Archives des Films - Page 207 sur 375

SCALPS (1983)

Six étudiants en archéologie pratiquent des fouilles en plein désert et réveillent un esprit maléfique indien

SCALPS

1983 – USA

Réalisé par Fred Olen Ray

Avec Jo-Ann Robinson, Richard Hench, Roger Maycock, Frank McDonald, Carol Sue Flockhart, Barbara Magnusson, Kirk Alyn, Carroll Borland, Forrest J. Ackerman

THEMA DIABLE ET DÉMONS

Grand amateur de cinéma d’horreur et de science-fiction depuis sa plus tendre enfance, Fred Olen Ray n’a pas attendu d’avoir une structure de production digne de ce nom ou un budget décent pour commencer à faire des films. Avec trois bouts de ficelles, il bricole donc des longs-métrages dans des conditions précaires. Après l’invasion d’extra-terrestres de The Brain Leeches et la contamination zombie de The Alien Dead, Fred Olen Ray s’attaque à Scalps, dont l’idée lui a été soufflée par son ami Donald G. Jackson. Le scénario filiforme est conçu pour coûter le moins cher possible. De fait, le budget global se résumera à environ 15 000 dollars. Véritable « fan boy », le réalisateur tourne un prologue dans un décor minimaliste (deux bureaux et un mur blanc) avec trois anciennes gloires du cinéma qu’il aime tant : Kirk Alyn (le héros du serial Superman de 1948), Carroll Borland (l’inoubliable Luna de La Marque du vampire) et Forrest J. Ackerman (éditeur du cultissime magazine « Famous Monsters on Filmland »). Ces vénérables figures du fantastique incarnent trois professeurs qui échangent quelques banalités en champ et contre-champ au cours d’un prologue qui ne présente aucun autre intérêt que d’ajouter leurs noms prestigieux au générique. Mais la majorité du film se déroule dans le désert californien, où Fred Olen Ray filme sans la moindre autorisation six jeunes comédiens incarnant avec une conviction toute relative des étudiants en archéologie partis déterrer des artefacts indiens.

D.J., Randy, Kershaw, Ben, Louise et Ellen partent donc gaiment dans leur van, le coffre plein de pelles et de pioches. Lorsqu’ils font halte dans une station-service, refrain connu, un vieil Indien les met en garde : il ne faut surtout pas creuser dans le désert pour éviter de réveiller l’esprit des Indiens tués lors d’un massacre dans la zone des « arbres noirs ». Bien sûr, ils font fi de cet avertissement, plantent leur tente au milieu des rocailles isolées et commencent à piocher. Et, comme on pouvait s’y attendre, leurs fouilles ne sont pas sans conséquences. Au milieu de la nuit, sans explication, des tambours et des chants tribaux résonnent. Puis le visage d’un vieil homme aux yeux blancs apparaît dans un feu de camp, juste avant une explosion qui marque l’éveil de Black Caw, un Indien qui pratiquait jadis la magie noire. Cette entité ancestrale possède l’un d’entre eux. Le massacre peut alors commencer…

Les six petits Indiens

Très amateur dans sa facture (la photographie, le montage, le jeu des acteurs), bourré de faux raccords, Scalps ne vaut vraiment le détour que pour ses effets gore et ses maquillages spéciaux, conçus par Chris Biggs (La Galaxie de la terreur), John McCallum (Biohazard) et Bart J. Mixon (le téléfilm Ça). Certes, nous ne sommes pas dans la grande finesse, mais cet Indien monstrueux au visage ensanglanté fait son petit effet, tout comme ces meurtres saignants qui évoquent les travaux de Tom Savini (égorgements, scalps en gros plan, décapitations) ou ces images choc qu’on croirait échappées d’un film d’horreur italien (le gros rat qui se promène sur le crâne d’un cadavre desséché). On ne peut pas en dire autant de cet étrange prêtre à tête de lion qui retrousse ses babines mécaniquement et qui intervient régulièrement de manière totalement inexplicable. Il faut dire que ces plans répétitifs – qui n’étaient au départ que des tests d’effets spéciaux conçus pour n’apparaître que très furtivement – ont été ajoutés artificiellement par les distributeurs sans le consentement de Fred Olen Ray. En effet, ce dernier ignorait qu’en signant avec la compagnie 21st Century Film Corporation, il leur cédait les droits de remanier totalement le montage. D’où l’insertion aléatoire de plans horrifiques dans un ordre étrange qui ne respecte ni la logique ni la chronologie du récit. Mais il faut bien reconnaître que Scalps est lent et désespérément vide de péripéties pendant sa première heure. Ce remontage bizarre – abusant de flash-forwards souvent incompréhensibles – joue finalement presque en faveur du film, concourant à l’établissement d’un climat malsain et oppressant.

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ZATHURA, UNE AVENTURE SPATIALE (2005)

Deux jeunes garçons découvrent un jeu de société dont chaque tour déclenche l’irruption de robots et d’extra-terrestres reptiliens…

ZATHURA : A SPACE ADVENTURE

2005 – USA

Réalisé par Jon Favreau

Avec Josh Hutcherson, Jonah Bobo, Tim Robbins, Kristen Stewart, Dax Shephard et la voix de Frank Oz

THEMA JOUETS I MONDES VIRTUELS ET MONDES PARALLELES I EXTRA-TERRESTRES I ROBOTS

Si le pitch vous rappelle Jumanji, c’est tout à fait normal puisque Zathura est une pseudo-suite tirée d’un autre roman de Chris Van Allburg, auteur et illustrateur de livres pour enfants à qui l’ont doit aussi Le Pôle express. Jumanji ayant été une affaire plus que rentable en 1995 pour Columbia, le studio envisage très tôt une suite, même si l’épilogue du film original n’appelait pas de suite directe, en tout cas pas avec les mêmes personnages. Or, force est reconnaitre que la présence de Robin Williams en tête d’affiche avait largement contribué au succès du film. Une « vraie » suite aurait également présenté un gros risque de redite, l’avancée technologique en matière d’effets spéciaux numériques ne pouvant justifier à elle seule de ressortir le même bestiaire animalier de sa boîte de jeu. Mais tout comme la Nature a horreur du vide, les studios ont horreur de ne pas pouvoir faire de suites : la « solution » consiste donc à conserver le concept de Jumanji et de remplacer le jeu-titre par un autre, Zathura, dont la thématique spatiale permet de substituer aux lions et éléphants des robots et des extra-terrestres, et la pluie de mousson à une pluie de météorites.

