DRACANO (2013)

Une éruption volcanique réveille des dragons qui étaient endormis dans les entrailles de la terre et menacent soudain l’humanité toute entière…

DRACANO / DRAGON APOCALYPSE

 

2013 – USA / CANADA

 

Réalisé par Kevin O’Neill

 

Avec Sorin Nemec, Victoria Pratt, Mia Marcon, Troy Evans, Robert Newman, Gina Holden, Heidi Felek, Dominika Juillet, Benjamin Easterday, Delpanneaux Wills

 

THEMA DRAGONS

Si le Sharknado d’Anthony C. Ferrante, diffusé sur SyFy Channel, avait réussi à générer un culte inespéré avec son concept absurde, pourquoi ne pas tenter de recycler la formule ? Après le mixage improbable d’une tornade avec des requins, voici donc celui d’un volcan avec des dragons. Spécialisé dans les séries B rigolotes (Dinocroc, Dinoshark, L’Attaque de la pom-pom girl géante) après une longue carrière dans les effets visuels, Kevin O’Neill nous raconte donc dans Dracano comment une éruption volcanique réveille d’anciens dragons, prélude d’une réaction en chaine apocalyptique (d’où le titre alternatif du film, Dragon Apocalypse). L’histoire s’articule autour du professeur Simon Lowell (Corin Nemec), un volcanologue qui a mis au point une technologie expérimentale baptisée K.R.O.N.O.S. Son ambition consiste à exploiter l’énergie des volcans en captant et en dispersant celle de leurs chambres magmatiques. Alors qu’il présente ses travaux à l’université, une éruption près du mont Baker vient bouleverser ses projets. Sur place, Petra (Sophie Tilson), une étudiante chargée du déploiement des instruments scientifiques, se retrouve au cœur de la catastrophe. Mais ce ne sont pas des coulées de lave ordinaires qui jaillissent du cratère : des sortes de cocons abritant des dragons émergent des profondeurs. L’une des créatures éclot et dévore la jeune femme, donnant le coup d’envoi d’une invasion qui menace rapidement de dépasser les capacités de réaction des autorités.

Sur une idée aussi farfelue, on aurait pu imaginer un traitement comique ou du moins semi-parodique. Or Dracano préfère prendre son postulat au sérieux, avec un premier degré presque désarmant. Les explications scientifiques extravagantes se succèdent ainsi pour justifier l’existence de ces monstres : les dragons vivraient au cœur de la Terre, dans un environnement de magma, avant de se transformer au contact de l’air. Leur peau se durcirait alors, leur permettant de survivre à la surface et de se lancer à la recherche de proies humaines. Une reine, particulièrement dangereuse, serait même sur le point d’émerger, faisant planer la menace d’une potentielle extinction de l’espèce humaine. À cette couche de pseudo-science s’ajoute une pincée de complotisme, puisque le gouvernement fait tout pour dissimuler l’existence des créatures et étouffer l’affaire. Le scénario va jusqu’à réinterpréter à sa sauce certains événements historiques réels. L’éruption du mont Saint Helens aurait déjà été liée à l’apparition de dragons, tandis que l’histoire des extraterrestres de la zone 51 ne serait qu’un écran de fumée destiné à masquer leur existence.

Voyage au centre du cratère

Alors que le spectateur espère voir des attaques de dragons, des destructions urbaines et des scènes de panique, le film préfère s’attarder longuement sur les relations familiales et sentimentales de ses personnages, ce qui coûte évidemment moins cher en effets spéciaux. Le deuil de Lowell, ses rapports compliqués avec sa gamine adolescente, les sentiments qu’il éprouve pour sa collègue Carla (Victoria Pratt) ou encore les réticences de sa fille (Mia Marcon) face à cette relation occupent une place considérable. À cela s’ajoute une intrigue journalistique sans grand intérêt autour de Paige Summers (Heidi Fielek), présentatrice ambitieuse accompagnée de son assistant Brayden (Dominika Juillet), passionné de théories du complot. L’action étant principalement confinée dans un huis-clos militarisé, Aliens nous vient assez rapidement à l’esprit. Les monstres surgissent ainsi régulièrement dans les coursives, avec une efficacité certaine mais répétitive à la longue. Compte tenu des moyens limités, les dragons numériques peinent à nous convaincre, même si le résultat n’est pas aussi catastrophique qu’on pourrait le craindre. Les créatures restent suffisamment lisibles pour que le spectateur comprenne ce qui se déroule à l’écran, et quelques attaques possèdent une efficacité visuelle indéniable. Le film souffre surtout de la parcimonie avec laquelle il utilise ses monstres : pendant une bonne partie de sa durée, les bébêtes se font attendre, réduites à de brèves apparitions qui entretiennent difficilement l’excitation.

© Gilles Penso

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ROBOTICA (2026)

Une femme robot conçue pour assouvir les plaisirs masculins décide de s’émanciper et d’assouvir sa vengeance sur ceux qui l’ont maltraitée…

ROBOTICA

 

2026 – USA

 

Réalisé par Charles Band

 

Avec Ian Kramer, Jordan Allen Bell, Lilly Bell, Xander Bailey, Steve Crawford, Nicky Cutler, Matthan Harris, Emma Massalone, Michael Silberblatt, Joe Sterrey

 

THEMA ROBOTS I SAGA CHARLES BAND

À 74 ans, Charles Band n’a pas l’intention de prendre sa retraite. Toujours aussi actif comme producteur et réalisateur, le fondateur de Full Moon Features continue inlassablement d’alimenter son univers de séries B fantastiques et horrifiques. Pour élaborer son programme 2026, il décide de solliciter directement son public, bien conscient que les fans de son univers décalé restent ses meilleurs atouts. Quatorze projets sont ainsi soumis au vote de sa « communauté », invités à sélectionner les dix films qu’ils souhaitent voir produits. Parmi les propositions figurent notamment le film de loups-garous Models vs. Werewolves, le slasher The Grim Rapper et la comédie de science-fiction Robotica, que Band choisit de mettre en scène lui-même. Pour incarner l’androïde au cœur du récit, Band retrouve Lilly Bell, déjà à l’affiche de Prompt. Spécialisée dans le cinéma pour adultes, l’actrice n’a aucun problème avec la nudité intégrale, un atout de poids pour pouvoir incarner un personnage conçu comme une poupée sexuelle artificielle. Organisée à Cleveland, dans l’Ohio, la production respecte les grands principes de la méthode Full Moon. Le tournage est donc bouclé en quatre jours seulement, entre le 22 et le 26 avril 2026, un planning record rendu possible grâce au nombre restreints de décors et de personnages.

