Méditerranée. Mais deux policiers et quelques invités imprévus viennent contrecarrer leurs plans, jusqu’à ce que ces lieux paisibles se muent en champ de bataille. De prime abord, le scénario de Laissez bronzer les cadavres est plus narratif et moins hermétique que ceux des films précédents des duettistes, car il intègre des situations et des personnages plus connus du grand-public : les truands retranchés dans leur planque, les flics, la traque, le huis-clos, les trahisons.

Western baroque

Pour autant, nous n’avons pas ici affaire à un polar traditionnel. Cattet et Forzani ne renoncent pas à leur mise en scène sensitive s’appuyant sur un montage déstabilisant, de très gros plans des personnages, des effets sonores appuyés et une musique empruntée à des films italo-français des années 60 et 70. Les coups de feu pleuvent, mais nous ne sommes pas dans La Horde sauvage ou Rio Bravo. La localisation des personnages les uns par rapport aux autres n’est pas simple, tandis que le passé et le présent s’entremêlent jusqu’au vertige. D’autre part, le fantastique s’invite partout à travers les perceptions déformées des personnages. Ici, une simple grillade se mue en brasier, un coup de feu en explosion titanesque, tandis qu’un regard ou un toucher évoquent des souvenirs troubles. Car une série de flash-backs énigmatiques laisse imaginer que les lieux furent jadis le théâtre d’orgies fétichistes troubles transfigurant les corps et les sens. Il s’agit donc une fois de plus d’une expérience unique, loin des canons habituels du cinéma de genre auquel le film emprunte pourtant ses thèmes et ses motifs.

 

(1) et (2) Propos recueillis par votre serviteur en septembre 2017

 

© Gilles Penso

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THE BRIDE (2026)

Le monstre de Frankenstein surgit dans l’Amérique des années 30 et réclame une compagne auprès d’une scientifique spécialisée dans la réanimation…

THE BRIDE

 

2026 – USA

 

Réalisé par Maggie Gyllenhaal

 

Avec Jessie Buckley, Christian Bale, Annette Bening, Pénélope Cruz, Peter Sarsgaard, Jake Gyllenhaal, John Magaro, Matthew Maher, Jeannie Berlin

 

THEMA FRANKENSTEIN

Quelques mois à peine après la sortie du Frankenstein de Guillermo del Toro, Maggie Gyllenhaal nous offre sa propre version du mythe créé par Mary Shelley. Mais ici, le classicisme n’a plus cours. L’actrice devenue réalisatrice s’inspire très vaguement du roman fondateur pour propulser ses personnages dans l’Amérique des années 30 et revisiter de fond en comble la romance contre-nature entre le Monstre et sa promise. Pour faire écho à La Fiancée de Frankenstein de James Whale, Gyllenhaal demande à Jessie Buckley, déjà héroïne de son premier film The Lost Daughter, d’endosser deux rôles : celui de la « promise » et celui de Mary Shelley, comme le fit Elsa Lanchester 90 ans plus tôt. Et c’est Christian Bale, couvert de prothèses en latex et de cicatrices, qui est chargé de lui donner la réplique. Le prologue, plongé dans une sorte d’état de suspension hypnotique, crée un étrange dialogue entre Shelley et sa créature. L’écrivaine affirme qu’elle n’a pas pu prolonger l’histoire qu’elle avait en tête après le roman Frankenstein, à cause de son décès. Pour la raconter, elle prend donc possession d’Ida, une femme vivant à Chicago en 1936, qui, en état de transe, se met à évoquer les activités criminelles du parrain de la mafia Lupino. Les hommes de main de Lupino l’emmènent alors à l’écart, où ses divagations la font tomber dans un escalier, entraînant sa mort.

C’est à partir de son corps que la scientifique Cornelia Euphronius (Annette Bening), spécialisée dans l’animation, va créer une compagne pour rompre la solitude de ce pauvre monstre de Frankenstein, qui erre depuis de longues années comme une âme en peine. Si le look de ce bon vieux « Frank » reste relativement fidèle à celui popularisé par le maquilleur Jack Pierce, l’apparence de la fiancée se révèle plus surprenante. Après sa résurrection, elle arbore en effet une crinière ébouriffée, une tache indélébile qui prolonge sur sa joue la noirceur de son rouge à lèvres, un regard torve et des froufrous ébouriffés. Gyllenhaal s’amuse alors à plonger ce couple de freaks au cœur du Chicago débauché et hystérique des années trente, proche du Hollywood survolté que mettait en scène Damien Chazelle dans Babylon. L’idée n’est pas inintéressante, mais The Bride nous rebute d’emblée par sa tonitruance incompréhensible qui semble vouloir passer pour de l’audace mais n’engage aucunement l’empathie du spectateur. De fait, même si « Frank » polarise un temps notre identification, le film se montre bien trop erratique pour nous attacher à ses personnages.

Un patchwork décousu

S’affirmant ouvertement comme un remake libre de La Fiancée de Frankenstein – d’où son positionnement au milieu des années 1930 – et empruntant de nombreux éléments à Metropolis – notamment la création du robot Maria –, The Bride part très vite dans tous les sens, muant ses monstres fugitifs en émules de Bonnie and Clyde mais aussi en héros de comédie musicale, dans des passages lyriques bizarres qui évoquent tour à tour Frankenstein Junior (sans la drôlerie, hélas) et Joker : folie à deux (ce qui, nous en conviendrons, est plus embarrassant). Pauvres créatures de Yórgos Lánthimos nous vient aussi à l’esprit pendant le visionnage de ce film décidément très décousu. A l’image des deux créatures qu’il met en scène, le film de Maggie Gyllenhaal ressemble ainsi à un patchwork d’idées et d’intentions assemblées maladroitement les unes avec les autres dans l’espoir d’en tirer une quelconque cohérence. Certes, quelques jolies idées surnagent au beau milieu de ce chaos, comme la projection sur les écrans de cinéma des états d’âme de nos deux héros, mués provisoirement en icones du 7ème art. Ce jeu des miroirs est récurrent dans le métrage, y compris lorsque le profil de Penelope Cruz s’aligne avec celui d’une affiche publicitaire sur un mur. Le monde réel et celui du fantasme s’entremêlent alors furtivement. Mais les véritables intentions de la scénariste/réalisatrice finissent par complètement nous échapper, confirmant cette impression générale d’occasion manquée – ou de fausse bonne idée.