Walter (Josh Hutcherson) et Danny (Jonah Bobo) sont deux frères tout ce qu’il y a de plus banals : le petit suit le grand comme son ombre et l’idolâtre ; le grand, un pied dans l’âge ingrat, prétend ne plus s’intéresser aux enfantillages du plus jeune. Suite au divorce de leurs parents, nous les retrouvons au moment où ils passent leur premier week-end dans la nouvelle maison de leur père (Tim Robbins). Celui-ci, tenu par des obligations professionnelles, doit s’absenter, les laissant sous la surveillance de leur grande sœur Lisa (Kristen Stewart). Danny découvre alors une étrange boîte de jeu à la cave : Zathura. Évidemment, après avoir activé le mécanisme lui permettant d’avancer son pion, d’étranges phénomènes se produisent : un robot cousin du Robby de Planète interdite fait irruption dans le salon et leur maison se trouve propulsée dans l’espace où les enfants vont se retrouver confrontés à des lézards humanoïdes. Là ou Jumanji ajoutait des péripéties au roman et en aérait le récit original, Zathura se tient à la très brève histoire du livre, constituant une trame bien légère pour un scénario pourtant signé David Koepp, à qui l’on doit Jurassic Park, L’Impasse, Spider-Man ou encore le très bon Hypnose. L’intrigue est linéaire et répétitive, sans surprise. Il faut toutefois reconnaitre l’exposition réussie des personnages, les deux jeunes acteurs s’avérant convaincants dans leurs rôles de « All American Kids » dans la tradition Amblin. Josh Huchterson, qui incarne l’aîné et tient ici son premier rôle principal, connaitra une carrière d’enfant-star bien remplie, jusqu’à son rôle de Peta dans la saga Hunger Games. Coïncidence de casting : Zathura se paye une autre future star d’une saga pour adolescents, en l’occurence Kirsten Stewart, pas encore affublée de la désobligeante réputation d’actrice la plus inexpressive du monde…

Jon Favreau vs. Joe Johnston

Doté d’un budget somme toute confortable de 65 millions de dollars, Zathura ressemble malheureusement plus à une suite « direct-to-video » qu’à un blockbuster pour grand écran. Deux raisons principales à cela : l’aspect étriqué du scénario (toute l’action se déroule dans la maison) et le caractère puéril de l’ensemble. Derrière la caméra, Jon Favreau, qui signe là son troisième film, fait preuve d’une saine approche dans sa volonté de mêler effets pratiques et images de synthèse. À ce titre, le travail de l’atelier de Stan Winston est parfaitement intégré et mis en valeur. On appréciera le look des lézards, qui évite habilement le syndrome du simple « homme en costume ». Mais malgré la relative sophistication technique, l’impression d’avoir affaire à un téléfilm reste prégnante, un reproche que l’auteur de ces lignes se permettra d’appliquer également au Iron Man que Favreau réalisera quelques années plus tard. Zathura marque sa première incursion majeure dans l’univers des effets visuels, un domaine dont il s’est un peu trop vite auto-proclamé le roi incontesté depuis ses remakes « live » du Livre de la jungle et du Roi lion. Car tout bon technicien et promoteur de ces techniques « innovantes » qu’il soit (le cyclorama à LED du Mandalorian reste un cyclorama), le film qui nous intéresse aujourd’hui révélait déjà ses limites en tant que metteur en scène : appliqué certes, mais pas inspiré. Et si Zathura n’arrive pas à la cheville de Jumanji, il en va de même pour Jon Favreau vis-à-vis de Joe Johnston.

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RAGE (1977)

David Cronenberg filme les méfaits d’une jeune femme transformée en prédatrice assoiffée de sang après une opération chirurgicale…

RABID

1977 – CANADA

Réalisé par David Cronenberg

Avec Marilyn Chambers, Frank Moore, Joe Silver, Howard Ryshpan, Patricia Gage, Susan Roman, Roger Periard

THEMA MÉDECINE EN FOLIE

C’est dans la continuité directe de Frissons que s’inscrit Rage, cultivant la même fascination pour la mutation du corps, les dérives médicales de scientifiques jouant aux apprenti-sorciers et la fusion de l’horreur et de l’érotisme. En creusant ce sillon sulfureux, David Cronenberg ajoute une pierre à l’édifice d’un sous-genre du fantastique qui sera rétrospectivement baptisé « body horror ». Dans le rôle principal, le réalisateur envisage Sissi Spacek, pas encore popularisée par Carrie qui n’est pas sorti sur les écrans au moment de la mise en chantier de Rage. Le producteur Ivan Reitman n’est pas très enthousiaste. Selon lui, la comédienne manque de sex-appeal, sans parler de son accent texan qu’il trouve trop prononcé. Changeant son fusil d’épaule, Cronenberg opte pour Marilyn Chambers. Cette dernière, jusqu’alors spécialisée dans le cinéma pornographique (Derrière la porte verte, The Resurrection of Eve), cherche justement à changer de registre. Rage lui offre cette possibilité, tout en capitalisant sur son absence de pudeur qui permettra l’ajout d’une poignée de séquences topless (passage quasi-obligatoire du cinéma d’exploitation). Entretemps, Carrie sort sur les écrans du monde entier et connaît un triomphe planétaire. Du coup, Cronenberg montre le poster du film dans une séquence nocturne où son héroïne déambule dans les rues de la ville. Mais il n’aura pas à se plaindre de son « choix par défaut ». Marilyn Chambers le surprend agréablement par son investissement dans le film et par son endurance lors du tournage de séquences pas toujours simples.