Jeff (Ian Kramer) est un jeune musicien qui peine à joindre les deux bouts et à payer sa part du loyer de l’appartement qu’il partage avec son cousin. Contraint de multiplier les petits boulots, il finit par décrocher un poste de gardien de nuit chez Pleasure Robotics, une société spécialisée dans la fabrication de robots sexuels hyperréalistes. Mais dès sa première nuit de service, il découvre que Billy (Jordan Allen Bell), son collègue, est un lourdaud lubrique qui organise clandestinement des tournantes avec les robots pour arrondir ses fins de mois. S’il accepte de fermer les yeux sur cette activité illégale, Jeff pourra lui aussi empocher un petit supplément chaque soir. Moralement, c’est évidemment très discutable. Mais notre musicien en herbe ne crache pas sur quelques billets supplémentaires. Quatre hommes, tous plus pervers et désaxés les uns que les autres, ne tardent donc pas à débarquer pour assouvir leurs fantasmes avec la sculpturale Robotica (Lilly Bell). Mais à force d’être maltraitée et humiliée, celle-ci finit par se rebeller. Oubliant son rôle de jolie poupée soumise, elle entreprend de prendre une sanglante revanche…

Vengeance artificielle

Conçue par le réalisateur Danny Draven (Weedjies, Dark Walker, Models vs. Werewolves), la séquence qui sert de générique à Robotica est visuellement très ambitieuse, puisqu’elle décrit la chaîne de fabrication des androïdes de Pleasure Robotics, mais trahit bien vite l’usage intensif d’effets visuels à base d’I.A. générative. Fort heureusement, ces travers n’encombrent que l’entame du film. La suite du métrage s’appuie en effet principalement sur la prestation d’acteurs plutôt convaincants. Si Jordan Allen Bell force un peu trop le trait sous la défroque du sale type hilare, Ian Kramer est très juste dans le registre du candide dépassé par les événements. Mais la véritable attraction du film est bien sûr Lilly Bell, qui s’exhibe sans pudeur dès les premières séquences mais démontre surtout une remarquable tessiture de jeu, passant en un éclair de la séduction introvertie à la froideur terrifiante. Plus féministe qu’on aurait pu l’imaginer, Robotica dénonce ouvertement les violences faites aux femmes pour mieux y répondre dans un bain de sang, en une variante robotique de I Spit on your Grave (référence assumée de Charles Band). Tandis que les machos, les pédophiles et les sadiques du film fondent soudain en larmes face à cette femme artificielle qui s’émancipe avec violence, Band ne recule devant aucune scène outrancière, y compris un viol avec un énorme objet métallique ou un pénis arraché à mains nues ! Le maquilleur Greg Lightner (Baby Oopsie, Puppet Master : Doktor Death, The Resonator : Miskatonic U, Demonic Toys : Jack-Attack) s’en donne donc à cœur joie. Très récréatif, Robotica offre quelques clins d’œil aux fans hardcore des productions Full Moon (on y cite le nom Stackpool, issu du Cerveau de la famille) et se clôt sur une chute délicieusement ironique.

 

© Gilles Penso

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LES RESCAPÉS DU FUTUR (1976)

Cette suite de Mondwest raconte la réouverture du parc d’attractions futuriste et un complot lié au remplacement d’hommes influents par des robots…

FUTUREWORLD

 

1976 – USA

 

Réalisé par Richard T. Heffron

 

Avec Peter Fonda, Blythe Danner, Arthur Hill, Yul Brynner, John P. Ryan, Stuart Margolin, Allen Ludden, Robert Cornthwaite, Angela Greene, Darrell Larson

 

THEMA ROBOTS

Motivée par le succès de Mondwest, cette suite reprend le chemin de Delos, mais sans son principal architecte. Michael Crichton ne participe en effet ni à l’écriture ni à la réalisation. Mis en scène par Richard T. Heffron, cinéaste davantage habitué à la télévision qu’aux grandes productions de cinéma, ce deuxième volet reprend les ingrédients de son prédécesseur. Après la catastrophe de Mondwest, le groupe Delos tente de restaurer son image. L’entreprise annonce la réouverture de ses installations sous une nouvelle direction et organise une visite privée à destination de journalistes et de personnalités politiques internationales. Parmi les invités figurent deux reporters aux tempéraments opposés, Chuck Browning (Peter Fonda) et Tracy Ballard (Blythe Danner). Leur passé professionnel est marqué par quelques tensions, Browning ayant autrefois licencié sa consœur. L’intrigue s’amorce vraiment lorsqu’un ancien employé de Delos, qui semblait détenir des renseignements compromettants sur les nouvelles installations, est assassiné avant d’avoir pu révéler tous ses secrets. Il parvient néanmoins à transmettre une enveloppe à Browning. Intrigués par cette mort suspecte, les deux reporters décident de mener leur propre enquête au sein de Futureworld. Ils découvrent progressivement que la réouverture du parc dissimule un projet autrement plus inquiétant que la simple commercialisation de nouvelles attractions : Delos travaille à la création d’androïdes capables de reproduire parfaitement les êtres humains, avec l’ambition de substituer des doubles artificiels à des personnalités influentes, notamment des dirigeants politiques.

Le film s’inscrit ainsi dans une tradition de science-fiction paranoïaque particulièrement représentative de l’Amérique des années 1970, dans le contexte de l’après-Watergate, de la défiance envers les institutions et des révélations sur les manipulations gouvernementales. L’idée rappelle Les Femmes de Stepford, l’adaptation du roman d’Ira Levin. Mais cette piste prometteuse est exploitée avec une application beaucoup trop mécanique. Car le scénario reprend les codes du thriller conspirationniste sans parvenir à leur insuffler une véritable originalité. L’ensemble manque de subtilité et surtout de tension. Contrairement à son prédécesseur, qui faisait de son parc une véritable métaphore des rapports de domination entre l’homme et la machine, Les Rescapés du futur se contente souvent d’exposer son intrigue sans véritablement l’approfondir. Cette faiblesse se ressent particulièrement dans le rythme global. Une grande partie du métrage est consacrée aux déplacements des journalistes, aux discussions avec les responsables du complexe et à leurs investigations successives. Le dynamisme en prend pour son grade. C’est évidemment le retour de Yul Brynner qui constitue l’un des principaux arguments commerciaux de cette suite. L’ex-star des Sept mercenaires, qui avait tant marqué les esprits dans Mondwest, n’apparaît toutefois que très brièvement, essentiellement au cours d’une séquence onirique. Sa présence relève davantage du clin d’œil nostalgique que d’une véritable nécessité scénaristique. Les Rescapés du futur sera d’ailleurs son dernier film avant sa mort, le 10 octobre 1985, à l’âge de 65 ans.