 

© Gilles Penso

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THE CANNIBAL CLUB (2018)

Un club très fermé réunit plusieurs notables brésiliens qui se réunissent dans un restaurant chic pour goûter la viande humaine…

O CLUBE DOS CANIBAIS

 

2018 – BRÉSIL

 

Réalisé par Guto Parente

 

Avec Ana Luiza Rios, Tavinho Teixeira, Zé Maria, Pedro Domingues, Galba Nogueira, Bruno Prata, Breno Baptista, Leonardo William, Marco Goulart

 

THEMA CANNIBALES

Réalisateur autodidacte, Guto Parente est né en 1983 à Fortaleza, dans le nord-est du Brésil. Il suit certes quelques courts au sein de l’Escola Pública do Audiovisual de sa ville natale, mais ce n’est pas là que se fait le plus gros de sa formation. Parente est un praticien intensif du court-métrage. Il fonde avec quelques amis un collectif d’artistes appelé Alumbramento, qui a pour vocation initiale de concevoir collectivement des films amateurs, tournés principalement avec de petites caméras portables. Cette activité de plus en plus foisonnante débouche sur la fondation de la société de production Tardo Filmes, que Parente initie avec sa partenaire Ticiana Augusto Lima. Et c’est sous cette bannière qu’est lancée la comédie d’horreur The Cannibal Club, qui est déjà le septième long-métrage du réalisateur, tourné quasi simultanément avec le drame Inferninho. L’anthropophagie y prend une tournure inattendue et particulièrement brutale. Certes, ce n’est pas le premier film qui emploie le cannibalisme comme métaphore de la fracture sociale. En ce domaine, le Society de Brian Yuzna y allait déjà assez fort, en osant des altérations corporelles extrêmes. Mais The Cannibal Club attaque le sujet de manière beaucoup plus frontale, dans tous les sens du terme. C’est bel et bien un film choc que nous livre ici Guto Parente

Le film met en scène un club d’hommes de la haute société (notables, membres du conseil, politiciens, riches chefs d’entreprises) dont l’ennui et la frustration les poussent à commettre l’une des transgressions les plus abominables qui soient. Réunis régulièrement dans l’arrière salle d’un restaurant chic une fois la nuit tombée, ils revêtent leurs plus beaux smokings puis assistent aux ébats amoureux d’un couple défavorisé qui accepte de se prêter à ce jeu exhibitionniste contre un peu d’argent… Si ce n’est qu’éros et thanatos s’entremêlent soudain, le couple étant massacré et dévoré par les notables au cours d’un dîner. Le scénario s’intéresse tout particulièrement à l’un des membres du club, Otavio (Tavinho Teixeira), chef de la police, et à son épouse oisive Gilda (Ana Luiza Rios). Celle-ci séduit les hommes à tout faire qu’elle emploie dans leur somptueuse maison, puis les entraîne dans son lit. Au moment de l’orgasme, le mari assassine les malheureux, qui servent ensuite de repas au couple maudit. Mais cette horrible mécanique apparemment bien huilée va bientôt déraper…

« Nous ne sommes pas des meurtriers ! »

Auréolé de la réputation sulfureuse de « film le plus gore de l’année » (nous n’en serions pas étonnés, même si cette classification n’a jamais été officialisée), The Cannibal Club est un film sans concessions. La nudité frontale, les scènes de sexe crues et les exactions sanglantes extrêmement graphiques s’étalent à l’écran sans la moindre retenue. Nous sommes loin des canons du cinéma horrifique hollywoodien traditionnel. Ici, toutes les outrances semblent permises. Mais au-delà de son caractère provocateur, le film de Guto Parente s’affirme comme une parabole sociale d’autant plus saisissante que le Brésil est un pays où le fossé entre les riches et les pauvres est gigantesque, mais aussi un territoire connu pour ses nombreux kidnappings et disparitions. La réalité et la fiction s’entremêlent donc en semant le trouble. Et, ce qui ne gâche rien, le film a beaucoup d’humour… noir évidemment. Lorsque notre couple d’assassins se retrouve dans une situation complexe où il faut tuer non un individu « de basse extraction » mais quelqu’un du même statut social qu’eux, le doute les saisit. « Nous ne sommes pas des meurtriers ! » s’exclame Otavio, qui a pourtant des tonnes de cadavres derrière lui. D’autres séquences empruntent presque leurs effets comiques aux cartoons de Tex Avery. C’est donc à un grand écart inattendu que nous convie The Cannibal Club, qui fit logiquement sensation dans tous les festivals où il fut projeté.