L’accorte Marilyn incarne Rose, une jeune femme victime d’un spectaculaire accident de moto. Si son fiancé Hart (Frank Moore), qui conduisait l’engin, s’en sort avec des blessures superficielles, la malheureuse est entre la vie et la mort. Coincée sous la moto au moment de son explosion, elle n’a pas le temps d’être transportée à l’hôpital. C’est donc le docteur Dan Keloid (Howard Ryshpan), propriétaire d’une clinique de chirurgie esthétique installée tout près du lieu de l’accident, qui la prend en charge. Pour sauver Rose, le médecin décide de tester à échelle réelle une greffe expérimentale qui consiste à récupérer de la peau des cuisses de la patiente pour l’appliquer sur sa poitrine, ce greffon se modifiant pour s’adapter à sa fonction nouvelle. L’opération est une réussite, mais un effet secondaire inattendu transforme le métabolisme de Rose. Sous son aisselle gauche s’est développé un nouvel organe prolongé par un dard. Désormais incapable de se nourrir autrement qu’avec du sang humain, Rose laisse régulièrement surgir cet appendice pour transpercer ceux qui ont le malheur de croiser sa route. Les victimes sont dès lors contaminées par une sorte de rage destructrice qui les pousse à agresser leur entourage immédiat…

Patiente zéro

Le principe de la morsure, de l’écoulement du sang et de la contamination semble vouloir détourner les mécanismes traditionnels du vampirisme, Cronenberg s’appropriant cette thématique classique pour mieux la mêler à ses propres obsessions. Plusieurs motifs présents dans Rage se déclineront d’ailleurs plus tard dans sa filmographie, notamment l’extériorisation physique des traumatismes de Chromosome 3, la « nouvelle chair » de Videodrome ou les opérations chirurgicales de Faux-semblants. Eros et Thanatos cohabitant volontiers chez Cronenberg, le membre monstrueux qui pousse sous le bras de Rose emprunte son aspect aux organes génitaux humains. Il s’agit donc d’une sorte d’orifice vaginal duquel surgit un appendice phallique. C’est le maquilleur Joe Blasco, déjà à l’œuvre sur Frissons, qui est chargé de donner corps à cette aberration morphologique. Rage ne coûte que 530 000 dollars canadiens, ce qui n’empêche pas le cinéaste de vouloir montrer les conséquences de la contamination à grande échelle : carambolages, scènes de panique dans le métro, fusillade dans un grand magasin. Sans parler de ces moments de rupture où l’horreur bascule dans une sorte de surréalisme, comme lorsqu’un médecin contaminé découpe le doigt d’une infirmière pour boire son sang, ou lorsque des ouvriers frappés de folie attaquent une voiture et ses occupants avec un marteau-piqueur. On ne peut s’empêcher de voir plusieurs liens se tisser entre Rage et le cinéma de George Romero, notamment à travers la manière dont sont filmés les infectés, leurs victimes et les forces armées s’efforçant de maintenir un semblant d’ordre au milieu du chaos. Rage semble de fait se nourrir au sein de The Crazies et alimenter l’imagerie de Zombie. Sorti sur les écrans en avril 1977, ce sera un grand succès au Canada, le plus gros pour une production de cet acabit.

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NEXT (2007)

Nicolas Cage possède le don de prévoir son propre avenir deux minutes à l’avance et tente de contrecarrer une attaque terroriste…

NEXT

2007 – USA

Réalisé par Lee Tamahori

Avec Nicolas Cage, Juliane Moore, Jessica Biel, Nicolas Pajon, Jessica Barth, Peter Falk, Thomas Kretschmann, Charles Chun

THEMA POUVOIRS PARANORMAUX

« Par l’auteur de Minority Report » clame fièrement l’affiche de Next. L’auteur en question est le romancier Philip K. Dick, dont le nom fait recette à Hollywood depuis Blade Runner. C’est sur la nouvelle « L’homme doré », publiée en 1954, que le scénariste Gary Goldman jette son dévolu. Évacuant l’aspect futuriste du texte initial, il replace l’histoire dans un contexte contemporain, muant du même coup le récit de science-fiction en thriller paranormal. Ce n’est pas une mauvaise idée en soi, mais le traitement final laisse franchement à désirer. Car si l’idée de départ reste très forte, les rebondissements du scénario frisent bien souvent le grotesque le plus outrancier. Nicolas Cage, qui choisit décidément ses rôles selon des critères qui nous échappent, incarne ici Cris Johnson, un homme doué d’une capacité unique au monde : il peut visualiser son propre futur deux minutes à l’avance et changer à loisir le cours des événements.

Pour tirer modestement profit de son don hors du commun, Cris tient la vedette d’un petit numéro minable de magicien à Las Vegas, sous le pseudonyme improbable de « Frank Cadillac ». Afin de mettre un peu de beurre dans ses épinards, il joue régulièrement au casino et gagne évidemment à chaque fois. Son petit manège finit par attirer l’attention du patron de l’établissement, qui cherche à comprendre de quelle manière il triche, puis de l’agent du FBI Callie Ferris (Julianne Moore), qui soupçonne la présence d’un véritable pouvoir extrasensoriel. Pour elle, Cris Johnson représente son unique chance d’empêcher une attaque terroriste imminente. Mais comment convaincre cet homme désabusé de s’impliquer dans une mission extrêmement périlleuse, d’autant que ce dernier est en train de tomber amoureux d’une belle inconnue (Jessica Biel) élargissant apparemment l’étendue de ses pouvoirs ?