Les adieux de Yul Brynner

Là où le film se distingue davantage, c’est dans son environnement visuel. Le tournage au Manned Space Center de la NASA, à Houston, permet à Richard T. Heffron de profiter d’installations technologiques authentiques, donnant au complexe de Delos une apparence futuriste convaincante. Les décors, les laboratoires et les équipements informatiques contribuent à installer une atmosphère de science-fiction relativement crédible. Certaines séquences bénéficient également d’éléments de décors recyclant ceux de de L’Âge de cristal. Notons au passage que Les Rescapés du futur occupe une place importante dans l’histoire des effets spéciaux numériques. Vers le milieu du film, un technicien observe sur un écran une représentation filaire en trois dimensions d’une main humaine. Cette brève séquence, presque anecdotique dans le déroulement de l’intrigue, met en scène la première apparition d’une image de synthèse 3D dans un long métrage de cinéma. Cette animation avant-gardiste est réalisée par Ed Catmull, futur cofondateur de Pixar. Le film propose également une séquence d’échecs holographiques insolite, dans laquelle des pièces semblent s’affronter de manière autonome. Cette idée n’est pas sans rappeler le célèbre Dejarik de La Guerre des étoiles, dont George Lucas avait initialement envisagé une réalisation similaire avant de privilégier des créatures animées en stop motion. Ces trouvailles visuelles contrastent avec la relative pauvreté de l’écriture. Car Les Rescapés du futur donne parfois l’impression d’un film de série B bénéficiant d’un budget de production supérieur à ses véritables ambitions.

 

© Gilles Penso

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SPLINTER (2008)

Piégés dans une station-service isolée, un jeune couple et des fugitifs en cavale affrontent un redoutable monstre parasite…

SPLINTER

2008 – USA

Réalisé par Toby Wilkins

Avec Shea Whigham, Paulo Costanzo, Jill Wagner, Charles Barker, Rachel Kerbs, Laurel Whitsett

THEMA MUTANTS

À mi-chemin entre le film de siège, le survival et le cinéma de monstres à l’ancienne, Splinter fait le pari d’une intrigue réduite à son strict nécessaire : quelques personnages isolés dans une station-service, une menace particulièrement agressive et une succession de situations cauchemardesques. Un programme sans grande prétention, certes, mais redoutablement efficace dès qu’il s’agit de provoquer la tension, le dégoût et les frissons. L’histoire prend place dans les immensités désertiques du Texas. Seth et sa petite amie Polly entreprennent un séjour en amoureux qui commence sous de mauvais auspices. Incapable de monter correctement leur tente, le jeune homme compromet rapidement leur escapade. Leur retour sur la route les place bientôt sur la trajectoire de Dennis et Lacey, un couple de fugitifs en route vers le Mexique. Après avoir pris en otage les deux automobilistes, les fugitifs poursuivent leur chemin avec eux. Mais une rencontre avec un animal mort, dont le corps est recouvert d’étranges excroissances épineuses, marque le point de non-retour. Les quatre protagonistes finissent par trouver refuge dans une station-service apparemment abandonnée. Ils y découvrent bientôt le cadavre de l’employé, défiguré par la même prolifération organique. Car à l’extérieur rôde une créature dont le fonctionnement échappe à toute logique humaine : un parasite capable d’investir les organismes vivants et de transformer leurs corps en amas de pointes meurtrières.

Le dispositif rappelle évidemment les grands classiques du cinéma de siège, mais aussi certaines figures incontournables du fantastique des années 1980. L’ombre de The Thing plane notamment sur le film, tant dans le principe de la contamination que dans les transformations corporelles et la paranoïa qu’elles suscitent. On pense également à Tremors pour la menace biologique, ou encore à Feast pour cette confrontation entre un groupe de personnages disparates et une invasion monstrueuse. Les origines du parasite restent volontairement floues, une vague allusion à des expériences liées à l’industrie pétrochimique constituant l’essentiel des pistes avancées. Ce choix peut frustrer les spectateurs avides d’explications, mais participe aussi à l’efficacité du récit. Ici, comprendre la nature exacte du phénomène importe moins que d’en mesurer les conséquences immédiates. Les personnages ne brillent pas non plus par leur profondeur psychologique. Seth incarne le scientifique cérébral, d’abord maladroit avant de révéler ses ressources. Polly, elle, fait montre d’une forte détermination qui compense les hésitations de son compagnon. Dennis représente de son côté la brutalité du fugitif acculé, tandis que Lacey, visiblement diminuée et en manque, constitue un élément supplémentaire d’instabilité.

Maquillages, prothèses et marionnettes

C’est surtout sur le terrain des effets spéciaux que Splinter marque des points. Le parasite possède une identité visuelle immédiatement reconnaissable. Ses victimes ne se contentent pas de changer d’apparence : leurs corps semblent détournés de leur fonction naturelle, animés par une volonté étrangère qui les transforme en instruments de destruction. Toby Wilkins choisit de recourir aux effets pratiques pour donner vie à la créature. Les maquillages, les prothèses et les marionnettes animatroniques occupent ainsi le devant de la scène. Tourné en seulement vingt jours, le film témoigne d’une indéniable ingéniosité dans l’exploitation de ses moyens limités. Les imperfections techniques sont habilement dissimulées par le montage, les cadrages serrés, les éclairages et un travail sonore particulièrement efficace. Le film assume également une belle générosité dans le registre sanglant. Les corps sont malmenés et certaines séquences de mutilation témoignent d’une réjouissante absence de retenue. Programmé dans plusieurs festivals, notamment à Sitges et à Gérardmer, Splinter a progressivement acquis une petite réputation auprès des amateurs de cinéma fantastique. Sa sortie américaine, limitée à quelques salles à l’approche d’Halloween 2008, ne lui a toutefois pas permis de bénéficier d’une véritable exposition commerciale. En Europe, il aura principalement circulé sur support vidéo, avant de sombrer dans un semi-oubli pas forcément justifié. Après Splinter, Toby Wilkins poursuivra son parcours dans le cinéma de genre, notamment avec The Grudge 3, avant de s’orienter davantage vers la télévision.