© Gilles Penso

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HUSH (2008)

Persuadé qu’un camionneur suspect a kidnappé sa petite-amie, un automobiliste désespéré se lance à sa poursuite…

HUSH

 

2008 – GB

 

Réalisé par Mark Tonderai

 

Avec Christine Bottomley, William Ash, Andreas Wisniewski, Sheila Reid, Claire Keelan, Stuart McQuarrie, Robbie Gee, Peter Wyatt, Shaun Dingwall, Rupert Procter

 

THEMA TUEURS

Si Hush ne se distingue pas par l’originalité de son nom – plusieurs autres films portent le même titre, qui signifie « Chut ! » -, on ne peut pas lui reprocher son audace malgré un manque de moyens évident qui le pousse à restreindre le nombre de ses personnages, de ses décors et de ses péripéties. Ce long-métrage minimaliste marque les débuts à la mise en scène de Mark Tonderai, ancien animateur radio de la BBC passé ensuite au petit écran. « J’ai essayé pendant des lustres de monter ce film », avoue-t-il. « Mais dès que j’ai mis une femme nue à l’arrière d’un camion… » Et de ponctuer sa phrase par un claquement de doigts, comme pour bien nous faire comprendre qu’il trouva l’argument imparable aux yeux des financiers et des investisseurs (1). Pour autant, Hush ne cherche pas particulièrement à titiller les bas instincts de ses spectateurs, pas plus qu’il ne s’engouffre dans la brèche du « torture porn » alors très à la mode grâce aux franchises Saw et Hostel. C’est surtout le suspense qui sert de moteur au film, très clairement influencé par Duel et Hitcher. Le point de départ du scénario évoque aussi Une femme disparaît et – par rebond – Breakdown, ce qui explique sans doute pourquoi le protagoniste de Hush est un héros typiquement hitchcockien : un homme ordinaire plongé dans une situation extraordinaire.

Par une nuit d’orage sur l’autoroute M1, Zakes (William Ash), jeune homme qui ambitionne de devenir écrivain, rentre avec sa petite amie Beth (Christine Bottomly), endormie sur le siège passager. La routine du trajet bascule lorsqu’un camion blanc manque de les percuter. Dans un bref éclair au moment du dépassement, les portes arrière du véhicule s’entrouvrent et Zakes aperçoit une femme ligotée, couverte de sang, enfermée à l’intérieur. L’image est fugace, presque irréelle. D’ailleurs, a-t-il bien vu ce qu’il croit avoir vu, ou son esprit lui a-t-il joué des tours ? Secoué, il tente d’alerter les autorités, mais personne ne le prend vraiment au sérieux. À la station-service suivante, alors que Beth s’éloigne suite à une dispute, Zakes, épuisé et encore hanté par ce qu’il croit avoir vu, perd sa trace. Lorsqu’il réalise qu’elle a disparu, la panique s’installe. Et un détail le glace : le camion blanc est de nouveau là, non loin. Convaincu que le chauffeur est lié à l’enlèvement de Beth, Zakes se lance à sa poursuite sur l’autoroute détrempée. Commence alors un inquiétant jeu du chat et de souris…

Voie sans issue

Le film s’appuie sur une réalisation au cordeau, des prises de vues immersives captées souvent caméra à l’épaule et surtout des acteurs très convaincants. Leurs personnages sont faillibles, en déséquilibre psychologique permanent. Et le principe d’un couple en pleine crise – éprouvé dans d’autres films du même acabit tels que Motel ou The Strangers – renforce leur fragilité et l’empathie qu’ils suscitent. Une fois acquis à leur cause, nous nous laissons volontiers manipuler par les nombreuses séquences de tension qui ponctuent le métrage, avec comme points culminants ces moments très anxiogènes où Zakes est caché sous le camion, dans les toilettes ou carrément dans la gueule du loup, c’est-à-dire dans le repaire du tueur. L’hémoglobine éclabousse peu l’écran, la violence n’est pas souvent physiquement présente, et pourtant l’angoisse est souvent à son comble. Parce que, comme toujours, l’imagination du spectateur est toujours plus efficace que n’importe quelle effusion de sang. Mais il aurait sans doute fallu un peu plus de rebondissements, de surprises et de changements de cap pour que Hush tienne la route jusqu’au bout. En l’état, l’intrigue demeure désespérément linéaire et basique, jusqu’à un dénouement attendu qui confirme le côté un peu vain de l’entreprise. Dommage qu’après un tel départ sur des chapeaux de roue, le film perde son sel et son originalité. Après Hush, Mark Tonderai poursuivra sa carrière à Hollywood avec notamment le thriller psychologique House at the End of the Street en 2012 et l’histoire de sorcellerie vaudou Spell en 2020.

(1) Extrait de la présentation du film lors de sa projection au « Film4 FrightFest All-Nighter » en novembre 2008.

© Gilles Penso

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TREMORS : SHRIEKER ISLAND (2020)

Dans ce septième et dernier épisode de la saga des vers géants, l’indéboulonnable Burt Gummer affronte des monstres génétiquement modifiés…

TREMORS : SHRIEKER ISLAND

 

2020 – USA

 

Réalisé par Don Michael Paul

 

Avec Michael Gross, Jon Heder, Richard Brake, Caroline Langrishe, Jackie Cruz, Cassie Clare, Sahajak Boonthanakit, Matthew Douglas, Randy Kalsi, Bear Williams

 

THEMA INSECTES ET INVERTÉBRÉS I SAGA TREMORS

Un petit dernier pour la route ? La cote de popularité de la saga Tremors étant encore vivace, le studio Universal décide de lui offrir un septième opus, malgré l’âge avancé (73 ans) de son acteur principal Michael Gross, fil conducteur reliant tous les épisodes de cette franchise mouvementée née en 1990. Responsable de la « renaissance » de la série après le long gap séparant Tremors 4 (2004) de Tremors 5 (2015), le réalisateur Don Michael Paul rempile en conservant les ingrédients qui surent séduire les spectateurs des films précédents : une mise en scène solide, de beaux extérieurs naturels, des effets visuels très performants et un savant mélange d’action et d’humour. Pour varier les plaisirs, on change tout de même de décor. Après les déserts de westerns, les plaines africaines et les panoramas arctiques, nous voici désormais dans la jungle d’une île tropicale. Cette relocalisation permet à Tremors : Shrieker Island de se rapprocher beaucoup de l’atmosphère de Jurassic Park et du Monde perdu, double référence allègrement assumée par le film. L’équipe de tournage s’installe donc en Thaïlande en novembre 2019, pour des prises de vues qui s’amorcent sous le titre de travail Island Fury. Et c’est le directeur de la photographie Alexander Krumov, grand habitué des séries B à petit budget, qui est chargé de saisir du mieux qu’il peut la photogénie des lieux.