Erreur de parcours

La finesse n’est pas de mise dans Next, qui accumule clichés, incohérences et lieux communs avec une décontraction déconcertante. La mise en scène de Lee Tamahori n’est pas vraiment en cause, dans la mesure où le cinéaste néo-zélandais réfrène les effets de style grossiers dont il avait affublé Meurs un autre jour pour livrer une réalisation nerveuse et efficace. D’impressionnantes séquences d’action ponctuent ainsi le métrage, notamment la fuite des protagonistes menacés d’être écrasés par une avalanche de voitures, de troncs d’arbres et de débris dévalant sur le flanc d’une colline. Quelques idées visuelles originales égaient en outre la bataille finale, en particulier lorsque Cris envisage tous les dénouements possibles du drame dans les deux minutes à venir, se dédoublant en autant d’avatars qui explorent les différents futurs proches potentiels. Hélas, le script pataud de Goldman (auteur des pourtant réjouissants Les Aventures de Jack Burton et Total Recall) a toutes les peines du monde à nous convaincre, peu aidé il est vrai par le jeu ahuri de Nicolas Cage, le manque de conviction de Julianne Moore et le rôle de plante verte attribué à Jessica Biel. Et pourtant, ces trois comédiens ont su maintes fois nous prouver l’étendue de leur talent (citons au hasard Volte/face, Les Fils de l’homme et Massacre à la tronçonneuse pour nous en convaincre). Une erreur de parcours sans doute.

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LE FANTÔME DE L’OPÉRA (1943)

Le studio Universal produit le remake parlant d’un de ses grands succès des années 20 en confiant le rôle du Fantôme à Claude Rains

PHANTOM OF THE OPERA

1943 – USA

Réalisé par Arthur Lubin

Avec Claude Rains, Susanna Foster, Edgar Barrier, Nelson Eddy, Leo Carrillo, Jane Farrar, J. Edward Bromberg, Fritz Feld

THEMA SUPER-VILAINS I SAGA UNIVERSAL MONSTERS

Le Fantôme de l’Opéra de 1925 étant l’un des grands succès muets d’Universal, un remake parlant fut envisagé dès 1935. Mais la vente du studio par les frères Laemmle suite à des déboires financiers ajourna sans cesse le projet. Au début des années 40, le réalisateur Henry Koster travaille sur une nouvelle adaptation officielle du roman de Gaston Leroux, dans laquelle le Fantôme serait le père de la chanteuse Christine. Mécontent de cette approche, le producteur George Waggner remplace Koster par Arthur Lubin et se met en quête d’un comédien digne de succéder au grand Lon Chaney. Après un long tour de table (où il est notamment question de Lon Chaney Jr, Boris Karloff et Charles Laughton), le choix se porte sur Claude Rains, qui s’était distingué par sa voix inoubliable dans L’Homme invisible de James Whale. Ainsi, dix ans après son incarnation de l’anti-héros imaginé par H.G. Wells, les studios Universal lui confient à nouveau le rôle-titre d’un monstre pathétique dont le jeu transparaît quasi-essentiellement à travers le dialogue.

Rains incarne donc le violoniste Claudin, qui connaît l’infortune d’être renvoyé de l’Opéra suite à une interprétation imparfaite due à une faiblesse passagère. Fou de colère, il occis sans autre forme de procès un éditeur qui a osé se moquer de son concerto, l’œuvre de toute une vie. Mais au cours du pugilat, il est défiguré par du vitriol (Gaston Leroux, rappelons-le, était l’un des auteurs les plus prestigieux du théâtre Grand-Guignol), et se met à errer comme un animal blessé dans les rues désertes de la ville. Pourchassé par les gendarmes, il se dissimule dans une bouche d’égout et, de là, parvient à rejoindre via un dédale sombre et malodorant les catacombes de l’Opéra. Y bâtissant son antre, il va et vient comme bon lui semble dans le prestigieux bâtiment, grâce à de nombreux passages secrets et à un trousseau de clefs qu’il a volé au directeur. Empruntant un masque blanc et un costume sombre, il fait dès lors régner la terreur à l’Opéra, dont il entend suinter la musique depuis son repaire souterrain. Amoureux de la belle Christine, il se donne pour but de la transformer en vedette, quitte à multiplier les meurtres pour y parvenir.

Plus lyrique qu’horrifique

Excellent dans un registre mi-horrifique mi-pathétique (comme dans Les Enchaînés d’Hitchcock), Rains partage la vedette avec les chanteurs Nelson Eddy et Susanna Foster, qui s’époumonent plus que de raison tout au long du métrage, privilégiant bien souvent le lyrisme à l’épouvante, au sein d’une œuvre conçue pour séduire le public le plus large. Fort de sa longue expérience avec Abbott et Costello, Arthur Lubin injecte une bonne dose d’humour dans le film, notamment à travers les séquences mettant en scène les deux prétendants de Christine, un baryton et un policier qui parlent en même temps et ne cessent de piétiner leurs plates-bandes respectives sans se départir de leur élégance et de leurs bonnes manières. Au cours du climax, le Fantôme se démasque enfin, dévoilant une timide défiguration partielle. Discret à la demande expresse de Rains, ce maquillage s’avère indigne du talentueux Jack Pierce, et souffre sérieusement de la comparaison avec l’inoubliable faciès mortuaire de Lon Chaney. Cette réserve mise à part, ce Fantôme de l’Opéra reste un divertissement de très haute tenue, grâce à ses comédiens savoureux, son technicolor somptueux et ses décors magnifiques, qui réutilisent la réplique grandeur nature de l’Opéra Garnier construite à Universal pour les besoins de la version de 1925.