© Gilles Penso

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CRAWLERS (2026)

Des araignées extrêmement venimeuses et exagérément agressives envahissent par milliers un vieil immeuble de Los Angeles…

CRAWLERS

2026 – USA / GB / ESPAGNE

Réalisé par Angel Gomez Hernandez

Avec Matilda Lutz, Gary Anthony Stennette, Elena Sanz, Andrea Scott Mendez, Isabella Egizi, Sam Lucas Smith, Gregg Sulkin, Melina Matthews, William Miller

THEMA ARAIGNÉES

Les araignées agressives étant revenues massivement sur les écrans depuis le début des années 2020 (Sting, Spiders on a Plane, Spider in the Attic, Spider Island), on ne voyait pas bien quelle pierre Crawlers allait pouvoir apporter à cet édifice grouillant, d’autant que son concept est à priori très proche de celui de Vermines. Mais lorsqu’il découvre le scénario de Jayson Rothwell (Bloody Christmas), le réalisateur espagnol Angel Gomez Hernandez se laisse séduire par son fort potentiel à la fois horrifiant et récréatif. « Dans mes deux films précédents, N’écoute pas et El Hombre Del Saco, j’avais développé une horreur plus surnaturelle », explique-t-il. « J’étais très curieux d’essayer quelque chose de plus direct, de plus tangible. Et c’est sans doute la principale raison qui m’a poussé à accepter. » (1) Le cinéaste veut en profiter pour tenter un exercice d’équilibre entre l’épouvante viscérale et la comédie burlesque, en tirant parti de toutes les situations permettant de créer ce grand écart. « Mon intention était justement d’intégrer quelques moments un peu loufoques, parce que j’adore ce genre d’humour à la Joe Dante ou à la Sam Raimi, où l’on a peur et où l’on rit en même temps », reprend-il. « C’est ce mélange de sensations que je voulais obtenir. » (2) Pour pouvoir pousser très loin les exactions de ses monstres à huit pattes, Angel Gomez Hernandez doit renoncer à la possibilité d’avoir de véritables araignées sur son plateau. Il s’agira donc soit de créatures en images de synthèse, soit d’arachnides filmés sur fond bleu et incrustés dans les prises de vues, soit d’un mélange des deux.

Le texte qui s’affiche en début de métrage nous fait explicitement comprendre que le réalisateur a décidé de jouer avec nos nerfs. « Pour chaque être humain, il y a trois millions d’araignées », lit-on. « Elles sont dans 100% de nos maisons. On n’est jamais à plus d’un mètre d’une d’entre elles. Si les araignées décidaient de manger les humains, nous serions tous morts en un an. Pas de panique mais… il y a sûrement une araignée sous votre chaise. » Belle mise en condition. L’héroïne de Crawlers, Serena, est incarnée par Matilda Lutz, que les fantasticophiles ont déjà pu apprécier dans Revenge, A Classic Horror Story, Coupez ! ou Red Sonja. Gérante d’un vieil immeuble décrépit, surchauffé et mal entretenu, le Paradiso Palms, elle subit quotidiennement les brimades d’un propriétaire odieux et les réclamations de locataires excédés par le mauvais état de leur logement. Un jour, l’un d’entre eux revient de Nouvelle-Guinée avec une très vilaine blessure sur l’épaule et un teint cireux. Mourant, il s’écroule dans son appartement, tandis que de sa plaie suintante s’échappent des centaines de bébés araignées. Extrêmement venimeuse et anormalement agressives, les petites bêtes se propagent partout à l’insu de tous et se mettre à croître et à se multiplier de manière alarmante. Le temps que le corps de George soit analysé par les médecins légistes, les autorités décident de mettre l’immeuble sous quarantaine. Ses occupants deviennent donc les proies idéales des arthropodes qui se tapissent dans l’ombre…

Ça grouille !

Angel Gomez Hernandez n’a pas son pareil pour hérisser les poils de ses spectateurs et jouer la carte de la répulsion, surpassant allègrement tous ses prédécesseurs en la matière. Car les araignées s’immiscent partout : dans les placards, les toilettes, les chaussures, les paquets de chips, les berceaux, les lits… Le spectateur ayant toujours un coup d’avance sur les protagonistes, le suspense fonctionne à plein régime. Avec comme point d’orgue la scène qui sert de support au poster du film : celle de la femme endormie qui manque à chaque seconde de gober une bestiole qui descend lentement le long de son fil. D’autres moments forts ponctuent Crawlers, notamment les séquences d’attaque dans l’ascenseur, la salle de bains ou la chambre du bébé. Assorties d’effets sonores stressants à souhaits, les araignées sont de très belles réussites techniques, bien plus réalistes et repoussantes que celles de Spider Island qui concourt dans une catégorie voisine. Angel Gomez Hernandez ne recule pas sur une poignée d’effets gore excessifs, comme lorsqu’une des araignées entre dans la bouche d’une de ses victimes et ressort par son orbite en expulsant son œil en gros plan ! Le dernier acte force sans doute trop sur notre suspension d’incrédulité et perd un peu de son mordant, mais Crawlers reste un excellent popcorn movie horrifique, décuplant l’impact d’un Arachnophobie ou d’un Arac Attack en assumant parfaitement son héritage cinéphilique. D’où l’extrait de Tarantula qui passe à la télévision tandis que Matilda Lutz côtoie sans le savoir plusieurs bêtes grouillantes.

(1) et (2) Extraits d’une interview publiée dans Following Films en octobre 2026.