Sur Dark Island, une réserve privée exploitée par l’entreprise Avex-Bio Tech, Bill (Richard Brake), chasseur de gros gibier, organise des safaris clandestins pour riches amateurs de sensations fortes. Flanqué de sa partenaire Anna (Cassie Clare), il propose à ses clients de traquer de redoutables Graboïdes, qu’il a secrètement modifiés génétiquement pour les rendre plus intelligents et plus féroces. À proximité, la scientifique Jas Welker (Caroline Langrishe) et son collègue Jimmy (Jon Heder) étudient d’étranges secousses sismiques. Intriguée par les activités de Bill, Jas mène l’enquête avec l’aide de Jimmy et de leur ami Ishimon (Manop Vanasinsathrapron). Leur exploration les conduit à la découverte d’un Graboïde mort… bientôt suivi de l’émergence de Shriekers, ses progénitures, qui attaquent et tuent Ishimon. Comprenant que la situation échappe à tout contrôle, Jas demande à Jimmy de partir à la recherche de Burt Gummer, spécialiste des Graboïdes, retiré du monde et hostile à toute nouvelle implication. Malgré ses réticences et un passé conflictuel avec Jas, Burt accepte finalement d’intervenir. Face à la menace devenue incontrôlable, une course contre la montre s’engage pour survivre sur l’île désormais livrée aux prédateurs…

Bouquet final

Force est de constater que Michael Gross est toujours en grande forme et joue d’ailleurs volontiers avec son image. La première fois que nous le découvrons dans le film, c’est sous les allures d’une sorte de Robinson Crusoé revenu à l’état sauvage. Seul sur son île de Papouasie, torse-nu, hirsute, la barbe blanche, il se nourrit de poissons et vit en ermite. Bien sûr, il ne tarde pas à retrouver son look de survivaliste fou des armes, la casquette vissée sur la tête et les Ray-Ban solaires sur le nez. Si son fils Travis, qui partageait l’affiche avec lui dans les deux films précédents, n’est pas de la fête, nous découvrons en revanche sa mère Jas (Caroline Langrishe), ex-compagne de Burt, ce qui permet de pimenter un peu l’intrigue. Du côté des antagonistes, le très charismatique Richard Brake (Mandy, 31, 3 From Hell) campe une sorte de comte Zaroff ayant troqué le gibier humain contre des vers géants, et Cassie Clare incarne une émule de Lara Croft, virtuose du tir à l’arc qui commence à émettre de sérieuses réserves sur le bien-fondé de ces parties de chasse aux monstres. Les créatures elles-mêmes restent de haute tenue, dotées d’une vision infrarouge qui pousse l’un des protagonistes à s’écrier : « Ils chassent par signature thermique, comme dans Predator ! », Les clins d’œil de cet acabit abondent dans les dialogues, de Godzilla à Rambo en passant par Evil Dead. Sans compter l’influence spielbergienne qui pousse Don Michael Paul à filmer le Graboïde final comme un T-rex et les Shriekers comme des raptors. Tremors : Shrieker Island ne brille certes pas par sa finesse mais ne nous trompe jamais sur la marchandise. Primaire, généreux, décomplexé, il clôt avec panache cette longue saga pétaradante.

© Gilles Penso

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THE SIREN (2019)

Au bord d’un lac, deux hommes font la rencontre d’une jeune femme mystérieuse victime d’une malédiction qui la pousse à noyer les humains…

THE SIREN / THE RUSALKA

 

2019 – USA

 

Réalisé par Perry Blackshear

 

Avec Margaret Ying Drake, MacLeod Andrews, Evan Dumouchel

 

THEMA MONSTRES MARINS

Après avoir marqué les esprits avec They Look Like People en 2015, véritable tour de force du cinéma indépendant tourné avec des moyens dérisoires, Perry Blackshear poursuit dans la voie du fantastique intime, cette fois-ci à la limite de l’ascèse. Avec The Siren (également connu sous le titre The Rusalka), le cinéaste américain puise son inspiration dans un conte serbe, revisitant la figure mythologique de la sirène sous un angle très minimaliste. Fidèle à son esprit de troupe, Blackshear retrouve les trois comédiens principaux de son premier long métrage – Macleod Andrews, Evan Dumouchel et Margaret Drake – qui participent également à la production du film. Cette continuité artistique traduit chez le cinéaste une volonté manifeste de creuser les mêmes obsessions : la peur intérieure, la fragilité psychologique et la porosité entre le réel et l’imaginaire. Conçu comme une œuvre resserrée à l’extrême, The Siren limite son décor à une cabane isolée au bord d’un lac. L’essentiel de l’action se déroule sur un simple ponton, réduisant l’espace à quelques mètres carrés et concentrant toute la tension dramatique sur les interactions entre trois personnages. Ce choix radical confère au film une atmosphère presque théâtrale.