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JUPITER, LE DESTIN DE L’UNIVERS (2015)

Les Wachowski s’attaquent à un space opera de grande envergure… et accouchent d’une sorte de péplum romantico-futuriste improbable

JUPITER ASCENDING

2015 – USA

Réalisé par Andy et Lana Wachowski

Avec Mila Kunis, Channing Tatum, Eddie Redmayne, James d’Arcy, Sean Bean, Douglas Booth, Gugu Mbatha-Raw

THEMA SPACE OPERA I EXTRA-TERRESTRES

C’est pendant les préparatifs de Cloud Atlas que les Wachowksi furent approchés par Jeff Robinov, président de Warner Bros, en quête d’un nouveau concept de science-fiction susceptible de devenir une franchise. Ainsi naquit le projet Jupiter Ascending, permettant aux créateurs de Matrix de s’aventurer dans le domaine du space opera pur et dur. Personnage central du récit, la jeune immigrée russe Jupiter Jones (Mila Kunis) passe ses journées à nettoyer les toilettes des gens riches. Pour pouvoir se payer le télescope dont elle rêve, elle décide d’aller vendre ses ovules. Or la voilà soudain agressée par une horde d’aliens hargneux, puis sauvée in-extremis par le mystérieux Cain Wise (Channing Tatum), lequel lui révèle le rôle crucial qu’elle s’apprête à jouer dans l’équilibre du cosmos. Véritables marques de fabrique des Wachowski, les séquences d’action constituent évidemment l’un des points forts du film. L’une des plus incroyables d’entre elles est le sauvetage de Jupiter par Cain. Longue de huit minutes, cette course-poursuite en apesanteur dans les rues de Chicago nous laisse le souffle coupé. D’autres morceaux de bravoure ponctuent les deux heures du métrage, notamment de nombreux chassés croisés spatiaux et une bataille finale étourdissante, soutenue par les envolées lyriques du compositeur Michael Giacchino.

Mais la rigueur à laquelle nous ont habitués les deux cinéastes, leurs questionnements existentiels, leur ambition narrative semblent s’être ici évaporés au profit d’une linéarité déconcertante qui confine au simplisme. Incroyablement mécanique, le récit s’appuie sur l’affrontement de Jupiter avec chacun des trois membres d’une dynastie extraterrestre, chacune de ces rencontres dangereuses se clôturant par l’intervention in-extremis du valeureux Cain, chevalier servant chevauchant les cieux avec ses bottes anti-gravité. Elle qui rêvait d’un destin meilleur, la voilà désormais promue « reine de la Terre » et revêtue de toilettes dignes de défilés de grands couturiers, arpentant les coursives de vaisseaux spatiaux filmés comme des scènes de théâtre où se nouent des intrigues basiques dignes d’un soap opéra. Quant à la romance qu’elle développe avec Cain, entravée par son statut d’humaine face à un être aux pouvoirs surnaturels, elle ne cesse d’évoquer les ressorts de la saga Twilight, ce que confirme un dénouement d’une vertigineuse naïveté.

Alice au pays des étoiles

Alors qu’en conclure ? Facilités ? Faiblesses d’écriture ? Laxisme ? Permettons-nous une hypothèse. Et si Jupiter, passionnée comme son père par l’immensité du cosmos et nommée comme la planète la plus grande de notre système solaire, s’était imaginé toute cette aventure interplanétaire pour échapper à sa basse condition de femme de ménage au destin scellé ? Et si tous ces raccourcis, toutes ces incohérences, toute cette mécanique, toute cette théâtralité s’expliquaient par les aléas de l’imagination fertile d’une jeune femme en quête d’un ailleurs insaisissable ? Cette hypothèse n’est jamais confirmée officiellement, mais les Wachowksi nous ont toujours prouvé leur rejet de la facilité et leur goût pour les narrations complexes. Jupiter Jones serait-elle donc une Alice au pays des merveilles des temps modernes ? Une variante de la Babydoll de Sucker Punch troquant son quotidien morose contre une love-story d’outre-espace ? Pourquoi pas ? Mais même à travers cette possible grille de lecture, la grande aventure cosmique que nous étions en droit d’espérer manque singulièrement de saveur.

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HISTOIRES D’OUTRE-TOMBE (1972)

Un film à sketches inspiré des EC Comics, qui influencera Creepshow et la série Les Contes de la crypte

TALES FROM THE CRYPT

1972 – GB

Réalisé par Freddie Francis

Avec Raph Richardson, Joan Collins, Peter Cushing, Roy Dotrice, Richard Greene, Ian Hendry, Patrick Magee, Barbara Murray, Nigel Patrick

THEMA TUEURS I MORT I ZOMBIES I SORCELLERIE ET MAGIE

Spécialisé depuis longtemps dans la production de films d’épouvante à sketches, le studio britannique Amicus creuse avec succès ce sillon qui lui permet de se distinguer de son concurrent direct Hammer Films. Pour varier un peu les plaisirs, Milton Subotsky, codirigeant de la compagnie, convainc son associé Max Rosenberg de faire reposer l’un de ces films composites sur les fameuses bandes dessinées horrifiques que publiait dans les années 50 Bill Gaines sous le label EC Comics. Ainsi naît le projet Histoires d’outre-tombe. Subotsky écrit les scénarios lui-même et confie la réalisation à Freddie Francis, ancien chef opérateur de talent devenu metteur en scène à la fois pour la Hammer et pour Amicus. Tourné en trois semaines dans les studios de Shepperton, le film bénéficie d’un budget un peu plus confortable qu’à l’accoutumée, estimé à 170 000 livres. Le générique démarre sur la Toccata de Bach, tandis que la caméra se promène au milieu des stèles d’un vieux cimetière. Sous terre, un groupe de visiteur mené par un guide découvre les catacombes. Mais cinq d’entre eux s’égarent et se retrouvent dans une sinistre pièce close où se tient « le gardien de la crypte » (Sir Ralph Richardson), une sorte de moine mystérieux qui les interroge sur leurs projets immédiats après cette visite et projette chacun d’entre eux dans un récit macabre.