© Gilles Penso

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HER PRIVATE HELL (2026)

Dix ans après The Neon Demon, le réalisateur de Drive nous plonge dans un monde futuriste somptueux mais passablement confus…

HER PRIVATE HELL

 

2026 – DANEMARK / GB / USA

 

Réalisé par Nicolas Winding Refn

 

Avec Sophie Thatcher, Charles Melton, Havana Rose Liu, Kristine Froseth, Shioli Kutsuna, Aoi Yamada, Dougray Scott, Diego Calva, Hidetoshi Nishjima

 

THEMA FUTUR

Dix ans séparent Her Private Hell de The Neon Demon, le précédent long-métrage de Nicolas Winding Refn. Entretemps, le réalisateur de Drive s’est concentré sur deux mini-séries, Too Old to Die Young destinée à Amazon Prime Video et Copenhagen Cowboy à Netflix. Pour son onzième film, le cinéaste danois se laisse guider par deux idées à priori sans lien qui germent simultanément dans son esprit. L’une est liée à une jeune femme qui débarque dans une ville imaginaire, l’autre à un homme prêt à descendre en enfer pour sauver sa fille. C’est en combinant ces amorces d’histoires qu’il concocte le scénario de Her Private Hell. S’il ne s’agit en aucun cas d’un remake du film homonyme réalisé par Norman J. Warren en 1968, Refn est conscient de cet antécédent cinématographique avec lequel il partage quelques éléments, notamment un univers sulfureux, des personnages ambigus et une frontière floue entre la fascination et la répulsion. Jusqu’alors spécialisé dans l’écriture de séries TV, Esti Giordani co-écrit le script du film avec NWR, mais ce scénario n’est pas gravé dans le marbre et change sans cesse pendant les prises de vues. La fin est même radicalement modifiée en cours de route, sans que les acteurs et l’équipe n’en soient informés jusqu’au dernier moment. Projet résolument atypique, Her Private Hell est tourné à Copenhague pendant 57 jours consécutifs et met en vedette Sophie Thatcher, nouvelle égérie du cinéma de genre après ses prestations très remarquées dans Le Croque-mitaine, Heretic et surtout Companion.

Nous sommes dans une ville futuriste inquiétante, où se hérissent des buildings sombres enveloppés d’une brume mystérieuse. Sophie Thatcher incarne Elle, une actrice qui se prépare à jouer dans un film que dirige son père, l’inquiétant Johnny Thunders (Dougray Scott). Alors qu’elle rentre chez elle, dans le luxueux Tower Hotel, elle croise sa future partenaire à l’écran, la joviale et pétillante Hunter (Kristine Froseth). Cynique et désabusée, Elle entretient une relation tendue avec Dominique (Havana Rose Liu), une ancienne amie devenue sa belle-mère. Alors que les deux actrices participent à une séance d’essayage avec deux couturières très bizarres (Shioli Kutsuna et Aoi Yamada) et s’apprêtent à tourner les premières scènes du film, la légende du « Leatherman » commence à alimenter les conversations. Il s’agirait d’un être diabolique vêtu de cuir et se dissimulant dans la brume, prêt à assassiner les jeunes femmes qui passent à sa portée. Parallèlement, des flash-backs nous présentent le soldat K (Charles Melton), un G.I. stationné au Japon qui est prêt à tout pour retrouver sa fille disparue, y compris se frotter à de dangereux yakuzas. Toutes les pièces de ce puzzle narratif étrange finissent par se rassembler peu à peu…

Une jolie coquille vide

Fidèle à ses obsessions esthétiques, Winding Refn nous happe dès les premières secondes par la plastique irréprochable de son film. Les panoramas futuristes sont splendides, tandis que les décors, les costumes et les maquillages rivalisent de beauté. À l’avenant, le légendaire compositeur Pino Donaggio signe une partition ensorcelante, hitchcockienne en diable, qui nous rappelle ses grandes heures aux côtés de Brian De Palma. Mais un collage de belles images et de belles musiques suffit-il à faire un bon film ? Hélas, non. Le monde froid et aseptisé que nous livre NWR semble tout droit échappé d’un spot publicitaire pour parfum, où les femmes sont séduisantes et sophistiquées, et les hommes ténébreux et sexy. Cette jolie coquille finit par nous sembler bien vide, d’autant que le récit confus dans lequel nous plonge Her Private Hell part dans tous les sens sans parvenir à nous captiver. C’est d’autant plus dommage que parfois, en de rares instants, Refn nous laisse entrevoir des séquences au potentiel dramatique fort, comme ce meurtre aperçu derrière les vitres d’un immeuble lointain (quelque part à mi-chemin entre Fenêtre sur cour et Suspiria), ou cette mise en abime vertigineuse où deux films de science-fiction s’imbriquent l’un dans l’autre. Là où David Lynch savait cultiver l’étrangeté et l’opacité en retrouvant miraculeusement la tessiture des rêves, son confrère danois se casse les dents. Car l’exercice finit par nous sembler vain, voire prétentieux. Her Private Hell ressemble au fantôme du grand film qu’il aurait pu être. Mais il n’en a que l’apparence, pas l’âme.

 

© Gilles Penso

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WELCOME HOME BABY (2025)

Une jeune femme qui travaille pour les urgences de Berlin apprend qu’elle vient d’hériter d’une maison en Autriche, où se logent d’inavouables secrets…

WELCOME HOME BABY

 

2025 – ALLEMAGNE / AUTRICHE

 

Réalisé par Andreas Prochaska

 

Avec Julia Frank Richter, Reinout Scholten van Achat, Gerti Drassl, Beatrix Brunschko, Carmen Gratl, Maria Hofstätter, Gerhard Liebmann, Inge Maux

 

THEMA ENFANTS

Andreas Prochaska est une figure importante du cinéma et de la télévision germanophones. Après des débuts comme monteur, notamment pour Michael Haneke (Funny Games, Code inconnu), il passe lui-même à la réalisation avec un bel éclectisme, enchaînant les thrillers horrifiques (Trois jours à vivre et sa suite), les westerns sombres (The Dark Valley) et les drames (The Flood). Très actif pour le petit écran, il multiplie aussi les téléfilms et les séries TV, notamment la première saison de Das Boot (la suite du classique de Wolfgang Petersen) et l’adaptation télévisée des films d’espionnage consacrés à Alex Rider. Avec Welcome Home Baby, il revient au cinéma et aux atmosphères inquiétantes qui lui sont chères, confrontant comme souvent ses protagonistes à des secrets intimes et des tourments psychologiques. Et dès l’entame, il nous met dans l’ambiance. Des images abstraites, organiques et indéterminées occupent tout l’écran, sur une musique expérimentale stressante de Karwan Marouf. Une forêt apparaît, filmée à l’envers, jusqu’à ce que la caméra remette les images d’aplomb et isole une silhouette féminine. Retour au calme et à l’apaisement ? Pas vraiment. Car ce personnage s’immole soudain et se transforme en torche humaine. D’abord incompréhensible et manifestement déconnectée du reste de l’intrigue, cette entrée en matière restera durablement dans un coin de la tête des spectateurs, aussitôt conditionnés au malaise et à l’inconfort.