Une légende hante les eaux du lac : celle de la Rusalka, esprit né d’un amour tragique, condamné à attirer les vivants pour les noyer. Al (MacLeod Andrews) en est convaincu. Depuis que son mari a péri dans ces eaux, il traque sans relâche la créature qui en est responsable, consumé par un désir de vengeance. Au même moment, Tom (Evan Dumouchel), un jeune homme muet engagé dans un ministère chrétien, vient chercher le calme dans une cabane isolée prêtée par son église. On le met tout de même en garde : les noyades sont nombreuses dans ce lac. La solitude de Tom est rompue lorsqu’il rencontre Nina (Margaret Ying Drake), une mystérieuse jeune femme qui n’apparaît qu’à la surface de l’eau, sans jamais pouvoir s’en éloigner. Nina, on l’a compris, est une Rusalka. Son existence est régie par un instinct meurtrier irrépressible qui la pousse à attirer les hommes pour les entraîner vers la mort. Pourtant, face à Tom, quelque chose déraille. Une attirance réciproque et fragile s’installe. À mesure que Tom s’approche d’elle, Nina commence à douter de sa nature, remettant en question la fatalité qui la condamne à tuer. Mais l’ombre d’Al se rapproche. Devenu l’ami de Tom sans connaître toute la vérité, il finit par comprendre que Nina est la créature qu’il traque…

L’anti-Splash

The Siren est un film à la plastique impeccable et à l’atmosphère envoûtante. Les prémisses fonctionnent à merveille, d’autant qu’Evan Dumouchel dégage une innocence, une candeur et un charisme immédiatement perceptibles. Le réalisateur parvient à saisir la beauté du lac mais aussi son caractère effrayant, fascinant et glauque. Le travail du son, la photographie, le cadre, le montage, tout concours à créer un sentiment d’oppression ambigu. Mais lorsque paraît la « sirène », notre enthousiasme commence un peu à s’altérer. Margaret Ying Drake est jolie, certes, mais son comportement, sa gestuelle, ses dialogues et sa voix semblent trop modernes, trop quotidiens, trop désinvoltes pour une créature aquatique sujette à une malédiction et à des instincts incontrôlables la poussant à noyer tous ceux qui pénètrent dans le lac. Malgré ce décalage, le jeu de la séduction se révèle convainquant et le triangle qui s’installe est prometteur, jusqu’à ce que l’intrigue s’empêtre peu à peu dans des langueurs répétées. Quant au dernier acte, il ne sait visiblement plus comment faire évoluer l’intrigue. Le montage se laisse alors gagner par les tics d’un cinéma auteurisant maniéré (flash-backs et flash-forwards incompréhensibles, jump cuts, gros plans sensoriels déconnectés de toute chronologie). Et la fin déçoit, car finalement le scénario n’adopte aucun point de vue, ne tranche pas, laisse quasiment toutes les portes ouvertes. Dommage, il y avait là matière à une fable mieux construite et plus cohérente. Dans la continuité de cette démarche artisanale, Blackshear et ses collaborateurs prolongeront leur exploration du fantastique psychologique avec When I Consume You en 2021.

 

© Gilles Penso

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LUZ (2018)

Pendant un interrogatoire dans un commissariat de police, une entité diabolique prend possession d’un psychiatre et altère son comportement…

LUZ

 

2018 – ALLEMAGNE

 

Réalisé par Tilman Singer

 

Avec Luana Velis, Jan Bluthardt, Johannes Benecke, Kate Dervishi, Lilli Lorenz, Julia Riedler, Nadja Stübiger, Keshav Purushotham, Reinhardt Singer

 

THEMA DIABLE ET DÉMONS

Né en 1988 à Leipzig, Tilman Singer a d’abord réalisé deux courts-métrages, The Events at Mr Yamamoto’s Alpine Residence et El Fin del Mundo, avant de se lancer dans son premier long, Luz. Il s’agit initialement d’un projet de fin d’études qui s’est transformé en film beaucoup plus ambitieux. « A Cologne, il existe un programme d’aide au financement pour ce type de projet », nous explique Singer. « Mais vendre un film d’horreur à telle une institution n’est pas simple. J’ai donc monté une bande démo avec des extraits de mes courts-métrages, je leur ai demandé de me faire confiance et j’ai obtenu 20 000 euros. Pour l’industrie du cinéma, cette somme peut sembler dérisoire. Mais pour des étudiants, c’est le rêve ! C’est exactement ce dont nous avions besoin pour financer le matériel, les décors, etc… Personne n’a été payé sur ce film. » (1) Le jeune cinéaste sollicite donc les piliers artistiques de ses courts précédents, autrement dit le compositeur Simon Waskow, le chef décorateur Dario Mendez Acosta et le directeur de la photographie Paul Faltz. « J’ai commencé à me documenter sur le métier des artistes qui réalisent des portraits robot pour la police, persuadé que c’était la clef du scénario de ce nouveau film », raconte Singer. « Mais je n’arrivais à en tirer rien de très intéressant. Je me suis alors penché sur les techniques d’interrogatoire et j’ai découvert comment l’hypnose pouvait être utilisée dans des cas très spécifiques. » (2)

En tournant un peu autour de cette idée, une séquence lui apparaît : on y voit une personne questionnée sur ses faits et gestes passés, qui se met à entrer dans une sorte de transe. Mais au lieu d’utiliser des flash-backs traditionnels symbolisant ses retours à la mémoire, le film la montrerait reproduire ses gestes dans la salle d’interrogatoire, comme si l’environnement autour d’elle se modifiait. C’est à partir de cette idée que se construit le scénario de Luz. Le film commence par une nuit pluvieuse et montre une jeune chauffeuse de taxi étourdie et engourdie qui se traîne dans l’entrée d’un commissariat de police. Nous ne savons rien d’elle, pas encore… Pendant ce temps, dans un bar, le docteur Rossini, psychiatre de la police, est abordé par une femme mystérieuse qui lui parle de son ancienne camarade d’école, Luz. Il s’agit justement de la jeune femme hagarde qui traîne dans le commissariat. Troublante, la situation vire au cauchemar lorsqu’une entité diabolique s’empare du docteur Rossini et altère son comportement…