Le premier segment, « And all through the house », est adapté d’une histoire parue dans « Vault of Horror » en 1954. Le soir de Noël, une femme interprétée par Joan Collins assassine son époux pour toucher son assurance. Mais tandis qu’elle s’efforce de faire disparaître le corps, la radio annonce qu’un fou dangereux habillé en Père Noël rôde dans les parages… Très cynique, ce récit baigne dans une ambiance volontairement sirupeuse à cause des chants de Noël que diffuse la radio en boucle. Mais il souffre d’une double faiblesse : le total manque d’empathie des spectateurs à l’égard du personnage principal et une chute pas vraiment surprenante. Le second sketch, « Reflection of Death », s’avère beaucoup plus intéressant. Inspiré d’une histoire publiée dans « Tales From the Crypt » en 1951, il nous familiarise avec Carl Maitland (Ian Hendry), un homme qui quitte sa femme et ses enfants pour partir s’installer avec sa maîtresse Susan (Angela Grant). Or sur la route, au milieu de la nuit, tous deux sont victimes d’un accident… Dès lors s’installe une ambiance oppressante, s’appuyant sur un usage intriguant de la caméra subjective, jusqu’à un dénouement cauchemardesque. La troisième histoire, « Poetic Justice », issue de « Haunt of Fear » (1952), est sans doute la plus célèbre du film. Peter Cushing y incarne le vieux Grimsdyke, adoré des enfants de son quartier à qui il raconte des histoires et offre de vieux jouets. Mais selon ses voisins nantis et cupides, ce vieil excentrique déprécie la valeur du quartier. Tous les moyens sont bons pour le pousser à quitter les lieux … Ce segment repose sur le jeu tout en finesse du Cushing. Loin de l’arrogant docteur Frankenstein qui fit sa renommée, il campe un homme extrêmement touchant, accablé par la mort de sa femme. Quand on sait que le comédien venait d’être frappé par le décès de son épouse, la mise en abîme s’avère troublante. C’est justement ce qui poussa Cushing à accepter ce rôle et à l’investir avec autant de profondeur. La chute nous révèle un impressionnant maquillage de Roy Ashton muant le comédien en zombie décharné.

La mort leur va si bien

C’est encore une histoire de mort que raconte « Wish you were here », adaptant un récit paru en 1953 dans « Haunt of Fear ». Au bord de la faillite, un riche businessman (Richard Greene) réalise qu’une statuette qu’il a ramenée de Hong Kong porte une inscription promettant la réalisation de trois vœux. Sa femme (Barbara Murray) joue le jeu et demande beaucoup d’argent. Dès lors s’enclenche un terrible engrenage s’achevant sur une note horriblement ironique dont certains effets gore firent frémir la censure de l’époque. L’ultime sketch, « Blind Alleys », provient de « Tales From the Crypt » n°46 (1955). Il confronte un ancien officier militaire prenant ses fonctions dans un institut pour aveugles et ses pensionnaires souffrant des coupes budgétaires qu’il impose de force. Le flegme de Nigel Patrick et la prestation hallucinée de Patrick Magge (qui venait de jouer dans Orange mécanique) font tout le sel de ce segment percutant malgré sa longueur un peu excessive (près d’une demi-heure). Conforme à ses modèles dessinés, Histoires d’outre-tombe dresse une galerie de portraits peu reluisants. Lâches, hypocrites, veules, voire criminels, ses « héros » connaissent tous un sort sinistre, selon la moralité féroce propre à l’esprit des EC Comics. Sans doute le film aurait-il gagné à s’installer dans des décors moins banals et à bénéficier d’une mise en scène un peu plus inventive, mais l’efficacité des récits et la justesse des comédiens emportent l’adhésion. Ce sera l’une des sources d’inspirations majeures de Creepshow et bien sûr de la série Les Contes de la crypte.

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OUTLANDER (2008)

Un extra-terrestre anthropomorphe affronte une créature monstrueuse au beau milieu d’un village viking

OUTLANDER

2008 – USA / ALLEMAGNE

Réalisé par Howard McCain

Avec James Caviezel, Sophia Myles, Jack Huston, John Hurt, Cliff Saunders, Patrick Stevenson, Aidan Devine, Ron Perlman

THEMA EXTRA-TERRESTRES

Avec à son actif de réalisateur une modeste comédie et deux téléfilms, Howard McCain décida de passer à la vitesse supérieure en imaginant Outlander, un très ambitieux film d’aventure osant confronter des extra-terrestres à des guerriers de l’âge de fer. Le projet erra de nombreuses années de studio en studio, atterrissant momentanément entre les mains de Renny Harlin, avant que McCain ne se retrouve lui-même sur le fauteuil du réalisateur avec un budget de cinquante millions de dollars. L’histoire se situe dans la Norvège de l’an 709. Au sein du royaume viking d’Herot, un vaisseau spatial s’écrase avec à son bord un unique survivant : Kainan (James Caviezel, dont le registre taciturne n’est pas très éloigné de celui d’un Christian Bale). A l’aide d’un équipement de bord sophistiqué, il se familiarise rapidement avec la culture et la langue locale afin de pouvoir s’infiltrer parmi la population. Mais bien vite, il découvre que Moorwen, le monstrueux prédateur qu’il transportait avec lui, s’est échappé. A la recherche de la redoutable créature, il tombe sur un village ravagé et sur des soldats persuadés qu’il est responsable du massacre…

Outlander part avec beaucoup d’atouts en poche : un concept alléchant qui mêle la science-fiction pure à l’époque brutale des guerriers vikings (mélange des genres que seuls les romans de fantasy avaient osé pratiquer jusqu’alors), un casting solide mené par le charismatique Jim Caviezel et égaillé de seconds rôles réjouissants (Ron Perlman en combattant farouche, John Hurt en roi bienveillant), une direction artistique impeccable, des effets spéciaux spectaculaires et des séquences d’action fort bien troussées… Pourtant, le film d’Howard McCain n’atteint jamais les sommets que ses prémisses laissaient espérer. La faute en incombe à un scénario qui peine à exploiter pleinement le potentiel de ses idées premières et ne parvient pas à évoluer de manière convaincante. Cette incapacité à rebondir sur un concept fort est la faiblesse majeure d’Outlander.