Lorsque le film commence, nous sommes en présence de Judith (Julia Frank Richter), médecin urgentiste qui vit à Berlin avec son époux photographe Ryan (Reinout Scholten van Achat). Taciturne, taiseuse, peu encline à montrer ses sentiments, c’est une enfant adoptée qui n’a jamais connu ses parents. D’où la carapace émotionnelle dans laquelle elle s’est enfermée. Lorsqu’elle apprend que son père biologique vient de mourir et lui a légué sa grande maison autrichienne, elle accueille la nouvelle avec la neutralité qui la caractérise. Son but : se rendre sur place avec Ryan, vendre ce bien au plus vite et rentrer rapidement à Berlin. Bien sûr, rien ne va se passer comme prévu. Sur place, elle est accueillie par « Tante Paula » (Gerti Drassl), qui dit la connaître depuis qu’elle est toute petite et affirme que son père aurait voulu que la maison reste dans la famille. « Il aurait dû s’occuper de sa fille, alors », répond-elle avec sa froideur habituelle. Face au luxe des lieux, Judith peine à comprendre pourquoi ses parents l’ont abandonnée. Si l’argent n’était pas un problème, alors quelle était la raison ? C’est alors qu’elle apprend que sa mère biologique est morte il y a longtemps dans des conditions mystérieuses…

La solitaire

Andreas Prochaska prend le pari osé de nous attacher à une protagoniste peu encline à la sympathie. Même lorsqu’elle aide une jeune femme à accoucher dans le couloir de son immeuble ou qu’elle apprend la mort de son géniteur, ses traits restent impassibles. Mais il ne nous faut pas longtemps pour comprendre que cette apparente apathie est un instinct de protection. Du reste, le cinéaste nous annonce très vite la couleur en montrant dans l’appartement de Judith une photo d’Alain Delon dans Le Samouraï de Jean-Pierre Melville. Nul doute qu’elle se reconnaît dans ce héros solitaire et ténébreux. Manifestement sous influence de la culture française, le réalisateur utilise trois fois – y compris dans son générique de fin – une reprise très mélancolique du standard « Et si tu n’existais pas » de Joe Dassin, réinterprété par Camelia Jordana. Mais l’inspiration majeure de Welcome Home Baby semble être Rosemary’s Baby, les deux films finissant quasiment par se tutoyer au moment du climax. Ici aussi, la menace semble affable, souriante et bienveillante, tandis que le « Baby » du titre prend un double sens. Virtuose sans être ostensible, la mise en scène de Prochaska nous donne sans cesse l’impression que quelqu’un observe Judith, même dans les moments d’intimité. La caméra se réfugie alors furtivement vers les zones sombres et s’y attarde, tandis que la musique devient pesante. Des images subliminales finissent par s’inviter dans le sommeil tourmenté de notre héroïne, jusqu’à ce qu’elle soit frappée d’absences et de black-outs de plus en plus fréquents. Tout converge vers un décor dantesque digne autant de La Secte que de 28 ans plus tard : des catacombes secrètes où des milliers de crânes empilés constituent un véritable mur macabre, point d’orgue d’un film ne livrant pas toutes ses clés mais laissant durablement son empreinte chez les spectateurs.

 

© Gilles Penso

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DIGGER (2026)

Un magnat du pétrole se retrouve à l’origine d’une crise écologique sans précédent et tente de retourner la situation à son avantage…

DIGGER

 

2026 – USA

 

Réalisé par Alejandro G. Inàrritu

 

Avec Tom Cruise, John Goodman, Riz Ahmed, Sandra Hüller, Jesse Plemons, Michael Stuhlbarg, Emma d’Arcy

 

THEMA POLITIQUE FICTION

Annoncé en grandes pompes comme l’un des évènements cinématographiques de 2026, Digger s’est malheureusement avéré être l’un des plus gros échecs commerciaux de récente mémoire et, accessoirement, il s’agit de la dernière production Warner avant le rachat du studio par Paramount Skydance. Un double enterrement à 120 millions de dollars de budget pour des recettes mondiales plafonnant à 50. Un coup dur également pour Tom Cruise, également producteur, grimé à l’écran pour un rôle susceptible de lui rapporter enfin l’Oscar dont il rêve sûrement encore en secret, même s’il essaie de se/nous convaincre depuis au moins 15 ans qu’il œuvre avant tout pour livrer aux spectateurs une expérience communale. Et puis, il s’agit aussi d’une belle déconvenue pour l’auteur-réalisateur Alejandro G. Inàrritu, gagnant deux années successives de l’Oscar du meilleur réalisateur pour The Revenant et Birdman. Pourquoi un tel échec ? Quoi que l’on pense du film, Digger possède au moins la grande qualité de surprendre, quitte même à décontenancer. La bande-annonce présentait une comédie satirique dans la veine de Docteur Folamour, agrémenté d’un surjeu loufoque évoquant certains films des frères Coen. Et ce film-là, très satirique, est plutôt réussi : Tom Cruise n’est pas complètement méconnaissable mais il parvient à disparaître derrière le maquillage de son personnage. Idem pour John Goodman, qui incarne un président américain tristement crédible. Inarritu tient son film sur le fil du rasoir, entre satire politique et comédie décalée.

Une approche payante, soutenue par des décors théâtraux cadrés en grand angle par Emmanuel Lubezki, chef-opérateur prestigieux et virtuose (Sleepy Hollow, Le Nouveau Monde, Tree of Life, Gravity, Children of Men et déjà The Revenant et Birdman pour Inarritu) et compatriote mexicain du réalisateur. Même si un plan-séquence de presque 10 minutes attirera tous les regards, la photo se met parfaitement au service de son sujet : en cadrant objectivement et en éclairant chaque recoin du décor, Lubezki ne met pas seulement en avant la brillance et la définition du format VistaVision 70mm, il place aussi le spectateur dans la position… du spectateur justement. Une formule absurde à priori, mais qui nécessite d’avoir vu le film pour trouver son sens. Car lorsqu’après un tiers de projection, Inarritu fait bifurquer son histoire et son sujet, la lumière et le ton changent ; et les acteurs délaissent leur énergie excentrique pour revenir à une sobriété dramatique classique. Preuve que les choix artistiques proposés ne devaient absolument rien au hasard. Il n’est en général pas si difficile de parler d’un film sans en dévoiler les rebondissements. Digger opère néanmoins une forme de prise d’otage du chroniqueur et du critique, car il ne s’agit pas ici d’une œuvre réservant des surprises : la surprise EST le film et sa véritable nature nous a été cachée durant toute la promotion. Ben Affleck a ainsi déclaré que son échec en salles allait encourager les studios à miser sur des produits plus calibrés. Ce qui est vrai dans l’absolu, mais ce serait ériger l’originalité en unique critère de qualité, et le film d’Inàrritu est loin d’être aussi exigeant qu’il ne s’en donne l’air. La satire fonctionne à plein lorsque le fond reste signifié par la forme : la dimension démiurgique de Digger (Tom Cruise) est ainsi illustrée dans son rapport à ses subordonnés, jusqu’à ce vétérinaire dont il exige des miracles pour garder en vie son chat de… 38 ans. Mais dans la scène suivante, il ne cille pas d’un œil lorsqu’on lui annonce le décès de nombreux ouvriers des suites d’une explosion d’une de ses stations de forage, décidant simplement de régler la situation en offrant de couvrir les frais des obsèques pour les familles.