Sous hypnose

Transcendant son budget ridicule, Tilman Singer aborde ainsi le sujet de la possession démoniaque sous un angle singulier, plus sensoriel que surnaturel. En soignant tout particulièrement son montage et sa bande son, le cinéaste noue un drame oppressant s’appuyant sur une unité de lieu, de temps et d’action. La narration est serrée (1h10 à peine), et l’exercice de style s’avère fascinant, mêlant les phénomènes surnaturels et les méthodes scientifiques pour abolir les barrières délimitant l’espace et le temps. Bien sûr, il nous faut accepter l’idée de l’emploi de l’hypnose pour obtenir des aveux, ce qui peut sembler douteux si l’on considère le caractère très subjectif du procédé. Mais l’idée d’une force maléfique s’emparant des techniques d’hypnose ouvre de nouvelles possibilités passionnantes. Malgré un point de départ apparemment très classique – une femme séduit un homme dans un bar -, Luz nous fait rapidement basculer ailleurs, nous désorientant au point de nous placer presque nous-mêmes sous hypnose. Nous décollons alors progressivement de la réalité tangible. Tout s’inverse, les points de vue changent, ce qui explique en partie la sexualité ambigüe des personnages, notamment Luz qui s’habille comme un garçon, le docteur qui perd soudain sa virilité ou l’inspectrice de police exagérément masculine… Luz est décidément un film d’horreur hors-norme, porté par des sources d’inspiration multiples et incarné par des comédiens jusqu’alors habitués aux planches de théâtre. Son audace et son originalité l’ont logiquement propulsé dans une tournée de festivals de films à travers le monde.

 

(1) et (2) Propos recueillis par votre serviteur en septembre 2018

 

© Gilles Penso

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TARZAN ET LES AMAZONES (1945)

Le seigneur de la jungle retrouve sa Jane bien-aimée et se heurte à une peuplade de guerrières réfugiées dans une cité perdue…

TARZAN AND THE AMAZONS

 

1945 – USA

 

Réalisé par Kurt Neumann

 

Avec Johnny Weissmuller, Brenda Joyce, Johnny Sheffield, Henry Stephenson, Maria Ouspenskaya, Barton MacLane, Donald Douglas, Steven Geray, J.M. Kerrigan

 

THEMA EXOTISME FANTASTIQUE I TARZAN

Le Mystère de Tarzan ayant ouvertement positionné la saga de l’homme-singe dans un univers fantastique détaché de la réalité, toutes les folies semblent désormais possibles. Si Tarzan et les Amazones ne pousse pas aussi loin le délire (pas de dinosaures ni d’araignée géante ici), il n’en demeure pas moins un épisode délicieusement « pulp » continuant d’ancrer les aventures de Tarzan dans une sorte d’univers parallèle exotico-fantastique. Les passages obligatoires sont toujours là – Cheeta fait des singeries, Boy se fourre dans le pétrin, Tarzan s’oppose à la cupidité de l’homme blanc – mais un évènement d’importance marque ce nouvel opus : le grand retour de Jane. Après le départ de l’actrice Maureen O’Sullivan en 1942, les deux films suivants s’étaient efforcés de lui trouver des substituts provisoires, justifiant l’absence du personnage par sa participation à l’effort de guerre. Mais en 1945, ce prétexte scénaristique ne fonctionne plus et il est temps de rapatrier la fiancée de Tarzan. Sauf qu’O’Sullivan refuse de rempiler, malgré les insistances du producteur Sol Lesser. On décide alors de la remplacer par une autre actrice, Brenda Joyce, qui deviendra la nouvelle Jane pour les films à venir. Le fait est que les deux comédiennes ne se ressemblent pas et n’ont pas la même couleur de cheveux, un détail qui aurait pu facilement être rectifié. Peut-être la blondeur de Joyce est-elle préservée pour bien marquer la rupture et officialiser le nouveau visage de Jane.

C’est Kurt Neumann, futur réalisateur de La Mouche noire, qui passe cette fois-ci à la mise en scène, transcendant le faible budget à sa disposition pour offrir aux spectateurs les visions les plus mémorables possibles. Alors qu’ils traversent un fleuve pour retrouver Jane, enfin de retour de Grande-Bretagne, Tarzan et Boy croisent la route d’Athena, une Amazone, et la sauvent des griffes d’une panthère noire. La jeune chasseresse s’étant blessée à la cheville, notre valeureux homme singe la ramène jusque chez elle, dans la cité interdite et secrète de Palmyria uniquement peuplée de femmes. Après cet écart de route imprévu, le seigneur de la jungle et son fils retrouvent la pimpante Jane, accompagnée par un groupe d’explorateurs. Mais quand ceux-ci découvrent le bracelet en or que Cheeta a discrètement subtilisé à Athena, leurs regards s’allument comme les yeux du loup de Tex Avery. Ils y voient la possibilité de découvrir enfin la cité mythique de Palmyria. Certains sont animés par la soif de découverte, d’autres par l’appât du gain, et tous tentent de convaincre Tarzan de les y emmener. Bien sûr, notre héros reste inflexible. Mais ce ballot de Boy, persuadé qu’il va pouvoir contribuer aux progrès de la science, accepte de leur montrer la voie…

« Le paradis au pays du temps oublié »