La bête incandescente

D’autre part, la nature extra-terrestre du personnage incarné par Caviezel manque singulièrement de crédibilité aux yeux des spectateurs. Très humain, tant du point de vue de son apparence physique que des émotions qu’il manifeste, il eut été plus facilement acceptable en voyageur temporel, en guerrier d’un autre âge, voire en demi-dieu. Les relations de cet alien anthropomorphe avec son entourage humain et ses affrontements successifs contre sa monstrueuse nemesis ne sont d’ailleurs pas sans évoquer la légende de Beowulf, à laquelle Outlander doit beaucoup. De belles choses ornent tout de même cette épopée fantastique, notamment le très impressionnant Moorwen conçu par Patrick Tatopoulos, dont la morphologie évoque tour à tour le monstre antédiluvien de Relic, le Godzilla de Roland Emmerich (déjà œuvre de Tatopoulos) et même la mémorable créature électrique de Planète interdite. Au cœur des meilleures scènes du film, cette bête incandescente et cauchemardesque dote Outlander d’un souffle épique bienvenu et désespère les protagonistes par son apparente invincibilité, jusqu’à son climax mouvementé.

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FANTÔMES CONTRE FANTÔMES (1996)

Frank, un exorciste, monte une arnaque avec des amis fantômes afin que les gens aient recours à ses services…

THE FRIGHTENERS

1996 – USA / NOUVELLE-ZÉLANDE

Réalisé par Peter Jackson

Avec Michael J. Fox, Trini Alvarado, Dee Wallace, Jeffery Combs, Jake Busey, John Astin, R. Lee Ermey

THEMA FANTÔMES

Fantômes contre fantômes est un tournant dans la carrière de Peter Jackson, puisqu’il s’agit de son premier film produit dans le giron d’un studio. Si ses premiers faits d’armes (Bad Taste, Les Feebles et Braindead) l’avaient intronisé nouveau pape du gore dans la lignée de Sam Raimi, il avait délaissé sang et tripes pour Créatures célestes, reposant sur un fait divers et mettant en scène deux jeunes filles amoureuses dans la Nouvelle-Zélande conservatrice des années 60. Bien que les sujets et styles de ses quatre premières œuvres soient éloignés de la production mainstream, Fantômes contre fantômes en sera néanmoins une synthèse. Suite à la reconnaissance critique de Créatures célestes, Peter Jackson s’envole pour Los Angeles afin de tenter de décrocher un contrat avec un studio. Si l’idée du Seigneur des anneaux lui trotte déjà dans la tête, c’est un remake de King Kong qu’il propose déjà à Universal, mais le film ne verra finalement le jour qu’une dizaine d’années plus tard. Hors de question pour Jackson de rentrer au pays bredouille ! Il revoit ses ambitions à la baisse et propose un script qu’il destine à la série Les Contes de la crypte, produite par Robert Zemeckis. Le courant passe entre les deux hommes et ce dernier aime tellement le traitement proposé par Jackson qu’il lui offre d’en faire un long-métrage avec Michael J. Fox en tête d’affiche. Jackson parvient même à imposer ses termes du contrat : le film se tournera chez lui, en Nouvelle-Zélande, où une partie du budget sera investie dans des ordinateurs dernier cri pour sa société d’effets spéciaux fraichement créée, Weta Digital.

Fantômes contre fantômes met en scène Frank Bannister (Michael J. Fox), un exorciste capable de voir et parler aux fantômes ayant encore des affaires à régler ici-bas avant de s’en aller pour de bon dans l’au-delà. Frank gagne sa vie en montant des arnaques avec trois spectres complices qui s’en vont hanter des maisons en ville en prenant bien soin de laisser trainer la carte de visite de Frank sur place. Mais la comédie tourne court lorsque Frank découvre que la Grande Faucheuse en personne sévit en ville. Pendant ce temps, Lucy (Trini Alvarado), une thérapeute, rend visite à Patricia Bradley (Dee Wallace). Cette femme souffrant de troubles mentaux est l’ancienne partenaire de crime d’un tueur en série local qui passa sur la chaise électrique. Les deux intrigues sont bien évidemment liées…

Le mieux est-il l’ennemi du bien?

L’idée du scénario, signé à quatre mains par Peter Jackson et son épouse Fran Walsh, est née pendant le tournage de Créatures célestes. L’intérêt de Walsh pour les faits divers criminels resurgit dans les deux films, tandis que l’attrait de Jackson pour un Fantastique plus frontal vient ici compléter le tableau. Par ailleurs, il s’agit du dernier scénario original dans leur filmographie, puisque la suite sera constituée d’adaptations et d’un remake. « Original » ne signifie pas « inédit » pour autant, l’histoire empruntant des thèmes et des figures classiques, comme la relation de Dee Wallace et sa mère et le manoir dans lequel elles habitent qui renvoient à Psychose, ou le principe du chasseur de fantôme roublard évoquant les prémices de S.O.S. fantômes. Clins d’œil complices ou filiation naturelle? La familiarité immédiate instaurée par Jackson est à double-tranchant : d’un côté, le film mêle de (trop?) nombreuses intrigues de façon somme toute fluide; d’un autre, l’accumulation de personnages secondaires (les trois amis fantômes de Frank, l’agent déjanté du FBI incarné par Jeffrey Combs, la Patricia dérangée que joue Dee Wallace et même dans une certaine mesure Lucy, dont le veuvage semble vite évacué de l’affaire) nous empêche de trouver un point d’ancrage et crée des ruptures de ton pas toujours heureuses. En s’éparpillant, le film ne fait que diluer chacun de ses éléments. Comme en cuisine : trop de gout tue le gout ! Un souci imputable au fait que le scénario continuait d’être « peaufiné » au cours du tournage ? En partie. Pour Jackson, Fantômes contre fantômes était la carte de visite qui allait décider du reste de sa carrière. Bien que jouissant d’une réelle autonomie sous la houlette de son producteur Robert Zemeckis et tournant loin des exécutifs d’Hollywood, il lui fallait démontrer qu’il pouvait livrer un film de studio. À défaut d’y voir un grand film, Fantômes contre fantômes est un « produit » plus enlevé que la moyenne, même si le résultat a l’air inférieur à la somme de ses éléments constituants (maquillages de Rick Baker, musique de Danny Elfman, Dee Wallace, Jeffrey Combs…). Pour la sortie Laserdic en 1997, Peter Jackson inaugura sa première version longue, un « director’s fun cut » comme il le nomma lui-même, prolongeant le film d’une dizaine de minutes inconséquentes. Mais reprocher à un réalisateur d’avoir voulu trop bien faire, n’est-ce pas après tout un compliment déguisé ?