Creuser sa propre tombe

Malheureusement, Inàrritu semble craindre que le public ne passe à côté de ce qu’il a à dire et bifurque alors vers ce que nous qualifierons évasivement de « seconde couche de l’histoire », dans laquelle la satire s’évapore et le discours devient pesamment littéral, recourant à plusieurs monologues venant relier tous les points dispersés çà et là à l’écran. Inàrritu a toujours mis en scène des personnages traversant des crises existentielles, ancrés dans un certain quotidien. Avec Digger, il utilise les personnages pour servir son propos : il aborde des questions sociétales (et rien moins que l’avenir du monde) sur un ton décalé se démarquant de son style habituel, mais semble freiner des quatre fers en cours de route pour revenir à sa zone de confort. Hélas, le mal est fait et cette « seconde couche » n’a pas le temps de développer ses enjeux ou l’autre facette de ses personnages, tout en ne faisant que souligner très lourdement son message, jusqu’à un épilogue faisant l’effet d’un pétard mouillé après le long tunnel de dialogue explicatif l’ayant précédé. Mais cette approche faussement sophistiquée, mêlant dialogues extrêmement didactiques et « twist » asséné au marteau piqueur, ne renverrait-elle pas aux origines du projet ? Inàrritu avait en effet initialement développé Digger pour Netflix, avec Leonardo Di Caprio en vedette, avant que la plateforme ne décide de couper court à sa politique de carte-blanche donnée à des réalisateurs de prestige. Le critique du Hollywood Reporter écrit que « Digger est le résultat obtenu lorsque que l’on met ensemble deux égos surdimensionnés (NDR : Inàrritu et Cruise) sans personne pour tenir les rênes de leur penchants auto-indulgents ». Et force est de constater que la charge contre le lobby pétrolier est en effet atténuée par la volonté évidente du réalisateur et sa star de mettre en avant leur génie auto-proclamé. Et le budget pharaonique de 125 millions de dollars pour un sujet qui n’en requérait sûrement pas autant n’aura fait qu’enfoncer les clous dans le couvercle du cercueil dans lequel Digger repose désormais.

 

 © Jérôme Muslewski

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PHANTASM 4 : AUX SOURCES DE LA TERREUR (1998)

Ne sachant visiblement plus par quel bout prendre la saga qui fit sa renommée, Don Coscarelli concocte un quatrième opus bien peu convaincant…

PHANTASM IV – OBLIVION

 

1998 – USA

 

Réalisé par Don Coscarelli

 

Avec A. Michael Baldwin, Reggie Bannister, Angus Scrimm, Bill Thornbury, Heidi Marnhout, Bob Ivy, Christopher L. Stone, Chloe Kay, Sylvia Flammer, David Gasster

 

THEMA MORT I SAGA PHANTASM

Phantasm 4 a bien failli être un film très différent de celui que nous connaissons. Grand fan de la saga créée par Don Coscarelli, Roger Avary, qui vient alors de remporter l’Oscar du meilleur scénario original pour Pulp Fiction, se met au travail sur le script d’un film qu’il baptise Phantasm 1999 puis Phantasm’s End. L’histoire se déroule dans un futur proche post-apocalyptique et Bruce Campbell est censé y tenir l’un des rôles principaux, avec face à lui de nouvelles créatures et un commando de soldats équipés d’une technologie de pointe pour affronter le Tall Man. Alléchant, non ? Sauf que le projet capote, faute de financements. Coscarelli reprend donc les choses en main et concocte un Phantasm 4 beaucoup plus modeste qu’il imagine comme un retour à l’esprit du tout premier Phantasm, après les débordements volontiers excessifs des deux films précédents. Pour y parvenir, il décide de réutiliser de nombreuses séquences qu’il avait tournées en 1979 avec les acteurs du film original et qui n’avaient finalement pas été utilisées au montage. Ces images inédites feront office de flash-backs au fil d’un récit confus qui prend la suite directe des événements racontés dans le troisième opus. N’ayant à sa disposition qu’un budget d’à peine 650 000 dollars, soit quatre fois moins que l’argent qu’il avait pu réunir pour Phantasm 2 et Phantasm 3, Coscarelli doit revoir ses ambitions à la baisse, et le résultat final s’en ressent fatalement. Si Roger Avary n’a plus rien à voir avec le film, il accepte cependant de jouer un petit rôle dans une séquence située dans le passé : celui d’un soldat de la guerre de Sécession.

Le film reprend les choses grosso modo là où Phantasm 3 les avait laissées. Mike (A. Michael Baldwin) s’échappe donc de la morgue Boulton à bord d’un corbillard, tandis que Reggie (Reggie Bannister) est en très mauvaise posture, piégé par les sphères du Tall Man (Angus Scrimm). Mais le sinistre croque-mort le laisse s’échapper, lui annonçant avec un demi-sourire que « le dernier jeu commence ». Dès lors, le scénario raconte en parallèle les mésaventures des deux hommes, au fil d’une sorte de road movie franchement incompréhensible. D’un côté, Mike se promène dans le désert (filmé dans la Vallée de la Mort), franchit des portes temporelles, tente de se suicider, rencontre un Tall Man du passé, découvre qu’il possède des pouvoirs télékinétiques, discute avec son frère mort transformé en sphère… De l’autre, Reggie fait toutes sortes de rencontres bizarres sur la route, tandis que Coscarelli n’en finit plus de faire exploser des voitures. Le réalisateur aurait-il eu des promotions dans une casse automobile ?