Le film passe beaucoup de temps à montrer des batifolages un peu vains dans la jungle, mais dès que nous pénétrons dans le royaume des Amazones, nous basculons dans une autre dimension. De nombreuses peintures sur verre dignes de King Kong visualisent les immenses promontoires rocheux qui abritent la cité interdite, mais aussi ses bâtiments antiques. Le paysage prend alors un caractère ouvertement onirique, permettant à l’aventure de basculer dans une ambiance de péplum mythologique. « Le paradis au pays du temps oublié », s’exclame l’un des explorateurs soudain pris d’un élan lyrique face à ce spectacle inattendu. Il y a d’ailleurs un aspect surnaturel derrière ce monde caché de la civilisation, puisque dès que les explorateurs s’apprêtent à pénétrer les lieux, l’orage gronde et le vent se lève. Les Amazones sont affublées de diadèmes, de jupettes en peaux de bêtes, de sandales, d’arcs et de flèches, fidèles à l’imagerie classique déjà véhiculée à l’époque dans les pages des comics consacrés à Wonder Woman. Leur grande prêtresse, nichée au pied d’une statue monumentale, est incarnée par la vénérable Maria Ouspenskaya, la fameuse gitane qui nous annonçait la malédiction du lycanthrope dans Le Loup-garou d’Universal. De fait, même si l’intrigue reste basique et si le dénouement est expédié en deux coups de cuiller à pot, Tarzan et les Amazones reste sans conteste l’un des épisodes les plus distrayants de la saga inspirée par Edgar Rice Burroughs.

 

© Gilles Penso

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TORSO (1973)

Un tueur psychopathe aux pulsions incontrôlables se met à frapper les jeunes femmes qui gravitent autour d’une université italienne…

TORSO

 

1973 – ITALIE

 

Réalisé par Sergio Martino

 

Avec Suzy Kendall, Tina Aumont, Luc Merenda, John Richardson, Roberto Bisacco, Ernesto Colli, Angela Covello, Carla Brait, Conchita Airoldi, Patrizia Adiutori

 

THEMA TUEURS

Futur réalisateur de séries B fantastiques maladroites mais très distrayantes comme Le Continent des hommes poissons, Alligator, Crime au cimetière étrusque, 2019 après la chute de New York ou Atomic Cyborg, Sergio Martino fait ses débuts de metteur en scène à la fin des années 60 et s’engouffre assez rapidement dans les retombées du succès de L’Oiseau au plumage de cristal de Dario Argento. Il appose ainsi coup sur coup sa signature sur quatre giallos aux titres très imagés : L’Étrange vice de Madame Wardh, La Queue du scorpion, Toutes les couleurs du vice et Ton vice est une chambre close dont moi seul ait la clé. Avec Torso, le ton se durcit. Si le giallo est encore très présent sur les écrans, une certaine lassitude risque tôt ou tard de s’emparer des spectateurs. Le film capitalise alors plus que les autres sur le sexe et la violence, en s’appuyant sur un scénario d’un des fidèles collaborateurs de Martino, le vétéran Ernesto Gastaldi (Le Corps et le fouet, Mon nom est personne, Il était une fois en Amérique). À vrai dire, l’intrigue importe moins ici que les fulgurances de la mise en scène et les passages choc exacerbant à la fois la plastique des comédiennes et la brutalité des assassinats. Tourné majoritairement à Rome, à Pérouse et dans la province de L’Aquila, Torso tire par ailleurs habilement parti de la photogénie de ses décors, qui deviennent presque des personnages à part entière.

Le film commence aux abords de l’Università per Stranieri, à Pérouse, où Jane (Suzy Kendall, vue dans L’Oiseau au plumage de cristal), une étudiante américaine en histoire de l’art, mène une vie insouciante rythmée par les cours et les soirées entre amies. Mais l’atmosphère bascule brutalement lorsqu’un tueur en série commence à frapper le campus, s’attaquant à de jeunes étudiantes qu’il étrangle à l’aide d’une écharpe rouge et noire avant de mutiler leurs corps. Très vite, la peur s’installe. Daniela (Tina Aumont), l’une des amies de Jane, croit reconnaître le fameux foulard aperçu sur une victime, sans parvenir à se souvenir où elle l’a déjà vu, tandis que les soupçons commencent à peser sur Stefano (Roberto Bisacco), un étudiant étrange et obsédé par Daniela. La police piétine et les crimes se multiplient dans l’entourage des jeunes femmes. Sur les conseils de son oncle, Daniela décide de fuir la ville. Avec Jane et leurs amies Carol, Katia et Ursula, elles se réfugient dans une villa isolée à Tagliacozzo, perchée au-dessus d’un village et bordée par une falaise. Là, loin de Pérouse, elles espèrent retrouver un semblant de tranquillité. Mais ce refuge idyllique se transforme bientôt en piège. Car le tueur rôde toujours et semble désormais déterminé à les traquer une à une…

Le rouge et le noir

Martino parvient à faire d’abord naître l’inquiétude non des espaces confinés mais au contraire des grandes places, celles des villes ou des villages. Le tueur s’y cache parmi la foule, et le danger semble pouvoir surgir de partout à la fois. Le cinéaste joue beaucoup sur les gros plans, sur les regards, instillant des sous-entendus et un certain malaise même lorsqu’il ne se passe apparemment rien à l’écran. Car Torso s’intéresse avant tout aux pulsions incontrôlables d’un maniaque sexuel. Le prétexte est idéal pour laisser la caméra se coller au corps dénudé des jeunes actrices avec une insistance voyeuriste assumée, tandis qu’en contre-champ s’expose la concupiscence des hommes revenus à l’état de bêtes. Ici, les femmes se transforment en objets, et c’est justement là que se loge la motivation du tueur. Très marqué par son époque (la musique et les looks hippies), Torso se situe aux confluents de deux genres, s’octroyant quelques écarts presque gothiques (le décor du marécage embrumé) et préfigurant avec son tueur masqué la vogue du slasher. Mais c’est sans doute au cours de son dernier tiers que le film atteint des sommets, lors d’une extraordinaire séquence de suspense où l’action se confine et où s’engage un jeu du chat et de la souris qui doit sans doute beaucoup à Terreur aveugle. On peut reprocher à Torso les nombreux trous dans son scénario, qui oublie complètement l’enquête policière en cours de route, traite un peu par-dessus la jambe le trauma et le mode opératoire de son psychopathe, ou fait surgir d’un chapeau le docteur interprété par Luc Merenda. Il n’en demeure pas moins que le film de Sergio Martino fait date dans l’histoire du cinéma d’horreur, se positionnant presque comme un trait d’union contre-nature entre Dario Argento et Tobe Hooper.