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LE GUERRIER DE L’ESPACE : AVENTURES EN ZONE INTERDITE (1983)

**Un western spatial en relief qui cherche à capitaliser sur le succès de la saga Star Wars en transformant Peter Strauss en émule de Han Solo**

SPACE HUNTER : ADVENTURES IN THE FORBIDDEN ZONE

1983 – USA

Réalisé par Lamont Johnson

Avec Peter Strauss, Molly Ringwald, Michael Ironside, Andrea Marcovicci, Ernie Hudson

THEMA SPACE OPERA

Depuis 1977 et le triomphe de La Guerre des étoiles, la mode est au space opera. Tous les studios le savent et s’efforcent tant bien que mal d’attraper le train en marche. La Columbia ne fait pas exception et initie Le Guerrier de l’espace qui sera produit par Ivan Reitman, futur réalisateur de S.O.S. fantômes. Auteur et réalisateur de l’obscur film d’aventures La Poursuite mystérieuse, Jean Lafleur écrit l’histoire originale de cette aventure spatiale et se retrouve même parachuté réalisateur. Mais après deux semaines de tournage, il devient évident qu’il n’est pas l’homme de la situation. C’est Lamont Johnson, solide artisan surtout habitué au petit écran, qui est engagé pour le remplacer au pied levé. Après une réécriture complète du scénario, le tournage reprend, les extérieurs « extra-terrestres » étant captés dans l’Utah, en Arizona et à Vancouver. Le rôle principal du mercenaire Wolff, visiblement inspiré par le personnage de Han Solo, échoit à Peter Strauss (acteur récurrent des séries Les Rues de San Francisco et Le Riche et le pauvre, que Michael Mann dirigea dans Comme un homme libre). Dans l’espoir de retrouver la dynamique du duo Solo/Lando de L’Empire contre-attaque, on fait appel à Ernie Hudson (qui connaîtra son heure de gloire l’année suivante dans S.O.S. fantômes). Quant à la « femme-enfant » Niki qui donne la réplique au héros, elle est incarnée par Molly Ringwald, future actrice fétiche de John Hughes.

Nous sommes en l’an 2136. Alors qu’un vaisseau de croisière touristique explose en plein vol, une navette de secours a tout juste le temps de s’extraire du chaos pour partir atterrir en catastrophe sur Terra 11, une planète désertique hostile infestée par la peste depuis 2021 et désormais soumise à la dictature du vil Overlord. Le chasseur de primes Wolff, qui sillonne l’espace avec sa coéquipière Chalmers (Andrea Marcovicci), entend le message de détresse qui promet une juteuse récompense à celui qui saura ramener saines et sauves les trois jeunes femmes égarées sur Terra 11. Mais sur place, la mission semble moins simple que prévu. Pour retrouver les disparues, Wolff va devoir se coltiner Niki, une jeune fille agaçante mais attachante qui promet de lui indiquer le chemin qui mène à la redoutable « zone interdite »… Conçu ouvertement comme un western futuriste, Le Guerrier de l’espace réinterprète tous les passages obligés du genre, de la traversée du désert à l’attaque de la diligence en passant par les multiples gunfights et le sauvetage des prisonnières par un groupe de mercenaires. Sollicité pour mettre le film en musique, Elmer Bernstein compose donc une partition épique à mi-chemin entre Les Sept mercenaires et Superman. L’oreille attentive reconnaîtra aussi dans cette bande originale quelques accents de Y a-t-il un pilote dans l’avion ?

Les prisonnières du désert

La direction artistique du Guerrier de l’espace est l’un de ses points forts. Le design des costumes et des vaisseaux est une réussite incontestable, digérant l’influence de Flash Gordon et de Barbarella pour la réinventer dans un cadre post-apocalyptique proche de celui de Mad Max 2. Les maquettes et les matte-paintings supervisés par le vétéran Gene Warren Jr rappellent le travail de Derek Meddings et de Gerry Anderson, les véhicules customisés rivalisent d’inventivité (4×4 militaire blindé, vieux galion sur rails, motos futuristes, bulldozer à vapeur) et les maquillages spéciaux conçus par Tom Burman donnent naissance à une galerie de créatures très étranges, des troglodytes obèses et difformes aux enfants mutants en passant par le dragon/reptile/chenille aquatique. Mais le personnage le plus étonnant est sans conteste Overlord, campé par Michael Ironside. Le maquillage de Burman le dote d’arcades sourcilières proéminentes, d’un nez porcin et d’une dentition douteuse. Quant à son corps, il est engoncé dans une sorte d’exosquelette dont les bras se prolongent par d’immenses pinces mécaniques. La mode étant à la 3D (Les Dents de la mer 3, Amityville 3, Meurtres en 3 dimensions), Le Guerrier de l’espace est exploité en relief et appuie une grande partie de sa promotion sur ce gimmick. Pour mettre toutes les chances de leur côté, les distributeurs le sortent même une semaine avant Le Retour du Jedi. Pourtant, le film de Lamont Johnson ne connaîtra pas le succès espéré, ne rapportant pas beaucoup plus que son budget de quatorze millions de dollars.

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