Bout de course

Certes, la confusion était déjà au programme du premier Phantasm qui faisait d’ailleurs de sa singularité un atout majeur, s’inscrivant dans une atmosphère macabre et onirique qui marqua fortement le public de l’époque. Mais Coscarelli semble ne plus trop y croire ici, comme s’il cherchait à réunir mécaniquement les ingrédients de son premier film sans y parvenir. De fait, Phantasm 4 ne nous réserve pas beaucoup de surprises. Le Tall Man (qui commence à accuser son âge), les nains maléfiques et les sphères volantes sont toujours au programme, mais cet opus manque sérieusement de nouveautés. Les deux scènes les plus intéressantes concernent les mésaventures improbables de Reggie. La première met en vedette un flic zombie quasiment-indestructible qui nous rappelle celui de L’Autoroute de l’enfer. La seconde confronte notre sympathique marchand de glace reconverti en guerrier à une jeune femme dont les seins sont soudain remplacés par des sphères métalliques menaçantes ! Ce sont les ténor Howard Berger et Robert Kurtzman, de l’atelier KNB, qui prennent en charge ces maquillages spéciaux. Pour le reste, rien de bien mémorable ne nous attend dans ce Phantasm 4 sans saveur qui tente de nous raconter les origines du Tall Man pendant le 19ème siècle. Le film s’achève sur une fin très ouverte, mais on sent clairement qu’on a fait le tour de la question. Un tardif cinquième épisode pointera pourtant le bout de son nez en 2016.

 

© Gilles Penso

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GHOST IN THE CELL (2026)

Un fantôme s’immisce dans une prison indonésienne et massacre de manière spectaculaire tous ceux qui sont frappés de pensées négatives…

GHOST IN THE CELL

 

2026 – INDONÉSIE / CORÉE DU SUD

 

Réalisé par Joko Anwar

 

Avec Abimana Aryasatya, Almanzo Konoralma, Aming Sugandhi, Arswendy Bening Swara, Bront Palarae, Dimas Danang Suryonegoro, Dewa Dayana, Endy Arfian

 

THEMA FANTÔMES

Biberonné aux films de kung-fu et au cinéma d’horreur, le cinéaste indonésien Joko Anwar fait ses débuts comme journaliste avant d’écrire son premier scénario pour Arisan de Nia Dinata, puis passe lui-même derrière la caméra à l’occasion de la comédie Joni’s Promise. Il touche ensuite à tous les genres, mais c’est l’horreur qui va lui permettre d’acquérir une renommée internationale avec des titres comme Satan’s Slave, Impetigore, Grave Torture ou The SIede at Thorn High. Son univers mêle volontiers le fantastique, le gore et la critique sociale, les codes du genre lui permettant souvent d’explorer les peurs collectives et les tensions sociales. Il poursuit logiquement cette voie avec Ghost in the Cell, dont le titre ressemble à un gag cinéphilique (même si cette fable horrifique n’a strictement rien à voir avec Ghost in the Shell). Réalisateur, scénariste, producteur exécutif et monteur du film, Anwar fait construire pour les besoins de son long-métrage un décor de prison complet, inspiré d’un véritable site carcéral, en l’occurrence Sukamiskin, situé à Java-Ouest. Efficace, il parvient à boucler son film en 25 demi-journées, s’appuyant souvent sur des prises uniques pour gagner du temps et conserver la spontanéité de ses acteurs. Quant au montage, il est expédié en quatre jour seulement ! Un véritable exploit, fruit d’une frénésie créative qu’on ressent parfaitement à l’écran.

Le film s’ouvre sur le journaliste Dimas, qui travaille tard dans la nuit pour finir son dernier article consacré à une exploitation minière illégale à Bornéo, où plusieurs ouvriers ont trouvé la mort dans des circonstances mystérieuses. Furieux à l’idée des répercussions que pourrait provoquer ce texte accusateur, son rédacteur en chef le rejette en bloc et lui demande de revoir sa copie en l’adoucissant. Resté seul dans son bureau, le patron du journal est soudain attaqué par une entité maléfique qui le massacre. Et c’est ce pauvre Dimas qui est accusé du meurtre. Aussitôt emmené dans la prison de Labuhan Angsana, à Jakarta, il découvre les problèmes quotidiens auxquels sont confrontés les détenus, notamment l’oppression violente que leur font subir les responsables de la prison et les affrontements entre bandes. Mais les choses prennent une tournure beaucoup plus affolante lorsque les prisonniers sont retrouvés morts les uns après les autres, dans des circonstances épouvantables. Le coupable semble être un spectre qui s’attaque à ceux dont l’aura est la plus négative. Mais comment rester positif dans l’environnement hostile d’une prison ?

« Où iras-tu après la mort si tu n’as pas de religion ? »

Sur un concept délirant qui n’est pas sans évoquer le Prison de Renny Harlin, Ghost in the Cell multiplie les séquences gore volontairement excessives au cours desquelles les corps sont contorsionnés, écrasés, déchirés, transpercés, hachés menus ou ébouillantés pour se transformer en natures mortes macabres et sanguinolentes dignes de la série Hannibal. Pour contrebalancer ce jeu de massacre, l’humour absurde transparaît partout dans le film. Les nombreux combats qui se déclenchent entre les détenus sont donc à la fois brutaux, virtuoses et cartoonesques, ponctués de gags outranciers, comme lorsque les belligérants s’interrompent en pleine bagarre pour danser ou prier, afin d’éviter que leur aura négative ne les condamne à une mort atroce. Derrière cette folie ambiante, Joko Anwar tient à régler ses comptes avec la société indonésienne, dont il dénonce à la fois les dérives religieuses et la corruption envahissante. D’où des répliques volontiers satiriques, comme ce détenu qui lance à son voisin de cellule « Où iras-tu après la mort si tu n’as pas de religion ? », ou ce maton qui constate amèrement : « Cinq gardiens intègres sur 50 ? C’est 10%, comme dans tout le pays ! » Sans chercher à s’ériger en donneur de leçons ni oublier l’objectif purement récréatif de son film, le réalisateur dresse tout de même un portrait bien peu reluisant de l’Indonésie, où l’écart entre les riches et les pauvres se creuse de manière vertigineuse et où ce n’est pas forcément l’attitude la plus méritante qui est récompensée. Un constat qu’on pourrait facilement élargir à la planète toute entière, hélas.

 

© Gilles Penso

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