 

© Gilles Penso

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LA LÉGENDE DE ZU (2001)

Tsui Hark réinvente son classique Zu les guerriers de la montagne magique en le truffant d’effets spéciaux numériques et de séquences surréalistes…

SHU SHAN ZHENG ZHUAN

 

2001 – HONG KONG

 

Réalisé par Tsui Hark

 

Avec Ekin Cheng Cecilia Cheung, Louis Koo, Patrick Tam, Kelly Lin, Sammo Hung Kam-Bo, Ziyi Zhang, Jacky Wu, Lan Shun

 

THEMA SORCELLERIE ET MAGIE

Zu, les guerriers de la montagne magique fut l’un des grands succès de Tsui Hark dans les années 80, s’érigeant en œuvre culte et en marqueur important dans l’histoire du cinéma de Hong-Kong. Son grain de folie et sa profusion d’effets visuels sous influence de Star Wars redonnèrent en effet un coup de jeune décisif au wu xia pian, le film de sabre chinois. 18 ans plus tard, alors que les effets spéciaux numériques sont en train de se démocratiser sur tous les continents et font logiquement une entrée fracassante dans l’industrie cinématographique asiatique, Tsui Hark se dit qu’il serait temps de donner un nouveau souffle à Zu en concoctant une sorte de suite/remake boostée aux trucages infographiques. Tigre et Dragon ayant conquis le monde entier, la compagnie Miramax flaire la bonne affaire et décide d’acquérir trois films d’action chinois pour les distribuer comme des blockbusters sur le territoire américain. La Légende de Zu fait partie du deal, aux côtés de Shaolin Soccer et Hero. Mais si les films qui mettent en vedette Stephen Chow et Jet Li sortiront en salles aux États-Unis, La Légende de Zu devra se contenter d’une commercialisation sur le marché vidéo. Ce choix a-t-il été motivé par l’absence de star en tête d’affiche, ou par le caractère trop « folklorique » de l’œuvre ? Toujours est-il que ce nouveau Zu n’aura pas les honneurs des grands écrans américains. Dommage, parce que le spectacle y est ultra-généreux.

Malgré la présence de plusieurs partenaires financiers internationaux et la mise à disposition d’un budget confortable équivalent à environ 12 millions de dollars de l’époque, Tsui Hark semble avoir conservé une grande liberté artistique, ancrant son scénario dans la culture chinoise et reprenant de nombreux éléments déjà présents dans le premier film. Dans les montagnes célestes de Zu, royaume des immortels, nous apprenons que l’équilibre est menacé par Amnesia, un renégat tapi dans la redoutable Caverne du Sang, où il accroît ses pouvoirs pour conquérir le monde. Face à lui, un vénérable sorcier aux longs sourcils blancs mobilise une armée de guerriers capables de voler grâce à leurs épées magiques et de déployer toutes sortes de projectiles énergétiques. Parmi eux, King Sky est marqué par la perte de sa maîtresse, tuée lors d’une attaque du démon Insomnia, incarnation monstrueuse liée aux forces obscures. Rejoignant les rangs des guerriers, il trouve un nouvel espoir en Enigma, jeune femme mystérieuse qui semble porter l’âme réincarnée de sa bien-aimée. Il s’engage donc dans une lutte désespérée pour empêcher Amnesia de devenir invincible et se met en quête d’armes ancestrales capables de détruire le mal à sa source…

Joyeux chaos

Tsui Hark nous offre ici un véritable déluge visuel qui repousse toutes les limites. Dès l’entame, nous voilà happés par de magnifiques tableaux surréalistes, comme les rochers flottants du mont Emei survolés par des nuées d’oiseaux blancs, ou la vision récurrente du visage d’une jeune fille qui se brise lentement en mille morceaux. Puisque nous nageons en pleine heroic-fantasy, le bestiaire fantasmagorique s’en donne à cœur joie : un démon constitué d’une multitude de crânes volants qui forment eux-mêmes un crâne géant en s’assemblant, un gigantesque blob de sang qui s’écoule au-dessus des murailles, des guerriers maléfiques en armure capables de se démultiplier et de déployer des griffes-fouets, une sorcière qui prend l’apparence d’une petite fée aux ailes de papillons pour mieux tromper les belligérants et les posséder… Certaines séquences atteignent un niveau de virtuosité impressionnant, notamment cette attaque où des soldats se désintègrent sous forme d’oiseaux métalliques avant de se recomposer en une fraction de seconde, projetant des lames avec une précision létale. Le film se mue alors en véritable laboratoire d’effets spéciaux numériques, chaque plan semblant saturé de trucages en 3D. Mais cette profusion est à double tranchant. Le montage ultra-rapide, la densité des informations visuelles et la multiplication des actions simultanées rendent parfois l’ensemble difficile à suivre. Les combats aériens, d’une vélocité extrême, frôlent l’abstraction, et les dialogues incessants en pleine bataille n’aident pas vraiment à clarifier un récit déjà bien confus. Tsui Hark en fait sans doute trop, mais comment ne pas saluer l’enthousiasme qui affleure derrière chaque parcelle de ce joyeux chaos ?

 

© Gilles Penso

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